Apreciación Del Arte 2024-1

Guión Audioguías

Campbell's Soup Cans:

Santi: Entre 1961 y 1962, Andy Warhol creó una obra revolucionaria que desafió las concepciones
tradicionales del arte: Campbell 's Soup Cans.

Primer plano: Un lienzo con una lata de sopa de tomate Campbell.

Santi: Observemos con atención las características de esta obra. Las líneas que delinean la lata son nítidas
y precisas, casi como si se hubieran trazado con una regla.

Primer plano: Las líneas de la lata de sopa.

Santi: Fíjense en cómo estas líneas rectas predominan en la obra, creando una estética similar a la de una
impresión mecánica. Las líneas horizontales son especialmente prominentes, acentuando la forma
cilíndrica de la lata y la rigidez producto de la masificación industrial. Las pocas líneas curvas se limitan a
los bordes de la lata y a algunos detalles como el logo de Campbell 's, creando una sensación de
uniformidad y simplicidad.

Plano general: La serie completa de 32 lienzos.

Santi: En cuanto a la forma, todas las latas tienen la misma forma cilíndrica perfecta, con una ligera
curvatura en los lados. La base y la tapa son círculos perfectos, delineados con líneas finas. La repetición
de esta forma cilíndrica a lo largo de la serie crea una sensación de ritmo y monotonía, reflejando la
producción en masa.

Primer plano: Los colores de una lata de sopa.

Santi: Los colores que utiliza Warhol son vibrantes y contrastantes, como el rojo, amarillo, azul y verde.
Son planos y sin gradaciones, creando una estética similar a la de un cartel publicitario. El fondo blanco
resalta las latas y crea un contraste visual llamativo. La alta saturación de los colores intensifica la
experiencia visual y acentúa la banalidad del objeto representado.

Primer plano: La textura de una lata de sopa.

Santi: La textura de la pintura es lisa y uniforme, sin apenas rugosidad. La pintura acrílica utilizada crea
una superficie brillante que refleja la luz. La ausencia de textura realza la impresión de bidimensionalidad
y la estética artificial de la obra.

Plano general: La disposición de las latas en un lienzo.

Santi: Observen cómo las latas están alineadas de forma regular, creando una composición ordenada y
repetitiva. La sombra debajo de las latas crea una sensación de profundidad y realismo, pero a la vez la
rigidez de la composición y la ausencia de perspectiva general le dan a la obra un aire artificial.

Cierre:
Santi: Campbell 's Soup Cans" de Andy Warhol es una obra compleja y multifacética que continúa
generando debate e interpretación. La obra es una crítica a la sociedad de consumo y a la pérdida de
originalidad en la era industrial, pero también puede ser interpretada como una celebración de la cultura
popular.

Marilyn Monroe

Santi: Después de la muerte de Marilyn Monroe en 1962, Andy Warhol creó una serie de serigrafías que
la convirtieron en uno de sus temas más icónicos. Estas obras exploran la cultura de las celebridades, la
comercialización de la fama y la naturaleza de la imagen pública.

Primer plano: Una serigrafía de Marilyn Monroe con un fondo amarillo.

Santi: Observemos las características de esta obra. A diferencia de las líneas nítidas y precisas de las latas
de sopa, Warhol utiliza aquí líneas suaves y fluidas para capturar el famoso contorno y las características
de Monroe. Las líneas son menos detalladas y más estilizadas, lo que refuerza la naturaleza
manufacturada de su imagen pública.

Primer plano: El rostro de Marilyn Monroe en la serigrafía.

Santi: La forma del rostro de Monroe es reconocible al instante. Warhol la reproduce en serie, resaltando
cómo su imagen se ha convertido en un símbolo fácilmente reproducible y consumible en la cultura
popular, similar a una marca comercial.

Plano general: Varias serigrafias de Marilyn Monroe con diferentes colores.

