UNIDAD N° 6.

VI). Concepto de diseño en las Artes Gráficas

Las vanguardias artísticas y su aplicación al diseño: Definición de modernidad. Teorías y aplicaciones

dentro del campo del diseño. Concepto de vanguardia

Las vanguardias artísticas son los movimientos de la primera mitad del siglo XX que revolucionaron las
artes plásticas occidentales (pintura y escultura). Algunos de estos movimientos se expresaron también
en el diseño gráfico, industrial y arquitectónico.

El término vanguardia ha sido uno de los más utilizados para el desarrollo del arte en el siglo XX, sea
para definir posturas ante el arte y su papel en la sociedad, sea para ordenar el estudio de la historia del
mismo siglo. Convirtiéndose así en un fenómeno nuevo respecto a otros periodos de la historia,
importante para comprender el arte de nuestra época, y solo en ésta aparecen expresiones como:
Arquitectura de vanguardia, música de vanguardia, cine de vanguardia, etc.

Las vanguardias fueron experiencias grupales más o menos organizadas, en las cuales los artistas
suscribían una misma agenda estética e ideológica. Por eso, varios movimientos tuvieron manifiesto
escrito. Entre ellos, el expresionismo, el futurismo, el suprematismo, el dadaísmo, el neoplasticismo y el
surrealismo.

Fue un momento agitado y complejo, en el que la búsqueda de lo nuevo convivía con la permanencia del
pasado: rechazo de la máquina y aceptación de nuevas tecnologías ( que exploraban o anticipaban el
futuro), agitación social y anarquismo a la par que consolidación de los valores de la cultura burguesa,
además la crisis arte-sociedad se evidencia siendo la característica que conlleva la vanguardia.

Todo se enmarcaba en una época que, abrazada al progreso científico e industrial, también quería que
el arte «progresara». Este impulso transformador respondió en parte a la violenta modernización del
siglo XX, que contrastaba radicalmente con el conservadurismo de la academia artística, todavía atada a
la tradición plástica.

Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario echar la
vista atrás, al siglo XIX. Tres acontecimientos políticos, la constitución de la segunda y la tercera
República Francesa (1848 y 1871) y la Primera Guerra Mundial (1914), provocaron una reacción
intelectual en contra de la sociedad de la época. Empieza así el estereotipo de artista incomprendido,

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bohemio y comprometido con una serie de valores contrarios a todo ese mundo convulso que
provocaba situaciones miserables y desafortunadas.

A estos tres acontecimientos políticos, se debe añadir uno artístico de obligado nombramiento, el
comienzo de los llamados Salones de París, unas muestras artísticas anuales de elevado prestigio que
contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la mayoría de pintores
impresionistas.

Ilustración 32. Primera guerra mundial. Una de las causas de los nuevos movimientos

Veamos cuáles son los movimientos de vanguardia en el arte en la siguiente línea de tiempo:

• 1904. Fovismo.

• 1905. Expresionismo.

• 1907. Cubismo.

• 1909. Futurismo.

• 1910. Abstracción lírica.

• 1914. Constructivismo.

• 1915. Suprematismo.

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 • 1916. Dadaísmo.

• 1917. Neoplasticismo o De Stijl.

• 1924. Surrealismo.

Las vanguardias artísticas fueron muy diversas, aunque muchas de ellas colaboraron entre sí con
libertad. Todas compartían el mismo espíritu, a partir del cual es posible delimitar características
comunes, tales como la rebeldía, el rupturismo, la libertad de expresión, el interés por temas actuales y
el rechazo de la burguesía. Veamos.

• Espíritu de rebeldía con respecto a la academia artística. Los artistas consideraban que la
academia estaba de espaldas a los nuevos tiempos y la libertad creativa.

• Cuestionamiento de la imitación de la naturaleza. Para los nuevos artistas, el significado en las

artes plásticas no estaba regido por el parecido con la realidad ni con el contenido de la escena.
Por eso se rebelaron contra el principio de imitación de la naturaleza en el arte.

• Ruptura con el ideal clásico de belleza. Los vanguardistas supieron encontrar una estética
valiosa en la fealdad y lo grotesco.

• Ejercicio de la libertad de expresión por medio del arte. Los nuevos tiempos preconizaban la
libertad expresiva, y el arte debía ser tribuna para ese ejercicio de pensamiento.

• Deseo de expresar los temas y preocupaciones del sujeto contemporáneo. Las preocupaciones
del ser humano contemporáneo no aparecían en el arte académico, así que los vanguardistas le
dieron representatividad.

• Rechazo de la confiscación simbólica del arte por parte de la burguesía. Los vanguardistas
lamentaban que el arte se limitara a representar los intereses de la clase burguesa.

La Modernidad es una categoría que hace referencia a los procesos sociales e históricos que tienen sus
orígenes en Europa a partir de la emergencia ocasionada desde el Renacimiento. El movimiento propone
que cada ciudadano (hombre libre) fije sus metas según su propia voluntad. Esta se alcanza de una
manera lógica y racional, es decir, sistemáticamente dándole sentido a la vida. Por cuestiones de manejo
político y de poder, se trata de imponer la lógica y la razón, negándose a la práctica de los valores
tradicionales o impuestos por la autoridad.

La Modernidad es un periodo que principalmente antepone la razón sobre la religión. Se crean

instituciones estatales que buscan que el control social esté limitado por una constitución y a la vez se
garantizan y protegen las libertades y derechos de todos como ciudadanos. Surgen nuevas clases
sociales que permiten la prosperidad y la movilidad de clases. Se industrializa la producción para
aumentar la productividad y desarrollar la economía. Se caracteriza por ser una etapa de actualización y
cambio permanente.

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Para comprender los axiomas de la Modernidad, se debe analizar la característica principal del
Renacimiento, ya que este período es un puente entre las dos épocas. El Renacimiento marca al ser
humano como un individuo simbólico, es decir, su propia base de creencias y que el significado
cognitivo textual mayor o bien dicha comprensión del mundo está basada en la religión. En cambio, en
la Modernidad se abandona la creencia de que todo puede ser explicado mediante la religión, y se
procede a elaborar explicaciones científicas de los fenómenos.

La Modernidad es entendida como un proceso de cambios que buscan homogeneizar a la sociedad. Da

paso a la creación de individualidades y permite que los hechos y objetos se hagan de conocimiento y
apropiación universal. Se la considera como un proceso que necesita una actualización permanente.

Es un cambio ontológico del modo de regulación de la reproducción social basado en una

transformación del sentido temporal de la legitimidad. En la modernidad el porvenir reemplaza al
pasado y racionaliza el juicio de la acción asociada a los hombres. La modernidad es la posibilidad
reflexiva de cambiar las reglas del juego de la vida social. La modernidad es también el conjunto de las
condiciones históricas materiales que permiten pensar la emancipación conjunta de las tradiciones, las
doctrinas o las ideologías heredadas, y no problematizadas por una cultura tradicional.

También se ha introducido el término transmodernidad para el mundo caracterizado por

la globalización.

Ilustración 33. El modernismo y el arte

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de libros
y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas y los ex-libris) como en

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el cartelismo (carteles, pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles
decorativos, papel pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.

