RESÚMENES ESTÉTICA

2018

Ponencia sobre el discurso indirecto libre

Pasolini

Discurso indirecto libre literario: cuando el escritor mezcla su voz con la del personaje.
En sus experiencias, sensaciones, recuerdos, etc. Sin especificar quien está hablando,
hay una indiscernibilidad entre la voz del autor y del personaje. Va
Se enuncia en infinitivo, lo que permite que surja la conciencia social, va de una
pluralidad a otra pluralidad (coralidad de espectadores). Es más que tomar la voz de
un individuo el tomar un sentimiento de una visión de mundo que ese personaje
representa pero es mucho más amplio. (ej: Strachi es todos los que están en esa
posición y no ese actor)
Hay una carga ideológica y social siempre para que haya DIL. El personaje se usa
como pretexto para dar una tesis sociológica.
Enunciador ≠ autor sujeto histórico

* Hay un nivel gramatical (técnico) del discurso indirecto libre, después está el
estilístico.
- Cuando se mezclan las voces se mezclan las lenguas también estilísticamente. En
como se habla esta como se ve el mundo, el habla es el paradigma del sujeto, una
zona de la realidad.
-> En el momento de querer hablar por un personaje, no se puede adjudicar su
pensamiento si no se conoce su lengua. Para Pasolini es terrible que las personas de
una clase social particular le pongan su lengua a personajes de otra clase, retratar el
mundo como si estuviera todo justo a su medida y desde su visión, constituye para él
un atropello humano.

* Ariosto: hace la ejecución técnica del DIL pero no da una tesis sociológica porque no
hace mimesis con a lengua de Orlando sino que mantiene su voz de burgués, por lo
que aunque gramaticalmente se funde no completa la union de las voces. Tiene mas
valor la capacidad del autor de correrse de su lengua burguesa (ej) para fundirse con
el pensamiento del personaje, que cumplir las condiciones gramaticales.

-> La lengua sintetiza una experiencia particular de mundo.

EJ: cuando Pasolini representa a Welles en la Ricota es una lengua, una fundición más
cercana o fácil que en la representación de Strachi porque los dos directores
pertenecen a la misma clase, tienen una lengua y un pensamiento similar, aunque no
habla bien italiano su lengua es mas parecida a la de Welles porque los une la clase. La
tesis sociológica de La ricota esta construida en la contraposición de Strachi y Welles.
Cine de poesía
Pasolini

El lenguaje cinematográfico esta basado en un sistema de signos igual que el hablado.

De hecho la misma palabra tiene significado que puede variar según el gesto que la
acompañe, los espectadores de cine están ocustumbrados a leer visualmente la
realidad (sistema mímico de signos).
-> La memoria y los sueños están hechos de imágenes significantes (im-signos) en la
cabeza que hace secuencias de montaje cinematográfico con ellas.
El escritor toma del diccionario y realiza una invención estetica, el autor de cine toma
im-signos del caos infinito de posibilidades y los codifica como lengua, creación
lingüística y después estética.

- Cuando uso un objeto en el cine estoy haciendo una comunicación directa conmigo
misma (im-signos de mi memoria y mis sueños y de ahí su significado) e indirecta
con los demás apelando al im-signo común de la experiencia de mundo colectiva.
No hay objetos “en bruto”antes de incluirlos en el sistema de signos visivos, tienen
una historia pre-sistema (pre-gramatical) más intensa que al ver en una película
apela a la experiencia y al inconsciente
}

De naturaleza onírica, no lineal.

Parabolica
POÉTICA
- La tradición cinematográfica, sin embargo, es fundamentalmente de prosa, queriendo
construirse y sistematizarse en la racionalidad cuando todos los sistemas que usa el
cine son de orden irracional en una “convencion narrativa privada de puntas
expresivas”.
Tradición de signos únicamente señaladores, miméticos de la realidad. Demasiado
común y funcional.
El cine debería ser hecho con imágenes subjetivo-líricas de los sueños personales
-> La naturaleza doble de la imagen cinematográfica: objetiva y subjetiva a la vez,
coexisten estrictamente.

*Discurso indirecto libre: inmersión en el animo del personaje, adopción de su

psicología y su lengua. No tiene comillas para señalar la voz del personaje, el autor
habla directamente por él por lo que debe tener su misma lengua necesariamente. El
cine no tiene las herramientas de la palabra, hace un monologo interior con imágenes.
Subjetiva indirecta libre: no puede ser lingüística sino estilística. Narrar los hechos y
representar el mundo a través de un personaje sin usar le lengua para hacerlo.
Entonces la película tiene que ver como ve el personaje (vértigo: el beso / Antonioni: la
neusosis) desde lo estilístico de la composición de la imagen. Mimesis con lo particular
que permite una exploración estilística amplia , anómala y provocadora, mucho mas
rica que si se quisiera mimetizar con la realidad objetiva (prosa).
- El cine clásico es mas prosa, no quiere evidenciar la enunciación (el estilo)
particular. La SID es una pretexto para hablar indirectamente en primera persona y
 solo pueden pertenecer al mismo ámbito que el autor ya que no toma riesgos
estilísticos para adoptar otro pensamiento.

La lengua escrita de la realidad

Pasolini

Hipótesis: existe una lengua audiovisual del cine por lo tanto se puede escribir y forzar
una gramática. (Es una lengua porque esta codificada bajo un sistema de signos)

· Para Metz el cine comunica pero no se puede codificar por lo tanto es un lenguaje,
Pasolini lo retoma y busca desmentirlo.

- A la luz de la lingüística y la semiótica se puede hacer una investigación teórica del

cine. Validar el estudio sobre el cine en un estudio ya validado que es el literario.
Aplicación del signo lingüístico al signo cinematográfico, reformular los conceptos.

- La acción humana es el primer lenguaje, va más allá de lo escrito

- Monema (palabras) unidad mínima de significado.
- Las letras no son significativas sino distintivas (segunda articulación)
- Lo que compone el monema (encuadre) son las unidades mínimas distintivas
objetos de la realidad que ocupan y conforman el encuadre.
- La característica que tiene la lengua cinematográfica es que no se puede aislar una
palabra para hacerla mínimo de significado.

}
ENCUADRE = MINIMA UNIDAD SIGNIFICATIVA
Primera articulación -> monemas
OBJETO = MINIMA DISTINTIVA
Segunda articulación -> cinemas
cuando los objetos o su disposición
cambian, cambia el encuadre y ya
es otra. Los distintivos hacen al
significante, por su cambian cambia
el significante

- El cine es una lengua internacional, no se puede comparar con otras lenguas de

cine, no se traduce porque es universal. Los distintivos van a ser diferentes en cada
país o región, van a componer cinemas diferentes pero de todas maneras existe una
gramática.
- Canal boca-oido primeros estadios de la comunicación mas animal
- Después hay una lengua escrita ojografía, segundo estado de la cultura
- Otro lenguaje que tiene que ver con la acción del hombre. La lengua escrito hablada
es una integración de la acción, esa sería la lengua primaria.

- Cada persona lleve su propio cine consigo, en la mirada se ve haciendo un montaje

personal todo el tiempo. El CINE IN NATURA esta en la vida cotidiana, en los rituales
también, ir creando encuadres y situaciones.
“Reglas” gramaticales cinematografias:

1) Saber usar el aparato cinematográfico. El uso y el dominio del aparato técnico en

su capacidad de reproducción. Técnicas para reproducir la realidad.
TÉCNICA
2) Creación con los cinemas, modos de la sustantivacion. Definir una lista de cinemas
que van a componer el encuadre.
ENCUADRAR
3) Modos de calificaron, adjetivación. Al sustantivo se le agrega una cualidad.
Calificación pro-fílmicas: antes de filmar se define como se quiere calificar lo que se va
a filmar.
Calificación fílmica: cómo se califica con las cuestiones propiamente fílmicas, qué
lente, en qué plano, etc.
CÓMO
- Montaje connotativo: Sintaxis acumulativa. De plano secuencia. Rítmico y de
duración, cuando algo dura más o menos de lo necesario para decir lo meramente
denotativo.
- Montaje denotativo: sintaxis aditiva. Se ensamblan planos para sumar. Monemas
pierden su cualidad de sustantivos y se convierten en complementos de la acción,
en cuanto parte de un conjunto.

