Practica de análisis semiótico en el arte.

Nombre: Latifah Gioconda Mejía Peña. - Curso: 6to de electricidad - Numero: 16.

Parte 1. Investigar.
1. ¿Qué son símbolos?
El símbolo puede evocar recuerdos, actúa como un catalizador de elementos asociados, ya sea
por experiencia o por convención, pero lo que más nos interesa del símbolo es la capacidad de
abrir puertas a realidades más profundas y elevadas para despertar de alguna forma los
recuerdos del alma.
En si el símbolo es una parte de la pintura que donde sea que esta sea trasladada seguirá
teniendo el mismo significado.

2. ¿A que llamamos signos?

Los símbolos visuales son las formas, los colores o las figuras que se retoman en una obra para
representar algún concepto, idea o valor. Un signo es una representación de algo, es decir, es
una cosa o un objeto que está en lugar de otro y despiertan en nosotros ideas y significados.

3. ¿Cómo se manifiestan los signos y los símbolos en el arte?

Un signo se da por la relación semiótica de lo designado, el designante y la representación;
mientras que un símbolo es una representación gráfica que puede ser parte del signo. Ambos
transmiten ideas en las culturas prealfabetizadas o prácticamente analfabetas.

4. ¿Qué es la semiótica y cuales elementos deben considerarse al

realizar un análisis semiótico de otra de arte?
La semiótica visual trata sobre el estudio o interpretación de las imágenes, objetos e incluso
gestos y expresiones corporales, para comprender o acoger una idea de lo que se está
visualizando.
Para realizar un análisis semiótico se necesita seguir diversos puntos como:
▫ Localización: se debe localizar el texto y se cita el nombre del autor, el nombre de la
obra, de que parte es el texto de la obra a analizar, movimiento literario y contexto en
el que se desarrolla.
▫ Tipo de texto
▫ Adjetivación
▫ Formas verbales
▫ Narrador
▫ estilo

5. ¿A que llamamos elementos compositivos de una obra pictórica?

Y menciona ¿Cuáles son los elementos compositivos?
Son los objetos, figuras, formas que aparecen en la imagen. Configuran el peso visual a partir
de su tamaño, situación y tono. Es el resultado o producto o del contacto de una herramienta
sobre una superficie. De aquí deducimos que el punto puede ser bi o tri dimensional, ya que no
existe una forma o un tamaño determinado. Son usadas también para simplificar las formas que
se quieren representar o expresar.
El punto, la línea, el plano, la textura y el color son los elementos básicos para representar las
formas. Las listas de los elementos del arte varían, su función de diferentes autores, pero en
general incluyen las siguientes: espacio, color, forma, textura, valor y línea.

Parte 2. Selecciona una obra pictórica de carácter clásico y realiza el

análisis semiótico de la misma considerando que debe tener en cuenta
los siguiente:
1. La imagen de la pintura a color
Pintura: La Gioconda

2. Los elementos compositivos: Formas, colores, ritmo, proporción,

armonía, equilibrio, unidad, etc.
la línea discontinua del centro, de color rojo, marca el equilibrio que en esta obra es
por simetría.

el ritmo de el obra esta marcado el color marron.

lo coloreado con el color Verde indica donde está la luz.

 las líneas azules marcan las partes del dibujo donde se encuentra la luz.

El color Amarillo representa la forma exterior de Este cuadro.

3. El inventario visual: identificar las formas que aparecen en la

pintura y nombrarlas.
Al tomar algunos puntos de ancla importantes en esta obra se genera una estructura
geométrica que coincide con elementos del rostro y cuerpo del personaje, en
interacción con el lejano fondo. Las facciones del enigmático rostro de la conocida
Gioconda están determinadas por una Estrella de David de doble línea, inscrita en
un círculo de doble línea también.
La Estrella de David circunscrita, es a su vez un elemento estructurador de todos los
cuerpos platónicos. Esta figura conocida como "cubo de metatron" y es una última
etapa de la figura conocida como "flor de la vida"
Además, podemos corroborar que la geometría es coincidente con la proporción áurea, o espiral
de Fibonacci.
Encontramos líneas: Onduladas, Zigzag, Risadas y Arqueadas.
Según las dimensiones: Encontramos formas tridimensionales porque en sus manos y sus ojos
puede verse un juego con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.
Según su origen: Podemos observar formas naturales orgánicas y en el fondo inorgánicas.
Según su estructura: Formas complejas.
Usando los esquemas compositivos, encontraremos que el esquema triangular predomina más.
Sin embargo, en la cabeza observamos un esquema circular.

