El Arte y el artista

¿Qué es un artista?
 Desde tiempos antiguos, el arte estaba presente en nuestra vida, por eso, podemos
decir que el artista tiene la capacidad de impactar muchos ámbitos como social, cultural
y político.
 El arte se puede definir como una forma de expresión. Existen muchos tipos de arte,
dentro de las artes clásicas están la pintura, escultura, literatura, danza,
música, arquitectura y cine.
 Normalmente, los artistas a través de alguna de las formas de arte expresan sus
sentimientos o pensamientos. Saber esto, te permitirá entender un poco más sobre qué
es un artista y cuál es su papel en el arte. Y es que, es bien sabido que los artistas,
además de ser personas muy creativas, son personas extremadamente sensibles,
logrando impactar a través de sus sentimientos muchos ámbitos de nuestra vida.
 Artista es la persona que hace o practica arte, ya sea, por talento innato o
profesionalmente.
 El artista se comunica con la sociedad a través de su obra, entablando una especie de
diálogo entre él y el público. No hay que olvidar que el contexto histórico y social es el
marco de referencia que le envuelve, pues no puede estar al margen de las inquietudes
y circunstancias que le rodean, su obra intenta exponer su visión de un aspecto de la
realidad, que puede ser un deseo, una idea o una actitud personal ante algo.
 El artista es igualmente un intérprete del arte, ya que una misma obra será expresada
con el sello particular y el estilo genuino de cada artista.
 Es frecuente que la calificación de artista se aplique a actividades que no son
estrictamente un arte. De hecho, cuando alguien demuestra una destreza o una técnica
muy singular en relación con algo, se dice que es un artista y puede serlo del balón, de
la jardinería, de la cocina o de la peluquería.
Características de los artistas
 Algunas de ellas son:
 Son personas muy originales.
 Son Ingeniosos.
 Son muy creativos y con mucha imaginación.
 Son arriesgados.
 Poseen capacidades artísticas en más de un tipo de arte.
 Tienen la capacidad de emocionar al público a través de sus creaciones e
interpretaciones.
 Expresan sus sentimientos y pensamientos en sus obras.
 Un artista puede ser referido en los cuatro siguientes contextos:
 Alguien que ejerce profesionalmente o tiene habilitación académica en un área de las
bellas artes como música, pintura, escultura, danza o poesía.
 Quien trabaja en el área del espectáculo
 Persona con talento para crear obras artísticas
 Persona que muestra una habilidad especial en una actividad artesanal como, por
ejemplo, un chef o un orfebre.
Importancia de un Artista y su papel en el arte
 Desde tiempos prehistóricos, cuando el hombre empezó a pintar las cuevas, no lo hacía
con un fin meramente artístico. Y desde entonces, el arte siempre ha tenido una función
social.
 El arte está muy relacionado con la naturaleza humana, por eso es que el arte puede ser
un medio válido para comunicar mensajes, a través de la expresión de emociones y
sentimientos, lo cual es fundamental para ayudarnos a reflexionar sobre los problemas
que enfrentamos como sociedad. Entonces, el arte, de una forma bien enfocada, puede
contribuir en la educación de la sociedad.
 Ahora bien, hablando de cómo es el papel del artista en el arte, sencillamente sin artista
el arte no existiría. Esto lo podemos demostrar, a través de la historia del arte, y cómo
muchas épocas importantes para el auge, fueron marcadas por artistas reconocidos por
sus creaciones originales y llenas de genialidad. Para ejemplificar esto, esta Miguel Ángel
uno de los pintores famosos más revolucionarios de la historia y reconocido por haber
pintada la Capilla Sixtina. Su obra impactó la forma en que se percibió el arte desde
entonces.
 Llevando todo esto, al mundo actual. La música ha cambiado mucho a través de los años,
gracias a que se fueron creando artistas con otros gustos, personalidades y perspectiva,
lo que nos demuestra que el artista puede cambiar al arte, el arte no cambia al artista,
pero el arte y un buen artística puede transformar positivamente a una sociedad.
¿Qué es arte?
 Como arte denominamos un conjunto de disciplinas o producciones del ser humano de
fines estéticos y simbólicos a partir de un conjunto determinado de criterios, reglas y
técnicas.
 Etimológicamente, la palabra arte procede del latín ars, artis, y del
griego τέχνη (téchne), que significa "técnica". De ahí que fuera usada en la antigüedad
para referirse también a oficios como la herrería, además de las disciplinas como la
poesía, la pintura o la música.
 Las artes buscan representar, a través de medios diferentes el universo de inquietudes
humanas, sean reales o imaginadas, mediante el uso de símbolos o alegorías.
Tipos de arte:
 Artes Plásticas: Son consideradas artes plásticas todas aquellas expresiones artísticas
que transforman o modifican los materiales, sea en superficies bidimensionales o
tridimensionales. Las artes plásticas explotan elementos como el plano, las líneas, el
volumen, la textura, etc. Se puede clasificar en:
 Artes musicales o sonoras: Es una expresión que refiere a todas las manifestaciones de
la música, independientemente de su género, estilo o formato. Recientemente, se ha
incorporado también una disciplina específica de aparición reciente, conocida con el
nombre de arte sonoro.

