HISTORIA DEL ARTE

NEOCLASICISMO
El neoclasicismo fue un movimiento artístico y literario que surgió a
mediados del siglo 18 y se extendió hasta el siglo 19. Tenía como base la
renovación de los valores filosóficos y estéticos de la Antigüedad Clásica.
Según el neoclasicismo eras un buen artista si respetabas las normas de la
academia de Bellas Artes. Veían el Neoclasicismo como el estilo correcto y
después piensan que imitaba estilos anteriores.
Los principales artistas del neoclasicismo eran Jaques Louis David, con obras
como ‘El juramento de los Horacio’’.
Tuvo inspiración en los relieves de sarcófagos
egipcios. En el cuadro solo se ve lo importante,
no hay decoración. El hombre representa la
heroicidad y la mujer la tristeza. La historia del
cuadro trata sobre la disputa entre dos familias,
los Horacio y los Patricios Curiacios. La hija de
Los Horacio, Camila, se enamora de un curiacio
y esta es asesinada por su hermano, al que se le
perdona después.

Obras
La muerte de Sócrates (1787)- Jaques Louis
David
Se trata de una escena griega en arquitectura romana
y cuenta con iconografía religiosa. Los discípulos
muestran dolor y Sócrates muestra firmeza. Todos
llevan túnica, Sócrates y Platón una túnica blanca, lo
que significa que Platón continuará con la filosofía de
Sócrates. El cuadro ensalza la virtud de defender sus
ideales, aunque le lleve a la muerte.
Madame Recamier (1800) Jacques Louis David
El autor escoge un formato horizontal para
un retrato. Tenía escasez de decoración para
que destaque la modelo que se encuentra
recostada en un triclinium. Tiene una taenia
(cinta) en la frente. No mueve el cuerpo, solo
la cabeza al espectador. Cuenta con un
claroscuro fuerte destacando el vestido
blanco. En esta época, cuanto más cómoda
fuera la ropa, más libres eran las mujeres.
Ella era hija de un banquero, tenía buena
reputación y era admirada por todos, pero era repudiada por Napoleón, así
que tuvo que marcharse a Italia.
La muerte de Marat (1793) Jacques Louis David
El cuadro presenta negros, marrones, verdes y blanco para
reforzar la luz, tiene un claroscuro potente. Marat se presenta
idealizado y la horizontalidad es interrumpida por su brazo. Todo
está oscuro por ser racional y la luz representa la divinidad.
Jacques toma como referencia a Caravaggio, el cual tiene un
elemento conmemorativo en la obra.
Marat era un médico francés jacobino (radical). Publicó un listado
de enemigos de la revolución para que fueran guillotinados. Esto
le pareció injusto a Charlotte Cordag (Girondina), la cual le
escribe a Marat ofreciéndole un listado de gente, con la excusa de
darle este listado, va a su casa y le clava un puñal mientras está
en la bañera. Luego de esto ella es guillotinada. El pintor y retratado eran
amigos, y este recibió el encargo de Robespierre (jacobino) como homenaje con
finalidad de convertir a Marat en un mártir de la revolución.
Monumento de María Cristina (1798) Antonio Cánova
Está hecho por el esposo de María Cristina. En estos
momentos de la época, se pone de moda lo egipcio, por eso
se muestra en esta obra iconografía del estilo. En la parte
superior de la pirámide encontramos un medallón con la
cara de Mª Cristina con una serpiente que se muerde la cola.
Todo esto está sujetado por una efigie alada. La pirámide se
levanta sobre un basamento escalonado con una figura
masculina alada, que representa la muerte, un león que representa la fortaleza,
y personas de diferentes edades entrando a la puerta, que representan los
atributos de M.ª Cristina o las 3 edades del ser humano. La escultura está
hecha de mármol blanco.
Panteón de París (1764-1790) Jacques Germain Soufflot
Era un panteón para ilustres (Marie Curie, Weter Hugo, Alej
Dumas…). Se inspira en el panteón de Roma y el Vaticano. Es de
época romántica y tiene una planta en cruz y 4 cúpulas parabólicas
en cada brazo de la cruz.

