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El Cuerpo Humano Escultura

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EL

CUERPO HUMANO
EN LA
Bloque 5. 2° grado

e s c u l t u r a

En cada cultura los artesanos y artistas representan al cuerpo de maneras diferentes, pues su concepción de las formas va ligada muchas veces a la idea que cada pueblo tiene de la corporeidad.

Aprenderemos a observar y a diferenciar las formas, los estilos, las técnicas y los materiales en que fueron elaboradas. También conoceremos algo acerca de sus significados culturales y de los artistas que las realizaron.

CONTEXTO Las imágenes de mujeres de exuberantes formas son comunes en la estatuaria hindú pues representan el estereotipo de la perfección y la fertilidad. Esta obra muy probablemente procede LENGUAJE ESCULTÓRICO de la región de Rajasthán Esta escultura fue realizada en en el norte siglo XI d. C. piedra hacia elde India. y Hacia probable que a. C. la es muy el siglo IV haya estado adosada a la expansión del imperio arquitectura de algún templo de hindú como parte de la llevó a Alejandro Magno decoración exterior, colocada India las nicho. Las dentro de un formas y formas de esta obra son claras gracias principios del arte a los volúmenes contundentes y clásico griego, las dibujan espacios vacíos que lo cual con nitidez. La proporción se reforzó la tendencia acerca a la de un cuerpo humano naturalista del rasgos real aunque ciertos arte parecen exagerados. En la obra hindu.
existe una variedad de texturas representadas por la tersura de la piel en contraste con la rugosidad del atavío. Diosa Hindú, s. XI d. C., piedra, Col. Museo Británico, Londres

REPRESENTACIÓN Es la representación del cuerpo entero de una mujer, ataviada con ricas ropas que sin embargo se adhieren de tal forma al cuerpo que percibimos todos sus detalles anatómicos. La escultura presenta una postura desequilibrada por la notoria inclinación del torso hacia la izquierda. Los brazos parecen estar en movimiento y no hacer contrapeso al torso. Una de las piernas apenas se flexiona levemente por lo que hay un contraste entre el marcado movimiento de la parte superior y el reposo de la inferior.

SENSUALIDAD

EN PIEDRA

LENGUAJE ESCULTÓRICO Esta escultura fue realizada en piedra hacia el siglo XI d. C. y es muy probable que haya estado adosada a la arquitectura de algún templo hindú como parte de la decoración exterior, colocada dentro de un nicho. Las formas de esta obra son claras gracias a los volúmenes contundentes y espacios vacíos que las dibujan con nitidez. La proporción se acerca a la de un cuerpo humano real aunque ciertos rasgos parecen exagerados. En la obra existe una variedad de texturas representadas por la tersura de la piel en contraste con la rugosidad del atavío.

REPRESENTACIÓN A primera vista, la representación de las figuras de este grupo escultórico pueden parecernos naturalista, sin embargo, son idealizadas. La estatuaria egipcia siguió dos principios centrales de composición: la frontalidad y la simetría; ambos producto de la búsqueda de claridad y orden. Al parecer fueron los egipcios el primer pueblo en establecer un canon o regla de proporción para la representación del cuerpo humano. Es interesante observar aquí cómo fueron sugeridos los hombros y sus clavículas en la figura del faraón, lo que demuestra un amplio conocimiento de la anatomía humana, aunque el resto del cuerpo presenta menos detalle. Asimismo, los rasgos del rostro no suelen estar individualizados.

LENGUAJE ESCULTÓRICO

La piedra es el material común para la estatuaria egipcia, CONTEXTO en este caso la obra ha sido realizada Los egipcios creían en la en esquisto. Los egipcios vida después de la obtenían sus materiales de muertediversas canteras que y por eso daban las mucha importancia a la Nilo, abundan a lo largo del conservación del cuerpo los los talleres de e imagen del faraón. El escultores solían ubicarse arte egipcio es cerca de ellas y luego la básicamente funerario y en escultura era trasladada barco a través figura gira entorno a ladel río hasta su destino. del gobernante quien es

Triada de Micerino, Imperio Antiguo IV dinastía, granito, Col. Museo Egipcio, El Cairo.

consideradoeste altorrelieve En un ser divino. sobresale la figura del Aquí aparecen el faraón Micerino (ca. formara faraón casi como si 2530 un volumen a. C.-2500 a.C.), exento. La frontalidad la como acompañado deasí diosa los brazos que corren Hathor, diosa del amor, de paralelos al cuerpo dotan las artes musicales, del a estas figuras los baile, que alimenta ade gran rigidez, sin embargo muertos y protege a losen el caso del faraón las piernas ebrios, y una no están paralelas sino que personificación de una una se adelanta, lo que región de un leve movimiento del Alto Egipto. dota

FORMAS PARA LA VIDA ETERNA

a la figura.

LENGUAJE ESCULTÓRICO

La piedra es el material común para la estatuaria egipcia, en este caso la obra ha sido realizada en esquisto. Los egipcios obtenían sus materiales de las diversas canteras que abundan a lo largo del Nilo, los talleres de los escultores solían ubicarse cerca de ellas y luego la escultura era trasladada en barco a través del río hasta su destino. En este altorrelieve sobresale la figura del faraón casi como si formara un volumen exento. La frontalidad así como los brazos que corren paralelos al cuerpo dotan a estas figuras de gran rigidez, sin embargo en el caso del faraón las piernas no están paralelas sino que una se adelanta, lo que dota de un leve movimiento a la figura.

CONTEXTO

En la arquitectura de varios pueblos mesoamericanos el relieve fue utilizado como elemento decorativo de templos y palacios. Los mayas lo emplearon con profusión no sólo en los muros de sus edificios, sino también de manera independiente en las llamadas estelas, que eran lápidas que se levantaban independientes de un edificio. Este relieve procede de la ciudad maya de Yaxchilan y es parte de una serie de tres comisionados por el rey Escudo Jaguar II, probablemente con fines propagandísticos. Entre los mayas la escultura también tenía un carácter testimonial, por lo que se representan hechos históricos y siempre se labran textos junto a los relieves.

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VOLUMEN Y PLANIMETRÍA

Dintel 24 de la estructura 23 de Yaxchilan, 600-900 d. C., piedra caliza, Col. Museo Británico, Londres.