 Artes literarias o literatura: Se refiere a todas las manifestaciones de la literatura. Entre

ellas podemos mencionar: la narrativa (novela y cuento), la poesía, el ensayo y la
dramaturgia.

 Artes escénicas: Engloba el conjunto de manifestaciones destinadas a la representación

escénica. Por sus características, las artes escénicas son interdisciplinarias. Dentro de
ellas se pueden mencionar el teatro por excelencia, así como la danza, el teatro de
títeres, los espectáculos, los musicales y la ópera, entre otros.
  Artes audiovisuales: Se refiere a todas aquellas expresiones artísticas que utilizan
recursos sonoros y visuales, captados y transmitidos por medio de la tecnología. Incluye
al cine, el vídeo-arte, el video-clip, etc.

De acuerdo a su manifestación en el tiempo y el espacio:

 Artes espaciales: se refiere a todas aquellas que tienen materialidad concreta, es decir,
que son materialmente tangibles. Incluye arquitectura, pintura, escultura, grabado,
litografía, dibujo, fotografía, etc.
 Artes temporales: son aquellas artes inmateriales que se manifiestas en el tiempo.
Involucra, esencialmente, la música y literatura en todas sus manifestaciones.
 Artes espacio-temporales: son aquellas artes fenoménicas o performánticas, que
combinan la espacialidad y la temporalidad. Dentro de esta categoría podemos
encontrar el teatro, la danza, el cine, el vídeo-arte y el vídeo-clip.