Muy influyente e imitado fue el checo Alfons Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita
delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como motivo central le ganó trabajos a
nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por
los ilustradores de la época.

Pese a su corta vida, Aubrey Beardsley destacó como uno de los más originales exponentes del
modernismo gráfico, con ilustraciones en blanco y negro de un estilo personalísimo a la vez que
controvertido, por lo irreverente de sus temas.

Otros diseñadores muy importantes fueron Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and
Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser o Franz von Stuck.

Ilustración 34. Le chat noir, de Théophile Alexandre Steinlen, 1896.

El dadaísmo fue un movimiento cultural y artístico creado con el fin de contrariar las artes, que surgió en
1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos
dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara, que llegaría a ser el emblema del dadaísmo.

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Durante la Primera Guerra Mundial, acaecida entre 1914 y 1919, Suiza actuaba como un país neutro,
razón por la cual muchas personas vieron en ese país un refugio privilegiado. Entre esas personas se
contaban artistas, músicos y escritores venidos de todas partes de Europa.

Aquella joven generación de creadores estaba en contra del caos bélico producido por la guerra de
trincheras, a la que interpretaron como un signo de la decadencia de Occidente. En efecto, lo que lucía
como una promesa de desarrollo y progreso durante la segunda revolución industrial (signada por el
matrimonio entre ciencia y tecnología), pronto se convirtió en muerte masiva.

Animados por sus valores antibelicistas y su profundo sentido crítico social, un grupo de artistas y
escritores fundó un movimiento literario y artístico que expresaba su desacuerdo y decepción frente a la
incapacidad demostrada por los discursos oficiales como la ciencia-tecnología, la religión, la filosofía (el
idealismo) y las ciencias sociales (el positivismo) para evitar la destrucción de Europa. A este movimiento
le pusieron el nombre de “dadá” o “dadaísmo”.

Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por
el positivismo. El dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y
especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte.

Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura,

pasando por la pintura o la música

La poesía era ilógica y de difícil comprensión, dado que se basaba en una sucesión de palabras o sonidos
muchas veces sin sentido. Y tomaba una actitud de burla y humor contra la sociedad burguesa. Y en la
pintura seguía el mismo camino, eran collages hechos con objetos de desecho y de la basura.

Para los miembros del Dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través de los
gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación
dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el Dadaísmo crea una especie
de antiarte moderno, por lo que se trata de una provocación abierta al orden establecido.

Ilustración 35. Esquema del dadaismo

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Dadaísmo: Las técnicas dadaístas Sus obras. La gráfica dadá. Bauhaus: Cambios ideológicos en la
escuela: del expresionismo inicial a la nueva objetividad. El legado de la escuela Bauhaus.
El dadaísmo suele ser una sucesión de palabras, letras y sonidos a la que es difícil encontrarle lógica. Se
distingue por la inclinación hacia lo dudoso, la muerte, lo fantasioso, y por la constante negación. Así,
busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de
pensamientos antes no mezclables, lo cual conlleva a una tónica general de rebeldía o destrucción. El
dadaísmo es caracterizado, también, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas
pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. El
movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la
existencia del arte, la literatura y la poesía. De hecho, por definición, cuestiona el propio dadaísmo.

El dadaísmo se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto
de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo, entendiendo
por humanismo toda la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria

Características y fundamentos del dadaísmo

El dadaísmo o arte dadá no definió un estilo unificado, ya que se basaba, precisamente, en la crítica al
sentido tradicional del arte, de la escuela o del estilo. Aun así, se unía en torno a un conjunto de
principios compartidos que le dieron un tono característico, tanto en lo literario como en lo plástico.
Conozcamos entonces sus características principales.

Carácter interdisciplinario

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 Ilustración 36. Fonetica dadaista

El movimiento dadaísta fue de tipo interdisciplinario, es decir, se manifestó tanto en las artes plásticas
(pintura y escultura) como en la literatura. También integró la foografía y la escultura. En todas estas
disciplinas privó el sentido iconoclasta y la subversión.

Por ello, el dadaísmo también creció abrazado a los manifiestos y, de hecho, a lo largo del movimiento
se llegaron a redactar unos siete manifiestos en total.

Aborrecimiento frente al concepto de belleza

Para los dadaístas, el concepto tradicional del arte perdía sentido frente a la realidad de la violencia
desatada en Europa. Frente al horror de la guerra, la búsqueda de la belleza y la idea de un arte para
complacer los sentidos eran absolutamente inadmisible.

Sentido antiartístico y antiliterario

Más que un arte, el Dadá o dadaísmo es más bien un antiarte, es decir, es un planteamiento, un
concepto, un posicionamiento, lo cual lo convierte, sobre todo, en un modo de actuar sobre la realidad y
no en un lenguaje pictórico o literario específico.

Valoración del gesto artístico por encima del objeto artístico

El artista dejará de ser el que pinta o esculpe, el que genera belleza, y pasará a ser aquel que escoge un
objeto sin pretensiones estéticas y le otorga un significado por el sólo hecho de haberlo seleccionado.

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De esta manera, se instaura la era en que el gesto del artista será lo realmente estimado como
“artístico”.

Humor irónico, carácter provocador e irreverente

El dadaísmo se propuso así una burla feroz del arte –no solo del arte tradicional sino incluso de las
vanguardias como el cubismo y el futurismo, este último glorificador de la guerra-, una burla de la
burguesía capitalista, finalmente, un desafío a la estética.

Crítica aguda en contra de la sociedad occidental

La propuesta del dadaísmo se estructura como un rechazo a los valores burgueses de principios de siglo.
En efecto, los valores reinantes de aquella generación, como la fe ciega e irreflexiva en el desarrollo
científico-tecnológico como sentido de la historia, el nacionalismo radical, el culto al capital y el uso del
arte como tranquilizador de conciencias despertaron el malestar de la nueva generación de creadores.

Reivindicación de la irracionalidad como rechazo al positivismo

Al quedar al descubierto que la razón moderna no traía consigo una mejor vida sino destrucción masiva,
los dadaístas entendieron que el arte y la literatura ya no se justificaban en nombre de la razón. Dieron
paso así a la reivindicación de lo irracional en el arte y de lo absurdo. Esta manera de operar en la
creación hizo posible un desarrollo creativo sin precedentes, aunque no exento de polémica y rechazo.

Creación de nuevas técnicas artísticas

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 Ilustración 37. Representación del dadaismo

En artes plásticas, el dadaísmo trajo consigo la creación de nuevas técnicas artísticas como fotomontaje
y ready made, y aprovechamiento de técnicas como el collage, creada por el cubismo.

El fotomontaje fue una técnica creada por los dadaístas que consistía en superponer diversos
fragmentos de fotografías para crear una obra única. Estos fragmentos a veces se interconectaban por
recursos adicionales como las ilustraciones.

El ready made, que se ha traducido como objeto encontrado u objeto confeccionado, era una técnica
que consistía en tomar un objeto de uso cotidiano e intervenirlo con una intención deliberadamente
significante.