REPRESENTACIÓN

En este relieve aparecen el rey maya Escudo Jaguar II y su esposa K·ab·al Xook en un rito sacrificial. Escudo Jaguar sostiene una antorcha encendida sobre su esposa, que está hincada traspasando una cuerda espinosa por su lengua. Por las fechas que han sido escritas en la lápida la escena se ubica en el año 709 de nuestra era. El arte maya tendió en muchos momentos hacia el realismo en la representación, hecho observable a través de los numerosos detalles que fueron captados por el escultor, especialmente en el atuendo de los personajes. Aunque los rostros no presenten rasgos de individualidad, las proporciones de los cuerpos son cercanas a lo real, aspecto que distingue al arte maya del de otras zonas mesoamericanas

CONTEXTO La época clásica griega abarca del 490 al 338 a. C. En este periodo la escultura suele tener una función conmemorativa, ya sea de una hazaña militar, deportiva, o con un sentido mitológico. Los griegos privilegian la representación de la figura humana, al considerarla como una expresión de la belleza ideal, tanto física como espiritual. El Discóbolo ha sido atribuida a Mirón, un artista del siglo V a. C.

CONTEXTO La época clásica griega abarca del 490 al 338 a. C. En este periodo la escultura suele tener una función LENGUAJE ESCULTÓRICO conmemorativa, ya sea de una hazaña militar, deportiva, o La obra original fue hecha con un sentido mitológico. Los en bronce pero ala griegos privilegian la representación de han llegado actualidad sólola figura humana, al considerarla como copias romanas realizadas una expresión de la belleza ideal, tanto Al parecer en mármol.física como hala espiritual. El Discóbolo composiciónade estaun sido atribuida Mirón, figura artista del siglo V a. C. fue realizada a base de

triángulos que podemos observar en las piernas y los brazos. La postura da lugar a muchos vacíos que parecen ser tan importantes como la masa para dar la impresión de movimiento. Esta figura presenta ya el canon de proporción ideal griego, en el que la longitud del cuerpo corresponde a siete cabezas.

REPRESENTACIÓN El Discóbolo representa a un atleta en el momento de lanzar su disco. La originalidad de esta obra se encuentra en la postura, que representa un movimiento enérgico. A diferencia de las esculturas realizadas en el periodo arcaico, aquí la figura se desplaza en el espacio en una amplia curva que dibujan los brazos, mientras que las piernas aparecen flexionadas a fin de realzar el movimiento. En el periodo clásico, al que pertenece esta obra, los artistas alcanzaron un gran conocimiento de la anatomía humana. Sin embargo, no plasman la gestualidad que correspondería a la acción desarrollada, sino que muestran rostros impasibles e idealizados en una búsqueda de la armonía, la serenidad y el equilibrio.

Mirón, El Discóbolo, 460450 a. C. , mármol, Col. Museo Británico, Londres

ATLETA EN MOVIMIENTO

REPRESENTACIÓN
LENGUAJE ESCULTÓRICO

En esta escultura todo es movimiento y expresividad, la marcada musculatura enfatiza el esfuerzo y demuestra el gran conocimiento que los griegos habían alcanzado respecto a la anatomía del cuerpo humano, descrita aquí con minuciosidad. ¡Observa como se destacan las costillas de Laoconte, las venas resaltadas e incluso los tendones de los pies! A pesar de su verismo esta obra es muy teatral, y para lograr su efecto, los artistas no dudan en deformar la realidad, por ejemplo al reducir el tamaño de los hijos del sacerdote con tal de que este aparezca más impresionante. En esta obra los vacíos son muy importantes y ayudan a generar un efecto dinámico, lo mismo que la composición en diagonal evidenciada por la figura principal. La escultura fue trabajada por todos sus lados, lo que demuestra un interés por el detalle, a pesar de que se pensó para una mirada frontal

Este conjunto escultórico narra el mito del castigo que los dioses griegos infringieron al sacerdote troyano Laocoonte y a sus hijos, por haber tratado de impedir que la ciudad de Troya fuese invadida por los griegos. El padre y sus hijos son atacados por dos serpientes hasta sucumbir. El grupo muestra posturas atormentadas con musculaturas exageradas, especialmente en la figura de Laoconte, cuyas dimensiones se exageran en aras de una mayor expresividad. El dramatismo de la escena es reforzado por los gestos y la contorsión de los cuerpos. Estos rasgos caracterizan la escultura griega del periodo helenístico.

LENGUAJE ESCULTÓRICO CONTEXTO A pesar de su verismo esta obra es Este para lograr su efecto, muy teatral, y grupo escultórico los artistas no dudandel periodo la procede en deformar realidad, por ejemplo al griego, el helenístico del arte reducir tamaño de los hijos del sacerdote con fijado de que este aparezca más tal entre el 323 y el 30 impresionante. En época los a.C. En esa esta obra los vacíos son muy importantes y ayudan a artistas se preocupaban generar un efecto dinámico, lo mismo que la composición en diagonal por representar de forma evidenciada el cuerpo, así como realista por la figura principal. La escultura fue trabajada por todos las sus lados, lo o el carácter un emociones que demuestra interés por losdetalle, a pesar de de el personajes. El que se pensó para una mirada frontal

Laocoonte fue descubierta en 1506 en Roma y data del primer siglo antes de la era cristiana. Los artistas italianos Miguel Ángel y Rafael fueron dos de los primeros en ver la obra e identificarla, gracias a descripciones antiguas que de ella existían.

Hagesandro, Atenodoro y Polidoro de Rodas, Laocoonte y sus hijos,175-150 a. C., mármol,, Col. Museo Pío Clementino, El Vaticano.

CASTIGO DE LOS DIOSES

LENGUAJE ESCULTÓRICO Miguel Ángel consideraba que dentro de cada bloque de mármol habitaba ya una escultura, y que su trabajo era sacarla a la luz. Esta obra se ciñó claramente al espacio determinado por el bloque rectangular del cual surgió; la obra completa parece formar una volumen compacto en lugar de inundar el espacio. Al respecto, es destacable que el movimiento de los brazos no CONTEXTO

excede este marco rectangular.