*No se puede usar la lengua sin saber manejar sus normas primero, lo técnico. Pasolini
codifica y enumera esas normas gramaticales.

El cine como experimentación filosofica

Badiu

- Una situación filosófica es relación entre dos términos heterogéneos, opuestos que
naturalmente no pueden llegar a un punto de común acuerdo.

• Necesariamente hay que elegir entre uno de los dos términos -> El pensamiento
como elección. Ej: el pensamiento de Sofocles y Calicles, hay que elegir uno de los 2
porque entre ellos son irreconciliables.
• Establecer la distancia entre el poder y las verdades. Ej: muerte de Arquimides que
es asesinado por no acudir de inmediato al llamado de un general. Las dos esferas
se mueven en niveles diferentes, por eso es fácil que su interacción termine en
violencia.
• El valor de la excepción, de la ruptura pensar el acontecimiento particular, qué se
puede decir sobre lo que no es ordinario. Ej: los amantes crucificados que van a
morir sonrientes porque a pesar del castigo se aman de la misma manera. No hay
acuerdo entre el acontecimiento del amor y las leyes o reglas.
“si quieren que sus vidas tengas sentido, es necesario que acepten el acontecimiento,
permanezcan a distancia del poder y que permanezcan firmes en su decisión.”
-> Negación de una relación, necesariamente hay que escoger un lado y negar el otro,
alejarse de él, ese es el tipo de relación da la síntesis disyuntiva: paradójica y de
ruptura.
El cine se define por una paradoja.
1) relación singular entre el total
artificio y el total de realidad:
Es la posibilidad de la copia y la
dimensión completamente artificial de

2) “Arte de masas” -> paradoja de categorías: “de masas” es una categoría política
activa, popular. Democrática; “arte” categoría aristocrática, historiadamente exige
conocimiento para la compresión de la obra.
- El cine es un arte de identificación, ningún otro hace la identificación tan fácil.
Hace visible y audible el tiempo.
Pone todas las artes juntas en un formato cercano y popular, hace posible la relación
de la masa con ellas al incluirlas en su formato de identificación. (Populararización del
arte).
Esta al limite del no arte, lleno de formas vulgares. Simples.
-> En el cine uno puede elevarse “de la nada”, se parte de un lugar ordinario por lo que
se puede subir. El arte aristocrático requiere que previamente haya elevación de algún
tipo por lo que siempre se corre el riesgo de descender.

Dimension ético moral:

Como la tragedia griega propone a un publico inmenso grandes figuras de la
humanidad en acción, en grandes conflictos de la vida humana. Los géneros mas
codifcados son géneros que proponen una mitología moral, igual que los griegos. Las
grandes figuras del cine inevitablemente se van a reconocer como admirables para el
publico, empiecen a configurar el ejemplo a seguir.

La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica

Benjamin

- La obra de arte siempre fue reproducida por distintas razones pero la reproducción
técnica indiscriminada y fácil es lo que ha marcado el cambio histórico esencial. “El
ojo es más rápido capturando que la mano dibujando.”
- La obra se puede repetir pero le falta su aquí y ahora original (aura).
Saca la obra de la tradición (ej: Venus. Culto o temor. Su valor autentico está en el
ensamblamiento en su contexto tradicional primario) y la hace popular, accesible a
otros tiempos y espacios que no podría alcanzar en su situación respectiva. Hace
posible que se expanda el conocimiento y la cultura a costa de perder su aura
(manifestación irrepetible de una distancia no importa cuán cercana. Tejido peculiar de
espacio y tiempo)
- + La reproducción tecnica emancipa a la obra de arte de su lugar en lo ritual.
Entra a jugar en otras esferas. La política. Tiene un valor cultural y un valor exhibitivo.
El valor cultural puede hacer que la obra se oculte (esculturas religiosas mayor parte
del año) mientras que el exhibitivo aumenta con la posibilidad de mostrarla y copiarla
más. El valor de exhibición supera al cultural.
Ej: la fotografia en su uso cotidiano, periódicos, publicidades y demás queda casi por
completo despojada de su valor cultural y completamente de su aura. Es simple
testimonio y utilidad práctica.

- En la actualidad hay una necesidad cada vez mas fuerte de poseer las cosas en una
cernía literal inmediata, adueñarse del objeto puede cobrar más valorar que la
experiencia autentica de él.
- El cine como herramienta mimética de la realidad desperdicia su verdadera esencia
maravillosa de comunicar siendo una “copia estéril del mundo”.
- ACTOR DE CINE:
Tiene que representar ante la cámara, no ante el público como el de teatro
renunciando a la interacción aurática. El publico no recibe de el su aquí y ahora sino la
sombra que imprime en el aparato y el no recibe la retroalimentación del publico para
nutrir su actuación y reformularla. Su trabajo se vuelve dar todo de si para la máquina
renunciando a su cuerpo y a su aura, la suya y la del personaje que interpreta. Ambos
despojados de su aquí y su ahora. El publico es entonces meramente consumidor de
un mercado mediado desde todas partes por el aparato.

- Curandero y cirujano. Un pone sus manos encima, se relaciona con el paciente de

manera pareja; el cirujano se mete dentro, se relaciona con la enfermedad mas que
con el paciente. Elimina la distancia y literalmente entra en él.
· 1 Curandero = pintor
-Observa su trabajo con distancia natural y obtiene imágenes totales.
-Invita a la contemplación, abandonarse al fluir de la asociación de ideas.

· 2 Cirujano = cámara/realizador (Benjamin dice camarógrafo)

-Se mete en la textura de los datos. Imágenes múltiples (montaje) interviene en su
referente mucho más, movimientos, lentes, cortes.
-No permite que se haga una asociación propia, la imagen cambia sin parar y no se
deja contemplar = choque del ensamblaje.
Herencia dadaista ≠
Ellos no le dieron espacio
mercantil a su obra.
Buscaban el valor de
contemplación e
inutilidad
- Recepción en la dispersión. Arquitectura -> la masa se adentra en la obra y así la
percibe bajo leyes de percepción intuitiva y de costumbre por parte de una
colectividad. Es un arte que se ha mantenido. Es de percepción táctil y óptica en el
uso, en la costumbre.
Reprime el valor de culto porque hace al espectador común un experto y no exige de
él nada para que pueda acceder a la obra.
- La alienación y la proletarización vienen de que el fascismo ha querido aprovechar
la posibilidad de expresión de las masas de tal forma que conserve y fomente las
mismas formas de orden político y económico.
Su alineación ha alcanzado un grado que le permite disfrutar su propia destrucción,
este es el esteticismo del fascismo, el comunismo contesta con la politización del arte.

Recepción en la dispersión
Howard Eiland

- Teatro épico contrario al teatro de entretenimiento no busca generar sentimientos y

empatía con sus espectadores sino distanciamiento critico que evidencia la
situación montada de la obra para hacer reflexionar a actores y espectadores.
Revelar el montaje contrarresta la magia propuesta por el teatro burgués.
-> Brecht propone que la critica y el avance social se hagan evitando la dispersión,
intensificar la atención.

- Para que la percepción correcta en la distracción se de hay que dominar ciertas

cuestiones del estimulo constante de la modernidad , el cine en su shock del
cambio de imágenes y demás es un entrenamiento para eso. El medio propicio para
lograr la recepción critica/conciente en la dispersión. Aprovechar la potencialidad
de lo múltiple y fragmentario del cine, no hacerlo constituye su propio fracaso
costumbrista (de prosa).
-> Las artes contemporáneas se dirigen a esta modalidad de recepción que es síntoma
de la percepción agitada que teníamos constantemente, (producto de la
sobreestimulación?) -> abandonarse a la dispersión y la distracción para aprender
nuevas formas de percibir.