Uso innovador de la palabra

Apegado a los valores del movimiento, el dadaísmo prefirió el uso de palabras por sucesión sin que
estuvieran hiladas por un significado evidente o un sentido discursivo lógico.

Tomaron también como materia prima las letras en sí y los sonidos, lo que permitía evitar la asociación
con un sentido racional. Lo aleatorio jugó en ello un importante papel.

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Asimismo, implementaron técnicas como el caligrama, que ya había sido utilizado por Guillaume
Apollinaire, escritor a quien se relacionaba con el cubismo.

La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño
industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no
existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los
fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más
predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría
todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está
leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau
fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1996.

Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el creciente acoso por parte
del nazismo. Debido a que la ideología Bauhaus era vista como judío-socialista los nazis cerraron la
escuela.

Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalaron
finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales.

La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la

racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se
debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos
primeras décadas del siglo xx, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de
siglo.

La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en
manos de la aristocracia. Esto exigía también del militarismo y el imperialismo para mantener la
estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD había galvanizado las posiciones políticas con
conceptos de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra
el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demostraron una creciente capacidad de
organización, cuestión que fue forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más
evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística,
algunos de sus integrantes mantuvieron un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda
pero la Bauhaus como institución se mantuvo al margen de los procesos político-sociales. A pesar de ello
y como consecuencia de la rebeldía de algunos de sus alumnos La Bauhaus —como demuestran los

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problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía— adquirió la reputación de ser
profundamente subversiva.

Ilustración 38. Logotipo de la Escuela Bauhaus

La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1400
aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y la traumática experiencia de la recién
acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de
nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente
temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya
organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado
fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución
en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las
tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre
trabajo y vida privada. Además de estas fiestas «oficiales», cualquier acontecimiento era igualmente
susceptible de desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la
nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño.

Desde pinturas y gráficos hasta arquitectura y diseño de interiores, la Bauhaus dominó muchas formas
de arte experimental europeo durante las décadas de 1920 y 1930. Aunque suele asociarse con
Alemania, este movimiento atrajo e inspiró a artistas de todos los orígenes. Hoy en día, su influencia se
puede encontrar en el arte y el diseño de todo el mundo, ya sea dentro de las paredes de un museo o en
una calle suburbana.

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En Weimar, Gropius sentó las bases para la Bauhaus del futuro: fue ahí donde estableció los ideales que
serían considerados visionarios para la época. El arte, según su manifiesto y programa, debería tener un
rol social, y la división entre diferentes disciplinas creativas debería dejar de existir.

En Weimar, el taller de teatro era una parte importante del programa educativo. Este fue dirigido por
Lothar Schreyer entre 1921 y 1923 y por Oskar Schlemmer entre 1923 y 1925. El taller resaltaba la
importancia de tener un enfoque interdisciplinario al unir las artes visuales con las artes escénicas.

Dessau es considerado el apogeo del movimiento de la Bauhaus. Surgió después del cierre de Weimar
por causas políticas, y durante este tiempo, sus miembros se embarcaron en el diseño de nuevos
productos industriales para el consumo masivo (la mayoría de los productos y diseños que son
conocidos hoy en día vinieron de Dessau). También fue aquí donde el famoso edificio de la Bauhaus fue
diseñado y construido por Gropius. Esta iteración de la Bauhaus fue disuelta el 30 de septiembre de
1932.

Berlín fue la última fase de la Bauhaus. Debido a las crecientes presiones de los nazis y a los recortes en
su financiación, el trabajo realizado durante este tiempo fue limitado. El traslado a Berlín ocurrió
después del cierre de Dessau, y los maestros y estudiantes de la Bauhaus se reunieron de nuevo en
octubre de 1932 en una fábrica de teléfonos abandonada. Sin embargo, el 11 de abril de 1933, el local
fue registrado y cerrado por la policía y la SA.

El cuerpo docente disolvió la Bauhaus en julio de 1933. Sin embargo, incluso después de enfrentarse a
un cierre permanente, la influencia y la estética de la escuela sobrevivieron, culminando en el
movimiento de la Bauhaus.

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 Ilustración 39. Arte "Bauhaus"

En la escuela, conocida simplemente como 'Bauhaus', la creatividad y la producción se hacían una con
el objetivo de imaginar un nuevo paradigma para crear arte y objetos. Este enfoque se centraba en
una estética limpia, funcional y mínima, que destacaba por su reconfortante pureza y su incomparable
elegancia.

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 UNIDAD N° 7.
VII). El movimiento de la nueva tipografía.

Las tipografías
Importancia de la tipografía: las letras también comunican cosas.

Las letras están por todas partes. Esto es un hecho. Solo tenemos que mirar a nuestro alrededor. El
correcto uso de estas letras es la manera más eficaz y más poderosa de transmitir un mensaje. Son una
herramienta de comunicación imprescindible en el diseño gráfico. La importancia de la tipografía va más
allá del significado del texto, ya que con las letras pueden comunicar estados de ánimo, pueden ser
relacionadas con momentos históricos concretos o incluso con estilos de vida. Un sencillo cambio de
tipo de letra, de tamaño, de grosor, etc. puede añadir énfasis e intención a la información que se ha
colocado en la página (podríamos incluso extendernos y pensar en los peritos caligráficos) .

Puede darse el caso de que la tipografía sea el único elemento gráfico con el que contamos en un
proyecto, como en algunas portadas de libros o carteles, compuestas solo por letras. Componer estos
supuestos de manera efectiva y con una estética milimetrada es uno de los retos más difíciles que puede
enfrentar un diseñado

El diseñador y director de arte Diego Areso especificaba en su curso de tipografía para la Universidad
Carlos III que “en tipografía, todo depende del ojo que mira”.

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Un tipo de letra que nos es familiar siempre será más fácil de leer, un tipo de letra que nos es ajeno
servirá para llamar la atención, haciendo hincapié en su significado, puede que incluso alterándolo.

Esto quiere decir que, por norma general, una tipografía tendrá un fuerte impacto subliminal en la
persona, y no todo el mundo la percibirá de la misma manera. Se pueden establecer algunos puntos
comunes dentro de este universo de sensaciones que las letras provocan. Por ejemplo, se puede decir
que las formas curvas son consideradas más tranquilas o que las angulosas suelen provocar tensión. Del
mismo modo, las letras inclinadas suelen dar sensación de movimiento frente a las no inclinadas, que
suelen ser más estáticas.

Todo diseño hecho con tipografías consta de dos partes: la “macrotipia” o composición del espacio (lo
que sería la primera impresión), y la “microtipia” o los detalles que componen la letra como la línea, la
puntuación, la forma, etc. (normalmente, este nivel se capta de manera inconsciente). El éxito de un
conjunto dependerá del buen funcionamiento de las dos partes.

