REFLEXIÓN .Los Cuerpos de la Música. López-Cano.

Inma de la Rosa Rojas

Afortunadamente el tema del que trata este artículo de López-Cano no es nuevo

para mí. Empecé a conocer acerca del cuerpo y la música, y la relación tanto entre ellos
como de estos con la mente, durante el primer año de mi formación como fagotista en el
conservatorio superior. Además, dicho asunto formó parte de un pequeño apartado de mi
trabajo final de carrera, el cual se titulaba “Música, Cerebro y Cuerpo” información
obtenida del libro Music and the Mind. Storr, A. (1992).

Conozco otra publicación, 'El violin interior' de la autora Dominique Hoppenot. De

hecho, fue este libro, y la asistencia a las clases de la asignatura “Técnicas de
Relajación”, los que me abrieron los ojos hacia la conciencia corporal.
Dicho libro está prácticamente en la misma línea del texto de López-Cano, aunque con
sus evidentes diferencias: mientras que el primero se entrega más a la comunicación
intrapersonal del intérprete y a su conciencia corporal, sin olvidarnos de la comunicación
interpersonal (a través de la música que uno mismo interpreta), entre otros asuntos, el
segundo se enfoca en aspectos neurológicos de la música como por ejemplo la actividad
motora que acompaña la producción de sonido musical, o la actividad motora que se ve
manifestada en la percepción musical, o lo que una cultura va construyendo
cognitivamente para hacer suya la música, para “entenderla” mejor. En esto último se
incluirían los esquemas corporales derivados de la proyección metafórica de los
esquemas mentales con la experiencia corporal proveniente de la escucha e
interpretación de la música, lo que nos puede facilitar el “sentirnos” en el mundo de la
vida. (Presente artículo, página 25).

En cuanto al papel del cuerpo en la percepción y experiencia musical, Pelinski en

su artículo Corporeidad y experiencia musical (pp. 13-18) señala lo siguiente:

• La condición humana de poseer un cuerpo físico y biológico guiado por las redes
neuronales del cerebro es la condición material que nos hace capaces de
emocionarnos, actuar, pensar, hablar y relacionarnos con otras personas y con el
medio ambiente.
• Aunque todos los seres humanos poseen un cuerpo, no todos lo viven de la misma
manera.
• El cuerpo vivido es el órgano de la percepción y a la vez objeto de la misma;
• (…) diríamos que la “única“ manera de conocer la música es vivirla, confundirse
con ella.
• La inmediatez, la realidad fenoménica y la situacionalidad espacio-temporal de la
percepción corporal son rasgos de una experiencia musical cuyo privilegio es el de
preceder y fundar el conocimiento musical tanto en su racionalidad como en su
funcionalidad.
• Para comprender mejor cómo participan la corporalidad y la corporeidad en la
cognición musical es necesario precisar las conexiones entre sensación,
percepción (o experiencia perceptiva) y conceptualización.
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Gracias a la creciente conciencia corporal, el cuerpo empezó a tener un papel muy

