Representación humana en el arte

NM2 (2° medio)

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La representación humana en las obras de arte
 Primeras representaciones humanas
Banda de Entre las primeras representaciones del
cazadores.
Pintura hombre se cuentan las figuras lineales de
sobre roca, las pinturas de las cuevas prehistóricas,
KwaZulu-
Natal, diagramas esquemáticos del físico humano,
Sudáfrica. como las que todavía encontramos en el
arte bosquimano de África del Sur y, en
todas partes, en los dibujos de los niños.

“Mujeres que danzan”, pintura de la

roca de KwaZulu-Natal, Sudáfrica. El
dibujo muestra a mujeres portando
algunas prendas tradicionales de las
tribus africanas de esta zona:
delantales de cuero y pulseras de
cáscara de avestruz en la rodilla.

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 Representaciones egipcias
La pintura
egipcia, como
Los egipcios introdujeron
se muestra en en sus representaciones,
estos tres
relieves, pese
esencialmente lineales,
a la sensación una sensación de
de movimiento
de sus figuras,
movimiento al presentar
busca el cuerpo a la vez de
establecer un
máximo control
frente y de perfil.
sobre la
representación
del cuerpo
humano, Tanto la pintura como la
estableciendo
un cánon escultura y la
rígido que momificación funeraria
prohibía
incorporar egipcia, tenían el sentido
cambios en el
diseño físico de preservar la imagen
de las
imágenes.
del difunto y sus Imagen de la reina Nefertari (a la
posesiones para que su izquierda) junto a la diosa Hathor.
Pintura mural de la tumba de
alma pudiera pervivir Nefertari en el Valle de las Reinas.
Obsérvese las dos manos
para siempre. izquierdas de la reina.

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 Escultura griega preclásica

La escultura griega
arcaica mostró una
rigidez y una
estilización
similares a la
egipcia, pero la
figura griega
clásica evolucionó
a partir de los
originariamente
rígidos e
impersonales
kouroi.

Atletas (Kuros) preclásico (M. de Muchacha (Kore) preclásica (M. de

Atenas). Evoca modelos egipcios. Atenas). Conserva restos de la
Rigidez en la anatomía, policromía y van siempre vestidas,
avanzando una pierna y con los señalando el avance en el dominio
puños pegados a los muslos. de la anatomía.

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 Escultura griega clásica, anatomía en acción

A mediados de siglo V a.C., en

tiempos de Pericles, se
concreta el clasicismo griego,
gracias a la obra de tres
grandes escultores: Mirón,
Policleto y Fidias.

Mirón es particularmente
recordado por su Discóbolo,
en el que triunfa el estudio
de la anatomía en acción y
en el que, conforme a los
principios de la inmutabilidad
clásica, el esfuerzo físico no
afecta a al serenidad Título: Discóbolo, 450 a.C.
Autor: Mirón
expresiva del rostro. Museo de las Termas de Roma

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 Escultura griega clásica, concepto de belleza
Luego, con Policleto y el
dominio de la fundición en
bronce, encontramos por
primera vez el concepto de la
belleza basada en el
idealismo de las
proporciones del cuerpo
humano.

Policleto es recordado por

dos famosas esculturas, el
Doríforo, portador de una
lanza, y el Diadúmenos,
poniéndose la diadema del
triunfo. Ambas esculturas,
como la mayor parte de las
obras griegas, las
Título: Doriforo, 440 – 30 a.C.
conocemos a través de Autor: Policleto Título: Diadúmeno, 430 – 20 a.C.
copias romanas. Museo Arqueológico de Nápoles
Características: mármol, 212 cm. altura
Autor: Policleto
Museo Nacional de Atenas
Características: mármol

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 Representación humana en Roma
En el primer milenio del cristianismo, la
reacción ante la celebración pagana de la
forma física significó que el cuerpo volvía
a convertirse en una cifra, en una frágil
cáscara mortal cuyo elemento esencial,
el alma, pronto escaparía hacia la
auténtica realidad de la vida después de
la muerte.
Detalle de un mosaico
romano mostrando escenas
de baile.