Santi: Warhol utiliza una paleta de colores vibrantes y a menudo no realistas en la serie Monroe. Esto crea
una cualidad surrealista en las imágenes y sugiere la distorsión entre la persona real y su imagen pública.
El contraste entre el rostro de Monroe y los colores llamativos del fondo acentúa esta idea.

Primer plano: Una serigrafía de Marilyn Monroe con un fondo rojo intenso.

Santi: La repetición de la imagen de Monroe se vuelve hipnótica y rítmica, similar a la de las latas de
sopa. Esto crea un comentario sobre la reproducción en masa de imágenes en la cultura mediática. La
serie Monroe también puede ser interpretada como una crítica a la forma en que los medios de
comunicación y la industria del entretenimiento consumen y repiten imágenes de celebridades hasta que
se convierten en meros objetos de consumo, perdiendo su individualidad en el proceso.
Cierre:
Santi: Las serigrafías de Marilyn Monroe de Andy Warhol son una obra compleja y desafiante que
continúa generando debate e interpretación. Son una crítica a la sociedad de consumo, la cultura de las
celebridades y la naturaleza artificial de la fama.

M-Maybe

Majo: "M-Maybe", una obra icónica del Pop Art creada en 1965, nos invita a sumergirnos en un universo
de emociones y simbolismos. Observemos cómo Lichtenstein fusiona elementos del cómic con su estilo
distintivo para crear una experiencia visual única.

Primer plano: El rostro de la mujer en la pintura.

Majo: Las líneas gruesas y negras delinean con precisión sus rasgos, transmitiendo una mezcla de tensión
y expresividad. A pesar de la bidimensionalidad de la obra, las líneas crean una ilusión de profundidad,
realzando su impacto visual.

Plano general: La pintura completa.

Majo: Las formas geométricas simples dominan la composición: rectángulos en el rostro y cuerpo de la
mujer, el marco y el bocadillo; círculos en los ojos y la boca; y líneas rectas en las cejas, pestañas, nariz y
boca. Esta simplificación, junto con la ausencia de detalles realistas, acentúa la bidimensionalidad y el
carácter icónico de la obra.

Primer plano: Los colores del vestido y el fondo.

Majo: La paleta de colores vibra con tonos planos y saturados: el azul intenso del vestido evoca tristeza e
incertidumbre; el azul del fondo aporta contraste y estabilidad; el amarillo del cabello, la boca y el globo
de texto irradia luminosidad y alegría; y el negro de las líneas y el contorno del globo de texto define las
formas y delimita el espacio.

Plano general: La iluminación de la pintura.

Majo: La luz artificial y plana ilumina de manera uniforme a la mujer y al fondo, creando una atmósfera
irreal y misteriosa. La ausencia de sombras realza la bidimensionalidad y la simplicidad de la
composición.

Primer plano: La posición de la mujer en la pintura.

Majo: La figura de la mujer se sitúa en el centro del espacio, ocupando la mayor parte del mismo. El
fondo azul plano crea una sensación de vacío y aislamiento, intensificando la carga emocional de la obra.
Plano general: La distribución de los elementos en la pintura.

Majo: La simetría reina en la composición: la figura de la mujer se encuentra en el centro, flanqueada por
el marco y el globo de texto. Los colores y las formas se distribuyen de manera uniforme a ambos lados,
creando una sensación de equilibrio y armonía.

Primer plano: La expresión facial de la mujer y el texto del globo.

Majo: El énfasis recae sobre la figura de la mujer y el globo de texto. La expresión de duda e
incertidumbre en su rostro se complementa con la frase "M-Maybe he became ill and couldn't leave the
studio", revelando sus pensamientos internos. El color rojo del vestido y el marco acentúa la intensidad
emocional de la escena.

Plano general: La pintura en su conjunto.

Majo: Las líneas gruesas y las formas geométricas se repiten, creando un ritmo dinámico que refleja la
tensión interna del personaje. La monumentalidad de la mujer en comparación con el globo de texto la
convierte en un símbolo de las emociones femeninas.

