La alegría de vivir, Matisse

Identificación: 1905-1906, óleo sobre lienzo. Fundación

Barnes, Finlandia
El motivo o tema del cuadro es el mito de la Arcadia, una
región imaginaria y feliz en la que los pastores se
dedicaban como se ve en el lienzo a tocar la flauta, hablar,
danzar , y a enamorarse. Todas las figuras están
desnudas, algunas de forma sensual, sobre un prado,
rodeado de árboles frondosos y que termina en un fondo
de azul marino que crea efecto de espacio. El dibujo es
ondulado y sinuoso que crea sensualidad. No tiene
demasiado interés en conseguir el efecto de corporeidad
o volumen.Se puede observar una composición triangular
en el centro del cuadro . Dentro de este triángulo sinuoso el centro lo ocuparían los
danzantes y la base las mujeres recostadas. Pero si estas figuras están centradas otras
están dispersas. A la alegría que transmiten los personajes perfilados , prácticamente sin
volumen , se añade la fuerza de color como corresponde al fauvismo , el cuadro se
construye con color vivo, intenso, sin gradaciones, es decir color plano . Además los colores
no tienen que corresponder necesariamente con la naturaleza como se observa en algunos
árboles..
En los cuerpos el color es sonrosado que posan sobre el prado amarillo que termina en un
fondo de color azulado plano que contribuye a la profundidad.
En nuestro lado izquierdo predominan los colores cálidos y primarios rojo y amarillo y el
secundario cálido naranja; mientras en el lado de nuestra derecha predominan colores
fríos como violáceo y sobre todo el verde. Esta disposición del color crea el efecto de
profundidad en esta zona o lleva nuestra mirada de izquierda a derecha. En un ritmo de
armonía visual y sosiego.

Armonía en rojo, Matisse

Identificación: 1908. Museo Ermitage, San Petersburgo.
Óleo sobre lienzo, con poco interés por la textura.
Nos encontramos con un bodegón con figura al que se añade una
ventana abierta que pone en relación exterior e interior. Todo tipo
de historia ha desaparecido, mostrándonos las cosas sin ningún
tipo de relación literaria. Es algo puramente visual.

La composición es equilibrada. Las tres zonas más importantes se

colocan de forma triangular, repartiendo el resto de los motivos
por la tela.
Color, parte esencial del cuadro. Plantea una fuerte contraposición entre los cálidos (rojo y
amarillos) y los fríos (azules y verdes). Su tonalidad está muy saturada. Son colores planos,
sin ningún efecto de la luz sobre ellos, creando grandes zonas cromáticas de color puro.
Son, en todo caso, colores irreales o arbitrarios que no guardan ningún tipo de relación con
la realidad.
La línea es gruesa, separando de forma nítida las zonas cromáticas. Hay un gusto por la
curva y la ondulación (en los motivos ornamentales) casi continua que comunica al cuadro
un constante movimiento del que carece la composición. La perspectiva se realiza a través
de los colores, con los cálidos acercando y los fríos alejando (en la ventana). En las zonas
en donde predomina un solo color (interior rojo) el espacio desaparece y se vuelve plano, al
igual que las figuras (bidimensionales) en las que se omite cualquier tipo de detalle,
perfilándose a través de sus rasgos más significativos que se convierten en puras zonas
cromáticas.

La raya verde, Matisse

Identificación: 1905, óleo sobre lienzo. Royal Museum of Fine Arts,
Copenhagen.
La modelo es la esposa de Matisse, representada de medio busto y el
rostro en contraposto levemente girado.
La composición es sencilla y se reduce a las formas elementales con
escasos contornos reducidos a lo básico ya que se quiere destacar: EL
COLOR Y EL PLACER VISUAL
Aplica colores puros, con gran cantidad de materia, con fuertes contrastes y
arbitrarios que se extienden en amplios espacios
ROSTRO: La raya verde separa la zona más iluminada y de sombra. Zona
con más luz; colores cálidos (gama amarillos); sombra colores gama fría
(rosas apagados). Cabellos negros con planos azules (color primario) para reflejos
Profundidad sugerida mediante contraste o juego de colores secundarios. : VERDE surgido
de la mezcla de amarillo-azul que incita a entrar , VIOLETA de la mezcla de rojo y azul y
NARANJA surgido de la mezcla de rojo y amarillo con efecto de salir. El rojo, color primario
lo utiliza en el vestido
El cuadro se construye con color vivo, intenso, sin gradaciones, es decir color plano
aplicado en grandes manchas en los fondos, mientras que en el rostro predominan las
pinceladas sueltas, reduciéndose la importancia del dibujo.