El joven esclavo probablemente Las esculturas humanas en piedra represente el alma humana tienen como de la cárcel del prisionera limitación que el apoyo está en delgados tobillos, mientras cuerpo, según las ideas filosóficas del Renacimiento. la parte superior es notablemente En 1505 el papa soportarla se más pesada. Para Julio II, le encargó al artista la parte baja colocan elementos enflorentino un la figura. para su mausoleo, de proyecto quien proyectó una obra de gran Intencionalmente elrealización se envergadura cuya artista no interrumpió en numerosas terminó la talla de ese elemento, ocasiones. pues le interesaba ese efecto,

conocido como non-finito, así como Finalmente, el monumento fue dejar marcas 1545 sin esta colocado en de sus herramientas en el mármol. figura, tallada en 1513.

El Esclavo moribundo representa un cuerpo desfalleciente, al que aún no abandona la fuerza vital, por lo que sus brazos están en tensión mientras la cabeza y el resto se encuentran relajados. Aquí no hay actitudes dramáticas sino una calma serena. Su autor, Miguel Ángel Buonarroti, conocía la anatomía gracias a sus múltiples disecciones de cadáveres; este profundo conocimiento se ve reflejado en el realismo anatómico de sus obras, que sin embargo se alejan de la realidad tanto como se acercan al ideal de IDEAL DE PERFECCIÓN perfección.

Miguel Ángel Buonarroti, El esclavo moribundo, 1513, REPRESENTACIÓNCol. Museo del mármol, Louvre, París.

Luohan, 1279-1368, madera tallada y pintada, Col. Museo Victoria y Albert, Londres CONTEXTO El Luohan llega a la iluminación a través de sus méritos y virtudes. En los templos y monasterios, estas figuras suelen colocarse en grupo, alrededor de la imagen de Buda. La secta budista Zen, que da gran importancia a la relación del maestro con el pupilo, alentó el culto al Luohan. REPRESENTACIÓN Esta imagen representa un Luohan, un miembro del panteón budista chino que corresponde a un monje guardián del budismo. El personaje se encuentra reclinado sobre una especie de banco y en una actitud resuelta. Su cuerpo está de frente, mientras la cabeza gira hacia un costado, y con las manos parecen ejecutar un gesto ritual. La evasión de la mirada hacia el espectador, así como el gesto concentrado del rostro parecen mostrarnos la capacidad de meditación del personaje, muy de acuerdo con su significado religioso. En la escultura china encontramos con frecuencia obras como esta, que nos demuestran un gusto por el realismo en la representación del cuerpo humano.

LENGUAJE ESCULTÓRICO Esta escultura, labrada en madera, posiblemente proceda del norte de China en donde se realizaban obras de estilo similar. Está realizada en un sólo bloque de madera, es decir sin ensambles. La escultura tiene una composición marcadamente cuadrangular y es un volumen sólido sin huecos, incluso en el espacio entre brazos y piernas las formas continúan gracias al drapeado de los paños. A pesar de su actitud de reposo su postura no es rígida sino llena de vitalidad.

CONCENTRACIÓN Y VIDA

LENGUAJE ESCULTÓRICO La obra parece moverse con un ritmo ascendente debido a la ubicación de las figuras, solución que permitió al artista utilizar un sólo bloque de mármol rectangular para todo el conjunto. Otro elemento del lenguaje escultórico es la textura, aquí las superficies han sido pulidas finamente hasta conseguir una sensación de tersura que simula la suavidad CONTEXTO de la piel. La talla ha sido En la mitología griega Hades, realizada con gran cuidado el señor del inframundo, raptó reproduciendo los más mínimos a Proserpina del mundo de los detalles como venas y pliegues vivos para hacerla sus esposa. de la piel y con el mismo Gracias a la intervención de cuidado fueron trabajados Zeus, ésta tenía permiso de todos los lados de la obra. permanecer entre los vivos un tercio del año, para después volver al mundo de los muertos. Esta escultura debió tener un significado alegórico, del que existen varias interpretaciones. Una de ellas se basa en los versos del papa Urbano VIII grabados en la base, que se cree constituyen una advertencia sobre lo corto de la vida y los peligros de la muerte.

Gian Lorenzo Bernini, El rapto de Proserpina, 162122, mármol, Col. Galería Borghese, Roma REPRESENTACIÓN Esta obra representa el rapto de Proserpina por Hades. Su autor, Bernini, era muy valorado por el realismo de sus esculturas, que podían dar la impresión de que no se trataba de un pedazo de piedra, sino de carne viva. ¡Observa como las manos de Hades se hunden en el cuerpo de Proserpina! Las figuras desnudas de este conjunto se encuentran en franca lucha, moviéndose en direcciones contrarias. Sus cuerpos asumen posturas de gran desequilibrio, que son contrastadas con la figura del monstruo Cerbero a los pies de Hades, quien sirve de símbolo y a la vez de sostén del peso de las figuras. Además del dramatismo y teatralidad, en esta obra podemos ver que hay un interés por representar un momento de acción concreta.

MÁRMOL QUE PALPITA

Edgar Degas, La pequeña bailarina de catorce años, 1881, bronce, seda, tul, Col. Museo D¶Orsay, Paris

CONTEXTO Esta obra ESCULTÓRICO por LENGUAJE fue expuesta Degas Degas esta sexta Edgardmodeló en laescultura cuando ya había comenzadode exposición impresionista a perder la vista muestra las París en 1881, yyfue la única huellas del trabajo directo con escultura expuesta en vida del las manos. Tanto por conocido artista, que es mejoresta característica como por el por su obra pictórica. Fue hecho de por los críticos rechazadaintroducir objetosque reales, esta obra inspiró a la consideraron fea y aclamada artistascompañeros por sus vanguardistas de épocas posteriores. impresionistas, que quedaron cautivados por el realismo alejado de toda idealización con que fue trabajada.

REPRESENTACIÓN La pequeña bailarina de catorce años es la imagen de Marie von Goethen alumna de la Escuela de Ballet de la Ópera de París. Esta obra revolucionó la escultura moderna, pues además del realismo de su representación, por primera vez se incluyeron objetos del mundo real en la realización de una escultura, una falda de tela verdadera y una cinta de seda rosa en el cabello. La bailarina se encuentra en una postura relajada, de pie y con los brazos sueltos a la espalda; uno de los aspectos que llaman la atención es la expresión su rostro, que con la cabeza levantada y los ojos entreabiertos, aparece indiferente a quien le observa.

