1759-1805
Friedrich Schiller
Schiller creía en la importancia de encontrar un
equilibrio entre la sensibilidad y la razón en la vida
humana. Argumentaba que el arte era un medio
para lograr esta armonía, ya que involucraba
tanto la emotividad como la reflexión intelectual.
Abogaba por una "educación estética" que
cultivara tanto la sensibilidad como la racionalidad
de las personas. Creía que la participación activa
en la apreciación y la creación artística podría
desarrollar la humanidad y llevar a una sociedad
más libre y autónoma. Al igual que Kant, Schiller
estaba interesado en las experiencias estéticas de
lo bello y lo sublime. Creía que estas experiencias
podían elevar el espíritu humano y despertar un
sentido de lo trascendente. Introdujo la noción del
"juego" (en alemán, "Spiel") como un concepto
central en su estética. Argumentaba que el juego
era una actividad humana fundamental que
permitía la libre expresión y la creatividad, y que
estaba estrechamente relacionado con la
experiencia estética.
1770-1831
Georg Wilhelm Friedrich
Hegel
Hegel desarrolló una filosofía de la historia del
arte en la que identificaba un progreso gradual
del espíritu humano a través de las diferentes
formas artísticas. El arte evolucionaba desde
formas más simples y simbólicas hacia formas
más complejas y conceptuales, culminando en
el arte absoluto. El aplicaba su método dialéctico
al análisis del arte, viendo en él un proceso de
tesis, antítesis y síntesis. Argumentaba que el
arte progresaba a través de la confrontación y la
superación de opuestos, como lo bello y lo feo, lo
particular y lo universal. Introdujo la idea del "fin
del arte": de que el arte estaba destinado a
perder su importancia en la medida en que la
humanidad progresara hacia formas más
elevadas de autoconciencia espiritual, como la
religión y la filosofía. Esta noción de "fin del arte"
ha generado un debate considerable en la
historia de la estética.
1844-1900
Friedrich Nietzsche
Será también otro filósofo romántico,
quien considera que el Arte es un sí a
la vida, es la conjunción de dos
impulsos, uno el dionisiaco que es una
gozosa aceptación de la existencia,
otro el apolíneo, que implica una
necesidad de orden y proporción.
Enfatizaban la belleza ideal y la
armonía, argumentando que tales
ideales eran limitantes y reductivos. Y
que consideraba que la verdadera
grandeza del arte residía en su
capacidad para desafiar las
convenciones y cuestionar las normas
establecidas.
Contemporánea
1856-1939
Sigmund Freud
Introdujo el concepto de sublimación.
Según Freud, el arte es una de las
principales formas en las que se manifiesta
la sublimación, canalizando energías
psíquicas en actividades culturalmente
valiosas. Sostuvo que gran parte de la
motivación para la creación artística
proviene del inconsciente del artista.
Argumentaba que el arte ofrecía un medio
para expresar deseos y conflictos
inconscientes de una manera simbólica y
sublimada. Por lo tanto, la interpretación del
arte desde una perspectiva psicoanalítica
implica desentrañar los significados ocultos
y los deseos reprimidos detrás de las obras
de arte. También exploró la relación entre el
artista y su obra, sugiriendo que la creación
artística puede ser una forma de
autorrevelación y autoexpresión.
Catherine Guadalupe Villanueva Moguel 602
1889-1976
Martin Heidegger
Sostiene que el arte es una forma de revelación del
ser (Ereignis), es decir, una manera en que el ser
mismo se manifiesta y se hace presente en el
mundo humano. El arte no es simplemente una
representación de objetos o ideas, sino una
revelación de la verdad del ser. La obra de arte no
es un objeto estático, sino un "acontecimiento"
(Ereignis) que ocurre en el encuentro entre el
artista, la obra y el espectador. La verdadera
esencia del arte radica en esta experiencia
dinámica y en la apertura que revela hacia el ser.
Distingue entre la "verdad del arte" (aletheia) y la
"verdad proposicional" (logos). Mientras que la
verdad proposicional se refiere a la
correspondencia entre enunciados y hechos, la
verdad del arte implica la revelación de la verdad
del ser a través de la obra de arte.
1905-1980
Jean-Paul Sartre
Argumenta que el arte es una forma de
compromiso con el mundo y con la libertad
humana. Para él, el artista es un individuo
comprometido con la creación de significado y
valores en un mundo sin esencia predefinida.
La creación artística implica una toma de
posición en relación con el mundo y sus valores.
Rechaza la idea de una esencia humana
preexistente y sostiene que la existencia
precede a la esencia. Aplica esta idea al arte,
argumentando que la obra de arte no tiene una
esencia fija o significado intrínseco, sino que
adquiere significado a través de la
interpretación y la experiencia del espectador.
