COLEGIO DE BACHILLERES PLANTEL

1
“EL ROSARIO”

DANIEL ALEJANDRO OROZCO

HERNANDEZ

MATERIA: ARTES 2

TEMA : ANTOLOGIA DE APRECIACION

ARTISTICA 2
 INDICE

o ACCION ARTISTICA

o PERFORMANCE

o REPRECENTANTES MAS RECONOCIDOS E IMPORTANTES DEL

PERFORMANCE

o HAPPENING

o REPRECENTANTES MAS IMPORTANTES DEL HAPPENING

o FLUXUS

o REPRECENTANTES MAS RECONOCIDOS E IMPORTANTES DEL

FLUXUS

o CREATIVIDAD

o ¿QUE ES EL PROCESO CREATIVO Y EN QUE CONSISTE?

o IMAGINACION

o ¿QUE ES LA FANTASIA? ¿QUE RELACION TIENE CON EL ARTE?

o ? ¿QUE ES EL SURREALISMO? ¿QUE RELACION TIENE CON LA

CREATIVIDAD , LA IMAGINACION Y FANTACIA?¿QUIENES SON LOS
REPRESENTANTES MAS IMPORTANTES

o REPRECENTANTES IMPORTANTES DEL SURREALISMO Y SUS

OBRAS

o ¿QUE ES EL ARTE DE LA PREHISTORIA?¿QUE RELACION TIENE CON

LA CREATIVIDAD , IMAGINACION Y FANRASIA?
 ACCION ARTISTICA

Una acción artística es una forma de expresión en la que el artista crea una
obra a través de la realización de una acción o evento. A diferencia de las
obras de arte tradicionales, que son objetos físicos, las acciones artísticas se
centran en el proceso, la participación y la experiencia en tiempo real. Algunas
características clave de las acciones artísticas son las siguientes:

1.Participación activa: En una acción artística, el artista o los participantes

desempeñan un papel activo en la creación de la obra. Pueden ser parte
integral de la acción, interactuando con el entorno, con otros participantes o
con el público.
2.Efimeridad: Muchas acciones artísticas son efímeras, lo que significa que no
dejan una obra física duradera. Pueden ser performances en vivo o eventos
temporales que existen solo durante un breve período de tiempo. Esto enfatiza la
importancia de la experiencia en el momento presente.
3.Interacción con el entorno: Las acciones artísticas a menudo involucran la
interacción con un entorno específico, ya sea un espacio público, un entorno
natural o un contexto social. El entorno se convierte en parte integral de la obra
y puede influir en su significado y mensaje.
4.Mensaje o intención: Las acciones artísticas suelen tener un mensaje o una
intención detrás de ellas. Pueden abordar temas políticos, sociales, culturales o
personales, y pueden ser una forma de comunicar ideas, provocar reflexión o
generar cambios.
5.Enfoque en la experiencia: A diferencia de las obras de arte convencionales
que se aprecian de manera pasiva, las acciones artísticas enfatizan la
experiencia participativa. El arte se vive y se experimenta en tiempo real,
involucrando los sentidos, las emociones y la interacción directa con el artista,
el entorno y el público.
6.Romper convenciones: Las acciones artísticas a menudo desafían las
convenciones establecidas y exploran nuevas formas de expresión. Pueden
cuestionar los límites entre el arte y la vida cotidiana, desafiar normas sociales
o cuestionar las prácticas artísticas tradicionales.
En resumen, una acción artística es una forma de expresión en la que el artista
crea una obra a través de una acción o evento, con la participación activa, la
efimeridad, la interacción con el entorno, el mensaje, el enfoque en la
 experiencia y la voluntad de romper convenciones como características
principales.

PERFORMANCE
Una performance es una forma de expresión artística en la que un artista o un
grupo de artistas realizan una acción en tiempo real frente a un público. Se
caracteriza por ser una presentación en vivo y suele involucrar elementos
como el cuerpo, el movimiento, la voz, el sonido, la música, los objetos o
cualquier combinación de ellos. Algunas características principales de las
performances son las siguientes:
Presentación en vivo: Las performances se llevan a cabo frente a un público en
un momento específico y en un lugar determinado. A diferencia de otras formas
de arte, como la pintura o la escultura, que pueden ser apreciadas en cualquier
momento, las performances existen únicamente durante su realización en vivo.
Enfoque en el cuerpo: El cuerpo del artista es un elemento central en las
performances. A través del movimiento, la gestualidad, la expresión corporal o
la interacción con objetos, el cuerpo se convierte en un medio de comunicación
y expresión artística.
Interacción con el público: Las performances a menudo involucran una
interacción directa entre el artista y el público. Puede haber momentos de
participación activa del público, diálogo, invitación a interactuar o incluso
provocación y desafío de las expectativas de la audiencia.
Efimeridad: Al igual que las acciones artísticas, las performances suelen ser
efímeras y no dejan una obra física duradera. Una vez que la performance ha
concluido, solo queda la memoria y la experiencia compartida por los
presentes.
Experimentación y transgresión: Las performances se caracterizan por su
capacidad para desafiar las convenciones y explorar nuevos territorios
artísticos. Pueden romper barreras entre el arte y la vida cotidiana, cuestionar
normas sociales, políticas o culturales, y abrir espacios para la
experimentación y la reflexión.
Multidisciplinariedad: Las performances pueden integrar diferentes disciplinas
artísticas, como la danza, el teatro, la música, el video, la instalación, entre
otras. Se pueden combinar diversas formas de expresión para crear una
experiencia artística completa.
En resumen, una performance es una presentación artística en vivo que
involucra la acción del cuerpo y la interacción con el público. Se caracteriza por
su efimeridad, su enfoque en el cuerpo como medio de expresión, la
interacción con el público, la experimentación y la capacidad para desafiar las
convenciones establecidas.