importante en mi formación como músico (y como persona). Recuerdo que solo se
hablaba de él en dicha asignatura y en pocos círculos personales, ni siquiera se
adentraba en él en las clases instrumentales individuales y grupales. Siempre el
instrumento musical era el “templo imperial” del intérprete. ¡Vaya paradoja!
He de decir que para mí el cuerpo forma parte de mi forma de vida. Así que, sin
ninguna duda, lo incluiría en el currículo. ¿Cómo? Pues introduciendo varias asignaturas
como:
Conciencia Corporal en la que se fomentaría el conocimiento de un@ mism@ a
través de su cuerpo (y de su mente), sintiéndolo a través de diversos ejercicios que
despierten sensaciones en esos cuerpos vivientes (y muy posiblemente también
doloridos), y relajando también aquellas zonas que lo necesiten.
Se podría implantar esta materia, ante todo, para llegar a ser autosuficientes en la higiene
postural lo que nos puede facilitar el camino a la eutonía (creada por Gerda Alexander),
sin necesidad de recurrir (frecuentemente o no) a fármacos.
Danzas del mundo (clásico) dirigida a futuros intérpretes clásicos en la que se
transmitirían, de manera básica, efectiva, rigurosa y flexible, los diferentes patrones
rítmicos - movimientos corporales que conforman el repertorio musical y dancístico
renacentista, barroco y clásico. De esta manera, proporcionamos coherencia al hecho de
interpretar música cuyo origen es bailable, y lo que es mejor aún, que somos capaces de
sentir esta coherencia en nuestro cuerpo y de transmitir estas sensaciones placenteras (y
naturales) al público que nos escucha.
Introducción al Arte Dramático dirigido a todos los alumnos del conservatorio
(grado profesional y grado superior) con los siguientes objetivos: a) poseer recursos
cognitivos, corporales y expresivos a la hora de transmitir al público la música que
estamos tocando; b) disfrutar con lo que estamos haciendo sobre el escenario dejando
olvidado ya el miedo escénico; c) y poder sentirnos realizados llevando a cabo esta forma
de expresión artística.

Me gustaría exponer una de mis mejores etapas como instrumentista en las que
sentía verdadera conexión y “danza” entre cuerpo y música (y mente): me centraba en
transmitir con el instrumento aquellas imágenes y sensaciones que la música que tocaba
despertaban en mi. Allí no había ni miedo escénico ni nada que se le pareciera. Sólo
quería comunicar al público aquello que tanto me gustaba por medio del fagot, creando
entre receptor y emisor un canal de comunicación no verbal. Y ahí entendí y, lo que es
más importante, sentí que la música es un lenguaje, que se crea y se interpreta para
expresar algo personal (o no) a la vez que lo compartes con un público al que quieres
llegar transmitiéndole una o varias ideas, sensaciones, experiencias, etc. y del que, en
cierta medida, buscas un feedback, como viene sucediendo en las interacciones sociales.

Este artículo me ha aportado, por una parte, tecnicismos referentes a elementos y

acciones cognitivas relacionadas con la actividad motora y la percepción e interpretación
musical, como pueden ser los movimientos manifiestos y los movimientos encubiertos (la
imaginación motora, mimesis motora, etc.); y por otra parte, un mapa conceptual más
claro acerca de los esquemas corporales y el por qué de su vital importancia en la
experiencia musical (y también en el desarrollo evolutivo de la persona).
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Respecto a la forma de llevar a cabo mis clases, estas las quiero impartir de forma
diferente a como las recibí. Señalo aquí algunos de los primeros aprendizajes que deseo
transmitir a mis futuros alumnos:

• Nuestro cuerpo es nuestro primer instrumento.

Entonces exploremos, desde el juego, la rigurosidad, el respeto y la ilusión por
aprender, todas las capacidades sonoras que este nos brinda.
• El respetarse, primero a uno mismo y después a los demás.
• Hagamos de la música una forma de:
-expresión,
-creación de comunidad-tribu,
-disfrute
-y que se convierta en algo verdaderamente significativo para nuestras vidas.

Acabo esta reflexión con unas líneas del presente artículo (página 19) que
significan mucho para mí ya que después de muchos años de dedicación al instrumento y
a la música, sentí que:
(…) la música ya no es para el individuo una serie de objetos sonoros que poseen una
vida propia fuera de él, sino una suerte de prolongación de su yo, de su aquí y ahora, de
su ser, de su cuerpo. En este momento, el sujeto hace de una música un modo de
expresión, de organización de sus propios deseos, aspiraciones, emociones, modos de
entender la vida, un modo de producir estados de ánimo. Ahora existe un ensamblaje
firme entre música y sujeto que le permitirá producir más y más significaciones, ya sean
contingentes o trascendentes, estables o efímeras, vagas o concretas. La música se ha
vuelto entonces significativa para él.