Cierre:
Majo: "M-Maybe" es una obra compleja y atractiva que invita a la reflexión sobre las emociones
femeninas, la soledad y la incertidumbre. La magistral combinación de elementos del cómic con el estilo
del Pop Art crea una experiencia visual única que continúa cautivando al público.

"Interior with restful paintings"

Majo: "Interior with restful paintings", una obra del Pop Art creada en 1965, nos invita a adentrarnos en
un espacio rebosante de referencias al arte y la cultura pop. Observemos cómo Lichtenstein utiliza
elementos característicos del movimiento para crear una experiencia visual única.

Primer plano: Los cuadros dentro del cuadro.

Majo: Formas orgánicas sin líneas acentuadas componen estas obras, creando un contraste con las formas
geométricas del resto de la pintura. Son los elementos más coloridos y llamativos, atrayendo la atención
del espectador hacia el tema principal: el arte dentro del arte.

Plano general: La habitación en la pintura.

Majo: Las formas geométricas simples dominan la escena: rectángulos en las paredes, suelo, techo y
marcos; círculos en las lámparas; y líneas rectas en los muebles y la alfombra. Las formas se definen con
líneas gruesas y negras, creando una estética similar a un cómic. Esta simplificación, junto con la ausencia
de detalles realistas, acentúa la bidimensionalidad de la obra.

Primer plano: Los colores de la habitación.

Majo: Una paleta vibrante y plana de colores invade la habitación: azul en las paredes, transmitiendo
frescura y vitalidad; negro intenso en los marcos, acentuando la importancia de las obras de arte; amarillo,
rojo y azul en las lámparas, irradiando luminosidad y alegría; y negro en las líneas y los muebles,
definiendo las formas y delimitando el espacio.

Plano general: La iluminación de la pintura.

Majo: Una luz artificial y plana ilumina de manera uniforme la habitación, creando una atmósfera irreal y
misteriosa. La ausencia de sombras realza la bidimensionalidad y la simplicidad de la composición.

Primer plano: La disposición de los elementos en la habitación.

Majo: La habitación se presenta como un escenario vacío, sin personajes ni objetos personales. Los
muebles se disponen de forma simétrica a ambos lados de la habitación, creando una sensación de
equilibrio y calma.

Plano general: La pared del fondo.

Majo: La pared azul del fondo crea una sensación de profundidad, a pesar de la bidimensionalidad de la
obra. Los cuadros se encuentran centrados en la pared, acentuando su importancia como tema central.

Primer plano: Los detalles de los cuadros dentro del cuadro.

Majo: Observamos referencias al propio Lichtenstein y a otros artistas, creando un diálogo entre obras y
artistas.

Cierre:
Majo: "Interior with restful paintings" es una obra compleja y atractiva que invita a reflexionar sobre la
naturaleza del arte, la relación entre arte y realidad, y la influencia del Pop Art. La magistral combinación
de elementos del movimiento, junto con el humor y la ironía, crea una experiencia visual única que
continúa cautivando al público.

"Flag"

Saris: "Flag", una obra de 1954-1955, nos invita a reflexionar sobre la naturaleza del arte, el simbolismo y
la percepción. Observemos cómo Johns transforma un objeto cotidiano en una obra de arte conceptual.

Primer plano: La textura de la bandera.

Saris: La textura rugosa del papel periódico utilizado en la obra, junto con la técnica de encaustic, crea un
efecto traslúcido y grumoso. Esta textura contrasta con la idea de una bandera impecable y perfecta, y nos
recuerda la materialidad del objeto representado.
Plano general: La composición de la bandera.

Saris: La bandera presenta 48 estrellas en lugar de las 50 actuales, reflejando el contexto histórico en el
que fue creada (1954-1955), cuando Hawai y Alaska aún no se habían unido a los Estados Unidos. Esta
particularidad nos recuerda la naturaleza cambiante de los símbolos nacionales.