Arquitectura utópica
Louis Boullé crea el Cenotafio de Newton, un monumento funerario
con forma de esfera apoyado en dos pilonos. Estaba decorado con
cipreses y tenía una abertura en el interior por la que pasaba la luz.
Los principales fabricantes de porcelana eran franceses. A raíz de la Rev.
Industrial, la cerámica de Josiah Wegwood compite con la de los franceses. La
cerámica inglesa consigue superar a la francesa dentro de Francia. La
cerámica de Wegwood era famosa por sus colores pasteles y el elemento
decorativo en blanco.
Joyería
Wegwood también hizo joyería (vaso Portland). Dentro de esta surge el
esclavage, un collar formado por placas y cadenas; el porure, conjunto de
joyas; el aigrette, piezas de noche para el pelo, y predomina el diamante en la
joyería.
Moda
En el neoclasicismo se hace una reinterpretación de la moda griega y romana.
Contaban con el corte imperio en los vestidos, con tejidos ligeros y vaporosos
con forros cortos blancos o rosas. En verano usaban sandalias y en invierno
botines ajustados con botones. Usaban pendientes largos.
También usaban la chaqueta Spencer con sombrero capota y un bolsito
ridículo con cordones en el que llevaban pequeños espejos o cosas para coser.
Diseño gráfico
El principal diseñador fue Giambattista Bodoni. Este crea el marco decorativo
y tiene la creencia de que la belleza está en la tipografía.
Interiorismo
Las mesas tenían diferentes funciones, como el bureau (escritorio), tocador, y
mesas auxiliares. Las camas solían estar apoyadas delado en la pared, de
frente y con balaustrada. Las molduras decorativas surgen en Francia, de la
mano de ebanistas como Riesenier y Georges Jacob, especializado en sillas
(hizo el sillón de la reina para María Antonieta). En la tapicería encontramos
el Toile de Jovy y el sillón Bergere. Todos estos muebles estaban hechos de
maderas nobles, como caoba, ébano y palo de rosa (madera policromada). Las
patas de los mueblas eran de estilo cabriolé, prismático y hechos en bronce
(cabriolé como el más popular).
Estilo Adam
Robert y James Adam eran especialistas en la decoración interior. Robert
Adam hizo la biblioteca de Osterly Bank, que tenía influencia etrusca,
molduras, casetones, motivos grecolatinos y techos. También hizo la silla
Adam, con color natural en la madera.
Surgen también Thomas Chippendale, ebanista y creador de muebles que creó
el respaldo en forma de lira; y Thomas Hope, diseñador, arqueólogo y escritor
fue crea la consola con patas cariátides y el sillón curul.
Estilo imperio
Surge el verde Napoleón y la cenefa con motivos grecolatinos, butacas con
terciopelo y antebrazos de cisne. Patas de color bronce con influencia griega y
romana. Todo esto estaba en la antecámara del Castillo de Malmaison, un
regalo de Napoleón a Josefina. En la cámara de Josefina había un águila
imperial decorativa y el castillo estaba rodeado de jardines con rosas.

Estilo Bierdemier
El principal representante de este estilo fue Joseph Dan Hauser, que comienza
con el estilo geométrico y funcional. Usan madera noble y bicolor, no había
marquetería ni incrustaciones de bronce. Este sienta las bases del estilo
alemán y futura Bauhaus.

ROMANTICISMO
Los romanticistas detestan el mundo convencional y se sienten
incomprendidos. Tuvo mayor desarrollo en Francia y Alemania. Buscaban el
equilibrio entre razón y sentimiento. La naturaleza agresiva es protagonista y
el ser humano es insignificante. Los principales representantes son David
Friedrich y William Turner. En el retrato se intenta captar la psicología del
personaje y la pincelada era más pastosa para expresar emociones. Eran
predecesores del impresionismo.
La balsa de la medusa (principios del siglo 19) Theodore Gericault
La balsa de la medusa retrata el momento del naufragio de
la barca en la que sobrevivieron 15 personas. La composición
es piramidal, dos pirámides, una de la esperanza y otra de la
desesperación.