Una familia tipográfica es el conjunto de todas las variantes tipográficas dentro de una fuente,
diferenciadas por: - Peso: light, regular o bold. - Inclinación o eje: roman o italic. - Proporción o ancho:
regular, condensed o extended

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Seleccionar adecuadamente tipografías según su clasificación

Una breve clasificación nos ayudará a entender un poco más la anatomía de las letras, así como la lógica
de su uso y combinación. El asta o el remate (también conocido como gracia) son los elementos que,
por norma general, determinarán a qué categoría pertenece cada fuente. La clasificación básica suele
establecerse entre serif (con remates) y sans serif (sin remates), aunque hay muchas más subclases en
cada una de ellas.

Clasificar las tipografías es a groso modo una herramienta útil para poder categorizarlas y simplificar el
arduo trabajo que hay que llevar a cabo con ellas, entendiendo, eso sí, que no todas tienen que encajar
forzosamente en estos tipos.

La palabra clave en este campo es adaptación. Los diseñadores se encuentran ante la disyuntiva de que
tienen que adaptarse a los nuevos formatos, a las nuevas herramientas y, en consecuencia, a las nuevas
formas de diseñar y de comunicar a través del diseño.

El uso de tipografías en diseños digitales se rige por las normas que hemos estudiado para cualquier
proyecto editorial. Si bien, no todas las tipografías son adecuadas para usar en línea, ya que todos los
ordenadores o dispositivos en los que se visualice un diseño deben poder mostrar las tipografías que
hayamos colocado. Por ello, para diseños destinados a visualizarse en digital, lo que se aconseja es

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utilizar el catálogo disponible en https://fonts.google.com/. Esto nos asegura que nuestras fuentes no
darán problemas en ningún dispositivo ni en el terreno de la programación.

Debemos tener en cuenta que los tamaños de las letras no funcionan igual en papel que en digital.
Tenemos que hacer pruebas continuamente para chequear que los textos de nuestro diseño sean
legibles en cualquier dispositivo. Generalmente, los programas de diseño digital tipo Sketch cuentan con
una biblioteca de textos para tamaños estándar según su categoría: titulares, índices, superíndices,
textos generales, etc.

El artdecó y el nuevo cartelismo.

El Art Déco es un estilo con las contradicciones de los años 20 y 30, de la época del modernismo
y del arte comprometido. Art Déco es el nombre del estilo en las artes y la decoración. El
período llamado " Art Déco " se manifestó entre las dos guerras mundiales, de 1920 a 1939.
Muchos estiran realmente este período de nuevo a 1900 e incluso hasta los últimos años 50,
pero el trabajo de este tiempo se considera generalmente ser más de una influencia al estilo de
Art Déco, o es influenciado por el estilo.

Como con muchos otros movimientos del arte, incluso el trabajo de hoy todavía está siendo
influenciado por el pasado. Tiene dos caras: la opulenta de los años 20 y la depresiva de los 30,
del expresionismo y el funcionalismo, de las guerras mundiales y la paz. Durante el período
entre las dos guerras mundiales, un estilo ecléctico del diseño se convirtió que más adelante se
conocía como Art Deco. El nombre fue derivado de los artes 1925 del DES de Internationale de
la exposición Décoratifs Industriels et Modernes, sostenido en París, que celebró la vida en el
mundo moderno.

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Hoy, el " Art Déco " se utiliza para referir a una mezcla de estilos a partir de los años 20 y de los
años 30. La era de Art Déco era una de contradicciones. Con los años 20 el rugir y la gran
depresión de los años 30, el estilo de Art Déco infundió el diario mundo con un estilo elegante
de la sofisticación fresca. Los musicales de los cantantes y las audiencias entretenidas los
escritores de canciones con el nuevo medio de la radio, y de Hollywood ofrecieron la esperanza
de épocas mejores y de un escape temporal de apuros diarios. El recorrido estaba en las
noticias con los revestimientos marinos que competían con el Atlántico y entrena a continentes
de la travesía, mientras que la velocidad se convirtió en una metáfora por épocas modernas

Lo que caracteriza el diseño de Art Déco es la configuración y los artes aplicados del período
revelan una mezcla variada. Sin embargo, la mayoría comparten los sellos de la geometría y de
la simplicidad, combinados a menudo con los colores vibrantes y la dimensión de una variable
simple que celebran la subida de comercio y de tecnología. Objetos lujosos hechos de los
materiales exóticos producidos para la masa, disponibles para una clase media cada vez mayor,
el mundo del Art Déco representa un " belleza de la forma”. Este período del diseño y del estilo
no acaba de afectar la configuración.

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Los muebles, la escultura, la ropa, la joyería y el diseño gráfico todo fueron influenciados por el
estilo de Art Déco. Era básicamente una "modernización" de muchos estilos y temas artísticos a
partir del pasado. Los elementos modernos incluyeron la máquina y modelos y dimensión de
una variable del automóvil que producían eco tal como engranajes y ruedas estilizados, o
elementos naturales tales como rayos de sol y flores. Las líneas del Art Déco son rectas y
angulares en gran medida, pero también curvadas, circulares y ovales, no con el sentido
floreado del Art Noveau, sino con figuras geométricas como el hexágono y el pentágono.

De la flora y la fauna se toman gacelas y galgos, ligeros y elegantes; o elefantes, osos, palomas y
sobre todo panteras y garzas; girasoles y helechos, plantas simétricas como las palmas y los
cactus. Las siluetas humanas son finas y delgadas, ligeras y elásticas, con vestidos rectos y
entubados de seda y brillantes, corte entre la rodilla y el talón y sombrero: Una estampa. Las
principales obras de la decoración Déco se encuentran en joyas, cristales, tejidos, alfombras,

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muebles de madera con incrustaciones en otros materiales, lámparas de pie y de mesa, y en
piezas modernas de uso doméstico como cocteleras, cafeteras, licuadoras, radios, y en general
en todo el diseño gráfico e industrial. El diseño industrial hizo un nombre para sí mismo durante
la era de Art Déco. Durante los años 30, las compañías de fabricación comisionaron los
consultores del diseño industrial producir una variedad de mercancías. Influenciado por
esfuerzos de desarrollar un automóvil más aerodinámico, los diseñadores industriales
adoptaron las formas aerodinámicas para un número de objetos.

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Hecho de los últimos materiales, tales como plásticos, cromo y aluminio, las mercancías
domésticas tenían una mirada moderna, alta de la velocidad y estaban disponibles para cada
uno debido a la producción en masa. En la arquitectura, la obsesión del Art Déco por el diseño
se refleja en el efecto decorativo más que en la estructura, en oposición al funcionalismo. Pero
el Art Déco no se puede entender por fuera de la complejidad histórica del inicio del siglo XX. En
la primera década aparece la arquitectura de Le Corbusier, el baño integrado al espacio
habitable, la masificación de materiales como concretos, acero, vidrio, cromo y la pintura
metalizada, en un diseño que no quería ornamentaciones innecesarias.