- Un sentido negativo de la dispersión es abandonarse al aparato y dejarse dominar

por él, ceder completamente ante el artificio y desconectarse de si mismo y de los
otros.
- También esta la dispersión consciente y decidida de dejarse llevar voluntariamente
por el entretenimiento “penetrar profundamente en la masa del universo”
-> Ambivalencia bejaminiana en cuanto a la mercancía y la multitud.

- En el cine la imposibilidad de concentrarse a contemplar hace que esa recepción

dispersa involucra también otras formas, táctiles o viscerales. La experiencia en
embriaguez es una experiencia prologada en la memoria, se vincula con más coas
en ella también.
- Los objetos históricos capaces de contar historias sobre la actualidad, referir a ella
(La rabia) interpenetración de pasado y presente en la imagen dialéctica. Laberinto
de fragmentos a merced de las sensaciones, detectar ecos y proximidades.
La imagen de pasado que se hace reconocible y aplicable en el presente, “nos
despertamos” hacemos percepción consciente social e histórica en la medida que
podemos percibir las imágenes en el cruce que hacen entre pasado y presente que
serán aplicables también al futuro en su momento.

* La rabia reconoce esos cruces entre los momentos históricos y usa el material de
archivo múltiple para narrar un acontecimiento que afecta el presente, resignifica
tanto el material en si como la lectura del presente al proponerse de esa forma.
Reivindica ambos tiempos en su unión.
* Caché quiebra el presente del personaje solo cuando lo enfrenta a otros tiempos
encarnados en el hijo de Majid como el pasado de la infancia y el futuro que él es.

¿Existe una respuesta a la estetización de la política?

Peter Fenves

- Propone que la estetizacion de la politica se manifiesta en algunos regímenes como

que los políticos se consideran a si mismos como artistas libres creadores y al
pueblo el material a disposición de su obra por lo tanto no importan como sujetos
eliminando los estándares morales y legales que deberían tener en sistema
netamente político con ellos. Las masas son despojadas de sus derechos, en
especial sus derechos policticos de alterar dicho régimen. Se les da la posibilidad
de “expresarse”.
- Baumgarten -> confusión = Benjamin -> dispersión
La esfera inferior del arte surge por la decadencia del aura.
El dominio de la experiencia estética de la no dominación. Aprender a percibir el arte
profundamente en la distracción, absorber de la multiplicidad y la distracción.
- La estetización-> expresión egoista y el placer autoalienado la forma en que se
percibe la obra asociado al receptor y no a la obra en si, desde su estado particular
y subjetivo juzga la obra.
-> El arte es el primero afectado por la estetización, y la política por la politización.

- Las tareas del aparato perceptivo no se resuelven solo con la óptica

(contemplación). “la humanidad solo se plantea tareas que puede resolver” Kant.
Para Benjamin se resuelve pero no de manera consciente para el individuo, la masa
resuelve sin saber que lo está haciendo. Y solo son masa (infinitivo) cuando no sabe
que lo es “solo se que aprendi a caminar cuando lo hago sin darme cuenta.”
- El cine es andar sin ver, sin saber como las masas.

Aura, rostro y fotografía: releer a Benjamin hoy

Costello
- El aura es la habilidad que se le otorga al objeto de devolvernos la mirada. La
percepción se arma con el estado particular del sujeto, tiene mas que ver con el y
su disposición/animo que con el objeto mismo.
- Aura asociada al endiosamiento del arte. Cuando este baja y se acerca mas al
espectador se pierde el aura, al no estar concentrado en la contemplación de la
obra se le abren otras posibilidades en cuanto a la forma de percibir.
- Actitud del artista con lo que representa.
Dijkstra empatiza con sus sujetos. Ruff lo mas libre de pretensiones posible, fotos tipo
pasaporte.
->No son los retratos los que devuelven la mirada porque la foto registra pero no ve,
en ultima instancia son los artistas mismos. Valor de autor

- El cine es el entrenamiento balístico para la vida urbana.

- La experiencia del presente debe retomar y subsanar el pasado. “si hay algo que no
pasó, es lo que pasó”->se modifica en su experiencia presente y futura (la foto del
abuelo)

La fantasmagoría de Walter Benjamin

Cohen

*fantasmagoría es proto-cine
- Asocia la fantasmagoría con la cultura de la mercancía, uso de materiales
intelectuales y materiales.
- Oposición entre la cámara oscura de Marx y la fantasmagoría de Benjamin.
- invierte mecánicamente el mundo y lo replica. Proyección del reflejo del mundo.
- invierte transparencias pintadas que son creaciones artísticas, expresiones del
mundo.
- Relación lingüística con la alegoría, hablar en el ágora.
-> la alegoria termina con un mensaje positivo de redención de mundo (morir en Dios)
la fantasmagoría con una sentencia.
- Fusion de la teoría marxista y la psicoanalista. Distorsiones producidas por la
represión para caracterizar ña transposición ideológica.
- Fantasmagoría mental y sueño como manifestaciones no racionales

Toda experiencia esta contaminada con el poder de la fantasmagoría, poder

distorsionado, no es posible una mirada completamente objetiva.
-> la actividad crítica contemporánea como la apropiación de tecnologías visuales
(publicidad y cine ) transposición ideológica para fines pertubadores, asociada con la
visión artificial.
-> Destaca cine y publicidad como herramientas para manipular con sus imágenes la
ideología de las masas.
Violencia jurídica, ciclo mítico y vida biológica
Galende

- La violencia es el medio del derecho son inseparables, necesita tener el control y el

monopolio de ella. La prohibe al resto en defensa de si mismo.
Quitarle cualquier violencia al individuo, exhibirla en el cotidiano para “cuidar” de otras
violencias. ej: policía, ejercito en la calle.
- Derecho natural: los fines positivos justifican medios no legítimos.
Entrada en estados de sitio ().
Violencia fundadora: el derecho se mantiene (violento) en el rechazo a cualquier otra
violencia
Violencia conservadora: Violación de las propias leyes para proteger de otras
violencias o policías que están para “preservar la ley” con sus armas.
- Destino del individuo a estar entre la violencia fundadora y la conservadora sin
poseer control de ninguna.
- El derecho neutralizando la vida para controlar y contener cualquier relampagueo
intenso posible.
Busca la producción de la vida reduciendo cualquier impulso de la misma que pudiera
ser destructivo. En el límite de lo biológico es la preservación de un medio que no tiene
ningún fin, salvada por lo que suprime y niega de si misma.
La idea de la vida sagrada contribuye la articulación demoniaca de la vida por parte del
derecho. Al sometimiento de los individuos y la supresión de su naturaleza.

- Separación entre la mera vida y el alma viviente.

Si la mera vida es apenas sobrevivir a costa de la supresión de los comportamientos e
impulsos orgánicos, el apegarse al “dogma sagrado” es retroceder para lo viviente.
->El derecho esta en función de la conservación de la vida pero no del alma viviente, la
acerca cada vez mas al limite de su muerte.
Destino

Para una destrucción de la violencia

Galende

Violencia pura o soberana, juicio de Dios. La que viene sin aviso ni amenaza, carácter
doble de lo incruento (sacrificio sagrado) y lo redentor.
Discontinuidad soberana
- Una critica de la violencia mítica es una critica de la lengua que juzga. Ver la imagen
del juicio divino como un lenguaje y generar una lengua “exenta de juicio”. Sacar a
la la critica de su disposición sumisa a la historia. La liberación de la vida con
respecto al destino esta asociada a la liberación del juicio de la historia.
- Se genera un cambio en la forma de representación propia y una emancipación de
la noción de destino dada por la historia. Salto que se produce en la separación de
la violencia divina y la jurídica.