Mujer con mandolina, Georges Braque

Identificación: 1910. Óleo sobre lienzo, museo Thyssen, Madrid.
Retrato de Fanny Tellier.
La figura de la dama se disuelve en distintas facetas que se unen
dentro de un marco compositivo y formal. Esta disolución es
intencionada puesto que lo que más le interesa al artista es que
determinadas formas se confunden con el fondo de la obra, y, por
eso, apenas se distingue esta figura femenina, que con sus manos
está sosteniendo la mandolina. Braque había aprendido del pintor,
Camille Corot, que al introducir un instrumento musical dotaba al
personaje representado de una quietud propia de un objeto. Por ello,
la carencia de movimiento en estas obras se convirtieron en el centro
de las críticas por parte de los futuristas que buscaban otro tipo de
valores más dinámicos dentro sus pinturas o esculturas.

Esta composición está analizada bajo una formulación arquitectónica

ordenada, compuesta por líneas verticales y horizontales; una
especie de naturaleza muerta en la que apenas podemos hacernos una idea de lo que
podría ser una cabeza. El nivel de abstracción es importante en esta obra y es interesante
cómo el artista busca la implicación del espectador ya que, de alguna manera, hay una
intención de inducir a recomponer ciertos detalles de la figura representada, como la nariz;
mientras que los brazos, la mano y los dedos del personaje se identifican fácilmente.
Otra de las claves está en esa reducción de la paleta cromática, que se limita a brindarnos
unos colores ocres, grises y marrones que se integran de manera automática en el plano
del fondo, evitando que nuestra mirada logre identificar la totalidad de la figura humana. Una
vez más, se aprecia esa descomposición de la realidad que quiere romper con esas reglas
academicistas del pasado renacentista, abriendo un nuevo camino que le permite indagar
en otras perspectivas y creaciones.

Mujer con peras, Picasso

Identificación: 1909, óleo sobre lienzo de lino. El museo de arte
moderno, New York
Durante su estancia en Horta de Ebro, Picasso retrató muchas veces a su
amada Fernande, probablemente su modelo también para Mujer con
peras. Lo que sorprende en esta serie de retratos es la afinidad que las
cabezas pintadas muestran con la monumentalidad de los paisajes
realizados en la misma época. Además, el ser unos encostramientos
poliédricos de formas geométricas, más o menos regulares, no impide a
estas figuras expresar su propia humanidad por medio de la inclinación de
la cabeza y la profundidad escultórica de los ojos. La emoción brilla
gracias al movimiento alternado, ya ascendente o descendente, de la luz
con la que está construido el rostro. Las preocupaciones formales no han
borrado la expresión humana, que en ocasiones reaparece y se hace sitio
en este mundo cristalino de las formas y los colores abstractos. Los
contrastes entre los verdes de la cortina y los marrones de la naturaleza muerta y el rostro
de Fernande proceden de los paisajes provenzales de Cézanne y de los realizados por el
propio Picasso en Horta de Ebro. (no encuentro más información)

Niña frente al espejo, Picasso

Identificación: 1932, Óleo sobre lienzo, museo MoMA New York.

La modelo se refleja deformada y esto se llegó a interpretar de un millón

de maneras: desde el clásico tema de la vanidad o de la Venus del
espejo, hasta el reflejo de la muerte, pasando por la maternidad o la
vejez reflejada en la juventud. Sea como sea, Picasso mezcla colores y
formas sin restricción alguna, siguiendo su instinto, y consigue crear un
retrato de enorme belleza, virtuosismo y sensualidad.La mujer en la
pintura se muestra como una hermosa con piel suave y ojos grandes. Los
colores fueron utilizados para intensificar la belleza de la mujer. La parte
frontal que refleja en el espejo fue pintada con colores selectos mezclados
con colores rugosos para destacar la diferencia. Sin saber bien cómo, el artista confunde
continuidad de planos, líneas y colores, creando un nuevo espacio. Y si nos ponemos
metafísicos, casi llega a pintar también el tiempo. En definitiva, Pablo consigue lo imposible:
que una mujer cubista sea bella. (no hay mas puta informacion)

Las bañistas, Cézanne

Identificación: 1906, Óleo sobre lienzo, se encuentra en el Museo de Arte, Filadelfia, Estados
Unidos.