Los arquitectos norteamericanos crean las ciudades de rascacielos y arquitectura gótica: San
Francisco, Chicago, Nueva York. Anque la tierra prometida es América, Europa sigue
imponiendo las ideas y la vanguardia en el arte. En el año 17 madura la oposición al
mercantilismo, que habría de influir mucho en las artes y las artes decorativas de las décadas
siguientes. Los colores son azul y rosa, blanco, negro, rojo, lila; los tonos crema y pastel. Se
experimentan nuevas tintas y técnicas pictóricas. Las piedras son la aguamarina, el jade, el ónix.
El Art Déco debe su popularidad a los almacenes por departamentos de París, como las galerías
Lafayette, que abrió un estudio de diseño bajo la dirección artística de Maurice Dufrêne. Los
diseñadores gráficos del Art Déco son un producto de su edad, y reflejan el espíritu de la
modernidad y de la ingeniosidad industrial. El estilo gráfico de la formalidad y de la simplicidad
geométrica son a menudo usadas en este período para transformar o para torcer la realidad,
reinterpretando el mundo en el estilo Deco. Los elementos del Cubismo y del Futurismo son
evidentes en muchos trabajos, y el recorrido y el transporte son temas populares.

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El Art Déco implica un mercado más abierto. El decaimiento del mismo, hacia los años 30, es
fundamental en su historia. Se producen en serie los diseños tipo y también aparece el kitsch y
los 'gadgets' inútiles que vulgarizan el estilo. Su agonía coincide con los sobresaltos políticos y
económicos de una década convulsiva que significó el rompimiento de muchas cosas, y el Art
Déco no se salvó de morir.

Cartelismo es la especialidad de las artes gráficas que consiste en la realización de carteles. Cartelista es
el artista con esta especialidad, cuya ubicación dentro de la clásica denominación de "pintor" es
problemática. Es habitual también la utilización de los términos
franceses affichisme y affichiste (de affiche, "cartel" -el término "poster" se utiliza para los carteles que
han perdido su inicial función publicitaria para pasar a ser esencialmente un medio de expresión
artístico-).

A finales del siglo XIX, con la aplicación de la litografía y la utilización del color, que permitieron ilustrar
de un modo vibrante y con mayor impacto, el cartel logra un puesto dominante en la publicidad, como
correspondía a la naciente sociedad de consumo de masas.

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Además de la cartelería publicitaria, existe una larga tradición de cartelería de propaganda política, que
se utiliza con profusión durante las campañas electorales, donde impresos de todo tamaño (folletos,
carteles y vallas publicitarias) divulgan las fotos de los candidatos, el logotipo de los partidos y
los eslóganes electorales. El cartelismo político fue especialmente importante en la primera mitad del
siglo XX, sobre todo durante el periodo de entreguerras (1914-1918). El cartelismo bélico fue muy
utilizado en ambas guerras mundiales. Junto a estos, existió también el cartelismo asociado a
movimientos sociales, como el de la lucha por el sufragio femenino

El Cartelismo político es la vertiente del cartelismo que se enfoca a la propaganda política. El cartel
político es un instrumento gráfico y visual eficaz para la transmisión de las ideologías. Ha sido definido
como "un grito en la pared" que atrapa la atención y obliga a percibir un mensaje. Durante todo el siglo
XX se ha utilizado como herramienta de propaganda política de cualquier régimen político, democrático
o autoritario; pero sobre todo destacó su uso en las dos guerras mundiales y durante el periodo de
entreguerras, cuando los totalitarismos soviético, fascista y nazi lo utilizaron con profusión y eficacia, al
igual que ambos bandos de la guerra civil española.

El cartel se consolidó en la sociedad como un medio de exhibición y como objeto buscado

por coleccionistas. Fue el mundo industrializado de finales de siglo XIX el que hizo posible su aspecto.

Entre 1870 y la I Guerra Mundial, el cartelismo era esencialmente publicitario, reflejaba los estilos de
moda en decoración y usaba un lenguaje comprensible para la mayoría. Algunos cartelistas fueron más
allá de las convenciones iniciales del género, como Jules Chéret y Toulouse-Lautrec.

Con la I Guerra Mundial, la revolución soviética y el surgimiento de los fascismos surgió el cartel político
propiamente dicho, con sus propias convenciones.

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Los carteles bélicos de la I Guerra Mundial presentan: el conflicto como una cruzada. Hubo carteles
de reclutamiento, carteles que solicitaban apoyo económico (bonos de guerra), y carteles que
divulgaban las atrocidades de la guerra, en los que cada bando presentaba al otro como un villano.

Ilustración 40. Cartel clasico del Tio Sam

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 UNIDAD N° 8
VIII). Grafica en la Argentina

Gráfica editorial en el siglo XIX: La aparición de la fotografía. Avances tecnológicos relacionados con la
gráfica.

La invención de la máquina de vapor aunada a las mejoras conseguidas en la extracción del hierro y la
fabricación de un mejor acero llevaron a la industrialización de grandes ciudades europeas y
norteamericanas, el país que llevó la delantera en este proceso fue Inglaterra. Este desarrollo de la
industria generó también una migración enorme de campesinos hacia las ciudades que pronto se
convirtieron en focos de problemas de hacinamiento, pobreza y maltrato por las condiciones
infrahumanas en que trabajaban los obreros de las fábricas, muchos de ellos niños, en jornadas que
llegaban a 16 horas diarias.

En ese entorno surgen movimientos sociales y Karl Marx escribe "El Capital", generando la idea del
socialismo y el comunismo como alternativa al capitalismo descarnado que se vivió durante las décadas
iniciales del siglo XIX.

Es también en estas condiciones que escribe Ruskin sobre el deterioro evidente de la belleza de los
productos que se producían en ese momento, mostrando cómo la industrialización había destruido el
buen gusto, William Morris llega más lejos aún al rechazar el uso de la máquina e intentar volver a la
artesanía para crear productos de calidad, fundó la imprenta Kelmscott Press y es parte fundamental del
movimiento Arts & Crafts, precursor de algunos de los movimientos posteriores como el Art Nouveau,
siendo socialista sus intentos fueron enfocados a la clase obrera pero pronto se vio que los únicos que
podían pagar artesanía de calidad era la misma clase burguesa que siempre la había adquirido.

A pesar de ese fracaso, Morris sentó la idea de que el diseño debía ser para todas las clases sociales,
abriendo el camino que en el siglo XX sería la tónica, pues la industria actual produce diseño de calidad
de todo precio y se ha generado un aprecio al diseño que trasciende a la mayor parte de la humanidad.

La fotografía ha jugado un papel vital en la historia humana. Antes de su invención, la información se

transmitía por escrito, de boca en boca o por ilustraciones y pinturas. Hoy, las cosas son diferentes. Si
estás pensando en estudiar una carrera de fotografía, entonces te interesará conocer la historia de la
fotografía y cómo esta ha evolucionado en el tiempo.

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 Ilustración 41. Una de las primeras camaras de la historia

El concepto básico de la fotografía ha existido desde el siglo V a. C. Este arte nació en el siglo XI cuando
un científico iraquí desarrolló algo llamado «la cámara oscura». Incluso entonces, la cámara en realidad
no grababa imágenes, simplemente las proyectaba en otra superficie. Las imágenes también estaban al
revés, aunque podían rastrearse para crear dibujos precisos de objetos reales como edificios.