Arte, estética y política

Galende

- El aura y la configuración tradicional de la estética se hacen peligrosas dentro de

ciertos contextos y usos políticos, cuando se aprovechan de ellos para fomentar el
cierre de las esferas superiores, terminan por alienarse en ellas mismas. Entonces se
hace necesario abrir a otras formas de percepción.
- En un punto el arte -por así decirlo- quiere liberarse de la carga que implica la
pureza y la elevación, entonces se “prostituye” volviéndose mercancía en la
reproductividad técnica.
Si Benjamin sugiere la liberación de la esfera estética es porque en algún nivel la
institución estética/artística empieza a cumplir las funciones represivas que cumple la
institución jurídica sobre los individuos.
Hay cosas que fallan internamente con la institución y los usos estéticos, el fascismo
se aprovecha de estas dinámicas, no las inventa pero las fomenta para
manipulándolas a su conveniencia.
-> Destrucción del sensorium corporal por la supremacía de la vista sobre todos los
demás sentidos, se necesita salir de ese sistema.

Sade o el filosofo infame

Klossowski

- Filosofia infame: pensar para satisfacer una pasión mayor.

->Escribir el acto perverso para no cometerlo.
Escribir supone la pertenencia a un generalidad: la gente y el lenguaje quieren perdurar
en el tiempo.
- Habla sobre el ateísmo que quiere ser contra-generalidad como acto supremo del
pensamiento racional normativo y lo que hace en un principio es reemplazar a dios
por la moral, entonces falla.
- Para que haya perversión tiene que haber ultraje, la transgresión de una norma
establecida. Sin transgresión no hay ultraje y sin ultraje no hay perversión.
- La perversión de Sade es esquemática y organizada, plantea su propio sistema de
reglas contra-general.
*Proposición de doble filo: si todas las personas se pasan al sistema de reglas sádico
entonces no habría transgresión, se acabaría la perversión pero se validaría el
comportamiento perverso, perdería su lado prohibido pero se podrían ejecutar los
actos perversos abiertamente.
El árbol del crimen
Barthes

*Sade y Pasolini toman todas las precauciones necesarias para que su obra no se
rebaje a simple pornografía. Generan distanciamientos (Saló) y Sade en la estructura
lingüística del crimen.
- El orden de la lógica sadiana. Se aíslan y forman sistema social completo, con
reglas y estructuras claras, jerarquía, moral, economía, palabra y tiempo.
-> Estructura social que se refleja en la satisfacción de las necesidades, más allá del
placer. Qué, cómo y cuándo visten y comen. Contemplando todas sus funciones e
implicaciones.
De afuera se mantiene que el dinero “compra” la posibilidad de entregarse del todo al
vicio y al placer, los libertinos son adinerados (de las esferas mas altas y reconocidas
de la sociedad) por eso pueden darse esos lujos.
Los libertinos son los únicos que pueden hablar, la palabra es el único privilegio de
clase que no se puede rebajar.
El acto perverso es meticuloso, está racionalizado y directamente relacionado con el
control.
- El código erótico está compuesto de unidades determinadas que conforman la
lengua erótica (árbol lingüístico):
Compuestos como escenas teatrales.

- Sade es un escritor y no un copista, le importa la composición del discurso sobre el

referente en la descripción. La sociedad que lo prohibe es incapaz de verle su valor
lingüístico y narrativo porque se queda solo en el temor y la vergüenza del referente.

*Pasolini usa ese referente como excusa para ilustrar la perversión de la sociedad de
época, como metáfora de comportamientos. Ambos encuentran en la pervesion la
forma de narrar cosas que van mucho más allá que su referente/contenido en acción.

Sade en el texto
Sollers

- “No hemos decidido leer a Sade” -> se lo prohibe por su referente y no se ve su valor
estilístico en su propuesta de modificación de la escritura que inhibe la palabra
divinizada.
Denuncia de la causalidad de lo divino, tal vez no es suficiente.
Si la causa, criatura que ubicamos en esa posición es la razón y el destino de todo
entonces nos convertimos en “criaturas de nuestra criatura”. Convertimos nuestra
ficción en la realidad (hipóstasis)
Requiere una negación del instinto por la preservación de Dios/justicia -> censura el
deseo (entonces posibilita la transgresión). Solo deja escoger entre la neurosis común
o la perversión por fuera de ella.
 - Dualidad entre espíritu y materia “bien y mal”. Negarse la posibilidad de vivirse a si
mismo para ser signo de otra cosa.
- El goce y el dolor en el desdoblamiento de signos positivos y negativos, cuando el
perverso los supera se sale de la causalidad, si no logra superarlo en su propia
lógica sustituyendo la ley por la suya queda dentro del mismo sistema.

Sobre políticas estéticas

Ranciere

EL ETERNO RETORNO DE LA POLITICA

Después del 11 de septiembre termina la “fiesta de la post-modernidad” celebratoria y
acomodada porque entra el horror en el corazón del desarrollo. Ante una sociedad que
normalizó el dolor de los demás y banalizó sus imágenes como mercancía mediática la
relación entre arte y política debe responder ante otras necesidades que no son
propiamente democráticas sin caer en la concepción romántica tampoco.

Políticas estéticas
Presente post-utópico del arte, no tiene el poder de la transformación liberadora de las
condiciones de vida colectiva que se le atribuía en otro momento.
·Sobre esto una corriente busca erradicar el radicalismo del arte (asociado a lo sublime
que desprecia la experiencia común y cotidiana)
1. El poder de mostrar, hacer ver (ej: Cristo muerto).
2. El rechazo a mostrar, el arte debe testimoniar que hay cosas irrepresentables.
-> Ambas actitudes forman un sentido de comunidad ética que alejado de la búsqueda
de una liberación colectiva, plantea formas de experiencia solamente. Arte de lo
sublime
≠Se apunta en el ambito artístico a un arte más modesto, redispone y repropone los
objetos y las imágenes del mundo conocido. Arte relacional

- Ambas proponen que el arte tiene una función comunitaria de encontrar una forma
nueva de repartir/organizar el mundo común.

Sublime
-Experiencias cerradas, que elevan por y en si
mismas.
-Medio sensible ajeno a las formas de
experiencia ordinaria.
Relacional
-Rechaza las pretensiones de la independencia
del arte como sueño revelador y transformador y
lo plantea como una herramienta para
reconfigurar el territorio común.
-Reconfigurar las relaciones entre cuerpos,
imágenes, tiempos y espacios

-> ”Ambas corrientes proponen la formulación material y simbólica de una

determinado espacio/tiempo, de la incertidumbre en cuanto a las experiencias de las
formas ordinarias de la experiencia sensible” no tiene una función política por la forma
en que las representan sino por la distancia que deciden tomar en cuanto a las
funciones políticas mismas.
- Entonces la política per se al igual que el arte es una forma común determinada de
organizar y relacionar los objetos y las experiencias de la vida. Aristóteles el hombre
es político porque se maneja dentro de un lenguaje común para expresarse y llegar
consensos sobre lo justo y lo injusto. Hacer ver y oír lo y los que antes no lo eran es
una función política.
-> la distribución, repartición y división de espacios, lugares, tiempos, identidades, lo
visible, lo invisible, etc. es lo que Ranciere llama la distribución de lo sensible.

Política es la configuración de la división de lo sensible. La relación entre estética y

política consiste en como intervienen las practicas y las formas de visibilizar artísticas
en la división y la reconfiguración de lo sensible.
De cualquier corriente la política del arte es interrumpir en esas coordenadas de
configuración establecida en cuanto a la experiencia sensorial.