PRINCIPALES REPRESENTANTES DEL PERFORMANCE

El mundo del performance es vasto y diverso, y ha habido numerosos artistas

influyentes que han dejado su huella en esta forma de expresión artística. A
continuación, te mencionaré algunos de los principales representantes del
performance:
Marina Abramović: Considerada una de las figuras más importantes del
performance, Abramović ha realizado obras icónicas que exploran la relación
entre el artista y el público, a menudo empleando el cuerpo como medio de
expresión y desafiando los límites físicos y emocionales.
Yoko Ono: Conocida por su trabajo conceptual y su activismo, Yoko Ono ha
realizado performances desde la década de 1960. Sus obras a menudo
involucran la participación del público y abordan temas como la paz, la
igualdad y la conexión humana.
Joseph Beuys: Influente artista alemán, Beuys utilizó el performance como una
herramienta para explorar temas políticos, sociales y medioambientales. Sus
acciones artísticas a menudo involucraban materiales orgánicos y simbolismo,
y buscaban estimular la reflexión y el cambio.
Chris Burden: Reconocido por sus performances extremas y provocativas,
Burden desafió los límites del cuerpo y la resistencia física en sus obras. Sus
acciones incluyeron ser disparado con un rifle o encerrado en un armario.
Carolee Schneemann: Figura pionera del arte feminista, Schneemann utilizó el
cuerpo y la sexualidad como temas centrales en sus performances. Sus obras
desafiaron las normas de género y exploraron la experiencia femenina en el
arte.
Guillermo Gómez-Peña: Artista chicano y activista, Gómez-Peña ha realizado
performances que abordan la identidad cultural, la inmigración y las dinámicas
de poder. Su trabajo mezcla elementos teatrales, visuales y de poesía hablada.
Estos son solo algunos ejemplos destacados, pero hay muchos otros artistas
influyentes en el ámbito del performance. La naturaleza del performance como
una forma de expresión artística en constante evolución ha dado lugar a una
amplia gama de enfoques y voces creativas a lo largo del tiempo.
 ARTISTAS MAS RECONOCIDOS E IMPORTANTES DEL
PERFORMANCE (BIOGRAFIA)

MARIA ABRAMOVIC
Marina Abramović, nacida el 30 de noviembre de 1946 en Belgrado,
Yugoslavia (actualmente Serbia), es una reconocida artista del performance y
pionera en su campo. Su trabajo ha dejado una profunda influencia en el arte
contemporáneo y ha contribuido a expandir los límites de la expresión artística.
A continuación, se presenta una breve biografía de Marina Abramović.
Marina Abramović nació en una familia de origen serbio. Desde temprana
edad, mostró un gran interés por el arte y se involucró en diferentes formas de
expresión creativa. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado, donde
se enfocó en el arte multimedia y el performance.
En la década de 1970, Abramović comenzó a desarrollar performances que
exploraban los límites físicos y emocionales del cuerpo. Sus obras a menudo
implicaban acciones extremas y duraderas que involucraban el dolor, el riesgo
y la resistencia física. Sus trabajos se caracterizaban por la interacción con el
público y la invitación a la participación activa.
En colaboración con el artista Ulay (Frank Uwe Laysiepen), Abramović formó
una pareja artística y romántica durante más de una década. Juntos, realizaron
una serie de performances icónicas que desafiaron las nociones
convencionales del arte y la relación entre el artista y el público.
Uno de los trabajos más conocidos de Abramović es "The Artist is Present" (El
artista está presente), presentado en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de
Nueva York en 2010. Durante esta exposición, Abramović se sentó en silencio
en una silla mientras los visitantes tenían la oportunidad de sentarse frente a
ella y establecer una conexión visual. La duración de la exposición fue de tres
meses y atrajo a miles de personas, convirtiéndose en un hito en la historia del
performance.
Marina Abramović ha recibido numerosos reconocimientos a lo largo de su
carrera, incluyendo el León de Oro en la Bienal de Venecia en 1997 y el premio
Oskar Kokoschka en 2014. Además, fundó el Instituto Marina Abramović en
Hudson, Nueva York, dedicado a la preservación y el avance del arte del
performance.
Su trabajo ha sido objeto de numerosas exposiciones individuales y colectivas
en museos y galerías de renombre internacional. Marina Abramović continúa
 siendo una figura influyente en el mundo del arte contemporáneo, desafiando
las barreras y explorando nuevos territorios en el ámbito del performance.

YOKO ONO
Yoko Ono, nacida el 18 de febrero de 1933 en Tokio, Japón, es una artista,
música, activista y figura prominente en el arte contemporáneo. Su trabajo se ha
centrado en diversas formas de expresión, incluyendo el arte conceptual, el
performance, la música experimental y la escritura. A continuación, se presenta
una breve biografía de Yoko Ono:
Yoko Ono nació en una familia adinerada y cultivada en Japón. Desde joven,
mostró un interés por el arte y la música, y estudió en la Universidad Gakushuin de
Tokio. En la década de 1950, se trasladó a Estados Unidos para continuar sus
estudios en la Universidad Sarah Lawrence en Nueva York.
Durante su tiempo en Nueva York, Yoko Ono se involucró en el movimiento
artístico y contracultural de la época. Comenzó a experimentar con diferentes
medios artísticos, incluyendo la performance, la música y el cine experimental. Su
trabajo se caracterizó por su enfoque en la participación activa del público y la
transgresión de los límites del arte convencional.
En 1969, Ono se casó con el músico John Lennon, miembro de la banda The
Beatles. Juntos, colaboraron en proyectos artísticos y activismo político, utilizando
su influencia para promover la paz y luchar contra la guerra. Uno de los eventos
más destacados fue su "Bed-In for Peace", en el cual pasaron una semana en la
cama en un hotel de Ámsterdam, invitando a la prensa y al público a unirse a ellos
en su mensaje pacifista.
 A lo largo de su carrera, Yoko Ono ha realizado numerosas exposiciones y
performances en todo el mundo. Sus obras han abordado temas como la igualdad
de género, la paz, la conexión humana y la conciencia social. Su estilo artístico se
caracteriza por su simplicidad y su enfoque en la idea y el concepto detrás de la
obra.
Además de su trabajo en las artes visuales, Ono también ha incursionado en la
música, lanzando álbumes experimentales y colaborando con otros músicos. Ha
sido reconocida con premios y honores a lo largo de su carrera, y su influencia en
el arte contemporáneo y el activismo continúa siendo significativa.
Yoko Ono sigue siendo una figura influyente en la escena artística y cultural, y su
contribución al arte conceptual y al movimiento de la paz ha dejado un legado
duradero en el panorama artístico global.