Cuando, tras un prolongado periodo de

Estatua de Augusto
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distanciamiento y zozobra, los artistas
europeos empezaron a centrar de nuevo
su atención en el cuerpo, no impulsaron
al principio un resurgir del ideal griego,
sino que, con un criterio mucho menos
lisonjero, reprodujeron unas figuras
humanas normales, incluso con sus
defectos.
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Busto, de Mérida, (M. De
Mérida). S. I d.C. Retrato de
un realismo que tiende a la
caracterización.
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El retrato romano
Capítulo esencial de la
escultura romana es el
referente al arte del retrato,
pues partiendo de las
caracterizaciones
individualizadas del
periodo de la República, se
alcanza el idealismo de los
retratos imperiales de los
siglos I y II d.C., en sus
tres versiones de imagen:
togata, es decir, como
patricio; thoracata, con la
indumentaria militar, o
“Cabeza colosal de Constantino”,
apoteósica, desnudo como h. 315 d. C.
una divinidad. Autor: anónimo
En la actualidad, esta gigantesca cabeza
del emperador romano, tallada en un
trozo de mármol de 216 cm. de altura, se
encuentra en el Palacio de los
Conservadores de Roma.
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 Del Medioevo al Renacimiento
La transición del arte medieval al
del Renacimiento queda reflejada
en la evolución de Durero. Uno de
sus dibujos primerizos, fechado en
1493 y que representa una
robusta muchacha campesina, es
perfectamente creíble.
“Desnudo femenino”,
h. 1493.
Autor: Alberto Durero
El realismo y la
naturalidad son las
notas más
destacables en este
dibujo, que no resiste
comparación con los
dibujos posteriores
del artista, tras su
viaje a Italia y su
contacto con el ideal
del cuerpo clásico.
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“Joven dama”, 1505.
Para esta época, el
estilo de Durero muestra
las influencias del color
y la calidez que ha
recibido en Venecia de
pintores como Bellini.
En este retrato resaltan
la sensualidad, el
idealismo y un nuevo
manejo de la luz, que el
artista ha aprendido.
Trece años después, en Italia, otros
estudios – uno en cada cara del papel–
ilustran una concepción distinta de la mujer.
En uno de ellos, se ha trazado una
armadura geométrica dentro de la figura. La
segunda imagen, más trabajada y basada
en estas proporciones calculadas, se
convierte en un compromiso encantador
entre lo real y lo ideal.
 Durero y el ritual de la unión mística
Durero también da cuenta del
ritual y la ceremonia que ha
presidido la unión mística de
macho y hembra de la que
arranca toda vida y que en el
arte cristiano es representado
por la historia de Adán y Eva.
Precisamente ese es el nombre
de una de sus obras más
famosas que data de 1507.
Adán y Eva, como la unión de
la pareja terrenal, obtiene con
Durero una factura
clásicamente perfecta en la
belleza de los cuerpos y serena
a pesar de la presencia de la
serpiente.
Las elegantes y esbeltas figuras de Durero se remontan a una interpretación clásica
del cuerpo humano como un módulo de proporción que podría relacionarse
geométricamente con las formas básicas del cuadrado y del círculo.
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 Jan Van Eyck, Los esposos Arnolfini

Antes que Durero, en la pintura

flamenca de Jan Van Eyck,
Adán y Eva como modelo de la
unión de cualquier pareja,
quedan traducidos a términos
burgueses en el célebre cuadro
Los esposos Arnolfini (1434).
Aunque decorosamente vestida,
la pareja está rodeada por los
atributos de un paraíso terrenal,
inventariado en un decorado
doméstico amorosamente
detallado, lucidamente definido
por la incidencia de la luz, los
testigos que se reflejan en el
espejo y por las simetrías
exquisitas de la estructura de la
obra.

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 El David de Miguel Ángel
Con el David (1501-1504) de Miguel Ángel Buonarroti, el arte occidental encuentra
el paradigma del tema de la figura humana. Fruto del redescubrimiento
renacentista de la creencia griega que asociaba la perfección del espíritu con la
perfección física, esta colosal escultura de casi 4 metros de altura, fue diseñada
para la plaza de la Signoria de Florencia.
El David representa al joven pastor judío
que se apresta a salvar a su pueblo dando
muerte al gigante Goliat, usando para ello
una piedra y una honda. La postura es
relajada, con el torso bellamente esculpido,
la honda reposando sobre el hombro,
mientras sobre el muslo descansa la mano
derecha que sostiene la piedra, tallada, al
igual que la cabeza, agresivamente a
mayor escala que el resto del cuerpo. El
desnudo heroico, su tensión y su mirada
llena de provocación reflejan el sentimiento
del artista hacia la gloria física del cuerpo y
el valor masculino.

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 Rafael Sanzio, figura humana y desnudo
En la cultura humanista de
Occidente, el desnudo asume un
significado esencial en el arte. Una
de las obras representativas de
esta variación de la representación
de la figura humana la encontramos
en Las tres Gracias (1504-1505), de
Rafael Sanzio.
Estudio sobre el cuerpo femenino
desde tres ángulos diferentes, Las
tres Gracias fue pintado en tiempos
en que todavía no estaba permitido
pintar mujeres desnudas al natural.
Sin embargo, muestra una
confiada asimilación de modelos
clásicos en un imagen idealizada
pero sensual de perfección física.