Arte como medio de expresión

 El arte es en sí mismo un medio de expresión del ser humano. Mediante el arte se
manifiestan sentimientos, emociones e ideas, y la forma en que nos relacionamos con
el mundo. Y eso no es otra cosa que la definición de comunicación; transmitir
información a través de la emisión, conducción y recepción de un mensaje. En el arte el
emisor es el artista, el medio su obra y el receptor el público que la admira. Y en esa
interpretación que hace el público, en esa percepción única que es distinta para cada
persona, es donde reside la belleza del arte.
 Por medio de la literatura, la música, el cine, la danza, la pintura, el teatro, las artes
plásticas se expresan sentimientos como la amistad, la alegría, el amor, la tristeza… La
comunicación en el arte es la expresión de esa conducta sensible.
 ¿Cómo el arte puede convertirse en un medio de expresión?
El arte es todo lo que por naturaleza el hombre crea a partir de sus ideales y le da un sentido,
para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos
plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y
sensaciones.
Y eso no es otra cosa que la definición de comunicación; transmitir información a través de la
emisión, conducción y recepción de un mensaje.
Se puede transmitir a través de medios como la pintura, la música, la danza, la literatura, entre
muchos más.
 ¿Qué recursos utiliza el arte para su expresión?
Los recursos dependerán del arte en particular, pudiendo ser pinturas y pinceles, o pigmentos
de cualquier origen, soportes, como lienzos o telas, cinceles para esculpir, piedras o barro, agua,
instrumentos musicales, plumas para escribir, en fin.
  ¿Qué son los medios expresivos en el arte?
Los Medios Expresivos son los elementos que utiliza el artista para comunicarse con el público.
Artes Visuales: Elementos y Principios del lenguaje visual.
Elementos diferenciadores: colores, texturas y volúmenes.
 ¿Qué relación tiene el arte con la expresión de lo que sentimos?
El artista visualiza, siente y transmite lugares, colores, sensaciones, estados de ánimo. Son esas
emociones del artista las que se expresan en su obra, con las que se identifica el observador que
escoge una determinada obra de arte.
El color o los trazos utilizados en los cuadros, la melodía o el ritmo de una canción, o el empleo
de los espacios en arquitectura reflejan los sentimientos del autor como por ejemplo el
equilibrio, la tristeza, la alegría o la placidez. El arte fomenta las reacciones emocionales en las
personas que disfrutan de él.
Historia del arte
 La Historia del arte es el estudio de las producciones artísticas considerando el marco
histórico de su producción. A través del estudio de similitudes formales, es decir de los
elementos que componen la obra; temáticas, y hasta ideológicas.
 A lo largo de la historia, cada etapa ha sido representada, tanto localmente como a nivel
mundial, los investigadores han organizado las producciones artísticas de todos los
tiempos en períodos, a los que se llama corrientes, estilos o movimientos, que
comparten características similares.
 La Historia del arte ha considerado tradicionalmente a las imágenes que no se ajustan a
su modelo de referencia como exóticas, pintorescas, curiosas o primitivas. Como
consecuencia, han quedado excluidas de la periodización de las producciones artísticas
extensas áreas del planeta como el arte de las distintas culturas africanas, de China,
Indochina y Japón, de la India y de los pueblos de Oceanía y de la América precolombina,
entre otras.
Arte Prehistórico
 Es el período durante el cual aparecieron las primeras manifestaciones artísticas en
forma de animales pintados en las paredes de las cavernas y pequeños objetos que se
consideran rituales. Las pinturas más antiguas que se conocen tienen unos 35.000 años
de antigüedad, pertenecen al Paleolítico y están en la cueva de Chauvet en Francia.
 Sus yacimientos se encuentran generalmente en cuevas y lugares de asentamientos
primitivos. Estos, en su mayoría, se han descubierto hasta ahora en el continente
europeo y sus adyacencias, aunque también existen importantes yacimientos
arqueológicos en África, Asia y América.
 Se sabe que el Homo neanderthalensis recogía materiales de formas
y colores llamativos, con los que decorar sus cuevas y despedir a sus difuntos. A este
homínido pertenecieron las primeras formas de arte prehistórico, con más de 67.000
años de antigüedad.
 Pero los cromañones fueron los que dejaron más y mejores rastros artísticos detrás, ya
sea en forma de pinturas, grabados y esculturas pequeñas. Algunas de ellas datan de
hace 35.000 años.
Características del arte prehistórico
 El arte prehistórico es sumamente diverso y contiene no sólo dibujos y tallas que
buscaban representar la vida real, sino también utensilios, construcciones y artefactos
con fines funerarios, por ejemplo.
  Todo tallado en madera, sílex, hueso o piedra, o pintado en esta última mediante polvo
de hemetita y otros pigmentos similares.
 Presenta siempre un profundo significado religioso, ya que lo místico o mitológico era
un componente fundamental de relación del ser humano con la realidad circundante.
 Tiende siempre a la abstracción, la estilización, el simbolismo y el esquematismo,
alejándose de las pretensiones realistas.
 En el caso del arte rupestre, se hallaba en las paredes externas o superficiales de las
cuevas y representa escenas de caza o símbolos indescifrables.
El arte prehistórico abarca tres grandes períodos cronológicos, los mismos en que se subdivide
la Edad de Piedra:
- Arte paleolítico. - Arte mesolítico. - Arte neolítico.
Algunas de las piezas más célebres de arte prehistórico descubiertas son:

Arte Egipcio
 En Egipto, este proceso comenzó en el Período Predinástico (6000 - 3150 a.C.), por
medio de imágenes de humanos, animales y figuras divinas grabadas en roca. Estas
primeras figuras eran rústicas en comparación con la evolución que más tarde habría,
sin embargo, conservan una característica importante de la cultura egipcia: el equilibrio.
 El arte egipcio más conocido y estudiado son las obras del Antiguo Egipto (3000 a.C. - 30
a.C.) que ha perdurado hasta la actualidad. Principalmente monumentos funerarios y
templos en los que se han encontrado esculturas y pinturas egipcias.
 La sociedad egipcia se apoyó en el concepto de armonía conocida como ma'at, la cual
surgió desde su creación y se sustenta en el universo. Todo el arte egipcio se asienta en
un equilibrio perfecto y refleja el mundo ideal de los dioses. De la misma forma, que los
dioses proporcionaban toda clase de regalos a la humanidad, el arte egipcio se imaginó
y se creó para su uso. Esta práctica egipcia fue desde el principio y en primer lugar
funcional. No importaba que tan bella estuviera tallada una estatua; su propósito
principal era servir como refugio para un espíritu o un dios. Quizá un amuleto se diseñó
para ser atractivo, pero su belleza estética no era la fuerza creadora, sino la protección.
La pintura en tumbas, escenas caseras en templos y jardines palaciegos se crearon, en
muchos casos, para proporcionar una función muy importante la cual era un
recordatorio de la condición eterna de la vida, el valor de la estabilidad personal y de la
comunidad.
Características del arte egipcio
 Invariable. Debido a su situación geográfica, el arte egipcio permanece cerrado e
impermeable a la influencia de otras culturas, sin apenas evolucionar en 3000 años
exceptuando el periodo más naturalista durante el reinado del faraón Akenatón.
  Duradero. La creencia en la vida más allá de la muerte, lleva a querer conservar el
cuerpo y las posesiones del difunto para la eternidad y se prefieren los materiales
duraderos como la piedra.
 Oficial. Los artistas están al servicio del poder absoluto de los faraones, los sacerdotes
y otros miembros de clase elevada. No tienen autonomía.
 Estandarizado. Los artistas están sometidos a unas normas
de representación inalterables dando lugar a un arte monótono, repetitivo y falto de
originalidad.
 Cánones idealizados. En la pintura y la escultura egipcia la iconografía está sujeta a la
representación de ideas como en los jeroglíficos siendo excepcionales las formas
naturalistas.
 Religioso. Además de estar determinado por las creencias religiosas, el arte egipcio
tiene un carácter mágico y simbólico.
 Áulico. Se exalta a través del arte la grandeza del faraón y de su reino.
 Gigantismo. Para demostrar el poder del faraón se emprenden obras monumentales
tan ambiciosas como las grandes pirámides y esfinge de Guiza.
Algunas de las obras egipcias son:

Arte Mesopotámico Y Persa

Arte de Mesopotámico.
 Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que nacieron en las riberas
de los ríos Tigris y Éufrates. Desde el Neolítico (hacia el VI milenio a. C.) hasta la caída de
Babilonia ante los persas en el año 539 a. C.
 La incorporación por difusión cultural o el desarrollo endógeno de múltiples materiales
y técnicas artísticas y artesanales fue parejo tanto a los avances tecnológicos (desarrollo
de hornos cada vez más eficaces, del torno de alfarero, de la cerámica vidriada o de
la metalurgia) como sociales y culturales (nacimiento de la ciudad, de la escritura, de
las religiones institucionalizadas y del Estado.
 La evolución estilística de las formas, géneros y temas, presenta una notable
continuidad a pesar de lo amplio del periodo.
Arte Persa.
 El movimiento artístico al que llamamos hoy día arte persa, fue el que se desarrolló en
lo que denominamos el Gran Irán. En la actualidad, esta zona es lo que conocemos como
Afganistán, Tayikistán, Uzbekistán, Azerbaiyán, Baluchistán, Irán y otras diversas zonas
de Pakistán.
 Al arte persa se le atribuyen diversas disciplinas que van desde la caligrafía, hasta los
tejidos, la mampostería, la metalurgia, la pintura, escultura, cerámica y arquitectura. Se
 ha dicho que los primeros hallazgos de mayor importancia datan de c. 3500 BC con
cerámicas de Susa y Persépolis.
 La asimilación y la creatividad del arte persa tienen sus más importantes expresiones en
los grandes palacios de Persépolis y de Susa. El primero destaca por su gran complejidad
arquitectónica y el segundo por los relieves de ladrillo vidriado que recubrían sus muros.
 Los relieves persas se caracterizaron en esencia por el estatismo y rigidez ceremonial de
las imágenes representadas, en contraste con el gusto por las dinámicas escenas de caza
y lucha, propias de los relieves asirios.
 Por otra parte, en Persia adquirió más entidad que en Mesopotamia la arquitectura
funeraria.
Características del arte Mesopotámico Y Persa
Características del arte Mesopotámico
 Uno de los roles más importantes que se presentaban ante el Estado era la religión. En
este sentido las edificaciones se fundamentaban a partir de la religión, así como el
desarrollo de esculturas, las cuales tenían una función espiritual.
 Era de preocupación para ellos las constantes guerras. De tal manera que el arte
mesoamericano se dedicó, en gran medida, a glorificar aquellas victorias militares.
 El entorno natural fue de gran influencia para el desarrollo de sus obras artísticas. Al
carecer de algunos materiales tales como la madera y la piedra, entre otras, quedan
ausente completamente, siendo el ladrillo el más empleado. Este se generaba a partir
de la mezcla realizada a partir del lodo arcilloso, cuyo material, por ser de menor
duración, es poco lo que aún queda de esta cultura.
Características del arte Persa
 Desde el punto de vista artístico compusieron una combinación selecta con base
mesopotámica, pero también con elementos egipcios y griegos. El arte resultante es un
estilo utilizado para la exaltación del soberano.
 Se trata de un arte original, marcado en parte por su condición áulica, ya que está al
servicio del rey, es el instrumento de exaltación de la monarquía, motivo por el cual en
los palacios convergen todos los esfuerzos artísticos, mientras que como para los persas,
los dioses no tenían casa ni lugares de adoración en la tierra, les bastaba un altar para
celebrar los rituales, con lo que la influencia sagrada en el arte no tuvo relevancia.
 Aunque en Persia había piedra, continuaron con la tradición mesopotámica del trabajo
en ladrillo como material principal, excepto para uno de los elementos primordiales de
su arte, la columna, deudora de Egipto.
Algunas de las obras Mesopotámicas y Persas son:

Arte Griego
 Se denomina arte griego al conjunto de manifestaciones artísticas producidas en
la Antigua Grecia. Estas producciones, especialmente la arquitectura y
la escultura, ejercieron una influencia extraordinaria en la cultura occidental hasta el
 presente. Ciertas formas incluso se expandieron hacia Oriente a partir de las conquistas
de Alejandro Magno, dando lugar al desarrollo del estilo greco-búdico o Gandhara en la
India.
 No cabe duda que el arte griego ha marcado el arte y la cultura occidental, de Grecia
parte el principio humanista e ideal de la belleza que va a marcar a Europa durante 25
siglos. Su historia es compleja, ya que pasa por distintas etapas.
 Se producen cambios políticos y sobre todo culturales muy importantes y comienza a
asentarse una cultura de base humanística en la que el hombre es la medida de todas
las cosas. Hay una explicación racional del mundo, la cultura y el arte. El arte está
determinado por la vida pública, por la democracia. Grecia va a crear unas bases para la
vida moderna.
Características del Arte Griego
 En sus inicios, el arte griego recibió influencias de las civilizaciones minoica y micénica,
y especialmente de Egipto y la Mesopotamia, pero pronto desarrolló características
particulares bien diferenciadas.
 El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo
dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección.
 Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un
politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie
a una mitología muy representada en escultura.
 Se priorizó la representación de la figura humana de acuerdo con un ideal de belleza
que respondía a una concepción intelectual y filosófica, al mismo tiempo existía la
intención de representar la vida interior de los personajes. Para ello establecieron un
canon, es decir, una serie de relaciones entre las partes de las obras que aseguraban
el equilibrio y la armonía.
 Tanto las esculturas como los templos estaban pintados para brindar un aspecto
naturalista a las formas humanas y a las narraciones representadas.
 Se comenzó a valorar la belleza de las obras de arte, más allá de su función
conmemorativa, de homenaje o recordatoria. Esto favoreció la aparición de
coleccionistas, críticos y teóricos de arte.
Algunas de las obras Griegas