JOSEPH BEUYS
Joseph Beuys, nacido el 12 de mayo de 1921 en Krefeld, Alemania, y fallecido el
23 de enero de 1986 en Düsseldorf, Alemania, fue un destacado artista, escultor,
profesor y activista alemán. Es considerado uno de los artistas más influyentes del
arte contemporáneo y uno de los principales exponentes del movimiento Fluxus. A
continuación, se presenta una breve biografía de Joseph Beuys:
Joseph Beuys nació en una familia de clase media en Alemania. Durante la
Segunda Guerra Mundial, Beuys sirvió en la Fuerza Aérea Alemana y fue herido
gravemente en un accidente de avión. Este evento tuvo un profundo impacto en su
vida y en su obra artística posterior.

Después de la guerra, Beuys estudió arte en la Academia de Arte de Düsseldorf y

se convirtió en profesor en esa misma institución en la década de 1960. Su
enfoque artístico se basaba en la idea de que el arte tenía el poder de promover
cambios sociales y políticos.
Beuys creía en la idea de "escultura social", que consistía en la creación de obras
de arte que involucraran la participación activa de la sociedad. Su práctica artística
abarcaba una amplia gama de medios, como la escultura, el dibujo, la
performance, la instalación y la acción.
Una de las obras más conocidas de Beuys es "Cómo explicar imágenes a una
liebre muerta" (1965), donde el artista se sentó en una galería con una liebre
muerta en sus brazos y explicó el significado de diferentes imágenes. Esta obra
simbolizaba la conexión entre la naturaleza, la espiritualidad y la conciencia
humana.
Beuys también fue un activista político y participó en movimientos sociales,
abogando por la democratización de la sociedad y el sistema educativo. Fundó la
Organización para la Democracia Directa a través del Referéndum, y se postuló
para el Parlamento alemán como representante del Partido Verde.
A lo largo de su carrera, Joseph Beuys recibió numerosos reconocimientos,
incluyendo la representación de Alemania en la Bienal de Venecia en 1976 y el
Premio de la Paz del Comercio del Libro Alemán en 1979. Su trabajo ha sido
exhibido en importantes museos y galerías de todo el mundo.
La obra de Joseph Beuys ha dejado un legado duradero en el arte
contemporáneo, especialmente en lo que se refiere a la relación entre el arte, la
política y la sociedad. Su enfoque multidisciplinario y su activismo político han
influido en generaciones posteriores de artistas y siguen siendo objeto de estudio
y discusión en el campo del arte.

HAPPENING
 Un happening es una forma de expresión artística que se originó en la década de
1950 y alcanzó su apogeo en los años 60. Consiste en una intervención o evento
en el que artistas y espectadores participan activamente, rompiendo las barreras
tradicionales entre el arte y la vida cotidiana. Algunas características principales de
los happenings son las siguientes:
Participación activa: En un happening, tanto los artistas como los espectadores
son partícipes activos. No hay una distinción clara entre el observador y lo
observado, y todos los participantes contribuyen a la experiencia y la creación del
evento artístico.
1. Espontaneidad y efimeridad: Los happenings suelen ser eventos únicos y
efímeros que ocurren en un momento y lugar determinados. Pueden surgir
de manera espontánea y no se repiten de la misma manera en el futuro.
Esto le da al happening una sensación de frescura y autenticidad.
2. Integración de diferentes disciplinas: Los happenings a menudo combinan
elementos de diferentes disciplinas artísticas, como la danza, la música, el
teatro, la performance, la poesía, la pintura, la escultura, entre otras. Estas
diversas formas de expresión se fusionan para crear una experiencia
multisensorial.
3. Interacción con el entorno y el público: Los happenings se llevan a cabo en
lugares no convencionales, como calles, plazas, parques u otros espacios
públicos. Los artistas interactúan directamente con el entorno y con el
público que se encuentra presente, rompiendo las barreras entre el arte y la
vida cotidiana.
4. No linealidad narrativa: A diferencia de una obra de teatro o una película,
los happenings no siguen una estructura narrativa lineal. No hay una trama
predefinida ni una secuencia específica de eventos. En su lugar, se centran
en la creación de una experiencia inmediata y en la exploración de la
espontaneidad y la improvisación.
5. Cuestionamiento de las normas establecidas: Los happenings desafían las
convenciones y normas establecidas en el arte y la sociedad. Pueden
abordar temas políticos, sociales o culturales, y cuestionar las estructuras
de poder y las ideas preconcebidas.
En resumen, un happening es un evento artístico en el que tanto los artistas como
los espectadores participan activamente. Se caracteriza por su espontaneidad, su
efimeridad, su interacción con el entorno y el público, y su capacidad para desafiar
las normas establecidas. Los happenings rompen las barreras entre el arte y la
vida cotidiana, creando una experiencia colectiva y transformadora.

REPRECENTANTES MAS IMPORTANTES EL HAPPENING

(BIOGRAFIA Y OBRAS)
 ALLAN KPROW
Allan Kaprow (1927-2006) fue un artista y teórico estadounidense, reconocido
como uno de los pioneros del arte de los happenings y del arte conceptual. A
continuación, te presento una breve biografía de Allan Kaprow y algunas de sus
obras importantes:
Allan Kaprow nació el 23 de agosto de 1927 en Atlantic City, Nueva Jersey.
Estudió pintura en la Universidad de Nueva York y en la Universidad de Columbia,
donde obtuvo su maestría en Bellas Artes en 1952. Durante sus estudios, fue
influenciado por el expresionismo abstracto y por artistas como Jackson Pollock y
Willem de Kooning.
A mediados de la década de 1950, Kaprow comenzó a alejarse de la pintura
tradicional y se interesó en la creación de experiencias artísticas más inmersivas y
participativas. En 1959, acuñó el término "happening" para describir una forma de
arte que involucraba la participación activa del público y que se alejaba de las
convenciones tradicionales del arte.