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 Tintoretto, desnudos voluptuosos
La delicadeza de la obra de
Rafael, dista mucho de la
voluptuosa y madura
radiación que Tintoretto
infundiría, más adelante en
el mismo siglo XVI, en
Susana y los viejos (1550),
un tema abiertamente
erótico en el que nosotros,
los espectadores, nos
hallamos implicados al
espiar junto con los
ancianos la desnudez de
Susana. Por la exuberancia
de sus carnes, el desnudo
de Tintoretto no se ajusta a
la proporción clásica, pero,
con todo, está idealizado.

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 Rembrandt, la vulnerable condición humana
La tendencia voluptuosa de
Tintoretto, parece disminuir si
avanzamos hacia el Norte, ya que la
fascinación por la realidad de la
carne con todas sus imperfecciones
va en aumento desde Umbría
(Rafael) a Venecia (Tintoretto) para
llegar a Holanda y alcanzar al gran
maestro de lo no ideal, Rembrandt.
Betsabé, de Rembrandt, sugiere
como tal vez ningún otro desnudo
de la historia del arte, lo vulnerable
de la condición humana a partir de
la contemplación de un cuerpo, no
necesariamente femenino. Es una
imagen ciertamente erótica, pero
que repudia al espectador voyeur y
reclama amor más que lascivia.
Este desnudo está muy lejos de ser
un objeto sexual.
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 Rubens, el desnudo como objeto

Los pintores
decorativos del Barroco
del s. XVII, sobre todo
Rubens, están
expuestos a la
acusación de presentar
principalmente mujeres
como objetos de deseo
masculino, pero la
exuberancia física de
las doradas amazonas
de Rubens parece más
bien un resultado
natural de la inagotable
Título: El juicio de Paris, 1635 - 38.
Autor: Peter Pauls Rubens energía de su estilo.
Museo: Galería Nacional de Londres
Características: óleo en madera

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 Courbet, desnudo como alegoría de lo moderno

En gran parte del arte académico del XIX las referencias clásicas se convierten en
poco más que un halo de respetabilidad que se superpone al erotismo de las
ninfas. Gustav Courbet, archienemigo del clasicismo académico, utilizó el desnudo
más directamente como foco de su alegoría de la vida moderna en El estudio del
artista, un foco radiante en el centro de la tela.
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 Revolución contra el arte figurativo

Sólo con la revolución contra el arte

figurativo, pareció que el desnudo perdía
su categoría como centro del mundo.
Desintegrado primero por Picasso, que
experimenta plenamente con la luz, la
forma y la línea en Desnudo Femenino en
un sillón, logrando reconciliar la
representación no literal con una
voluptuosa insinuación de la opulencia
corporal, el desnudo se convirtió en manos
de Umberto Boccioni en una colección de
planos que se movían a través del espacio
y llegó a la abstracción en un estudio de
cilindros puros por obra de Constantin
Brancusi.
“Mujeres arreglándose”, 1956
Pablo Picasso
Óleo sobre lienzo
Musée Picasso, París

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 Representación abstracta de la figura humana
En El bebedor, consigue la sensación de
volumen mediante el color, y emplea el
amarillo que se va modificando dándonos
unas tonalidades marrones. Cuando miramos
el rostro del Bebedor percibimos un
sentimiento de melancolía que se expresa en
su postura inclinada y en sus ojos cerrados.

Brancusi accede
hacia una
escultura de mayor
estilización formal
y volumétrica con
El beso,
Título: El bebedor acercándose a las
Autor: Umberto Boccioni
Pinacoteca de Brera formas puras e
Características: óleo sobre lienzo impersonales
gracias a la
Título: El beso, 1908 eliminación de lo
Autor: Constantin Brancusi accesorio.
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Diosas negras en la pintura de Willem de Kooning

A partir del informe tumulto de

la pintura de acción (action
painting), en la década de 1950
surgieron, abriéndose paso a la
fuerza para hacer acto de feroz
presencia, aquellas hembras
elementales, vitales como
figuras neolíticas de la
fertilidad, pintadas por Willem
de Kooning.

De esta obra dijo su autor:

"(Woman I) hizo algo por mí:
eliminó la composición, el orden,
las relaciones, la luz, toda esa
charla absurda sobre la línea, el
color y la forma...".
Alterando la realidad NM2 (2° medio)
Título: Woman I, 1950 – 52
Autor: Willem de Kooning
Museo de Arte Moderno de Nueva York
Características: óleo sobre lienzo
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 Fuentes utilizadas para esta presentación

• www.artehistoria.com
• José María de Azcárate Ristori et al.: Historia
del Arte, Grupo Anaya S.A., 1990.
• Nueva enciclopedia temática Planeta,
Volumen “Arte y filosofía”, Editorial Planeta,
1992.

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