Además, argumenta que el espectador, al mirar
una obra de arte, proyecta significado y valor
sobre ella, pero también se ve a sí mismo como
objeto de la mirada de otros. Esta
intersubjetividad influye en la experiencia
estética y en la forma en que el espectador se
relaciona con la obra de arte. Enfatiza la
importancia de la autenticidad y la libertad en
la creación artística. Creía que el artista debía
ser fiel a su propia experiencia y expresión, en
lugar de adherirse a convenciones
preestablecidas o expectativas externas.
 CONCEPCIONES ESTÉTICAS A TRAVÉS
DE LA HISTORIA EN SUS DIFERENTES
ETAPAS
428-348 a.c
Platón
Fue el primero que trató sobre
conceptos estéticos como centro
de muchas de sus reflexiones,
sobre todo en temas relativos al
arte y la belleza. En el Protágoras
habló del arte como la capacidad
de hacer cosas por medio de la
inteligencia, a través de un
aprendizaje. Para Platón, el arte
(τέχνη, téchnê) tiene un sentido
general, es la capacidad creadora
del ser humano. Entendía el arte
como «destreza» o «habilidad»,
tanto en el terreno material como
en el intelectual.
Época Clásica Aristóteles
384-322 a.c
Aristóteles
Para Aristóteles, la belleza
consistía en magnitud (μέγεθος,
mégethos) y orden (πάξις, páxis),
cuestiones puramente físicas, y
se encuentra en las proporciones
perfectas, en la justa medida, en
la simetría (συμμετρία).Para
Aristóteles, el arte humaniza la
naturaleza, magnificando la
realidad. Así pues, la tragedia es
un proceso estético: de la
mímesis, la imitación de la
realidad, a la poíêsis, la
producción creativa.
354-430 d.c
San Agustín de
Hipona
Éste recogerá en gran medida la
herencia de Platón, y hablará de
una serie de características de un
objeto para que este sea bello,
primero menciona a la Unidad (en
la medida en que gracias a ella se
puede comparar y así poder juzgar
en un sentido bastante platónico -
ahora cristiano- la obra, luego el
número, importante ya que todo
está en su sitio gracias a un
número, La proporción, el Orden,
que hace que se puedan agrupar
las cosas respecto a un fin.
1339 Edad Medieval
1225-1274
Santo Tomás de
Aquino
Este reformulará el concepto
de belleza. Siguiendo la
tradición Aristotélica, piensa
que la percepción de la belleza
es un especie de conocimiento,
del tal manera que se extrae de
un objeto la forma que le hace
ser lo que es, definiendo belleza
de dos maneras, en primer
lugar como “lo que utiliza el
movimiento del apetito en
forma de descanso en la forma
deseada” y “belleza es aquello
que agrada a la vista”.
Catherine Guadalupe Villanueva Moguel 602
1714-1762
Baumgarten
Su obra principal, "Aesthetica" (1750-1758),
establece las bases para una nueva disciplina
filosófica que se ocupa de la percepción
sensorial, la belleza y el arte. Definió la estética
como la ciencia de lo bello y de las experiencias
sensoriales. Argumentó que la sensibilidad
humana era crucial para la apreciación del arte
y la belleza. Reconocía la necesidad de la razón
para comprender y apreciar completamente las
experiencias estéticas. Que el arte era una
forma de expresión de lo bello. Creía que los
artistas utilizaban su creatividad para
comunicar ideas y emociones de una manera
estéticamente agradable. Para el la estética
debía ayudar a guiar la producción y
apreciación del arte, así como a mejorar la
calidad de la vida humana al cultivar una
sensibilidad estética más refinada.
1345
Modernismo
1724-1804
Kant
Se centra en su obra "Crítica del Juicio" (1790).
Kant distingue entre juicios estéticos y juicios
cognitivos. Los juicios estéticos son subjetivos y
se basan en la experiencia individual de la
belleza, mientras que los juicios cognitivos son
objetivos y se basan en principios universales
de la razón.
Por la cual sostiene que el juicio estético se
basa en el gusto, que es la facultad subjetiva de
experimentar placer estético. Para él, lo bello es
lo que produce un sentimiento de placer
desinteresado en quien lo contempla. Kant
argumenta que tiene un carácter
universalizable. Esto significa que, aunque las
experiencias de belleza varíen entre individuos,
hay una expectativa de que otros también
deberían encontrar algo bello en una obra si
está realmente justificada. También discute el
concepto de lo sublime, que se refiere a
aquellas experiencias que nos provocan un
sentimiento de asombro y admiración debido a
su grandeza o magnitud, incluso si son
amenazadoras o abrumadoras.