Algunas de las obras importantes de Allan Kaprow son las siguientes:

"18 Happenings in 6 Parts" (1959): Considerada una de las primeras obras de
happening, esta pieza fue presentada en la galería Reuben en Nueva York.
Consistió en una serie de eventos en los que los participantes interactuaban con
objetos y realizaban acciones en un espacio determinado.
"Household" (1964): Esta obra se llevó a cabo en la Galería Martha Jackson en
Nueva York. Kaprow convirtió la galería en una casa, invitando a los visitantes a
explorar y participar en diferentes actividades domésticas.
"Fluids" (1967): En esta obra, Kaprow creó un ambiente en el que los participantes
podían sumergirse en sustancias como el agua, el barro y el polvo. El objetivo era
experimentar con diferentes texturas y materiales, desafiando la percepción
tradicional del arte.
"Push and Pull: A Furniture Comedy for Hans Hofmann" (1970): En esta obra,
Kaprow utilizó muebles como elementos de juego e interacción. Los participantes
podían empujar, jalar y manipular los muebles, creando una experiencia lúdica y
desafiando la idea de lo que constituye el arte.
Además de sus obras, Allan Kaprow también escribió extensamente sobre el arte
del happening y su teoría artística. Sus ideas y enfoques experimentales han
influido en generaciones posteriores de artistas, y su legado en el arte
contemporáneo sigue siendo significativo.
 CAROLEE SCHEENMANN
Carolee Schneemann (1939-2019) fue una reconocida artista y cineasta
estadounidense, conocida por su contribución al arte feminista y su exploración del
cuerpo femenino en su obra. A continuación, te presento una breve biografía de

Carolee Schneemann y algunas de sus obras más importantes:

Carolee Schneemann nació el 12 de octubre de 1939 en Fox Chase, Pensilvania,
Estados Unidos. Estudió en la Universidad de Illinois y posteriormente en la
Universidad de Columbia, donde se especializó en pintura y dibujo.
A lo largo de su carrera, Schneemann se destacó por desafiar las convenciones y
las normas sociales establecidas en relación con el cuerpo y la sexualidad
femenina. Su trabajo a menudo abordaba temas como el género, el deseo y el
poder, y cuestionaba los roles tradicionales asignados a las mujeres.
Algunas de las obras más importantes de Carolee Schneemann son las
siguientes:
"Meat Joy" (1964): Esta performance es una de las obras más conocidas de
Schneemann. En ella, un grupo de artistas, tanto hombres como mujeres, se
cubren de carne cruda, pescado, pintura y otros materiales orgánicos, y se
involucran en una danza libre y carnal. "Meat Joy" desafía las normas sociales y
sexuales, celebrando la sensualidad y el placer corporal.
"Interior Scroll" (1975): En esta performance, Schneemann extrae un rollo de papel
de su vagina y lee en voz alta un texto autobiográfico. Esta obra exploró la relación
 entre el cuerpo femenino y la palabra escrita, desafiando las convenciones
tradicionales del arte y la representación femenina.
"Fuses" (1965-1967): Esta película experimental y autobiográfica es considerada
una de las obras más importantes de Schneemann. En ella, la artista documenta
su relación íntima y sexual con su pareja, combinando imágenes eróticas y
abstracciones visuales. "Fuses" desafió los tabúes y las representaciones
tradicionales de la sexualidad femenina en el cine.
"Up to and Including Her Limits" (1973-1976): En esta instalación, Schneemann
exploró los límites físicos y emocionales del cuerpo femenino. Utilizó cuerdas y
telas para crear un espacio tridimensional en el que ella misma interactuaba,
empujando y desafiando sus propios límites físicos.
Estas son solo algunas de las obras más destacadas de Carolee Schneemann. Su
trabajo influyó en el arte feminista y el arte de performance, desafiando las normas
establecidas y explorando la relación entre el cuerpo, la sexualidad y la identidad
femenina. Su legado en el arte contemporáneo continúa siendo relevante y
provocativo.
 WOLF VOSTEL
Wolf Vostell (1932-1998) fue un artista alemán y una figura prominente del
movimiento Fluxus. Se destacó por sus contribuciones al arte contemporáneo,
especialmente en el ámbito de la performance, el happening y el arte multimedia.
A continuación, te presento una breve biografía de Wolf Vostell y algunas de sus
obras más importantes:
Wolf Vostell nació el 14 de octubre de 1932 en Leverkusen, Alemania. Estudió en
la Escuela de Bellas Artes de Wuppertal y en la Academia de Bellas Artes de
Düsseldorf. A partir de la década de 1950, comenzó a experimentar con diversas
formas de arte y a cuestionar las convenciones tradicionales.

Algunas de las obras más importantes de Wolf Vostell son las siguientes:

"Dé-coll/age" (1954): Esta serie de trabajos fue fundamental en la carrera de

Vostell. Utilizó la técnica del décollage, que consiste en el rasgado y desgarrado
de materiales como carteles y periódicos para crear composiciones artísticas.
"Sun in Your Head" (1963): Considerada una de las primeras instalaciones
multimedia, esta obra de Vostell combina elementos visuales, sonoros y táctiles.
Los espectadores ingresaban a un espacio oscuro donde se proyectaban
imágenes en movimiento mientras sonaba una grabación de sonidos de guerra.
"6 TV Dé-coll/age" (1963-1969): En esta serie, Vostell modificó televisores
antiguos al agregarles elementos tridimensionales y objetos encontrados, creando
una mezcla de imágenes estáticas y en movimiento. Estas obras cuestionaban el
poder de los medios de comunicación de masas y la influencia de la televisión en
la sociedad.
"Concrete Traffic" (1970): Esta instalación consistió en un Cadillac incrustado en
un bloque de hormigón. La obra fue una crítica a la sociedad de consumo y a la
sobreexplotación de los recursos naturales.
"Fluxus Concert" (1976): Como miembro del movimiento Fluxus, Vostell participó
en numerosos conciertos y eventos Fluxus, en los que se combinaban diferentes
disciplinas artísticas como la música, la performance y el arte conceptual.
Estas son solo algunas de las obras más destacadas de Wolf Vostell. Su trabajo
desafiaba las convenciones establecidas y exploraba temas como la tecnología,
los medios de comunicación, la guerra y la crítica social. Su enfoque
multidisciplinario y su contribución al arte contemporáneo lo convierten en una
figura influyente en el panorama artístico.
 FLEXUS
El Fluxus fue un movimiento artístico de vanguardia que surgió a principios de la
década de 1960. Se caracterizó por su enfoque experimental, interdisciplinario y
antiarte. A continuación, te presento una definición del Fluxus y algunas de sus
características principales:
El Fluxus fue un movimiento artístico que buscaba desafiar las convenciones
establecidas y ampliar los límites del arte. Se originó en Europa y Estados Unidos,
con artistas de diferentes disciplinas que colaboraban y compartían ideas en torno
al arte y la vida cotidiana.