Este cuadro y otros de la misma temática se ambientan en la ciudad natal de Cézanne, en

Aix en Provence, y más concretamente en las orillas del río Arc. Un escenario casi propio
del impresionismo, ya que también hay ese juego de captar los efectos de luz, los reflejos en
el agua y los claros y sombras entre la vegetación.

Pero a Cézanne le preocupan otras cosas en su pintura. Busca una imagen monumental, y
no solo por el tamaño del lienzo (208 x 252 cm). Él nos presenta un conjunto de cuerpos
desnudos monumentales que se ubican en una especie de templo natural, ya que los
troncos de la ribera del río, sin duda forman una bóveda protectora.

Una composición casi clásica, ya que se basa en una pirámide formada por las diagonales
que hacen los troncos de los árboles, mientras que la línea horizontal y paralela a la base de
la imagen la forman el agua del río y la arena del suelo. Todo ello recrea un triángulo
arquitectónico que acoge en su interior a las mujeres desnudas, cada una en una pose
distinta, sin estridencias y adaptadas a la calma de la escena.

El pintor juega con lo que realmente vio y lo que imagina, para al final recrear una escena
distinta, nueva. Tanto en la naturaleza de los árboles como en la de los cuerpos hay algo de
abstracción. Una sensación a la que también ayuda la elección del color, aplicado a base de
pinceladas planas yuxtapuestas, enfrentando los tonos cálidos de los cuerpos o los troncos
a los fríos del cielo y del follaje. Es decir, jugando con los tonos rosas, ocres y marrones
frente a los azules y verdes.

Desnudo a contraluz, Pierre Bonard

Identificación:Óleo sobre lienzo, 1908. Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica en

Bruselas.

Una mujer desnuda, de pie, en plano entero se sitúa a contraluz en la sección áurea
horizontal, iluminada por la luz difusa de una ventana con cortinas. En la parte inferior
izquierda aparece representada una bañera metálica y encima un tocador con un
espejo al que mira la mujer. La escena tiene una perspectiva naturalista a excepción de
la bañera que se sitúa un una posición extraña, con un punto de fuga en la parte
superior derecha, lugar a donde mira la mujer. La paleta de colores es cálida con
grandes zonas en grises azulados. Todas las superficies tienen texturas pero las
cortinas, el tresillo, la pared y el tocador tienen texturas orgánicas. La iconografía
recuerda a composiciones de Renoir sobre mujeres en el baño. El color por el uso de contrastes
entre fríos y cálidos da una expresión positiva, alegre. Parece un estudio de modelo de academia,
una pose para estudio de dibujo de figura humana del natural. El fondo a pesar de no tener detalle
tan preciso dibuja todos los motivos decorativos de la habitación. Esto sugiere por una parte al estilo
modernista y por otro al decorativismo oriental. Todo ese detalle en las texturas casi recuerda al
divisionismo impresionista.

Las señoritas de Avignon. Pablo Picasso.

Identificación: 1906-1907, Óleo sobre lienzo, museo MoMA Nueva York

En el análisis iconográfico observamos cinco prostitutas posando totalmente desnudas o con un velo
transparente entre cortinones, las podemos subdividir en dos grupos:

Las tres de la izquierda portan velos sugerentes, sus formas y rasgos han sido simplificados y
esquematizados. Recuerdan a las bañistas de Cézanne, el Greco (Visión del apocalipsis) y al Juicio
de Paris de Rubens. Picasso las representa a la manera clásica.

Las dos de la derecha, desnudas, posan de manera descarada y Picasso las representa a base de
planos geométricos simultáneos, el rostro recuerda a las máscaras africanas, al arte primitivo e ibero.
Es en este grupo donde Picasso introduce la ruptura.

Entre ambos grupos un frutero reposa en una mesa angular.Mujeres y bodegón invitan a los placeres
terrenales, al disfrute carnal.

El fondo pierde importancia, se diluye en prismas de tonalidades frías - grises, azules y blancos-.

Rompe con la perspectiva, el volumen y la composición clasicista y realista de la pintura. Representa

en un espacio bidimensional todos los puntos de vista que tienen las figuras a modo de calidoscopio
o rompecabezas. Deconstruye las figuras en planos simultáneos y superpuestos.