- Ni la política ni el arte son permanentes, se inscriben en regímenes de identificación

que van cambiando a lo largo de la historia.
La misma pieza se evalúa dentro de ellos como arte o no dependiendo de cual
sea, se le da un valor mayor o menor asociándola con lo ritual, lo profano, etc.
es algo cambiante.
ej: la estatua griega. Bajo régimen de imagen, estético y lúdico.
Schiller: La libertad del juego se opone a la servidumbre del trabajo (formas distintas
de división de lo sensible).
-> Libre juego: la actividad que no tiene otro fin que ella misma. Suspensión del poder
cognitivo, de los propios poderes frente al bloque sensible heterogéneo (obra). Y
suspensión de la sensibilidad al imponerle objetos de deseo que en realidad están ahí
ajenos al sujeto, cerrada sobre si misma.
- El sujeto de la experiencia por la educación estética se imagina cosas y promesas
sobre el objeto. La autonomía de la estatua es la autonomía del modo de vida que
se exprese o se proyecte en ella. Es promesa política porque “promete” una división
especifica de lo sensible,
-> La educación estética es el proceso por el que se transforma la concepción de las
obras. Pasan de ser la soledad de una “experiencia libre” (vacía de un sentido
particular) a ser el movimiento de una comunidad viva. “suprime la apariencia y cambia
la “ociosidad” estética por movimiento de una comunidad viva.”
- Tanto el arte como la política se mantienen en la fricción, generan discensos.
La unicidad del orden es policiaca no política, la política es la capacidad de hablar y de
discernir.

problemas y transformaciones del arte crítico

- Propone hacer conscientes los mecanismos de dominación para hacer
espectadores un actor activo y consciente de las transformaciones del mundo.
puesta en evidencia de los heterogéneos (la estética del collage). Quebrar las
fronteras que separan las disciplinas, tanto en las distintas ramas del arte como
 entre arte y política (Brecht: hacer inevitablemente político lo que ha simple
vista no lo es o no lo era). Valor de revelación polémica.
- Cuando los objetos de la mercancía se hacen obsoletos para ella en cualquier nivel
están en abierta disposición al arte. Se genera entre mercancía y arte un intercambio
mutuo de objetos.
-> formula una distancia critica con respecto a la mercancía y cuestiona la relación
cotidiana con ella y con sus formas. ->Arte relacional
- Inventario. Rescatar el potencial de cosas conocidas
- Propone encuentros y experiencias más que objetos en sí.
- Misterio. Analogías entre heterogéneos. El cine es un misterio mas que un arte o una
técnica, pone juntos muchos pedazos variados a través del montaje (sentido mas
amplio).

Estado de la política estado del arte

- El arte SIEMPRE es político
- La política es estética en tanto que requiere fricción, movimiento y discenso para
ser. El consenso equivale a la despolitización.
- El arte a veces en su función emancipadora genera una sensación unificadora que la
política no puede hacer porque caería demasiado de la policía y del consenso.

Los espacios del arte

- Actualmente hay espacios de arte porque el arte se define y valora mas en cuanto
una experiencia espacio-temporal que como un objeto en sí.
- Los museos representan igual un problema. Como lugar lleno de “obras muertas”.
Arte in situ (con la vida propia del contexto del que provienen) vs. Arte de museo.
- Negociación entre proximidad y distancia con la obra de arte y la “experiencia
estética”.
1. Cultura educativo. Llevar el arte a mas gente
2. Estético radical. Concentrar el arte a la elite (otra vez) limitar los museos.
3. Militante. Las esferas de arte como centros de poder
4. Transformación del arte como forma de vida. Que haga piezas de la vida cotidiana
y no objetos de museo.
- Cine negociación de estas y de las fronteras del arte. Acercamiento fácil y
autodidacta, las películas que no tenían esos sesgos de intelectuales o valiosas
(cinemateca francesa que guardaba todo. )
-> quebrar las fronteras y las jerarquías del arte.

Precepto, concepto, afecto

Deleuze
- Obra de arte como bloque de sensaciones.
- Involucra la sensación y lo cognitivo al mismo tiempo. Percepto, afecto y concepto a
la vez. -> la obra es las 3 cosas en si misma, las contiene y se concretan con el
sujeto que las percibe.
- Se sostiene por si misma en una duración que supera el tiempo de su materialidad
física. (las películas que se validad hoy. Los fragmentos de la rabia)
- Desarma la concepción diferenciada de sujeto y obra. Ambos hacen parte del fluir,
de una relación recíproca en el universo. Devenir obra, devenir sujeto.
- Lo que sucede en la experiencia estética es que se hace consiente ese devenir del
universo, la pertenencia a él y así también a la obra (bloque de sensaciones) de
alguna manera. (devuelve la mirada de la obra)
-> conciencia expandida

MONUMENTO
El acto del monumento no es la memoria sino la fabulación. El tiempo no pasa, dura.
Por eso se puede cruzar como decía Benjamin y se altera el pasado en el presente.

El otro por si mismo

Baudrillard

- La representación y la relación sujeto-objeto siempre fue distante y profunda

(significativa) como e imaginario de un espejo pero en la contemporaneidad ya no
hay escena ni espejo sino red y pantalla. No hay trascendencia o profundidad por
descubrir, se desarrolla todo en la superficialidad operativa de la comunicación.
El sujeto no se proyecta en el objeto por la fantasía o el deseo sino a través del posible
uso de él, lo que constituye un cambio en el sujeto mismo. Ej. Barthes del carro en la
lógica de la conducción donde ya no se quiere el carro (anhelo del objeto) sino poder
conducirlo, manejarlo para optimizar el desplazamiento.
Se conforma un sistema con el objeto mediante la comunicación con el. El carro te
dice como esta, lo que necesita y lo que necesitas tu para que el “sistema” pueda
avanzar.
se pierden las dinámicas alrededor de la escena utópica de los objetos y su relación
con el cuerpo del sujeto, ahora prima la presencia permanente de la imagen
(publicidad). -> operación cultural de la mercancía.
No hay espacio (escena) publico sino espacios de circulación y conexión efímera. El
espacio privado también se desvanece “ni lo publico es un espectáculo ni lo privado
es un secreto.”, lo intimo pasa a ser parte de lo cotidiano en los medios, desplegarse
innecesariamente en las pantallas. (forma nueva de esquizofrenia: estado de terror
constante por la proximidad incontrolable de todo, no puede producir los limites de su
propio ser.
El mostrar más de lo que “deberia” ser mostrada configura la pornografia
microscópica del universo, expone todo y se convierte en el obsceno, cuando todo
está superficialmente expuesto y no hay separación con la escena, todo esta
brutamente visible y transparente, todo se vuelve plano. Al ser demasiado visible
acaba con la mirada, no demanda ningún tipo de intervención del sujeto que observa.
Ej: sobre información en la banda de radio, cruce de señales, todo esta ahí abierto
pero es difícil captar algo claro.
 La obscenidad de la mercancía esta en que es ligera y abstracta, simplificada a
su nivel de valor de cambio y nada mas.
Todos los aspectos de la vida se igualan a la única dimensión de la información ->
obscenidad fría y comunicacional, opuesta a la calidad obscenidad de lo sexual.

- El placer ya no responde a la escena que era seductora (estetica), parte de los

juegos cálidos del deseo; sino a las redes que son éxtasis, fascinantes y alienantes,
del universo frío.

Los rituales de la transparencia

El deseo de demostrar la existencia se vuelve la necesidad suprema de la
postmodernidad, decir por decir aunque no haya un sentido mayor a ese. La búsqueda
de la transparencia y del “realismo” aplastan otras búsquedas del arte (ejemplo de la
exposición de esculturas humanas hiper realistas donde la gente se acercaba no por
curiosidad sexual (instinto y necesidad motivadora por excelencia) sino para
comprobar la textura de las pieles, la hiper realidad que no dice nada más que el
hecho de estar ahí y emular la piel real), no habría necesidad de hacer estas obras así
porque su exceso de información no está diciendo nada más, solo que está. Estas
dinámicas anulan la mirada porque no hay nada por develar en ellas.

La fascinación es la pasión de una mirada que no tiene objeto al cual mirar.