Características del Fluxus:

Interdisciplinariedad: El Fluxus promovió la integración de diferentes disciplinas

artísticas, como la música, la poesía, la performance, la escultura, la pintura y el
cine. Los artistas del Fluxus creían en la abolición de las fronteras entre las artes y
buscaban crear experiencias artísticas multisensoriales.
Acción y participación: El movimiento Fluxus enfatizaba la importancia de la acción
y la participación del público. Los artistas creaban obras que requerían la
intervención activa del espectador, invitándolo a formar parte de la obra o a
interactuar con ella.
Antiarte y provocación: El Fluxus rechazaba la noción tradicional de arte y
buscaba desafiar las normas establecidas. Los artistas del movimiento se burlaban
de la solemnidad del arte tradicional y empleaban el humor, la ironía y la
provocación en sus obras.
Economía de medios: El Fluxus se caracterizaba por el uso de medios sencillos y
cotidianos. Los artistas utilizaban materiales de bajo costo y objetos comunes en
sus obras, desafiando la noción de que el arte debía ser costoso o exclusivo.
Influencia del dadaísmo y el surrealismo: El Fluxus fue influenciado por
movimientos artísticos anteriores como el dadaísmo y el surrealismo. Compartía
con ellos una actitud irreverente hacia el arte y una voluntad de cuestionar las
convenciones establecidas.
Espíritu de colaboración: El Fluxus fomentaba la colaboración entre artistas y la
difusión de ideas. Se organizaron numerosos festivales y eventos Fluxus donde
los artistas compartían sus obras y experimentaban juntos.
En resumen, el Fluxus fue un movimiento artístico que desafió las convenciones
establecidas, promovió la interdisciplinariedad, la participación del público y la
provocación. Su enfoque experimental y antiarte influyó en el desarrollo del arte
contemporáneo y ha dejado un legado duradero en el panorama artístico.

REPRECENTANTES MAS RECONOCIDOS E IMPORTANTES

DEL FLEXUS (BIOGRAFIA Y OBRAS)

GEORGE MACIUNAS
George Maciunas (1931-1978) fue un artista y teórico lituano-estadounidense,
reconocido como el fundador y principal organizador del movimiento Fluxus. A
continuación, te presento una breve biografía de George Maciunas y algunas de
sus obras más importantes:
George Maciunas nació el 8 de noviembre de 1931 en Kaunas, Lituania. En 1948,
su familia emigró a Estados Unidos para escapar del régimen soviético. Estudió
música en el Carnegie Institute of Technology en Pittsburgh, y luego completó su
licenciatura en Bellas Artes en la Cooper Union de Nueva York.
A mediados de la década de 1950, Maciunas comenzó a involucrarse en el mundo
del arte y se convirtió en una figura clave en el movimiento Fluxus. Fundó la
editorial Fluxus Editions en 1961 y creó una red internacional de artistas, músicos
y escritores interesados en el arte experimental y la colaboración interdisciplinaria.

Algunas de las obras más importantes de George Maciunas incluyen:

Fluxkits: Maciunas diseñó y produjo los famosos "Fluxkits" (también conocidos
como Fluxboxes), que eran cajas o maletas que contenían una colección de
 objetos y propuestas artísticas de diferentes artistas de Fluxus. Estas cajas
permitían a los espectadores interactuar con los objetos y participar activamente
en la experiencia artística.
Diagramas y gráficos: Maciunas utilizó diagramas y gráficos como herramientas
visuales para representar las ideas y los conceptos del movimiento Fluxus. Estos
diagramas eran una forma de comunicar la filosofía del movimiento y las
propuestas artísticas de manera clara y concisa.
Eventos y festivales Fluxus: Maciunas organizó numerosos eventos y festivales
Fluxus en diferentes ciudades del mundo, donde los artistas de Fluxus
presentaban sus obras y se promovía la colaboración y la participación del público.
Manifestos y publicaciones: Maciunas escribió diversos manifiestos y
publicaciones teóricas que definían los principios y objetivos del movimiento
Fluxus. Estas obras escritas ayudaron a difundir las ideas y el espíritu del Fluxus
entre los artistas y el público en general.
La contribución de George Maciunas al movimiento Fluxus fue fundamental para
su desarrollo y difusión. Su visión de un arte interdisciplinario, participativo y
despojado de convenciones influyó en la forma en que se concibe y se practica el
arte contemporáneo. Maciunas falleció el 9 de mayo de 1978 en Boston, Estados
Unidos, pero su legado en el arte experimental perdura hasta hoy.

NAM JONE PAIK

Nam June Paik (1932-2006) fue un artista y teórico surcoreano-estadounidense
considerado uno de los pioneros del videoarte. Su enfoque innovador y su
experimentación con los medios electrónicos revolucionaron el campo del arte
 contemporáneo. A continuación, te presento una breve biografía de Nam June
Paik y algunas de sus obras más importantes:
Nam June Paik nació el 20 de julio de 1932 en Seúl, Corea del Sur. Estudió
música y estética en la Universidad de Tokio y más tarde obtuvo una licenciatura
en música en la Universidad de Múnich. En la década de 1960, se trasladó a
Estados Unidos, donde desarrolló gran parte de su carrera artística.