Pinta la esencia de la realidad, a base de formas geométricas, prismas y líneas rectas. Recupera el
dibujo, el negro y las sombras, elementos totalmente rechazados por los impresionistas.

La paleta de colores se reduce, a la gama de ocres y tonalidades frías (grises, blanquecinos y

azules). El color pasa a un segundo plano, para centrar la atención en la línea, los ángulos, las
formas, el uso de los planos... Picasso nos presenta el nuevo lenguaje expresivo y artístico.

El investigador Santiago Sebastián, considera que los contrastes de la obra, representan el conflicto
del pintor entre dos concepciones del arte: una tradicional y otra de ruptura y que los elementos
plásticos no están desarrollados como valor en sí mismo, sino que están en función de las
necesidades expresivas del pintor.Mujeres y bodegón invitan a los placeres terrenales, al disfrute
carnal.

El fondo pierde importancia, se diluye en prismas de tonalidades frías - grises, azules y blancos-.

Rompe con la perspectiva, el volumen y la composición clasicista y realista de la pintura. Representa

en un espacio bidimensional todos los puntos de vista que tienen las figuras a modo de calidoscopio
o rompecabezas. Deconstruye las figuras en planos simultáneos y superpuestos.

Pinta la esencia de la realidad, a base de formas geométricas, prismas y líneas rectas. Recupera el
dibujo, el negro y las sombras, elementos totalmente rechazados por los impresionistas.

La paleta de colores se reduce, a la gama de ocres y tonalidades frías (grises, blanquecinos y

azules). El color pasa a un segundo plano, para centrar la atención en la línea, los ángulos, las
formas, el uso de los planos... Picasso nos presenta el nuevo lenguaje expresivo y artístico.

Guernica, Picasso
Identificación: Guernica es una de las pinturas más destacadas de Pablo Picasso
realizada en 1937 y se encuentra en el Museo Reina Sofía, en Madrid, España. Óleo sobre
lienzo.

Es de género histórico, pero aunque fue inspirado en un hecho concreto se trata de una
obra de carácter universal. El tema principal son los horrores de la guerra. En cuanto a los
personajes, de izquierda a derecha por lo general son considerados víctimas. Tres animales
(un toro, una paloma y un caballo herido) y 6 figuras humanas: Mujer con hijo muerto o
desmayado, hombre o estatua mutilada con una espada rota y una flor, mujer avanzando
hacia la luz, mujer con una vela, mujer entre llamas con los brazos en alto.

Tiene una función propagandística para dar visibilidad a los horrores de la guerra civil por
encargo de la República española. Sobre su simbología se han propuesto multitud de
interpretaciones distintas sobre el significado simbólico de los elementos y personajes de
esta obra.

Se debe mencionar en la descripción sobre la técnica o sistema empleado: Óleo sobre

lienzo. Obra figurativa, con elementos y figuras reconocibles, aunque con un alto grado de
abstracción. Pintura no naturalista. Los elementos y figuras han sido simplificados y
deformados para expresar un concepto en vez de imitar la realidad.

Luz: De tipo antinaturalista. Existen varios focos de luz como la lámpara, la vela, las llamas,
la ventana…), pero la iluminación de la escena no se rige por ellos. La función de la
iluminación en esta obra es crear focos de atención y expresar dramatismo. Las figuras
están fuertemente iluminadas. Se emplean manchas de tonos planos, sin gradación, que
producen un efecto bidimensional. Sin claroscuro.

Color: Imagen acromática, sin color. Pintada en blanco y negro (tonos dominantes de la
obra) con una gama de grises. La falta de color, como en las fotos de los periódicos en que
se basó, congela el momento e insiste en la tragedia y el dolor.

Perspectiva: No se usa ningún tipo de perspectiva. Poco interés por la representación de

un fondo o tridimensionalidad.

Movimiento: Los personajes han sido congelados en plena acción de gritar.

Descripción y función de la organización de la pintura: Su estructura formal es

geométrica Se divide en tres triángulos: Uno central que incluye el caballo, el hombre (o
estatua) mutilado y la mujer que avanza hacia la luz. Y otros dos triángulos rectángulos, uno
a la derecha y otro a la izquierda del triángulo central. La escena está organizada con
claridad y zonas delimitadas para facilitar su lectura.