La libertad guiando al pueblo (1830) Eugene Delacroix- Pinturas

con temas
El cuadro era un icono de la libertad. Luis X en ese
momento abolió el parlamento y censuró la prensa, lo que
provocó una rebelión en la burguesía y en los sans- culottes
(clase obrera).
El cuadro representa una alegoría positiva a Francia. Se
muestra a Marianne con el gorro frigio y la bandera en la
mano. Está representado con composición piramidal
(doble), no está en el centro, sino en un lado. Marianne se
alza sobre cuerpos que han luchado por su patria. En segundo plano se ve la
catedral de Notre Dame. Hace uso de la mancha de color y predomina en el
cuadro, lo que expresa emociones.
William Turner
Con 14 años entró a la Real Academia de pintura y con 23 ya era académico.
En sus cuadros muestra el poder de la naturaleza y pinta paisajes con mares
embravecidos.
El temerario remolcado hacia su mismo destino (1839) William
Turner
En la batalla de Trafalgar, Turner leyó que el barco se iba a
desguazar y decidió hacerle un homenaje mostrando la
grandeza de Reino Unido. Se ve un remolque representando
la revolución industrial. Tiene colores más cálidos en la
derecha y ríos en la izquierda.

Fusilamientos del 3 de mayo (1808) Goya

Estos fusilamientos se dieron en el monte Pío a las 3 de la
madrugada. Ejecuta la mancha de color y utiliza la
iluminación para identificar a los protagonistas, las últimas
esperanzas y los que todavía están vivos.

La Marsellesa (1833-36) François Rude

Se trata de un alto relieve que se divide en dos partes, la primera,
donde aparece la Diosa Nike, y la segunda, donde están los demás
personajes. Tiene un uso del claroscuro y dramatismo.

Artes decorativas
Joyería
En la joyería predominaba el oro, la plata, piedras y diamante. Trataba temas
amorosos como entregar el corazón a alguien. La joyería funeraria tenía temas
de calaveras, urnas para cenizas, uñas, pelo, y dientes. La mujer al lado del
sauce llorón también era muy común y se hacían pendientes con pelo humano.
Moda
Usaban el corte de vestido a la cintura. Vuelve el corsé y se usa la cintura de
avispa, mangas de mameluco y de jamón. Las faldas son más acampanadas y
usaban tirabuzones en el pelo.
Interiores
En Francia estaban los estilos neobarroco y neorrococó. Usaban mucho
mobiliario en el interior, lámparas de araña, cortinajes de terciopelo y cortinas
bandeau. En los muebles estaba el tresillo y el capitoné, que tenían
apoyabrazos bajos y flecos en los bajos del sofá. Surge el sillón confidente. En
Inglaterra predomina el estilo neogótico con Pugin.
Arquitectura
En Inglaterra estaba el Royal Pavilion de John Nash, que era un castillo ya
existente ya realizado para Jorge IV por Henry Holland. Era pintoresco y con
un estilo hindú e islámico. Tiene una piedra de color amarillo. El cuerpo
central es más alto que los laterales, con una cúpula bulbosa, arcos
polibulados y minaretes.
Casa Museo de John Soane
Esta es una casa-museo especializada en Arquitectura, que fue
anteriormente el domicilio y estudio del arquitecto neoclásico John
Soane. Debe su fama no sólo a la riqueza de sus colecciones, sino
también a su peculiar estética. El museo contiene muchos dibujos y
modelos de los proyectos del arquitecto Soane y las colecciones de
pinturas, dibujos y antigüedades que él reunió.