4. El contexto sociocultural de la obra.

"La Mona Lisa" es el retrato más famoso de la historia. Es una obra que tiene muchas
interpretaciones pero que también sobrevivió un famoso robo. Esta fue la última gran obra de
Leonardo da Vinci, quien fue convocado por el Papa para mudarse a vivir a Roma, en donde
su vida ya no fue productiva.

La obra fue realizada a principios del siglo XVI y pertenece al renacimiento. Cuando acabó la
obra Leonardo la llevó a Roma y en El Cinquecento italiano destacan pintores como
Leonardo Da Vinci, Rafael y Miguel Ángel que cuentan sobre todo con los papas para
financiar sus obras. Más tarde trasladan la obra a Francia, donde la conservó hasta su
fallecimiento, después de la muerte de Leonardo la obra pasó a París y más tarde al Palacio
de Versalles. Con la revolución francesa la obra pasó a manos de Napoleón Bonaparte, pero
finalmente regresó al museo donde se conservó hasta 2005 en la Sala Rosa y fue trasladado al
Salón de los Estados.
Esta obra esta relaciona con la época histórica por las circunstancias e influencias posteriores,
ya que Giocondo encargo un retrato para su mujer, en el que Lisa debió de ser pintada, y el
cuadro ocupar un lugar de honor en su casa, lo que permitiría que todos pudieran ver lo que
amaba a su mujer y lo agradecido que estaba de que le hubiese dado hijos. Sus influencias
posteriormente han sido que esta obra ha sido una de las obras que más ha marcado en la
historia del arte.

5. Reconoce los signos que aparece en la obra y nombrarlos.

La Gioconda es un retrato de medio cuerpo, o de tres cuartos, sobre un paisaje que se divide en
dos atmósferas, una más fría (la superior) y otra más cálida con colores terrosos (la inferior).
 Sus manos cruzadas forman la base de la forma piramidal. La luz aplicada al pecho y
al cuello es la misma aplicada en las manos.
 El centro del cuadro es el pecho de la mujer y está alineado con el ojo izquierdo y los
dedos de la mano derecha. Esto acentúa la presencia del personaje en la composición.
 Su brazo izquierdo está cómodamente apoyado en el brazo del sillón y está cruzado por
el brazo derecho. La posición de los brazos junto con el del sillón transmiten una
distancia entre ella y el espectador.
 La postura de la Mona Lisa indica serenidad y, junto con la mirada de soslayo, pero
directa hacia el espectador, muestra el dominio de los sentimientos, cosa que
normalmente no se atribuía a una mujer en aquel entonces.
 El rostro no tiene cejas. La expresión de la mujer en el cuadro es enigmática o ambigua.
Esto se debe a que la mirada, el cuerpo y las manos están dirigidas a ángulos sutilmente
diferentes, sumado a la ilusión que crea la técnica del sfumato.
 En el borde izquierdo de la pintura se ve la base de una columna insinuando que la
mujer está sentada en una galería.
 El paisaje en segundo plano está pintado con una perspectiva aérea. El azul humoso y
la perspectiva poco clara y difusa da a la composición una mayor profundidad.
 El paisaje de fondo muestra un cierto desequilibrio, ya que crea la ilusión de un paisaje
que se divide en dos. Sin embargo, no existe una continuidad entre ambos. Pareciera
que no hubiera correspondencia en términos de alturas y líneas.

6. Reconoce los símbolos que aparecen en la obra y nombrarlos.

 La cabeza está cubierta por un velo que simboliza la castidad, frecuente en los retratos
de esposa. También se atribuye el uso de este tipo de velo a las mujeres embarazadas o
en período postparto. No presenta joyas ni signos particulares de ostentación económica
o de poder.
  La postura de la mujer deriva de la “pirámide” usada para representar a las madonnas
sentadas, es decir, que se trata de una geometrización triangular.
 La ropa: Estas telas de origen español se vendían y comercializaban por toda Europa,
cosa que explica la adquisición.
 Las cejas: no poseía cejas debido a que llevarlas afeitadas era una señal de belleza.

7. Análisis semiótico de la obra

La Gioconda – Leonardo Da vinci

Ficha técnica Se trata de un óleo sobre tabla de álamo

de 77 x 53 centímetros, pintado entre
1503 y 1506 (al estilo del Renacimiento
italiano), y retocado después.
Genero Retrato
Época o año 1503-1519.
estilo Renacimiento
Colores Ocre quemado para sombras oscuras,
albayalde y amarillo sulfuroso para los
colores carne.
formas Cuerpo y paisaje
estética lienzo
soporte Encuadre moderno y efectos ópticos.
Técnica Esfumado y pintura al óleo sobre tabla de álamo.