Primer plano: Los colores de la bandera.

Saris: Los colores rojo, blanco y azul son emblemáticos de los Estados Unidos, pero Johns los aplica de
una manera poco convencional. Los tonos no son completamente planos ni saturados, sino que presentan
variaciones y parches. Esto nos invita a mirar más allá de la superficie y a reflexionar sobre la
complejidad del simbolismo patrio.

Plano general: La disposición de las franjas y estrellas.

Saris: Las franjas horizontales evocan rigidez y estabilidad, mientras que las estrellas en el recuadro azul
sugieren dinamismo y unidad. La composición en sí misma crea un ritmo visual que nos invita a recorrer
la bandera con la mirada.

Primer plano: El recuadro azul con estrellas.

Saris: El énfasis recae sobre el recuadro azul con estrellas, un elemento que suele ser el centro de atención
en las banderas. Sin embargo, Johns lo presenta de una manera descontextualizada, invitándonos a
reflexionar sobre su significado individual y colectivo.

Cierre:
Saris: "Flag" es una obra que desafía las nociones tradicionales de arte. Al convertir un objeto cotidiano
en una obra conceptual, Johns nos invita a cuestionar la naturaleza del simbolismo, la percepción y la
construcción de la identidad nacional. La textura, los colores, la composición y el contexto histórico de la
obra se conjugan para crear una experiencia visual compleja y desafiante.

Number in Colors

Saris: "Number in Colors", una obra de 1958-1959, nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de los
números, su simbolismo y su relación con el mundo real. Observemos cómo Johns transforma un
elemento cotidiano en una obra de arte conceptual.

Primer plano: La textura de la pintura.

Saris: La textura rugosa del papel periódico utilizado en la obra, junto con la técnica de encaustic, crea un
efecto traslúcido y grumoso. Esta textura contrasta con la idea de un número perfecto e inmutable, y nos
recuerda la materialidad del objeto representado.
Plano general: La composición de la obra.

Saris: La obra presenta un número "3" en un recuadro de color rojo. El número está escrito a mano con
trazos fluidos e imperfectos, lo que le da un aire de espontaneidad y dinamismo.

Primer plano: Los colores de la obra.

Saris: Los colores rojo, blanco y azul son utilizados de forma contrastada. El rojo del recuadro y el blanco
del número crean una tensión visual, mientras que el azul del fondo aporta profundidad y equilibrio.

Plano general: La luz y la sombra.

Saris: La luz se crea mediante la aplicación directa del color blanco, mientras que las sombras se sugieren
con el encaustic, dejando visible el papel periódico del fondo. Este juego de luces y sombras crea una
sensación de volumen y profundidad.

Primer plano: El ritmo de la obra.

Saris: El número "3" y el recuadro rojo crean un ritmo visual que invita a la mirada a recorrer la obra. La
fluidez de las líneas y la disposición de los elementos contribuyen a este dinamismo.

Cierre:
Saris: "Number in Colors" es una obra que desafía las nociones tradicionales de arte. Al convertir un
elemento cotidiano en una obra conceptual, Johns nos invita a reflexionar sobre la naturaleza de los
números, su simbolismo y su relación con el mundo real. La textura, los colores, la composición y la
técnica del encaustic se conjugan para crear una experiencia visual compleja y desafiante.

Robert Rauschenberg: The artist’s job is to be a witness to his time in history.

Retroactive

Saris: "Retroactive", una obra de 1963, nos invita a sumergirnos en el caos que siguió al asesinato del
presidente John F. Kennedy. Rauschenberg, fiel a su信念 de que el artista es un testigo de su tiempo, crea
un collage con imágenes mediáticas de la época, incluyendo la carrera espacial.

Primer plano: Las imágenes de la obra.