La primera cámara oscura usaba un agujero en una carpa para proyectar una imagen desde el exterior
de la carpa en la zona oscura. No fue hasta el siglo XVII que la cámara oscura se hizo lo suficientemente
pequeña para ser portátil. En esta época, también se introdujeron lentes básicos para enfocar la luz.

Las primeras imágenes permanentes

La fotografía, como la conocemos hoy, comenzó a finales de la década de 1830 en Francia. Joseph
Nicéphore Niépce utilizó una cámara oscura portátil para exponer a la luz una placa de peltre recubierta
de betún. Esta es la primera imagen grabada que no se desvaneció rápidamente.

El éxito de Niépce llevó a una serie de otros experimentos y la fotografía progresó muy rápidamente.
Daguerrotipos, placas de emulsión y placas húmedas se desarrollaron casi simultáneamente entre
mediados y finales de 1800.

Con cada tipo de emulsión, los fotógrafos experimentaron con diferentes químicos y técnicas. Los
siguientes son los tres que fueron fundamentales en el desarrollo de la fotografía moderna:

Daguerrotipo

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El experimento de Niépce llevó a una colaboración con Louis Daguerre. El resultado fue la creación del
daguerrotipo, un precursor del cine moderno.

• Una placa de cobre se recubrió con plata y quedó expuesta al vapor de yodo antes de ser
expuesta a la luz.

• Para crear la imagen en la placa, los primeros daguerrotipos tuvieron que exponerse a la luz
hasta 15 minutos.

• El daguerrotipo fue muy popular hasta que las placas de emulsión lo reemplazaron a finales de
la década de 1850.

Placas de emulsión

Las placas de emulsión, o placas húmedas, eran menos costosas que los daguerrotipos y solo requerían
dos o tres segundos de tiempo de exposición. Esto las hizo mucho más adecuadas para las fotografías de
retrato, que era el uso más común de la fotografía en el momento. Muchas fotografías de la Guerra Civil
se produjeron en placas húmedas.

Estas placas húmedas usaron un proceso de emulsión llamado proceso de colodión, en lugar de un
simple recubrimiento en la placa de imagen. Fue durante este tiempo que se añadieron fuelles a las
cámaras para ayudar a enfocar.

Placas secas

En la década de 1870, la fotografía dio otro gran paso adelante. Richard Maddox mejoró un invento
anterior para hacer placas de gelatina seca que eran casi iguales a las placas húmedas en velocidad y
calidad.

Estas placas secas podían almacenarse en lugar de fabricarse según las necesidades. Esto le dio a los
fotógrafos mucha más libertad para tomar fotografías. El proceso también permitió cámaras más
pequeñas que se podían sostener en la mano. A medida que disminuyeron los tiempos de exposición, se
desarrolló la primera cámara con obturador mecánico.

Diseño gráfico y la tecnología.

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El constante y continuo desarrollo de las nuevas tecnologías arrastra con él a otros sectores que se ven
obligados a evolucionar a la misma velocidad. El diseño gráfico es una de las disciplinas que no se puede
resistir al incesante cambio y a la permanente mejora de las más diversas aplicaciones; entre otras
razones porque el diseño gráfico es, con sus creaciones, una de las herramientas fundamentales a través
de las que puede mostrar y llamar la atención del consumidor sobre las nuevas aplicaciones
tecnológicas.

Avances tecnológicos en el diseño gráfico.

Tras ser una industria que se basa en la tecnología para materializar sus ideas, y conducir hacia adelante
la creatividad, el diseño gráfico está fuertemente influenciado por los avances tecnológicos y la
invención. A partir de programas como Adobe Illustrator e InDesign, incluso la propia Internet, el mundo
de las artes gráficas se ha transformado gracias a las nuevas tecnologías. Los diseñadores viven
actualmente en lo que se conoce como la era digital, un período que se ha caracterizado por presentar
cambios de tecnología mecánica y analógica. Esto significa que están inmersos en la época de la
tecnología digital y la manipulación de la información, de manera que el desarrollo eficaz de sus trabajos
se ha visto altamente influenciados por las diversas herramientas que promueven la obtención del
conocimiento de manera autodidacta y los novedosos softwares de diseño. A diferencia de las
generaciones anteriores, los diseñadores tienen ahora la tecnología digital como su principal aliada.

Los cambios en el mundo de las artes gráficas

Gracias a la llegada de los ordenadores más rápidos y potentes, hoy en día los diseñadores pueden
realizar piezas visuales de mayor calidad. Por ello, los espectadores o sus clientes esperan más colores,
resoluciones más altas, y en efecto, la elaboración de diseños más detallados, debido a que los
computadores ya pueden manejar estos gráficos. Las tabletas gráficas, los nuevos softwares de diseño y
los avances en la impresión, han hecho posible que los diseñadores puedan llevar a cabo proyectos más
creativos, casi sin limitaciones. Además, ahora estos profesionales pueden trabajar más rápido con una
Tablet, en vez de utilizar un mouse para hacer todo su trabajo.

Cámaras para todos

La fotografía era solo para los profesionales y los más ricos hasta que George Eastman fundó una
empresa llamada Kodak en la década de 1880. Eastman creó una película de rollo flexible que no
requería cambiar constantemente las placas sólidas. Esto le permitió desarrollar una cámara de caja

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autónoma que tenía 100 exposiciones de película. La cámara tenía una pequeña lente única sin ajuste de
enfoque.

Presentación de cámaras inteligentes

A finales de la década de 1970 y principios de 1980, se introdujeron cámaras compactas que eran
capaces de tomar decisiones de control de imagen por sí mismas. Estas cámaras de «apuntar y disparar»
calculaban la velocidad de obturación, la apertura y el enfoque, permitiendo que los fotógrafos se
concentren únicamente en la composición.
La era digital

En las décadas de 1980 y 1990, varios fabricantes trabajaron en cámaras que almacenaban imágenes
electrónicamente. Las primeras fueron cámaras de apuntar y disparar que usaban medios digitales en
lugar de películas.

En 1991, Kodak había producido la primera cámara digital lo suficientemente avanzada como para que
los profesionales la usen de forma exitosa. Otros fabricantes le siguieron rápidamente y hoy Canon,
Nikon, Pentax ofrecen cámaras réflex digitales (DSLR).

Diseño gráfico y la tecnología.

El constante y continuo desarrollo de las nuevas tecnologías arrastra con él a otros sectores que se ven
obligados a evolucionar a la misma velocidad. El diseño gráfico es una de las disciplinas que no se puede
resistir al incesante cambio y a la permanente mejora de las más diversas aplicaciones; entre otras
razones porque el diseño gráfico es, con sus creaciones, una de las herramientas fundamentales a través
de las que puede mostrar y llamar la atención del consumidor sobre las nuevas aplicaciones
tecnológicas.

Avances tecnológicos en el diseño gráfico.