EL ADIÓS DE LA

BELLEZA

Enrique Hernández, Tocador Eduarda, s/f, yeso, madera y cristal, Col. Eduarda Gurrola REPRESENTACIÓN En esta obra se utilizan objetos extraídos del mundo real, pero no son empleados para dar una sensación de verismo sino para crear un ambiente desconcertante, más cercano al mundo de los sueños que al de vigilia. Este aspecto liga las piezas de Enrique Hernández con el arte-objeto realizado por los artistas surrealistas que privilegiaban las manifestaciones del inconsciente. LENGUAJE ESCULTÓRICO El Tocador Eduarda es un ensamblaje que reúne fragmentos de un mueble, un cepillo y figuras realizadas en yeso. La pieza se acerca más al relieve que a la escultura exenta, pues el cuerpo fragmentado parece emerger del plano que nos recuerda a un espejo. Esta relación lúdica entre el plano y el volumen suele interesar a los escultores actuales.

CONTEXTO Enrique Hernández fue arquitecto además de escultor, nació en la ciudad de México en 1943 y a partir de 1977 comenzó a experimentar con el ensamblaje. Sus obras pueden inscribirse en una tendencia de los años ochenta de recuperar la importancia del objeto en la escultura, pues en la década anterior se le había despreciado en favor de la experimentación con el espacio.

LOS ENIGMAS DEL

SUEÑO

Ron Mueck, Hombre grande, REPRESENTACIÓN 2000, resina de polyester La obra de Mueck pertenece a la Col. pintada sobre fiberglass, corriente hiperrealista en Museo y Jardín Escultórico donde Hirshhorn, Washington, D.C. el manejo de los

materiales busca engañar nuestros sentidos. Observa la piel de este sujeto, sus venas, sus uñas, seguramente te preguntarás si está vivo. A pesar de su gran tamaño, este personaje aparece indefenso en su desnudez y arrinconado en una esquina; la postura cerrada sobre si mismo y la mirada perdida, son los elementos que nos sugieren introspección y soledad. LENGUAJE ESCULTÓRICO Mueck realiza sus esculturas CONTEXTO con materiales sintéticos como la Ron Mueck nació en Melbourne, silicona, el fiberglass y el Australia, pero la mayor parte de acrílico, a los que añade su trabajo y ropa. cabello humanoartístico Alo ha este realizado en Londres. Su artista le interesa plasmar formación original en cada emociones individualesproviene del unomundo de personajes, en una de sus los efectos especiales para cine y televisión, los especie de exploración de otra de sus etapas creativas la tuvo sentimientos humanos. Sus obras realizando dedicadas a la siempre están los personajes para las humana y oscilan entre figura series televisivas El show de la los muppets pequeña al escala más y Plaza Sésamo. Su participación en trabajos natural y la monumentalidad, publicitarios reflexión generando así unalo llevó a elaborar figuras cada consideramos acerca de lo quevez más realistas, que se fantasía. realidad ovieran bien desde todos los ángulos. A partir de 1996 se ha dedicado plenamente al trabajo artístico.

ENTRE LA

REALIDAD

Y LA FICCIÓN

Cabeza de Oba, ca. 1550, bronce, Col. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York REPRESENTACIÓN Se trata de la cabeza de un oba o rey del reino Benin de CONTEXTOEs una representación Nigeria. naturalista pero no se trata de Los líderes del reino de Benin, retratos sino una imagen en Nigeria, remontan sus idealizada del rey, a quien se orígenes a una dinastía fundada le muestra XIV. la apariencia en el siglono conEl título de que tuvo se pasa sino en oba o reyal morir,al hijo su edad juvenil. cada figuras que primogénito de Estas rey cuando eran realizadas para primeras este muere. Entre lasrendir homenaje a los cada muertos obligaciones dereyes nuevo rey siempre representan la cabeza. se encuentra la de honrar a su El adorno de la cabellera, así padre con un retrato fundido en como el collar hacen referencia bronce que es colocado en un al coral, que simboliza un altar dentro del palacio. Este reino marino ancestral. altar juega un lugar importante en el ritual palaciego y se entiende como la manera de incorporar la influencia de los últimos reyes en el nuevo gobierno. El bronce se obtenía a través del comercio costero entre este pueblo y Europa. LENGUAJE ESCULTÓRICO La escultura fue realizada en bronce y sus dimensiones se corresponden con el tamaño natural. Presenta un juego interesante de luces y sombras a través del contraste entre la textura lisa del rostro y la intrincada superficie de la cabellera y el collar, elementos que fueron tratados con mucho detalle. La depresión de los ojos llama la atención por su mayor abstracción, quizás allí existieron incrustaciones de piedras para enfatizar el realismo.

REALEZA DE BRONCE

LENGUAJE ESCULTÓRICO REPRESENTACIÓN CONTEXTO Rodin fue un artista que Estos cuerpos entrelazados Auguste Rodin nació en París en destacó por suuna pareja dedel alejamiento representan contemporáneo y amigo 1840, fue a neoclasicismo que imperaba en amantes, pintores impresionistas de los a los que Rodin la escultura un antiguo Este relacionó conde su época.mito como Edgard Degas, y tan artista dejaba parte de lay griego, el amor de Cupido trasgresor como ellos. Estudió escultura sin concluir,los Psique. Escuela de Artes en la El modelado de actitud quepoco detallado, pues cuerpos es resultó le valió el Decorativas lo que revolucionaria, pues ponía en su anatomía de los escultores que desprecio está apenas evidencia la artificialidad sugerida. Las figuras parecen separaban las bellas artes de del trabajo artístico y lo emerger del bloque de artes lo que hoy llamamos mármol de revalorabatanto caótica, manera un al dejar huellas de aplicadas. Lo innovador de su su proceso. Susuna masa de confundidas en obras partían lenguaje le valió gran aprecio de figuras modeladas en formas imprecisas. El contraste entre los jóvenes artistas del arcilla yqueda enfatizado por lumínico la huella de este siglo XX que encontraron trabajo directo con las manos la vitalidad de las obras. inspiración en sus quedaba plasmado en la obra extremidades inferiores, final, a través de surcos y mientras que la parte superior repliegues, aúnlanguidez. presenta mayor en el mármol o bronce, aportando con ello juegos de luces y sombras. Otro aspecto importante en su obra es el vacío como contraparte de la masa, y el diseño de la obra desde varios puntos de vista, así el espacio circundante se vuelve un elemento fundamental.