ARTS & CRAFTS

Este fue un movimiento artístico que se dio desde 1870 a 1890. Nace en
Inglaterra y se extiende a Europa y Estados Unidos. Se trata de una reacción
al diseño industrial, la fealdad de los objetos y la moral de la Revolución
Industrial. Busca equiparar las artes decorativas con la pintura, escultura, etc.
El lema de esta corriente era ‘Convirtamos a los artesanos en artistas y a los
artistas en artesanos’’. Se inspiran en la naturaleza, el Neogótico y la tradición
vernácula.
William Morris no consigue democratizar el arte y diseño, así que crean los
gremios (sociedades en los Arts and Crafts). Crean el Gremio del siglo, que
tuvo gran influencia en el modernismo. Dentro de este gremio se encontraban
Selwyn Image, Herbert Home, y Arthur Mackmurdo. Este fue el gremio más
representativo de la 2ª mitad del Arts and Crafts.
Mackmurdo usa una línea curva y sinuosa. Era admirador de Ruskin y se
conocen en 1877. Diseñó papeles pintados, sillas y la portada de ‘ Las iglesias
de la ciudad de Wrench’’. Crean una revista que muestra todo lo que hacen en
los gremios en 1884, la Hobby Horse. Tiene tipografía original siempre en
blanco y negro. También escribían artículos de diseño.
Gremio de los artesanos
Charles Ashbee, arquitecto y diseñador, antes del gremio, estudió en la escuela
de filosofía de John Ruskin. Creaba objetos decorativos de metal o utensilios
de cocina y joyas, en las que veía más importante su diseño que el material.
Gremio de los trabajadores del arte
Les gustaba el público infantil. Benson se especializó en lámparas de metal.
Voysey, arquitecto y diseñador, empezó trabajando para Morris. Diseñó
muebles y objetos de metal y la tetera de Peltre.
Michael Tonet
Este fue un diseñador y ebanista alemán. Tenía estilo Biedermeier y con esto
creó la silla número 14 de madera. Era funcional, versátil y bonita. Tuvo
tanto éxito que empezó a producir más de sus creaciones al mercado. De esta
época empieza a resonar el estilo Shaker, que era simple, artesano, uniforme y
útil. Siempre usaban madera y siempre dentro de espacios luminosos y con
pocas cosas porque no les gusta lo lujoso.
William Morris
Este era polifacético, pero destacaba por el diseño. Seguía el el ideal de belleza
femenino de la época; esbelta, delgada, pelirroja, ojos verdes y pelo ondulado.
Trabajó en el diseño de tapices; su decoración, inspirada en la naturaleza,
estaba muy bien representada por sus estudios botánicos. Sus telas aún siguen
estando de moda.
La casa roja tuvo tanto éxito que sus amigos lo convencieron para crear una
sociedad. Voysey y Benson trabajaron con él para luego crear sus propios
estudios de diseño.
Uno de sus diseños más exitosos fue la silla Sussex, hecha con madera de roble
barnizada y que imita el mobiliario campesino.
Habitación de la casa roja
En una habitación de la Casa Roja encontramos una cama Elisabethan. En su
dosel y en su colcha encontramos un bordado hecho por las mujeres de la
familia de Morris reproduciendo tipografías góticas que escriben un poema
suyo y motivos florales extraídos de la miniatura gótica. Está hecha de roble.