Tras ser una industria que se basa en la tecnología para materializar sus ideas, y conducir hacia adelante
la creatividad, el diseño gráfico está fuertemente influenciado por los avances tecnológicos y la
invención. A partir de programas como Adobe Illustrator e InDesign, incluso la propia Internet, el mundo
de las artes gráficas se ha transformado gracias a las nuevas tecnologías. Los diseñadores viven
actualmente en lo que se conoce como la era digital, un período que se ha caracterizado por presentar
cambios de tecnología mecánica y analógica. Esto significa que están inmersos en la época de la
tecnología digital y la manipulación de la información, de manera que el desarrollo eficaz de sus trabajos

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se ha visto altamente influenciados por las diversas herramientas que promueven la obtención del
conocimiento de manera autodidacta y los novedosos softwares de diseño. A diferencia de las
generaciones anteriores, los diseñadores tienen ahora la tecnología digital como su principal aliada.

Los cambios en el mundo de las artes gráficas

Gracias a la llegada de los ordenadores más rápidos y potentes, hoy en día los diseñadores pueden
realizar piezas visuales de mayor calidad. Por ello, los espectadores o sus clientes esperan más colores,
resoluciones más altas, y en efecto, la elaboración de diseños más detallados, debido a que los
computadores ya pueden manejar estos gráficos. Las tabletas gráficas, los nuevos softwares de diseño y
los avances en la impresión, han hecho posible que los diseñadores puedan llevar a cabo proyectos más
creativos, casi sin limitaciones. Además, ahora estos profesionales pueden trabajar más rápido con una
Tablet, en vez de utilizar un mouse para hacer todo su trabajo.

Las nuevas tecnologías no solo han logrado cambiar las tendencias de consumo de la población.
Además, el avance tecnológico ha permitido el desarrollo de importantes sectores de la economía como
la industria gráfica.

Actualmente, a través de Internet el público tiene la oportunidad de acceder a servicios de

imprenta online, agilizando la solicitud de folletos, tarjetas, catálogos y otros impresos publicitarios o
de oficina. Es indudable que la industria de la imprenta ha avanzado considerablemente desde sus
rudimentarios inicios.

Desarrollo de la industria de gráfica

La industria gráfica es un amplio sector, cuyas empresas pueden clasificarse de acuerdo al tipo de
proceso utilizado para la impresión. Las nuevas tecnologías de impresión han logrado el desarrollo de
innovadores métodos y el perfeccionamiento de técnicas como flexografías, litografía, litografía sobre
metal, rotograbado, serigrafía, tipografía, publicidad exterior, entre otras.

Gracias al desarrollo tecnológico, este sector ha dado importantes saltos cualitativos en las últimas
décadas, pasando de las históricas impresoras láser IBM 3800 y Xerox 9700 hasta llegar a las increíbles
impresoras 3D. Ahora es posible imprimir todo tipo de figuras tridimensionales con diferentes tipos de
materiales, entre los que se incluyen materiales comestibles para la preparación de platillos.

A su vez, se debe destacar el importante papel que ha jugado la digitalización de la industria de la

impresión. Cada vez es mayor el número de empresas de impresión que migran a Internet con el

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objetivo de atraer a una mayor cantidad de clientes, ahorrar costes y elevar sus niveles de
competitividad en el mercado.

De hecho, la transformación digital ha sido un proceso indispensable para reducir el impacto de la

pandemia en el sector gráfico. Los clientes particulares y empresariales tan solo deben contar con una
conexión estable a internet para adquirir amplios catálogos de productos.

La imprenta digital: el futuro de la impresión

La llegada de la pandemia se ha encargado de profundizar las tendencias de digitalización de la

economía. Como resultado de ello, la impresión digital se ha convertido en un servicio gráfico de
creciente demanda en todo el país.

Mediante una relación remota, las empresas de impresión tienen la capacidad de interpretar y traducir
las ideas abstractas de los clientes, logrando un diseño totalmente digital de un producto. Es así como
las compañías pueden obtener una detallada visualización digital de productos que desean fabricar.

Sin duda, la industria gráfica ha demostrado su capacidad para adaptarse a las tendencias que han
predominado en las últimas décadas en todo el mundo. La gran amplitud de este sector ha permitido a
diferentes sectores empresariales disfrutar de todas las ventajas que ofrecen las estrategias de
marketing offline.

La gráfica moderna en el área editorial: Las vanguardias y otros movimientos aplicados al diseño y la
publicidad.
La modernización empresarial y tecnológica De acuerdo con Dombois y Pries (1993) se entiende por
modernización industrial o empresarial a todos aquellos cambios organizacionales conjuntamente con el
cambio tecnológico en los procesos de producción. Según los autores se trata de una evolución
sistémica que nace en Japón a mediados de los años 50’s y que se difunde con múltiples variantes en
todo el mundo. Estas nuevas tecnologías facilitan la producción de bienes y servicios diferenciados e
incrementan la productividad y por lo tanto potencian la valorización del capital. Según Gamboa (2003)
para llevar a cabo la modernización empresarial las empresas ejecutan estrategias empresariales que
son entendidas como: los medios para lograr los cambios a mediano y largo plazo con el propósito de
obtener ventajas comparativas u oponerse a las actuaciones presentes o futuras de los competidores. A
ellas subyacen principios, valores y fines que determinan la dirección de las empresas; además la

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estrategia persigue un conjunto de esfuerzos para integrar y coordinar en un todo coherente, recursos y
operaciones en función de alcanzar objetivos o fines generales.

Ilustración 42.Opiniones y discusiones sobre la industria

¿Qué es el diseño editorial moderno?

El diseño editorial es una rama perteneciente al diseño gráfico cuya función principal consiste en
diseñar y componer de forma óptima distintos tipos de publicaciones. Se trata de programar, clasificar y
estructurar todo el contenido de revistas, libros, periódicos, catálogos, etc. Podríamos afirmar que se
encarga de la arquitectura de las publicaciones.

Una misma publicación puede transmitir diferentes sensaciones a cada lector, por eso resulta tan
importante conocer bien las características específicas de cada proyecto. Un diseño editorial
moderno resaltará las cualidades propias de cada publicación y hará que resulte más atractiva.

En resumen, cualquier tipo de medio de comunicación escrito que desee proporcionar información o
transmitir alguna opinión necesita un buen diseño y maquetación editorial.

El primer y principal objetivo del diseñador editorial debe ser lograr captar la atención del lector entre
un inmenso mar de libros, periódicos y revistas a su disposición.

Es por esta razón que el diseñador editorial debe enfocar su trabajo hacia ese objetivo, desarrollando la
creatividad y activando la imaginación. Una excelente portada puede hacer triunfar a un libro incluso
antes de que sea leído.

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Hoy en día existen diversas maneras de emplear este recurso en distintas publicaciones: libros, folletos,
revistas y páginas de internet.

Y así como el mundo se va adaptando a los distintos estándares que dicta la moda, el diseño editorial ha
evolucionado y se ha adaptado a estos estilos modernos , donde el uso de tipografías es más
escandaloso. Al mismo tiempo se juega con cajas de texto menos rígidas, ahora las propuestas son más
arriesgadas y se basan en el concepto idea central.

El uso de imágenes también ha cambiado pues ya no acompañan al texto para ilustrar la información;
ahora pueden ser la base del diseño. Las ilustraciones, a su vez, juegan un papel muy importante, ya que
los ilustradores han cobrado fuerza en los últimos años, participando con proyectos únicos,
vanguardistas y con novedosas técnicas que han dado excelentes resultados para el mundo del diseño.