Auguste Rodin, Cupido y Psique, 1905, mármol, Col. Museo del Hermitage, San Petersburgo

LUZ Y CAOS

REPRESENTACIÓN LENGUAJE ESCULTÓRICO La escultura de George Segal CONTEXTO de Segal Las obras figuras humanas de presenta suelen ser combinaren tamaño natural, una George Segal nació especie de objetos cotidianos y ubicadas facsímiles humanos, Nueva York en 1924, donde esculturas. Estas en espacios cotidianos de estudió artes plásticas. la últimas son realizadas clase media estadounidense y Hacia 1953 su obra con una técnica queimpulso acompañadas por objetos reales adquirió un fuerte descubrió en se crea en con los que 1961 y una gracias a la influencia de la cual el modelo es especie de ambientación. Allan Kaprow, precursor En cubierto con vendas observamos Rock and Roll del happening. combo En un empapadas en escultórico con un conjunto hidrostone, principio se dedicó a la un tipo de yeso elástico una mujer partir de esta pintura, a desnuda, cuya pose pero fuerte, gracias al de recuerda los movimientos influencia llevó sus cual bailes juveniles de los los consigue una experimentos a las tres réplica de suEn 1958 años sesenta, acompañada de dimensiones. modelo. Cuando el yeso seca se de pie dos músicos, un hombre realizó sus primeras retira a la con personajes tocando través de esculturas guitarra y otro costuras ejecutando la batería, sentado dejadas en la de yeso, lienzo de canevá espalda o el costado, de son los instrumentos musicales y alambre, acompañados finalmente el escultor objetos reales. objetos cotidianos. El trabaja temas que aborda tipo de directamente sobre la superficie de este artista lo han ligado la obra para de arte al movimientoacentuar pop algunos rasgos. Este desarrollado en los años tipo de esculturas 60 del siglo XX, que parecen conservar el parodiaba el consumismo testimonio de valores de masivo y otrosuna persona real, tal como la sociedad moderna. haría una huella.

George Segal, Rock and Roll Combo, 1964, figuras hechas de vendas mojadas en yeso elástico, con guitarra eléctrica, batería y base de madera, Col. Museo de Arte Moderno, Frankfurt

LA ESCULTURA COMO

HUELLA

LENGUAJE ESCULTÓRICO Aunque la escultura de Saint Phalle parte del mundo real, sus figuras resultan en esquematizaciones del cuerpo humano en las que se han eliminando los detalles. Sus contornos son bien definidos y sus formas rotundas, mientras que el desenfado de sus posturas les dan un carácter lúdico y alegre. Como muchos artistas modernos Niki experimentó con materiales sintéticos no utilizados en la escultura tradicional, como el poliéster.

Niki de Saint Phalle, Nana Negra, 1968/69, poliéster pintado, Col. Museo Ludwig, Colonia

REPRESENTACIÓN Una parte de la obra de Niki de Saint Phalle se distingue por el atrevido uso del color. En ella representa a personajes femeninos con cuerpos desproporcionados: brazos cortos y sin manos, senos y caderas enormes y cabezas extremadamente pequeñas, vestidas con traje de colores contrastados y brillantes. Su particular estética la hermana con otros artistas del siglo XX que han tendido hacia la representación del cuerpo monstruoso.

CONTEXTO En la producción de Niki sobresalen sus Nanas, que son estas imponentes figuras mediante las cuales quiso hacer una critica al dominio masculino. Representan una diosa o matrona emparentada con las venus prehistóricas, llenas de júbilo y de poder. El arte de esta artista francesa constituyó, en un inicio, una manera de escapar de su difícil realidad, y posteriormente se vinculó con los movimientos feministas desarrollados en los años 70 del siglo XX.

LA VENUS DE

NIKI

REPRESENTACIÓN Este es un soplador medieval que representa una figura antropomórfica desnuda, en cuclillas y con una mano haciendo sombra sobre los ojos. Este objeto de uso cotidiano muestra los rasgos humanos de manera sintética con una desproporción de las partes del cuerpo muy evidente.

Fuego-soplador, Italia 1ª mitad del siglo XII, bronce, Col. Museo de Historia del Arte, Viena CONTEXTO La especulación respecto a la función de este objeto medieval sigue estando abierta: mientras algunos creen que era una pieza ordinaria del menaje de una casa y que simplemente servía para para aventar fuego, otros piensan que servía para la demostración de experimentos con energía de vapor. La pieza se llenaba de agua y soplaba vapor por los pequeños agujeros de la nariz y boca. Por el énfasis que otras piezas ponen en la representación de los órganos genitales, se han relacionado con ídolos prehistóricos de la fertilidad.

LENGUAJE ESCULTÓRICO Esta figura tiene volúmenes ovoides tanto en la cara como en el cuerpo, mientras que las extremidades están formadas por piezas tubulares. Sus formas se destacan claramente a través de un contorno bien definido y una configuración asimétrica, como puede verse por la postura de los brazos. Su aspecto es del todo distinto a las esculturas de carácter público que se realizaban en esa época, las cuales mantenían un mayor naturalismo. Está realizada en bronce, una aleación hecha a partir de cobre y estaño, de gran dureza y durabilidad.

EL CUERPO COMO OBJETO

MÁGICO

LENGUAJE ESCULTÓRICO El modelado de esta figura muestra un marcado geometrismo. Está hecha en un sólido bloque de piedra rectangular y sus volúmenes se mantienen dentro de esa forma básica, incluso las extremidades que podrían incursionar fuera del núcleo de la escultura, se mantienen firmemente unidas a él. Esta escultura es similar a muchas otras que eran colocadas por los habitantes de Pascua de forma vertical y en grandes plataformas de piedra. Por lo regular tienen dimensiones colosales, que REPRESENTACIÓN superan los dos metros de altura. Esta escultura es un ejemplar típico de las famosas figuras de la Isla de Pascua conocidas como moai. Representan cuerpos humanos estilizados ± con tendencia a sintetizar las formas naturales- y con una escasa individualidad. El énfasis está puesto en la cabeza en donde los rasgos del rostro se marcan profundamente, mientras que los brazos están pegados al cuerpo y se encuentran apenas sugeridos. La cavidad ocular está hundida y las cuencas orbitales son prominentes, su nariz, boca y mentón se destacan firmemente con rasgos angulares. En la parte posterior suelen estar tallados diversos símbolos.