Algunas de las obras más importantes de Nam June Paik incluyen:

"Zen for TV" (1963): Esta fue una de las primeras obras de Paik en la que utilizó
un televisor modificado. Consistía en un televisor encendido con una piedra en la
pantalla, cuestionando la influencia de los medios de comunicación y la saturación
de imágenes en la sociedad.
"TV Buddha" (1974): Esta instalación consistía en un Buda sentado frente a un
televisor que mostraba una imagen en tiempo real de la estatua. La obra
reflexionaba sobre la relación entre la espiritualidad y los medios de comunicación.
"Electronic Superhighway: Continental U.S., Alaska, Hawaii" (1995): Esta
instalación icónica consiste en un mapa de los Estados Unidos hecho de pantallas
de televisión y monitores que muestran imágenes de diferentes regiones del país.
La obra explora la idea de la información y la comunicación en la era digital.
"TV Garden" (1974-2000): En esta instalación, Paik creó un ambiente donde se
colocaron varias plantas rodeadas de televisores que mostraban imágenes en
movimiento. La obra buscaba cuestionar la relación entre la naturaleza y la
tecnología.
"Global Groove" (1973): Este video experimental combina diferentes imágenes y
clips de televisión de todo el mundo en una mezcla caótica y frenética. La obra
refleja la globalización de los medios de comunicación y la interconexión cultural.
Estas son solo algunas de las obras más destacadas de Nam June Paik. Su
trabajo en el campo del videoarte y su exploración de la tecnología como medio
artístico influyeron de manera significativa en el desarrollo del arte
contemporáneo. Paik falleció el 29 de enero de 2006 en Miami, Estados Unidos,
dejando un legado duradero en el mundo del arte.
 DICK HIGGINS
Dick Higgins (1938-1998) fue un poeta, artista y editor estadounidense, conocido
por su participación en el movimiento Fluxus y su trabajo interdisciplinario en el
arte experimental. A continuación, te presento una breve biografía de Dick Higgins
y algunas de sus obras más importantes:
Dick Higgins nació el 15 de marzo de 1938 en Cambridge, Estados Unidos.
Estudió música en la Universidad de Harvard, donde se graduó en 1958. Durante
su tiempo en la universidad, Higgins se interesó por el arte experimental y la
poesía visual, y se involucró con el movimiento Fluxus.

Algunas de las obras más importantes de Dick Higgins incluyen:

"Danger Music No. 17" (1961): Esta obra musical de Higgins se caracteriza por su
enfoque arriesgado y peligroso. Consistía en instrucciones detalladas para una
performance en la que los intérpretes se involucraban en acciones potencialmente
peligrosas, como manipular fuego o romper objetos frágiles.
"Foew&ombwhnw" (1969): Esta obra literaria es considerada una de las obras más
influyentes de Higgins. Es un poema visual que utiliza la combinación de letras y
símbolos para crear una experiencia poética no lineal y experimental.
"The Thousand Symphonies" (1978): Esta obra de música conceptual consta de
1000 partituras, cada una de las cuales representa una sinfonía completa. Higgins
creó esta obra como un desafío a las nociones convencionales de la composición
musical y la interpretación.
"A Book About Love & War & Death: Canto One" (1982): Este libro es una mezcla
de poesía y prosa que aborda temas universales como el amor, la guerra y la
muerte. Higgins utiliza una variedad de estilos literarios y técnicas experimentales
para explorar estas temáticas de manera innovadora.
Además de su propio trabajo artístico, Higgins fue un editor influyente en el campo
del arte experimental. Fundó Something Else Press en 1963, una editorial que
publicó numerosos libros y obras de artistas y escritores vanguardistas.
Dick Higgins falleció el 25 de octubre de 1998 en Quebec, Canadá. Su enfoque
interdisciplinario, su experimentación con el lenguaje y su contribución al
movimiento Fluxus dejaron un impacto duradero en el arte contemporáneo.

CREATIVIDAD
La creatividad se puede definir como la capacidad de generar ideas, conceptos o
soluciones originales, novedosas y valiosas. Es el proceso mental que permite
crear algo nuevo, transformar ideas existentes y encontrar formas innovadoras de
abordar problemas.
En relación con el arte, la creatividad desempeña un papel fundamental. El arte es
una manifestación de la creatividad humana, donde los artistas utilizan su
imaginación y habilidades para expresar ideas, emociones y conceptos a través de
formas visuales, auditivas, literarias o performativas. La creatividad en el arte
implica encontrar nuevas formas de representación, experimentar con diferentes
materiales y técnicas, romper con convenciones establecidas y explorar nuevos
enfoques estéticos.
 Los artistas utilizan la creatividad para explorar su visión personal del mundo,
desafiar las normas establecidas, cuestionar la realidad y comunicarse con el
público de maneras originales y sorprendentes. La creatividad en el arte permite la
innovación, la experimentación y la búsqueda de nuevas formas de expresión.
La relación entre la creatividad y el arte es bidireccional: el arte es una expresión
de la creatividad humana, mientras que la práctica del arte también estimula y
nutre la creatividad de los artistas. La creatividad en el arte implica la capacidad de
pensar de manera no convencional, combinar ideas aparentemente inconexas,
tomar riesgos y abrazar la incertidumbre para generar obras que sean auténticas,
impactantes y significativas.
En resumen, la creatividad y el arte están estrechamente vinculados, ya que la
creatividad es la fuerza impulsora detrás de la creación artística y el arte
proporciona un medio para expresar y nutrir la creatividad humana.

¿QUE ES EL PROCESO CREATIVO Y EN QUE CONSISTE?

El proceso creativo es el conjunto de etapas o pasos que se siguen para generar
ideas y desarrollar soluciones originales y creativas a un problema o para la
creación artística. Aunque cada persona puede tener un enfoque diferente, el
proceso creativo generalmente sigue los siguientes pasos:
Preparación: En esta etapa, se adquiere conocimiento sobre el tema o problema
en cuestión. Se investiga, se recopila información, se estudian referencias y se
analizan diferentes perspectivas. Esta fase es crucial para establecer una base
sólida y comprender los desafíos a los que se enfrenta.
Incubación: En esta etapa, se permite que las ideas y la información adquirida se
asienten en la mente de manera inconsciente. Es un momento de reflexión y
descanso, donde se da espacio para que el subconsciente trabaje y conecte ideas
de forma creativa. A menudo, la incubación se produce alejándose del problema y
dejando que la mente divague libremente.
Generación de ideas: En esta etapa, se busca activamente generar una amplia
gama de ideas. Se utilizan técnicas como el brainstorming, la asociación libre o el
pensamiento lateral para explorar diferentes enfoques y soluciones posibles. Se
fomenta la creatividad y se evita juzgar o descartar ideas prematuramente.
Evaluación: En esta etapa, se analizan y evalúan las ideas generadas en el paso
anterior. Se examina su viabilidad, efectividad, originalidad y adecuación al
 problema o contexto. Se seleccionan las ideas más prometedoras para ser
desarrolladas más a fondo.
Desarrollo: En esta etapa, se trabaja en el desarrollo de las ideas seleccionadas.
Se elaboran, se perfeccionan y se les da forma. Se pueden realizar bocetos,
prototipos o ensayos para explorar cómo funcionarían en la práctica y para detectar
posibles mejoras.
Implementación: En esta etapa, las ideas desarrolladas se llevan a la práctica. En el
contexto artístico, esto puede implicar la creación de una obra de arte finalizada. En otros
contextos, puede implicar la implementación de una solución creativa en el mundo real.
Es importante tener en cuenta que el proceso creativo no es lineal y puede implicar
retrocesos, cambios de dirección y reajustes en cualquier momento. También es un proceso
individual y único para cada persona, y cada uno puede adaptar los pasos o agregar otros
según sus preferencias y necesidades.
En resumen, el proceso creativo involucra la preparación, la incubación, la generación de
ideas, la evaluación, el desarrollo y la implementación. A través de estos pasos, se busca
estimular y aprovechar la creatividad para encontrar soluciones innovadoras y generar
obras artísticas significativas.