MODERNISMO
El modernismo s una corriente artística que va desde 1880 hasta 1903, este
responde a las necesidades de la alta burguesía, la cual está cansada del estilo
historicista y de estructuras de hierro y metal. Quieren un estilo refinado que
los diferencie del resto. Tuvo gran repercusión en Francia y Bélgica. Tiene
diferente nombre según el lugar. El modernismo quiere equiparar las artes
mayores y las artes decorativas.
El modernismo toma como inspiración la segunda generación de los Arts and
Crafts, la naturaleza, el arte celta, las estampas japonesas ukiyo-e y el
modernismo ornamental y geométrico.
Algunos de los autores del modernismo fueron Georges de Feure (diseñador de
muebles), que expuso en la galería Art Nouveau; Eugene Gellard, con su silla
tapizada en plumas de pavo real, también Hector Guimmard, que hacía cristal
y hierro forjado verde que imitaba la naturaleza de manera abstracta.
Francia (Art Noveau)
En Francia el modernismo se divide en la Escuela de Nancy; provincias con
talleres de artesanía que se unen en una liga de talleres de diseño modernista,
y el Art Noveau en París, que se desarrolla gracias a Samuel Bing, un
coleccionista de arte de la galería de L’Arts Noveau amante del arte japonés.
En la escuela de Nancy se encontraba Emille Gallé, historiador del arte y
botánica, que estaba especializado en diseño de muebles y objetos de cristal.
Los muebles eran de maderas nobles de formas curvas y sinuosas con plantas,
flores o insectos; solían tener poemas inscritos. Los objetos de cristal solían
tener colores pastel.

Joyería
En la joyería estaba Rene Lalique, que estuvo en la exposición universal de
París en 1900. Este fue el joyero más importante del modernismo, siendo
característico por darle más importancia al diseño de la pieza que al material
del que estaba hecho. Usaba materiales novedosos, como la concha de Carey,
y empezó a usar esmaltes que no se empleaban desde el siglo 16, como el
Cloisonné y el Champlevé. Emplea la representación animal, la metamorfosis
(mujer libélula) y la figura femenina.
En esta época la joyería se adapta a la moda del momento. Otros artistas que
hicieron joyería son: los hermanos Vever, con inspiración en la naturaleza y el
tema femenino; Eugéne Grasset, con ‘Margarita’’; Alphonse Mucha, con sus
piezas elaboradas por Fouquet para Sara Bernardt; y Luis Masriera, que vió
las piezas de René Lalique y se hizo modernista.
Cartel
Jules Chéret eleva a la categoría de pintura el diseño de cartel. Trabaja
haciendo catálogos de muebles en Londres y vuelve a París y decide seguir
diseñando carteles financiado por Eugéne Rimmel. Chéret convierte a la mujer
en un reclamo publicitario, haciendo que sea usual ver a mujeres anunciando
cualquier producto. Las mujeres que pinta Chéret son desinhibidas, y surgen
las cheretianas, que imitaban comportamientos de estas.
Los carteles de Chéret eran famosos en Europa, pero no se aceptaban en
Estados Unidos. Utiliza colores alegres y optimistas, figuras dinámicas y
utiliza una línea oscura que perfila que perfila las figuras, tipografía original
de palo seco y hay equilibrio entre tipografía y dibujo.
Touluse Lautrec era un pintor y diseñador de carteles aristócrata. Creó el
cartel para el Moulin Rouge, ‘La Goulue’’. Utiliza la diagonal para dar
sensación de dinamismo. Tiene influencia de la fotografía, y usa una tipografía
original que no está bien integrada en la imagen.
Eugéne Grasset estaba inspirado por la estampa japonesa y Botticelli. Tiene
obras de estilo y mujeres románticos.
Alphonse Mucha fue pintor, diseñador de carteles, joyas, vidrieras y
escenografías para el teatro de Sara Bernard, ‘La Gismonda’’. Sara Bernard lo
contrata para sus próximos proyectos y este diseña también sus joyas. En sus
obras estaba el ideal de mujer de la época. También había horror vacui en sus
obras.
Victor Horta fue arquitecto y diseñador belga. Sus obras más importantes son la Casa
Tassel (1892-1893): Para el exterior de esta usó piedra, vidrio y hierro forjado en los
balcones. Tiene planta baja, tres pisos y un exterior sencillo. En el interior destaca el
vestíbulo que comunica 3 pisos y el suelo es de mosaico donde se representa una línea
espiral que también está reproducida en las paredes. Destacamos la barandilla
decorada con hierro forjado. La columna funciona como decoración y elemento
sustentante. En esta casa huye de los largos pasillos y en su lugar se interesa por
conectarlo todo. La zona privada está en el tercer piso con dormitorios y baño.