Hoa Hakananai¶a, Polinesia ca. 1000 d. C., piedra, Col. Museo Británico, Londres.

CONTEXTO La Isla de Pascua, situada en el océano Pacífico, es conocida por sus figuras colosales de piedra colocadas en filas frente al mar. Alrededor del año 1000 de la era cristiana y hasta la segunda mitad del siglo XVII fueron labradas por los isleños, para rendir homenaje a los ancestros. Su realización declinó cuando el culto al hombre pájaro adquirió mayor importancia entre los isleños y la mayoría fueron destruidas intencionalmente. Esta obra fue recogida durante una expedición inglesa en 1868 y originalmente se encontraba pintada de rojo y blanco, pero perdió su color durante su viaje por mar a Inglaterra.

GIGANTES DE PIEDRA

CONTEXTO En el México precolombino existió una tradición cerámica importante desarrollada por muchas culturas, entre las que destacan los pueblos del occidente mesoamericano. La cerámica servía tanto para realizar utensilios domésticos REPRESENTACIÓN como obras de carácter ritual, como las cerámicas escultóricas La escultura cerámica del características de la ³cultura Occidente de Mesoamérica suele de Tumbas la figura humana representarde Tiro´ y la ³tradición Teuchitlán´. Muchas desnuda o con escasas ropas, el de estas piezas escultóricas cuerpo decorado con pintura o han sido en escenas de la relieves yencontradas en tumbas con cotidiana. Esta figurilla vida cámaras excavadas de manera subterránea un las que una representa a y a hombre y se accede a través de un pozo de mujer abrazados en un gesto que llega a tener hasta 22 que gran ternura; la mujer, metros de profundidad. parece estar embarazada, lleva a los labios del hombre alguna bebida. Sus rostros son idénticos, con ojos almendrados, narices prominentes y labios muy delgados; en los cuerpos encontramos las distinciones anatómicas aunque apenas sugeridas. No se trata de imágenes realistas, pues aunque son figurativas, muestran deformación de las proporciones del cuerpo, tal como se ve en la imagen esquemática del guerrero, con sus cortas extremidades. El concepto de belleza en estas obras no coincide con el arte occidental.

Pareja, cultura de occidente, barro, Col. Museo Nacional LENGUAJE ESCULTÓRICO de Antropología, México, Estas esculturas son de D.F. pequeñas dimensiones con volúmenes amplios y macizos. Hay una evidente preponderancia del torso y una síntesis en los rasgos faciales. Los rostros son inexpresivos y en ningún caso se refieren a individuos concretos sino a estereotipos. El barro es la materia prima de estas obras acompañado de una sutil policromía.

CUERPOS DE BARRO

REPRESENTACIÓN Esta escultura en piedra es conocida como El Adolescente, tal vez porque sus formas anatómicas son suaves, como los de una persona joven. Es una figura frontal y de escaso movimiento, asimétrica con los brazos moviéndose en sentidos opuestos. Tiende a la geometrización aunque conserva las proporciones del cuerpo y detalles como la deformación craneana, que observamos en el perfil. El rostro es un tanto plano Y de una expresividad serena, con rasgos poco individualizados.

El Adolescente, s. IX-XI, LENGUAJE ESCULTÓRICO piedra arenisca, Col. Museo En las culturas Antropología, México, de que carecían de herramientas metálicas como las D.F. de Mesoamérica, la escultura en piedra se realizaba a través de técnicas de desbastado y abrasión, golpeando la superficie hasta pulverizarla y luego frotándola con abrasivos. Este proceso es laborioso e imprime una cualidad especial a las obras, en las que se perciben cortes profundos y leves depresiones que no CONTEXTO interrumpen la continuidad de La masas principales. Suelen las producción escultórica de Mesoamérica no se limitó al uso ser obras de poco volumen sin de la cerámica, tambiénEn El grandes proyecciones. hay ejemplos de la madera, el hueso Adolescente apreciamos una y muy marcada verticalidad y un distintos tipos de rocas en cuya talla se distinguieron movimiento contenido, así como pueblos diversas texturas el juego de como el mexica o ela huasteco. del cuerpo, pues gran lo largo Podía tener diversos usos, parte de era conmemorativa a veces éste se encuentra de sucesos históricos como que labrado con bajorrelieves es frecuente entre de pueblos dan la apariencia los una piel mayas o ser imágenes simbólicas tatuada. de las creencias mesoamericanas, como parece ser este caso. Los símbolos que el personaje lleva tatuados en el cuerpo hacen referencia al maíz.

JUVENTUD ETERNA

LENGUAJE ESCULTÓRICO EnCONTEXTO Zalce jugó con las esta obra características distintivas de laAlfredo Zalce nació en escultura, la Pátzcuaro, Michoacán, tridimensionalidad y el a principios del siglo XX y un volumen. La bailarina pareceformó parte de la segunda líneas dibujo recortado: las generación de la Escuela sido grabadas del contorno hanMexicana de Pintura. y prácticamente claramente Fue pintor, escultor y grabador y miembro fundador carece de volumen, sin embargode alorganizaciones artísticas tan doblar la figura hacia tres importantes en la la obra puntos en el espaciohistoria del arte mexicano como recupera su esencia la Liga de Escritores escultórica. y Artistas Revolucionarios (LEAR) y el LaTaller fue la Gráfica en metal, obra de realizada Popular. aprovechando las posibilidades que la tecnología industrial ha dado a los escultores para tratar los materiales. En este caso se partió de planchas de metal, seguramente prefabricadas y recortadas.