Valorada en más de $ 1 mil millones, la Mona Lisa, quizás el mayor tesoro de Arte
renacentista , es una de las muchas obras maestras de Pintura del alto renacimiento ubicado
en el Louvre. La pintura es conocida por los italianos como La Gioconda, los franceses la
llaman La Joconde . El trabajo es posiblemente el mejor ejemplo de arte de retrato y uno de
los mejores pinturas renacentistas de los siglos XV y XVI.
¿Quién era Mona Lisa?
Era conocida como Mona, ó Monna, que significa Señora, Lisa del Giocondo. Ella nació en
1479 y estuvo casada con Francesco del Giocondo con quién vivió en Florencia. Cuando tenía
24 años conoció a Leonardo Da Vinci que le doblaba la edad y la convirtió en su modelo.

¿Por qué es tan famosa esta pintura?

Todo empieza por la sonrisa. Leonardo Da Vinci dijo una vez que “de las cosas que hacen
hermosa a una persona, es sobre todo el rostro el que hace que la gente se detenga, más que los
adornos preciosos”.
¿Qué clase de sonrisa es?
Es una sonrisa con una calma regia. Muy especial porque es una mezcla de conquista, de
crueldad y seducción. Es como una aparente bondad que oculta un propósito cruel. Todo esto
aparece y desaparece en una desconcertante serenidad. Con aquella sonrisa, la modelo es buena
y a la vez malvada. Cruel y compasiva, gentil y felina.
Es realmente un enigma su sonrisa. Labios largos y curvados. Las sombras en las comisuras de
la boca de ella impiden dar una respuesta a qué clase de sonrisa es pero ciertamente no hay
sonrisa más famosa que ésta.

Leonardo DaVinci duplicó en muchos de sus personajes femeninos esta misma sonrisa
cautivadora. Se dice que trabajó en este cuadro por tres años y usó las técnicas más sofisticadas
para distraer a su modelo y poder captar su enigmática sonrisa.

¿Qué técnica en pintura usó Leonardo Da Vinci?

El artista inventó la técnica llamada sfumato. Consiste en no definir las sombras causadas en
el rostro de manera que los contornos de los rasgos de una persona se suavizan.
Y sumada a esta técnica empleó efectos de luz más claros y sutiles, los cuales desencadenaron
una nueva revolución en la pintura.
El retrato muestra al sujeto sentado erguido y de lado en una silla, con la cara y el pecho
ligeramente orientados hacia el espectador: una postura derivada de la imagen de la
’pirámide’ utilizada para representar a una Madonna sentada. Su brazo izquierdo se sienta
cómodamente en el reposabrazos de la silla y está agarrado por la mano de su brazo derecho
que cruza su frente. La posición ligeramente protectora de sus brazos, así como el
reposabrazos, crea una sensación de distancia entre la modelo y el espectador.
El paisaje de fondo detrás de la modelo se creó utilizando una perspectiva aérea, con sus
azules ahumados y sin un punto de fuga claramente definido. Le da a la composición una
profundidad significativa, aunque sus detalles revelan un claro desequilibrio entre el
horizonte rocoso (más alto) a la derecha, en comparación con las llanuras (más bajas) que se
extienden a la izquierda. Este desequilibrio se suma a la atmósfera ligeramente surrealista de
la imagen.
Otra característica ligeramente surrealista de la Mona Lisa es su falta de cejas y pestañas.
Este no fue un acto deliberado del artista, ya que los escaneos indican que originalmente se le
dieron ambos. Es posible que el pigmento de color utilizado para estas características faciales
se ha desvanecido o se ha eliminado inadvertidamente durante la limpieza.
La Mona Lisa ejemplifica la contribución de Leonardo al arte de pintura al óleo , a saber, su
dominio de sfumato . Esta técnica pictórica implica la transición suave, casi imperceptible, de
un color a otro, mediante gradaciones tonales ultra sutiles. Evidente en toda la pintura, el uso
de sfumato por parte de Leonardo es particularmente visible en el contorno suave de la cara
de Lisa Gherardini, alrededor de los ojos y la boca. Era una técnica de pintura al óleo que ya
había demostrado con gran éxito en La virgen de las rocas (1483-5).
La impresión general creada por el retrato de Mona Lisa es de gran serenidad, enriquecida
por un aire definido de misterio. La serenidad proviene del esquema de colores apagados, la
tonalidad sfumato relajante y la armonía creada por la pose en forma de pirámide y las
cortinas discretas de la modelo. El misterio proviene de una serie de factores: primero, su
enigmática media sonrisa; segundo, su mirada, que se dirige a la derecha del espectador; sus
manos que tienen una cualidad ligeramente irreal y sin vida, casi como si pertenecieran a un
cuerpo diferente.