Aunque es una técnica que reúne elementos que pueden resultar complejos, es la creatividad la que nos
permitirá jugar con la imaginación y valernos de distintos esquemas; el diseño editorial es en nuestros
días, una manera de hacer más eficiente nuestra publicidad y perfeccionar estrategias de expresión.

Una publicación digital es aquella que se visualiza en un soporte digital, es decir, que se accede a ella
mediante un ordenador u otro dispositivo electrónico y que, además de textos, puede reproducir
imágenes, audio y video o contener enlaces u opciones que permiten un juego de interactividad con el
receptor. Es un hecho indiscutible que cada vez consumimos más contenidos en nuestros dispositivos
móviles. Estamos acostumbrados a leer el periódico en la tableta, a hacer la compra o a reservar
entradas desde nuestro smartphone, etc. Las publicaciones digitales interactivas están optimizadas para
poder ser visualizadas correctamente en cualquier dispositivo digital y aprovechan, en gran medida, las
peculiaridades de estos medios. Los usuarios deben poder moverse por las publicaciones desde
cualquier navegador y tendrán la opción de descargarse la app, si está disponible, en su dispositivo. Para
ello, habrá que tener en cuenta una serie de premisas técnicas que hagan factible la perfecta navegación
y su completa interactividad. Desde que las publicaciones digitales comenzaron a despuntar, la discusión
acerca de si estas acabarían sustituyendo a las de papel ha estado en el aire. Esto no tiene visos de
suceder, si bien es cierto que lo digital se ha abierto un amplio hueco en un mercado que cada vez se
muestra más competitivo. Con el desarrollo de las nuevas tecnologías de la información, las
publicaciones en formato digital han ido ganando terreno, propiciado principalmente por su fácil acceso,
lo que las convierte en un medio de comunicación directo y eficiente, y por el abaratamiento de los
costes de producción que supone.

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Ventajas e inconvenientes de las publicaciones digitales

Ventajas

Las publicaciones digitales son de fácil acceso. Uno puede acceder a una publicación digital
independientemente del lugar en el que fue creada de manera inmediata, siempre y cuando esté
disponible de manera online. - Los costes de producción de una publicación digital son mucho menores
a los necesarios para producir un producto en soporte físico. El coste de producción se limitaría a las
tarifas de servidores o plataformas para poder colocar el producto de manera accesible para su descarga
y la mano de obra. Hay que tener en cuenta que las distintas librerías y quioscos digitales, ya sean de
Apple, Android, Amazon o Windows, cobran una cantidad de dinero por poner las revistas o productos
editoriales en circulación, así como un porcentaje sobre las ventas. - Desde el punto de vista creativo se
rompen las barreras de lo estático que marcaba el soporte en papel. Un diseñador ya no crea en un
espacio acotado y pensando en un sentido de la lectura único, sino que se multiplican las posibilidades.
El diseñador debe ir guiando al lector a través de un entramado accesible que tiene que llamar la
atención y fascinar al interlocutor. El diseñador debe pensar no solo en términos de “texto y foto” e
incorporar movimiento, ya sea en los elementos básicos de diseño o con inserciones de audio y video.
|133 Grado de Diseño - Permiten cuantificar fácilmente su impacto ya que se puede rastrear su
recorrido, contabilizando visitas o clics en los contenidos, e incluso llevar un control del tiempo que el
lector invierte en cada punto. Inconvenientes

En la creación de publicaciones digitales, se requiere una colaboración estrecha con profesionales de la

informática que no solían estar vinculados a los procesos tradicionales de edición y diseño, pero que
ahora deben estar presentes para poder llevar el producto a buen puerto. Diseñadores y programadores
tienen que trabajar en el desarrollo de un mismo entorno. El área de diseño se encargará de crear la
interfaz de la publicación y la interacción que tendrá con el usuario y el área de programación generará
los elementos necesarios para la integración y funcionalidad de las diferentes partes de la publicación. -
La tecnología envejece hoy en día a gran velocidad y eso hace que sea necesario el desarrollo continuo
de sistemas de diseño y programación. Los distintos dispositivos también cambian rápido y el diseñador
debe estar preparado para entender qué cambios son necesarios y tener la mente abierta para
adaptarse a nuevos formatos. - Existe una preocupación real sobre el destino de toda la producción de
contenido que solo se almacena en soporte digital. Puede que este sea uno de los puntos por los que, en
nuestros días, las publicaciones digitales, a pesar de sus incuestionables ventajas, aún no han

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destronado por completo al papel. Se abre el debate de dónde quedará almacenado todo lo que se
genera de manera digital.

Folletos digitales

En esta nueva era digital, las compañías y empresas incluyen en sus páginas web la opción de descarga
directa de folletos digitales en formato PDF, cuyo diseño será exactamente igual a uno en papel. Solo
hay que tener en cuenta que el archivo no pese demasiado para que no sea problemática su descarga.
Para el consumidor es cómodo; para la empresa en cuestión es más barato. El PDF podría incluir algún
tipo de interactividad simple.

Revistas digitales

Las revistas digitales son la respuesta digital a una revista impresa tradicional. Están disponibles en la
red o por suscripción, pueden ser gratis o requerir algún pago. A diferencia de los formatos vistos, las
revistas digitales suelen presentarse por medio de una app que ofrece una experiencia de usuario
completa y adaptada al dispositivo a través del cual se esté visualizando. A la hora de crear una revista
en este formato, hay que tener en cuenta todos los principios editoriales que son necesarios e
imprescindibles para crear un producto editorial, pero hay que trascender el papel y entender el nuevo
formato para poder ofrecer un diseño cómodo y atractivo para el lector.

Para poder crear revistas digitales, tenemos que conocer la funcionalidad de interactividad en InDesign,
así como tener conocimientos de experiencia de usuario (véase el apartado de UX). En este grupo, se ha
avanzado mucho en muy poco tiempo. Se ha pasado de que las revistas fueran un PDF simple
descargable a que sea una app la que te permite visualizar cada número. Las aplicaciones permiten la
navegación en dispositivos móviles, aprovechan todas las peculiares de los terminales y ofrecen una
experiencia de usuario más completa y adaptada al usuario. Además, permiten incorporar múltiples
contenidos: vídeos, audios, formularios, sliders de imágenes… Su diseño está pensado para atraer la
atención de los lectores, para que el usuario se implique e interactúe con su contenido a través de
botones, scrolls, ventanas emergentes, juegos… Se puede diseñar una portada en movimiento, diseños
cambiantes, etc. La creación de las apps suele quedar en manos del departamento informático que en
función de sus necesidades podrá pedir requisitos específicos en el diseño. Su trabajo consistirá en dar
vida al diseño que hayamos construido de manera que pueda visualizarse como un todo independiente.

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La palabra clave en este campo es adaptación. Los diseñadores se encuentran ante la disyuntiva de que
tienen que adaptarse a los nuevos formatos, a las nuevas herramientas y, en consecuencia, a las nuevas
formas de diseñar y de comunicar a través del diseño.

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