Alfredo Zalce, La bailarina, s/f, metal, Col. Fernando Muñoz

REPRESENTACIÓN La bailarina parece estar muy lejos de la búsqueda de semejanza con la realidad. El cuerpo se conforma de elementos laminares que dejan ver claramente el perfil de la figura, cuyos detalles se encuentran calados. Es interesante observar que el cuerpo se proyecta en varias direcciones, desarrollando en el espacio amplios movimientos. Esta obra es ejemplo del mayor interés por los problemas formales que tuvieron los artistas desde fines del siglo XIX y sobre todo a lo largo del siglo XX.

SILUETA BAILANDO

REPRESENTACIÓN Las esculturas de alambre de Alexander Calder pueden ser descritas como dibujos en el espacio. En ellas no existe un interés por explorar el volumen, el modelado, la luz y sombra, en fin los aspectos fundamentales que son la materia propia de la escultura. Sin embargo constituyen una investigación entorno al espacio tridimensional. Sus figuras están hechas a base de líneas continuas con un trazo caligráfico. Aunque el tema principal que Calder desarrolló en este tipo de obras es el circo, también realizó retratos como éstos, que se acercan mucho a la caricatura. CONTEXTO Alexander Calder nació en una familia de artistas estadounidenses: su madre fue pintora y su padre escultor. Si bien estudió ingeniería, desde niño completaba sus juguetes con figuras realizadas por él mismo con alambre u otros materiales, que ya prefiguraban sus esculturas profesionales. Este artista revolucionó el arte escultórico a partir de la experimentación con el movimiento. Calder es conocido principalmente por los móviles, que son esculturas abstractas realizadas con alambre y láminas de distintos materiales, que al estar suspendidos en el aire adquieren movimiento. LENGUAJE ESCULTÓRICO Lo que más llama la atención de estas obras es su linealidad. Calder se basa en un proceso escultórico denominado construcción, que reúne diversos componentes y materiales en una forma.

Alexander Calder, Jimmy Durante, 1928 alambre, Col. Jean Lipman y Sin título, 1930, alambre, Col. Calder Foundation

GRAFÍAS

EN EL ESPACIO

CONTEXTO Jean (o Hans) Arp fue poeta además de pintor y escultor. Perteneció a diferentes grupos artísticos contestatarios de comienzos del siglo XX, como el movimiento Dadá, El Jinete Azul o El Cabaret Voltaire. REPRESENTACIÓN La escultura de Jean Arp es abstracta y está inspirada en las formas orgánicas que se observan en los seres vivos, por ello su escultura ha sido calificada como ³biomórfica´. En Torso femenino el artista interpreta un fragmento del cuerpo humano, motivo que ha sido representado desde la antigüedad. Esta obra tiene dos áreas claramente definidas, la inferior con una clara reminiscencia naturalista, mientras que la superior tiene una apariencia mucho más abstracta.

Jean Arp, Torso femenino, 1953 a partir de un modelo de 1930, mármol, Col. Museo Ludwig, Colonia

LENGUAJE ESCULTÓRICO Los volúmenes de toda la escultura son redondos y el dibujo es de líneas suaves y curvas, enfatizado por su textura lisa. La obra fue tallada en mármol a partir de un modelo de yeso.

FIGURA EN ABSTRACCIÓN

REPRESENTACIÓN Las figuras-ídolo de las islas Cícladas presentan una abstracción geométrica muy marcada. Carecen de rasgos individuales: los ojos y bocas, si es que aparecen, son pequeñas hendiduras, las manos y pies suelen estar apenas sugeridos y los brazos cruzados sobre el pecho son muy delgados. Las partes del cuerpo están configuradas por cuerpos geométricos, un óvalo para la CONTEXTO cara, una pirámide como nariz. Las islas conforma un El torso loCícladas son un archipiélago ubicado entre Asia trapecio con los pechos Menor, por el volumen, marcadoslas costas griegas y la isla de el pubis situación mientras Creta. Su está geográfica propició, desde el claramente destacado con líneas cuarto incisas.milenio a. C., el desarrollo de una cultura basada en el tráfico comercial intercontinental. Los pobladores de estas islas comerciaban los recursos que les eran abundantes como el cobre, el plomo, la obsidiana, la plata, el oro y principalmente el mármol. Probablemente esta cultura practicó un culto relacionado con los ciclos agrícolas al cual están relacionadas este tipo de figurillas femeninas desnudas. Varias han sido encontradas en cuevas y tumbas y se cree que fueron hechas para estar recostadas.

Figura femenina, 2600-2400 a. C., mármol, Col. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.

LENGUAJE ESCULTÓRICO La forma de esta figura femenina es cerrada, es decir, que prácticamente no existen espacios vacíos en su interior. El mármol fue cuidadosamente pulimentado, lo que propició que los volúmenes de la figura se redondearan.

HUMANIDAD GEOMÉTRICA

Figura femenina (minsereh), siglo XIX, madera, Col. Museo Británico, Londres

CONTEXTO Entre los pueblos de Sierra Leona, en la costa occidental REPRESENTACIÓN de África, se realizan estas figurillas querepresentación de una En esta llevan por nombrejoven llama Entre dichos la minsereh. la atención pueblos existen tres tipos de de los estilización geométrica sociedades: Poro para los rasgos y su decoración. La hombres, Sande o Bundu para las no es individualidad del rostro mujeres y la Yassi por ello los ojos importante y que admite gente y boca apenas se En la de ambos sexos. encuentran sociedad Sande las mujeres muestra señalados. El cuello usan máscaras que en otras en algunas los anillos que culturas están sociedades africanas se sólo reservadas a los hombres. acostumbran utilizar como símbolo de de uso Las minsereh son belleza. A pesar de que de la sociedad Yassi exclusivo la escultura tiende hacia la síntesis de una cuyo líder es siemprelas formas, mujer.ciertas figuras fueron tratadas Estas partes están con con detalle, como el asociadas sumo el comportamiento sexualpeinado y los grabados sobre el de los miembros de la cuerpo, lo que le quien comunidad y castigan a da un carácter reglas, la líder transgrede las descriptivo. siempre las consulta cuando la ley Yassi se ha roto.

LENGUAJE ESCULTÓRICO Los volúmenes de esta figura son claros y contundentes, su aspecto es estático y el único movimiento que se sugiere es el de los brazos sujetando los pechos. Es probable que este gesto tenga un sentido simbólico, como énfasis de la feminidad. La técnica escultórica principal en que ha sido realizada la obra es la talla en madera, aunque se encuentra adornada con collares y bandas.