Esta obscenidad e indiferencia llevan a la necesidad de reconstruirse hacia los rituales

dela transparencia, hay una comedia particular en todas las obscenidades, si
absolutamente todo lo fuera mostrado y verdadero seria insoportable “en el colmo de
las cosas siempre se revitalizan y recaen en el secreto” la comedia de las cosas esta
en aquello sobre lo que se construyen pero no reconocen.
El arte y la sexualidad, por naturaleza no “progresan”, esta idea aparece en el frenesí
de las imágenes y las pantallas que busca dejar todo en su estado más avanzado,
cristalino y pulcro, “desinfectado”. La metáfora del niño burbuja que esta tan cuidado
de cualquier contaminación que muere en el momento en que se acerque de cualquier
forma a la vida, al contacto con otros seres u objetos, desposeído de sus defensas y
sus fantasías, el símbolo de la existencia en el vacío, funciona igual con la mente del
sujeto post moderno. Se aísla de cualquier contacto, el movimiento empieza a
generarse solo hacia adentro, antes de la obsesión era parecerse a los demás, ahora
es parecerse a si mismo, verse reflejado en todo el exterior, imaginar al Otro es inútil, la
imaginacion esta truncada porque todos los horizontes posibles se le han quebrado en
la fascinación por imágenes de ellos, “ya está todo visto, simple”. El sujeto empieza a
sentir deseo por la artificialidad de la superficie y se aleja de la seducción natural de
suceso en si.

“En el extremo opuesto de la seducción, la promiscuidad extrema de la pornografía,

que descompone los cuerpos en sus menores elementos y los gestos en sus menores
movimientos.”

Metamorfosis, metafora, metastasis

“la fuerza de la metamorfosis está en el fondo de toda seducción”, el cuerpo se
convierte en movimiento, en mutación que no responde a una operación de sentido o
de metáfora, es cuerpo liberado de cualquier otra forma lógica. Para llegar a este
estado renuncia a todo lo demás como una forma de desaparecer (disiparse en as
apariencias) para no morir. El imaginario psicológico es el vestigio de la ilusión de la
metamorfosis.
La metáfora es una forma de exilio de una categoría sobre otra (deseo-objeto, alma-
cuerpo, sentido-lenguaje) que en la desterritorialización de una cosa con respecto a
la otra permite el surgimiento de la metástasis, la separación en el sujeto mismo.
¿Qué ha pasado con la seducción y el deseo? han desaparecido en tanto se han
materializado, no hay trascendencia porque todo se ha vuelto transparente. Lo que
queda es la tensión, se genera una potencial relación entre desafío y seducción,
encadenamientos y desencadenamientos.

La seducción o los abismos superficiales

En este momento es el desafio y no el deseo lo que motiva la seducción, la seducción
es eso que precipita a algo hacia su otro, (ej: la ausencia no es lo que se opone a la
presencia, sino lo que la seduce, no son conceptos opuestos que se anulan sino que
se jalan hacia) es una tensión dual “vértigo de reversibilidad”. Las apariencias son las
primeras en la seducción y tienen algo de secreto porque no se prestan a la
interpretación. La verdad no es seductora, lo seductor es lo que secreto. La seducción
no es el lugar del deseo (porque no responde a un objeto particular sino a una
dinámica) sino del vértigo, de la desaparición, del juego. Es un momento de existencia
mas allá del deseo.
La seducción es lo que hace que lo real entre en el juego de los simulacros, saturados
por el mundo de la producción hay que reencontrarse con juegos de la desaparición.
Relación seducción-producción

Del sistema de los objetos al destino objeto

Todos los códigos y los sistemas encuentran una reversibilidad en su propia
transgresión, no es inmoral, reconcilia a ley con lo que ella prohibe. Buscar la fuerza
en la externalidad contra los esoterismos tradicionales. La sociedad a fuerza de
sentido, información y transparencia han quebrado el punto limite del extasis posible,
lo han llevado demasiado lejos y han transgredido sus propios limites.
Responder a la vision banal de lo fatal con una vision fatal de lo banal

Multiculturalismo o la lógica cultural del capitalismo multinacional

Zyzek

La noción de lo tipico se fortalece dentro del realismo socialista en la literatura

progresista donde se escribía sobre héroes y personajes típicos en situaciones tipicas
(ordinarias y comunes) a quienes escribían de otra forma mas sombría la realidad se
los acusaba de distorsionar la verdad aludiendo a la decadencia pre comunismo
(soviético) y se alejaba de los ideales hegemónicos del momento. Toda universalidad
ideológica se sustenta en un algo concreto que la populariza, la instala y la sostiene.

¿por que la madre soltera es “típica”?

La manera de construir ideologías dominantes es crear y reforzar un imaginario que
condense lo malo de lo que se quiere abolir hasta hacerlo de conocimiento común y
convertirlo en la única imagen “típica” de esa problemática (ej: la madre soltera negra
contra el estado de bienestar en usa; la mujer profesional, promiscua y pudiente contra
el aborto). En este nivel se gana o se pierde la batalla ideológica, el efecto es
completamente distinto cuando se ven otras realidades relacionadas con los mismos
escenarios.
La ideología dominante ademas necesita un contenido distorsionado con el cual la
parte explotada se pueda identificar en sus necesidades y sus anhelos para que se
apegue a ella “voluntariamente”.

El deseo y su articulación
La lucha por la hegemonía ideológica y política es por la apropiación de conceptos a
primera vista apolíticos y espontáneos de tal manera que puede manipularlos en favor
de su objetivo y usarlos para legitimar en las personas las dinámicas de dominación y
explotación fascista. Apelar a ideas humanas y genéricas que todo el mundo querría
(el partido que se llamaba Solidaridad); crear un enemigo común y unir alrededor del
odio por él (el castrochavismo en Colombia), en ambos casos se llenan esos
conceptos con ideas y emociones mayores a ellos mismos.
La ideologia también se sostiene gracias a lo que dice y a lo que no, de que manera
ejerce la autocensura:
-Cuando juega a explicitar: decir que está diciendo todo de frente, que no se guarda
nada entrelineas mientras esconde la función adoctrinarte del pensamiento.
-Cuando niega u oculta problemáticas:
ej: la comunidad gay en la armada gringa, la solución de Clinton fue hacer una norma
dentro de la cual a un soldado no se le podía preguntar sobre su orientación sexual
para que el no tuviera que reconocerlo o negarlo, “respetando” que estuvieran en el
ejercito pero no haciendo nada sobre el problema real y de cierta forma negando su
presencia.
Eleva la hipocresía y la hace un principio social de “respeto y tolerancia” falsos.
La homosexualidad frustrada dentro del ejercito sostiene el vinculo masculino entre los
soldados, la hegemonía necesita de su transgresión contenida para mantenerse.

Censura, poder y resistencia

El problema no se encuentra en las practicas violentas, humillantes u opresivas (en el
ejercito por ejemplo, pero es aplicable a todo), sino que divulguen, incluso cuando
todo el mundo las conoce, nadie debe decirlas en voz alta porque entonces es
inaceptable para el discurso hegemónico. La eficacia del discurso de poder esta en su
autocensura.
El poder y la resistencia se generan mutuamente, el poder contiene su propia
transgresión, es necesario que la contenga en su propia definición.
La logica del capital
Tanto la derecha como la izquierda hoy están a favor del capital y sus lógicas propias,
probablemente porque en este momento pensar en salir de ellas es prácticamente
imposible, por lo tanto todos aceptan el capitalismo como base.
Ej historico:
Lo de derecha plantean problemas con el uso que se le da en el gasto social, cómo se
supone que este incrementa la crisis financiera. Una relación de causa y efecto que no
tiene ninguna conexión causal lógica, depende de los usos administrativos que se les
de.
Los de izquierda aprenden las lógicas rápidamente y regresan al poder (Europa) por la
democracia. Abogan por el abandono de la ideología y el compromiso social
individual, ambos rasgos propios de lo propuesto por el capitalismo contemporáneo.
Lógica del capitalismo en el ciberespacio: hay un cambio en la forma de establecer
relaciones sociales dentro del capitalismo tardío, que produce la utopia de un
intercambio transparente capitalista o dentro del ciberespacio donde por su forma
abstracta se genera la ilusión de borrar la posición social de los participantes
(eliminacion de la fricción). Se plantea la teoría de la “ideología espontánea del
ciberespacio” como un sistema que evoluciona y se regula de manera natural
(concepcion de vida neutral y equiparadora de procesos naturales, culturales y
artificiales).
Estas ideas de progreso natural donde cada persona cortará con su subejtividad para
hacer parte del sistema que fluye es el ideal para el desarrollo y el crecimiento de
“organismos”/ modelos como el internet y el capital.