Saris: Observamos una mezcla de serigrafías de diferentes colores y texturas: el rostro de JFK, un
astronauta, un misil espacial, un avión, y otras imágenes que parecen sacadas de revistas y periódicos.
Esta cacofonía visual refleja el clima de incertidumbre y conmoción que se vivió tras el magnicidio.

Plano general: La composición de la obra.

Saris: La composición es asimétrica, con la mayor carga visual en la mitad izquierda. La mirada ladeada
de JFK y su dedo señalando hacia el centro de la obra crean líneas implícitas que guían la mirada del
espectador. El cuerpo del astronauta, a su vez, sugiere líneas hacia dentro del cuadro, creando una
sensación de profundidad.

Primer plano: Los colores de la obra.

Saris: Predominan los tonos fríos (azul, gris, verde) con baja saturación y valores altos (más claros),
creando una atmósfera de solemnidad y luto. El verde de la corbata de JFK y el rojo del bloque en el
cuadrante inferior derecho son los únicos colores que rompen esta paleta, acentuando su importancia
simbólica.

Plano general: El balance y el ritmo de la obra.

Saris: La obra presenta un equilibrio dinámico entre la carga visual de la mitad izquierda y la simplicidad
de la mitad derecha. El ritmo visual se crea por la repetición de imágenes, texturas y colores, y por la
disposición de los elementos en el collage.

Primer plano: El énfasis en la figura de JFK.

Saris: El énfasis recae sobre la figura de JFK, quien se presenta como el centro de la obra. Su rostro, su
mirada y su dedo señalando son los elementos que más atraen la atención del espectador.

Cierre:
Saris: "Retroactive" es una obra compleja y desafiante que nos invita a reflexionar sobre el impacto del
asesinato de JFK, la naturaleza de los medios de comunicación y el papel del artista en la sociedad. La
mezcla de imágenes, texturas y colores crea una experiencia visual única que continúa resonando en el
público actual.

White Painting

Saris: "White Painting", una obra de 1951, nos invita a reflexionar sobre la naturaleza del arte, la
percepción y la experiencia del espectador. Creada en un momento de ruptura con el formalismo
tradicional, esta pintura monocromática blanca desafía las expectativas del público y abre nuevas
posibilidades creativas.

Primer plano: La superficie blanca de la pintura.

Saris: La superficie lisa y uniforme del lienzo blanco invita al espectador a una experiencia sensorial
única. La ausencia de imágenes o texturas obliga a concentrarse en la materialidad de la pintura, en la
textura del lienzo y en la interacción de la luz con la superficie.

Plano general: La forma y el tamaño de la pintura.

Saris: La forma rectangular y el gran tamaño de la pintura crean una sensación de equilibrio y
monumentalidad. La obra se impone en el espacio, exigiendo la atención del espectador y desafiando la
idea de que una pintura debe representar algo concreto.

Primer plano: El contexto de la obra.

Saris: "White Painting" fue creada en un contexto de ruptura con el formalismo tradicional.
Rauschenberg, junto a otros artistas, buscaba nuevas formas de expresión artística que desafiaron las
convenciones. Esta pintura monocromática es un ejemplo de su espíritu rebelde y su búsqueda de una
estética minimalista.

Plano general: La interacción de la obra con el entorno.

Saris: La pintura blanca refleja la luz del ambiente, creando una interacción dinámica con el espacio en el
que se encuentra. La obra se convierte en un lienzo para las sombras, las luces y las partículas del entorno,
tal como lo mencionó el compositor John Cage.

Cierre:
Saris: "White Painting" es una obra que invita a la reflexión sobre la naturaleza del arte, la percepción y la
experiencia del espectador. Al eliminar la narrativa y la emoción tradicionales, Rauschenberg nos invita a
contemplar la belleza de la simplicidad, la materialidad de la pintura y la interacción de la obra con el
entorno. "White Painting" es una obra que continúa desafiando y redefiniendo los límites del arte.