FERTILIDAD LABRADA

REPRESENTACIÓN El entusiasmo por la electricidad, los autos y los nuevos descubrimientos del siglo XX se refleja claramente en esta obra, donde la figura humana adquiere formas CONTEXTO aerodinámicas. Boccioni plasma no sólo un cuerpofue el miembro Umberto Boccioni dinámico, sino también una anatomía fundador del futurismo, un poderosa, gracias a la movimiento artístico de exageraciónoriginado en Italia vanguardia de las formas. Ello refleja las ideas plasmadas en hacia 1912. Los artistas los textos futuristas respecto futuristas tenían gran interés al hombre mecanizado. en la industrialización, la urbanización y la mecanización del mundo; sus miembros tenían cercanía con los artistas cubistas, pero se desarrolló de manera independiente. Boccioni fue uno de los artistas que se vio involucrado en la primera guerra mundial, de la que esperaba una suerte de renovación del mundo, y murió en combate en 1916.

Umberto Boccioni, Formas únicas en la continuidad del espacio, 1913, bronce, Col. Galería Tate, Londres LENGUAJE ESCULTÓRICO A pesar de su estilización, esta figura presenta un cuerpo anatómicamente correcto. Los músculos de las piernas y glúteos están colocados adecuadamente. La escultura parece desplazarse claramente en el espacio lo que constituye una paradoja, ya que por definición ésta es estática. Para su realización Boccioni partió de la idea de un cuerpo en movimiento que modifica su propia forma.

¡AERODINAMISMO!

Alberto Giacometti, Tres hombres caminando II, 1949, bronce, Col. Museo Metropolitano de Arte, N.Y. CONTEXTO REPRESENTACIÓN El cuerpo humano es un Este es un conjunto motivo constante en la escultórico que obra de Alberto representa tres hombres Giacometti, y este tiene caminando en direcciones tres temas principales: opuestas. Sus cuerpos son el desnudo femenino de muy estilizados, con una pie, la cabeza o busto y marcada desproporción de el hombre caminando. las formas naturales; su Nació en el seno de una rasgo más distintivo familia artística de probablemente sea la Suiza en 1901, estudió en extrema delgadez, aunque Ginebra y en París donde también llama la atención formó parte del la apariencia escamosa de movimiento surrealista, sus superficies que crean al que perteneció desde la sensación de volumen. 1927, convirtiéndose en una de sus principales representantes. Hacia 1947 inició la experimentación con la escultura en bronce. En 1962 obtuvo el gran premio de escultura en la Bienal de Venecia y falleció en 1966.

LENGUAJE ESCULTÓRICO Giacometti desarrolló un estilo escultórico propio a partir de la experimentación con la percepción y la perspectiva. Le interesaba la observación del objeto en su totalidad desde el primer golpe de vista. Por ello disminuyó el tamaño de sus obras y eliminó cualquier detalle. Así, sus esculturas adquirieron la apariencia de la imagen remota, aquella que se ve a la distancia. Según sus propias palabras, pretendía alcanzar ³no la apariencia de la realidad sino la plena semejanza´.

FIGURAS EN LA DISTANCIA

REPRESENTACIÓN Las máscaras de Germán Cueto tienen dimensiones superiores al natural pues no fueron hechas para ser usadas, sino para ser expuestas como esculturas en relieve. En esta obra vemos claramente una tendencia hacia la abstracción que mantiene los rasgos esenciales de lo humano, pero completamente deformados para conseguir mayor expresividad. Es probable que las máscaras de Cueto hayan recibido alguna influencia de las realizadas por pueblos tribales de África, que tanto impacto tendrían en las vanguardias artísticas de inicios del siglo XX, así como CONTEXTO de las máscaras del arte popularGutiérrez Cueto nació en Germán mexicano. México en 1893. Perteneció a un movimiento artístico llamado Estridentismo, encabezado por el poeta Manuel Maples Arce a partir de 1921 e inspirado en los postulados del futurismo italiano. Cueto fue precursor del abastraccionismo en la escultura, lo mismo que artistas como Arp, Kandinsky o Fernand Leger, al lado de los cuales participó en una gran exposición parisina en 1930. Cuando volvió a México su estética se alejaba del arte nacionalista, por lo que su obra no fue apreciada sino hasta épocas muy recientes.

Germán Cueto, Máscara II, 1924, cartón pintado, fierro y plástico, Col. Museo Andrés Blastein, México D.F..

LENGUAJE ESCULTÓRICO Esta máscara fue realizada con cartón pintado, cortado y doblado, más canicas de plástico para los ojos. Su diseño es bastante complejo, con relieves y hundimientos, que si bien recuerdan los rasgos de un rostro humano, se encuentran completamente distorsionados. Esta obra destaca también por la riqueza de su policromía.

UN CHAMÁN EN LA

VANGUARDIA

Buddhapada (los pies de Buda), siglo I a. C., piedra, Col. Museo Británico, Londres CONTEXTO En los comienzos del budismo en India, Buda no fue representado como una figura humana sino a través de símbolos. Su huella o Buddhapada representaba el REPRESENTACIÓN fundamento de lo trascendente. Esta representación de de Allí el loto de los piesBudalas procede de y stupa o divinidades la gurús es templo budista de Amaravati. En cada reverenciado. pie fue representado el darmachakra, símbolo de la ³rueda de la ley´ puesta en movimiento por Buda en su primer sermón. En los talones está el símbolo del triratna que representa las tres joyas del budismo: el Buda mismo, su dharma o enseñanzas y el sangha o comunidad de monjes budistas.

LENGUAJE ESCULTÓRICO Estas huellas estilizadas de Buda fueron creadas en un bajo relieve de piedra. A su alrededor, y dentro del relieve, fueron grabados signos esquemáticos con líneas incisas. Los dos pies son absolutamente simétricos.

SÍMBOLOS

DIVINOS

Secretaría de Educación Pública Programa de Artes Visuales para secundaria. Material didáctico para el profesor. Segundo grado, bloque 5: ³El Cuerpo humano en la escultura´. Coordinación del proyecto: José Antonio Espinosa. Realización: Davayane Amaro Ortega.

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