Ideologías subterráneas
La forma ideologica dominante hoy es la que pone el discurso sobre lógicas de
economía objetiva e ideas supuestamente despolitizadas . Siempre autorreferencial
que define al otro por su distancia y lo denuncia como ideológico. Promete un manejo
mas maduro, objetivo y racional lejos de las pasiones de la ideología. El racismo
contemporáneo es síntoma del capitalismo tardío multiculturalista que excusa y tolera
al otro etnico y folcrorico (en un nivel teatral capitalizable) por sus diferencias pero
rechaza al otro “real”.
Ej: Underground (1995) Kusturica. Relato en la guerra de los Balcanes (Yuguslavia)
posición estética apolítica que muestras las cuestiones apolíticas que que son la base
de las crueldades de la guerra, la enuncia como un fenómeno natural de la zona.
Hace del evento un espectáculo para occidente por sus pasiones míticas que
contrastan con la desabrida vida occidental.
Cómo se equilibra la identidad nacional para poder mantenerla en su dosis sana sin
caer en el nacionalismo extremo.

La máquina del tiempo

Underground expone el trasfondo obsceno del discurso publico, dos formas de los
subterráneo:
Los excesos de las figuras poderosas que no se muestran públicamente
Y los trabajadores esclavizados bajo tierra que trabajan para el protagonista, para
mantener su posición social. Juega con el clásico cuento europeo de los enanos que
salen de noche a completar magicamente el trabajo para metaforizar sobre los
horrores de los trabajadores en otros lugares para alimentar el sistema capitalista.
También hay tipos diferentes de amo, el publico simbólico que representa a institución
apresora; y el invisible que irradia omnipresencia sin ser visto.
El problema de underground es que retrata a los trabajadores desde una distancia
benévola y lúdica, es una distancia “respetuosa” y decente que es la esencia del
neofascismo postmoderno.

Universalidad “concreta” vs. “abstracta”

- Universalidad real: con exclusiones internas (globalización)
- Universalidad de la ficción: regula la hegemonía ideológica. Ej: estado o iglesia,
comunidades imaginarias a las que el sujeto se puede adherir “libremente” por
decisión.
- Universalidad de un ideal: se mantiene por una idea de insurrección contra el orden
establecido.
Los limites entre los tres tipos son dinámicos y no tan claros.
Ej: el ideal ayuda a identificarse con el respectivo rol social particular y el lugar en el
estado-nación
Tiene una cara abstracta (“opuesto al contenido concreto”) y una concreta (la forma
práctica en que cada quien experimenta el lugar social que ocupa), la tensión entre
ambas es irreductible porque no pueden integrarse del todo entre si.
La universalidad real (mercado global) contiene su propio ficción que llega a ser un
ideal de respeto de los derechos humanos y tolerancia multiculturalista.
*la abstracta es síntoma de la concreta, surge y la cuestiona por constitución

El sujeto pertenece a una comunidad orgánica (familia, barrio, etc), lo mas inmediato,
ahí es donde se recono como “parte de” por primera vez, después se constituye como
sujeto autónomo cuando abandona ese único lugar para formar parte de comunidades
mas grandes (estado-nación), dejando los conocimientos y las dinámicas primarias.
Paso de la identificación primaria a la secundaria.
La identificación secundaria es abstrancta porque choca con la primera hasta que la
retoma significándola como parte de las formas en que se manifiesta la identificación
secundaria y ahí se vuelve concreta.

La forma contemporánea de la identificación concreta es el estado-nación porque

embolsa las identidades particulares.
En usa la union ideológica universal de ser americano implica renunciar a las
identidades étnicas particulares para superar las tensiones que generan y “ser todos
buenos americanos”, hoy la forma en que se aferran a sus identidades y se aceptan
entre todos como americanos se ha empezado a dar vuelta, entonces la ideología
pierde la sensación de lo sublime de pertenecer a algo mayor y empieza a ser un
simple marco de coexistencia de multiplicidades, cuando se pierde la ideal de sueño
americano.
El reverso del modernismo
Esto pasa cuando la identificación secundaria deja de ser vinculante en el
postmodernismo y se vuelve un marco externo, entonces los sujetos van a buscar a
formas más primarias de pertenencia en comunidades mas pequeñas con las que se
identifican a través de las formas de vida, de manera directa. Ya no hay una inclusion
de lo etnico en lo nacional sino una etnizacion de lo nacional, prima lo local en los
sujetos como una reacción a la universalidad del mercado.
La universalidad del estado-nación es un equilibrio débil y temporal entre lo etnico y el
mercado mundial globalizado, es el mecanismo mediante el que se mantenía a los
sujetos “contentos e incluidos”. Este equilibrio esta en permanente amenaza por las
formas de identificación primarias que continuan su vida de manera subterránea por
las propias lógicas del capital universal que ignorando las fronteras controlables del
estado-nación, ambas avanzan a pesar de él.

Multiculturalismo
La forma de colonialismo ha cambiado, ya no hay una metrópolis y países oprimidos
sino que están todos al mismo nivel bajo la lógica del capital y por lo tanto de las
empresas multinacionales, como se deben a sus dinámicas los mismos estados se
entregan a esta lógica-> “autocolonialismo”.
Al llegar al espacio ajeno se ve a los sujeto como nativos (paradoja del capitalismo y
del multiculturalismo) entonces se los ocupa (y explota) pero respetándolos con
distancia condescendiente, el respeto del multiculturalista es su forma de afirmar su
superioridad sobre el otro, es un racismo negado ubicado en el vacío de la
universalidad (no hay un terreno de raíces fijas). Se avalan algunas cosas y
subterráneamente se rechazan otras que no resultan convenientes.

La máquina en el espíritu
La condescendencia cultural del capitalismo es una pantalla que oculta el anonimato y
el vacío de la universalidad, el capital es una maquina anónima que sigue su curso sin
depender de los sujetos ni su identidad ni su cultura. Los debates de los individuos se
enfocan en las comunidades pequeñas de estilos de vida mientras que el capital y el
capitalismo sigue su curso ciego sobre todo lo demás y cualquier mención de eso por
su nombre es condenada y juzgada.
Un sintoma es algo constitutivo del sistema que ademas es una excepción a la regla,
las desigualdades, los guetos y los “desocupados” son síntomas del capitalismo
tardíos, la utopia capitalista es la eliminación de estos elementos pero ellos son efecto
del funcionamiento adecuado del sistema.
La falsedad del liberalismo multiculturalista elitista: principio de masonería, tienen una
forma que es el ideal para todas las personas pero son una sociedad oculta que se
reserva su conocimiento para unos pocos nada más.