IMAGINACION
La imaginación se puede definir como la capacidad humana de crear imágenes mentales y
representaciones mentales de cosas que no están presentes en la realidad perceptible. Es la
facultad que nos permite visualizar y concebir ideas, imágenes, situaciones o posibilidades
que van más allá de lo que se experimenta directamente.
En relación con el arte, la imaginación desempeña un papel fundamental. La imaginación
es el motor de la creatividad en el arte, ya que permite a los artistas concebir ideas
originales, explorar nuevas formas de expresión y dar vida a sus visiones. A través de la
imaginación, los artistas pueden generar imágenes mentales de lo que desean crear y luego
plasmar esas imágenes en su obra.
La imaginación en el arte implica la capacidad de ir más allá de los límites de lo tangible y
visible, de romper con las restricciones de la realidad cotidiana y de explorar lo
desconocido. Los artistas utilizan la imaginación para visualizar nuevas composiciones,
crear personajes y narrativas, experimentar con colores, formas y texturas, y dar forma a su
visión artística única.
La relación entre la imaginación y el arte es recíproca. Por un lado, la imaginación impulsa
la creación artística al permitir a los artistas concebir ideas originales y trascender lo
convencional. Por otro lado, el arte también estimula y alimenta la imaginación en los
espectadores, ya que las obras de arte pueden despertar la imaginación y
llevarnos a explorar nuevos mundos, emociones y significados.
 En resumen, la imaginación es una capacidad humana esencial que desempeña
un papel central en el arte. Es a través de la imaginación que los artistas pueden
concebir y materializar sus ideas creativas, mientras que el arte, a su vez, puede
estimular la imaginación en los espectadores y abrir las puertas a nuevas
posibilidades y experiencias.

¿Qué ES LA FANTASIA? ¿Cuál ES LA RELACION CON EL

ARTE?
La fantasía se puede definir como la facultad o capacidad de la mente para crear imágenes,
situaciones o escenarios que son producto de la imaginación y que no tienen una base real o
tangible. Es la capacidad de concebir ideas y representaciones mentales que pueden ser
ficticias, extraordinarias o incluso imposibles en términos realistas.
En relación con el arte, la fantasía juega un papel crucial. La fantasía es una fuente de
inspiración para los artistas, ya que les permite explorar y representar mundos imaginarios,
seres fantásticos, situaciones surrealistas o escenarios utópicos. A través de la fantasía, los
artistas pueden escapar de las limitaciones de la realidad y dar rienda suelta a su
creatividad.
La fantasía en el arte fomenta la creación de obras que trascienden lo puramente realista y
convencional. Permite a los artistas experimentar con colores, formas, composiciones y
narrativas que están más allá de lo que se encuentra en el mundo tangible. La fantasía en el
arte puede manifestarse a través de estilos como el surrealismo, el realismo mágico o la
ciencia ficción, donde se exploran dimensiones imaginarias y se desafían las convenciones
establecidas.

Además, la fantasía en el arte también puede evocar emociones, despertar la curiosidad y

llevar a los espectadores a un estado de asombro y maravilla. Las obras de arte que se basan
en la fantasía pueden transportar a las personas a mundos imaginarios, permitiéndoles
explorar y experimentar lo inesperado y lo desconocido.
La relación entre la fantasía y el arte es sinérgica. La fantasía estimula la creación artística
al proporcionar un espacio ilimitado de posibilidades imaginativas y expresivas. A su vez,
el arte que se basa en la fantasía puede alimentar la imaginación y la capacidad de soñar en
los espectadores, invitándolos a sumergirse en un mundo de fantasía y a expandir su
percepción de la realidad.
En resumen, la fantasía es la capacidad de la mente para crear imágenes y situaciones
imaginarias, y en el arte, juega un papel esencial como fuente de inspiración y exploración
creativa. La fantasía en el arte permite la representación de mundos imaginarios, seres
fantásticos y escenarios surrealistas, desafiando las limitaciones de lo real y transportando a
los espectadores a experiencias emocionales y asombrosas.
 ¿QUE ES EL SURREALISMO? ¿QUE RELACION TIENE CON
LA CREATIVIDAD , LA IMAGINACION Y FANTACIA?
¿QUIENES SON LOS REPRESENTANTES MAS
IMPORTANTES?
El surrealismo es un movimiento artístico y literario que surgió en la década de
1920, impulsado por el escritor André Breton. Se caracteriza por su enfoque en lo
irracional, lo inconsciente y lo onírico, buscando liberar la creatividad y la
imaginación a través de la exploración de los sueños, la fantasía y lo surreal.
El surrealismo se relaciona estrechamente con la creatividad, ya que busca
romper con las convenciones y normas establecidas, fomentando la expresión
libre y sin restricciones. Los artistas surrealistas se valen de técnicas automáticas
y asociativas para dar rienda suelta a su creatividad, permitiendo que sus
pensamientos e ideas fluyan libremente y se conecten de manera no
convencional.
La imaginación es también un elemento central en el surrealismo, ya que se nutre
de las imágenes y representaciones mentales que surgen de la mente
subconsciente. Los artistas surrealistas buscan explorar las profundidades de la
imaginación humana, representando paisajes oníricos, seres fantásticos y
situaciones ilógicas que desafían las limitaciones de la realidad.
La fantasía es otra cualidad intrínseca al surrealismo. Los artistas surrealistas se
inspiran en la fantasía para crear obras que evocan un sentido de lo misterioso, lo
inexplicable y lo irracional. Utilizan elementos fantásticos y surrealistas para
transportar al espectador a un mundo de ensueño, invitándolos a cuestionar y
explorar diferentes perspectivas de la realidad.