Por una suspensión izquierdista de la ley

La izquierda responde a estas formas del capitalismo apoyando las formas y las
economías locales, cayendo en el apoyo a un neopopulismo nostálgico que al final es
un producto del capitalismo no una amenaza para el. La respuesta ronda los
problemas pero no va al corazón del problema que es sobre la reinvencion del espacio
político en las condiciones de globalización, porque el mantener las causas partilares
aisladas no ha servido.
La suspensión de la ley (el ir mas allá de lo establecido como norma) desde la derecha:
la transgresión como un sacrificio doloroso que se hace por el bien de la nación.
La suspension de la izquierda: (de ejemplos con películas donde los personajes van
contra lo debido por un interés humano de justicia, de hacer lo correcto aunque no
esté contenido en la ley escrita) suspende la moral y la ética según el escenario
particular.
La universalidad por venir
La derecha legitima la suspensión de la ley bajo una lógica anti universal porque la
escuda en su identidad particular de nación mientras que la izquierda lo sustenta en la
lógica de una universalidad por venir donde no hay posibilidad de imparcialidad,
siempre hay que tomar partido y tomar decisiones para actuar de cada caso, acepta el
carácter antagónico de la sociedad.
La universalidad se rompe en 2: la universalidad concreta “falsa” porque divide en
partes funcionales y la demanda de la universalidad real e imposible, abstracta.
La izquierda (oposición) tiene como gesto por excelencia cuestionar el funcionamiento
de la ideología dominante a través de la identificación con el síntoma, esto es lo que
denuncia a la universalidad neutral como falsa.
En la identificación con las partes bajas de la sociedad (ejemplo con los trabajadores
inmigrantes vs los “ciudadanos de primera”) en como la hegemonía se relaciona con
ellos está la forma de medir la universalidad, en como los excluye el sistema funcional.
Universalidad del antagonismo. En la sociedad hay estos choques y también
dialogo, cada grupo defiende aquello en lo que cree y a veces al defenderlo lo borra.

Ensayos sobre posmodernismo

Jameson
El postmodernismo como lógica cultural del capitalismo tardío
La sensación del fin en la ideología, el arte, las ciencias sociales de todos los modelos
y las formas conocidas que son reemplazadas con otros modelos con escalas de
valores completamente diferentes, más del impacto con la superficie (apariencia
fascinante).

Populismo estético: Se desvanece la barrera entre la alta cultura y la masa. Los artistas
se fascinan con la utizacion de los elementos de masas en sus trabajos creyendo que
no obedecen mas al capitalismo siendo este el gesto del capitalismo mas puro.
Postmodernismo como dominante cultural: incluye la presencia y la coexistencia con
otras formas subordinadas.
Se planta con un sistema de valores propios que lo constituyen. Necesidad frenética
de generar mas “productos”, el ámbito económico cubre las demás esferas el arte se
maneja con sistema que depende (mecenazgo) por parte de las empresas.

Primera superficialidad-> cambio del paradigma temporal -> cambio del sujeto
- La nueva superficialidad que se prolonga en la teoría y en la cultura de la imagen y
del simulacro, se debilita la historicidad, surge una nueva forma de emocionalidad
mediante “intensidades

Cambio en la forma de expresión:

zapatos de Van Gogh (modernos)
Representan todo un contexto social e
histórico que sostiene a la obra, ella
emula el sentimiento de la pobreza
campesina, interpela al espectador y
allí está la esencia de la obra
vs. Zapatos de Warhol (postmodernos)
No interpelan emocionalmente al
espetador ni remiten a un referente,
no tienen contexto, el valor de la
obra es meramente visual, de
imagen per se, no hay conexión con
contexto ni con el objeto mismo

Hay una mengua de los afectos, los objetos no se relación con las personas de la
misma manera, “falta de profundidad” que no es solo teórica, las personas la
experimentan en sus relaciones con el mundo, los objetos y las personas objetivadas
que pierden su valor como individuos (ej: star System se sostiene en hacer de los
actores imágenes vacías de sentido propio).
Da ejemplo con el grito de Much para mostrar también todos los sentidos en un
cuadro que ya no se experiementan en la postmodernidad. El sujeto ya no esta
alienado sino fragmentado.
La mengua de los afectos está en la desaparición de la concepción del sujeto
individual, se quiebra la mónada entonces desaparece la idea del ego individual y sus
psicopatologías. Los productos culturales (la relación del sujeto con ellos) no están
hechos para ser sentidos, son impersonales y flotantes (en el vacío de la universalidad
de Zizek).

El pastiche en la union de multiplicidades que coexisten (los países mas importantes

son así), en esta situación ya no hay parodia y aparece el pastiche que es una practica
de imitación neutral que a diferencia de la parodia no imita para algo mas sino solo
para recolectar, se voltean a buscar en los estilos pasados. -> historicismos.
La cultura del simulacro (copia
idéntica de algo que no existe)
aparece una sociedad donde el
valor de cambio es mas importante
que el valor de uso.
Moda de la nostalgia, productos cuyo objetivo es generar nostalgia genérica por
momentos que exceden la memoria individual de los sujetos, el goce se encuentra
ahora en estas situaciones. Crea un “pasado” simulado (ahistórico) que ni siquiera
corresponde al pasado real, es un nuevo código al que los sujetos responden
entonces se instala.
Si el sujeto ha perdido sus capacidades de dimensionarse en el tiempo mediante la
organización de experiencias propias coherentes entonces sus productos culturales
van a ser un montón de fragmentos (igual que el en el perdida de la individualidad).
Hay una ruptura en la cadena de significantes, la identidad es el efecto de la
unificación de los fragmentos de tiempo, no consciente del sujeto.
La experiencia postmoderna en una frase “lo diferente se parece” son profundas
discontinuidades puestas juntas (ej: poema china hecho con las descripciones de
imágenes inconexas que encuentra el poeta en el barrio chino)

La tecnologia es creada por el hombre pero esta lo supera, la Tecnología producto del
desarrollo del capital.
El capitalismo tardío/multinacional/de consumo producto de la expansión gigante de
los usos del capital, absorbe y abunda todo. Como la tecnología excede al hombre
este ya no tiene la capacidad de representarla (el efecto de lo sublime)

El sujeto experimenta lo sublime en la red de

imágenes y comunicaciones que lo exceden
como al moderno la naturaleza (el Otro).
En las dinámicas postmodernas el sujeto no tiene la capacidad de tomar distancia
práctica o teórica de todos los estímulos que lo rodean por lo tanto no puede adoptar
una distancia critica sobre ellos dentro del espacio global.

La tecnologia de la representación (ej: un computador que en su imagen material no da

cuenta de lo vasto que es, capacidad es hacia adentro cuando permite todas las
imágenes del mundo) resulta fascinante porque da la sensación de que va a permitir
entender toda la red de comunicación (acercarse al todo postmoderno).

Las heterogeneidades (que no conectan entre si porque son significantes brutos, sin
significado) del postmodernismo se unifican en el capital que es homogéneo que lo
cubre

Reificación y utopia en la cultura de masas

Jameson

La separación entre la alta cultura y la cultura de masas propia del modernismo se

disuelve en postmodernismo porque todas las esferas están cubiertas bajo el capital y
quedan al mismo nivel bajo la “colonización” de las empresas.
La relación de los sujetos es la misma con una obra de la alta cultura y con una obra
de la cultura de masas “suspensión de las preocupaciones y las realidades
inmediatas”

La cosificación de las relaciones humanas en un sistema de mercado -> valor de

cambio se vuelve el valor principal, la noción de obra y de autor ya no vale nada. Todo
se organiza al rededor de sus funciones medios y sus fines a nivel de productividad, de
lo que resulte más eficiente.
- La imagen misma se reifica, entonces el consumo es mas sobre la imagen de las
cosas que de las cosas mismas en su utilidad práctica, valen y se desean mas en
tanto imagen que en tanto objeto.
- En estas dinámicas la unica forma de producción cultural que es genuina va a ser la
creada en comunidades pequeñas establecidas como tal cuya producción escapa a
ser reducida como mercancía es la de los grupos marginales (que conforman
comunidades pequeñas) rechazados porque sus obras no interesan al capital ya
que no son del intereses (comercial/de inversión) de las mayorías, no entran en la
categoría de lo masivo.
-
- El simulacro como la repetición de algo que no tiene referente. Parodia filosófica de
la repetición: condena a las segundas veces porque la repetición por definición no
tiene primeras veces, la primera vez que se hace algo no es repetición de nada.

- las obras de la cultura de masas no pueden ser ideológicas sin ser utópicas. Tienen
necesariamente que ofrecerle a los sujetos algo mejor, se les da la idea (explicita o
implícita) de cosas mejores para que acepten los conceptos y las formas de vida
que pretenden extender la vida de las lógicas capitalistas.