Algunos de los representantes más importantes del surrealismo incluyen:

Salvador Dalí: Conocido por sus pinturas surrealistas con elementos oníricos y
simbólicos, Dalí creó imágenes impactantes y memorables que desafiaban la
lógica y la percepción.
René Magritte: Sus obras icónicas presentaban elementos cotidianos en contextos
inesperados y descontextualizados, desafiando las convenciones de la
representación visual y explorando la relación entre la imagen y el significado.
 Max Ernst: Utilizando técnicas automatistas y collages, Ernst creó imágenes
surrealistas que fusionaban elementos dispares y generaban narrativas y
escenarios fantásticos.
Joan Miró: Con un enfoque en la libre asociación y la exploración de lo
subconsciente, Miró creó obras abstractas y simbólicas que evocaban un mundo
mágico y lleno de fantasía.
Estos artistas, junto con otros exponentes del surrealismo, han dejado un legado
significativo en el arte y han influido en la forma en que comprendemos la
creatividad, la imaginación y la fantasía en el contexto artístico.

REPRECENTANTES IMPORTANTES DEL SURREALISMO Y

SUS OBRAS
Aquí te presento algunos de los representantes más importantes del surrealismo y algunas
de sus obras destacadas:

Salvador Dalí (1904-1989):

"La persistencia de la memoria" (1931): Esta icónica obra muestra relojes derretidos en un
paisaje surrealista, desafiando la noción tradicional del tiempo.
"La tentación de San Antonio" (1946): Un óleo sobre lienzo que representa una escena
fantástica y alucinatoria con diversos elementos simbólicos.
René Magritte (1898-1967):

"La traición de las imágenes" (1929): Esta famosa pintura muestra una pipa con la
inscripción "Esto no es una pipa", desafiando la relación entre la imagen y su significado.
"Golconda" (1953): Una obra en la que se representan hombres vestidos de traje cayendo
del cielo, desafiando las leyes de la gravedad y creando una imagen surrealista y
desconcertante.
Max Ernst (1891-1976):

"El elefante de Celebes" (1921): Esta obra muestra una escena absurda con formas y
criaturas extrañas, combinando elementos biomórficos y abstractos.
 "La virginidad" (1926): Un collage que combina diferentes elementos yuxtapuestos,
creando una imagen cargada de simbolismo y misterio.
Joan Miró (1893-1983):

"El carnaval del arlequín" (1924-1925): Esta obra presenta una composición colorida y
llena de figuras abstractas y simbólicas, evocando un ambiente festivo y onírico.
"Constelaciones" (1940-1941): Una serie de pinturas que combina elementos figurativos y
abstractos en un espacio cósmico, creando un sentido de poesía visual.
André Masson (1896-1987):

"Automatismo de l'Encre" (1924): Una obra creada mediante la técnica del automatismo,
donde las formas y líneas fluidas evocan imágenes orgánicas y espontáneas.
"Bataille de poissons" (1927): Esta pintura muestra una batalla de peces en un espacio
submarino, presentando elementos surrealistas y simbólicos.
Estos son solo algunos ejemplos de los representantes más importantes del surrealismo y
algunas de sus obras destacadas. Cada uno de ellos ha dejado una huella significativa en el
movimiento surrealista y ha influido en el desarrollo del arte moderno.

¿QUE ES EL ARTE DE LA PREHISTORIA?

¿QUE RELACION TIENE CON LA CREATIVIDAD ,
IMAGINACION Y FANRASIA?

El arte de la Prehistoria se refiere a las manifestaciones artísticas realizadas por

los seres humanos en el periodo anterior al surgimiento de la escritura.
Comprende un amplio lapso de tiempo, desde aproximadamente 2,5 millones de
años atrás hasta alrededor del año 3000 a.C. Durante este periodo, los primeros
seres humanos desarrollaron diversas formas de expresión artística, como la
pintura rupestre, la escultura en piedra, la cerámica y la ornamentación corporal.

En cuanto a la relación entre el arte de la Prehistoria y la creatividad, la

imaginación y la fantasía, existen conexiones significativas. El arte prehistórico
muestra la capacidad innata de los seres humanos para crear y expresarse
visualmente, lo que implica una fuerte dosis de creatividad. A través de la
utilización de técnicas y materiales limitados, los artistas prehistóricos demostraron
 su capacidad para imaginar y dar forma a sus ideas y experiencias en formas
visuales.

La imaginación también desempeñó un papel importante en el arte prehistórico.

Los artistas prehistóricos imaginaron y representaron figuras y escenas que
reflejaban su mundo, sus creencias, la naturaleza y los animales que les
rodeaban. A menudo, estas representaciones incorporaban elementos fantásticos
y simbólicos, como seres mitológicos o animales mezclados con características
humanas, lo que sugiere una expresión de la imaginación y la fantasía de los
artistas.

La fantasía, en el contexto del arte prehistórico, puede ser entendida como la

capacidad de trascender los límites de la realidad observable y explorar lo
desconocido y lo misterioso. Muchas de las representaciones artísticas
prehistóricas, como las pinturas rupestres, muestran escenas que no pueden ser
capturadas en la realidad cotidiana, como la caza de animales gigantes o rituales
sagrados. Estas representaciones fantásticas sugieren una disposición a explorar
y dar rienda suelta a la imaginación y la fantasía.

En resumen, el arte de la Prehistoria muestra una estrecha relación con la

creatividad, la imaginación y la fantasía. Los artistas prehistóricos demostraron
una habilidad creativa para representar su mundo a través de formas visuales
limitadas, utilizando la imaginación para dar forma a sus ideas y experiencias.
Además, incorporaron elementos fantásticos y simbólicos en sus
representaciones, lo que revela una disposición a explorar lo desconocido y
trascender los límites de la realidad observable. El arte prehistórico es un
testimonio de la rica capacidad creativa e imaginativa de los seres humanos desde
tiempos remotos.