Arte Romano
 El arte romano hace referencia al conjunto de manifestaciones artísticas, como la
pintura, escultura y arquitectura, desarrolladas en Roma entre el siglo VI a.C. y el IV
d.C. Durante este periodo, los romanos se expresaban mediante diversas técnicas
asociadas a las artes decorativas y a la construcción de templos y monumentos.
 El arte romano así como la cultura romana en sí misma, sientan sus bases sobre un
entramado político y social muy complejo.
 Hasta cierto punto podría pensarse que el arte de Roma es una imitación y ampliación
del arte griego, y por supuesto de uno de los mejores artes arte etrusco, pero el espíritu
 que animó a los artistas de aquellos. La Roma conquistadora y urbanista trató de unir al
sentido estético griego, el carácter utilitario y funcional que sus obras requerían.
Características del Arte romano
 Tendía a expresar la idea de Roma como centro del mundo y a exaltar el poder del
Estado romano.
 Su gran influencia griega, que se inició a partir del contacto de Roma con las ciudades
griegas instaladas en el sur de Italia, se intensificó con la conquista de los reinos
macedonios.
 La mayoría de los artistas que trabajaban en Roma eran griegos y los coleccionistas
adquirían o hacían copiar esculturas de ese origen.
 Entre las clases altas se desarrolló un intenso consumo de obras que estimuló el
comercio artístico.
 Se destacaron de su arte la arquitectura y la escultura. En ambas disciplinas los romanos
introdujeron nuevas tipologías y géneros.
 Simultáneamente al arte estatal y monumental, existió un arte popular que se manifestó
en los relieves de las tumbas. Estos relieves muestran un gusto por la representación
minuciosa de situaciones de la vida cotidiana.
Algunas de las obras del arte Romano

Arte Paleocristiano
 El arte paleocristiano es un estilo de arte que surge durante los primeros cinco siglos de
nuestra era. Va desde que apareció el cristianismo, durante la conquista romana, hasta
la invasión de los bárbaros, sin embargo en oriente continuo desarrollando este arte
hasta llegar al arte bizantino.
 El Arte Paleocristiano puede decirse que fue como una evolución del arte
romano tardío, siendo la religión cristiana la que le dé un nuevo espíritu al arte y lo
cargue de símbolos, convirtiéndolo en un arte simple, estilizado, que renuncia a la
perspectiva y a la profundidad espacial, se eliminan las proporciones y los rasgos del
cuerpo humano acentuando los aspectos religiosos, haciendo que predomina el fondo
sobre la forma.
 Roma era el centro y emblema de la cristiandad es por eso por lo que en esta ciudad se
desarrollan las primeras manifestaciones artísticas de los paleocristianos. Este arte tiene
mucha influencia del arte romano en la arquitectura como en las artes figurativas. Este
tipo de arte tiene dos etapas qué están separadas por la promulgación del Edicto de
Milán en el año 313, lo que dio a los cristianos los derechos necesarios para manifestar
públicamente sus creencias.
Características del arte Paleocristiano
 Tiene una variedad de colores un poco limitada.
 Se conforma con representar a un número pequeño de figuras y con diferentes objetos.
 Todas las figuras están dirigidas al espectador, colocadas de frente.
 Utilizan catacumbas que son derivadas de los panteones públicos.
 Es muy difícil encontrar alguna obra que contenga representaciones divinas ya que la
esencia divina les era imposible de representarlas, aunque a partir del s IV se pueden
ver algunas.
 Desde una vista formal es común los niveles de jerarquización de las figuras, las más
importantes se representaban más grandes que el resto, también es común la
perspectiva inversa, las figuras que están detrás tiene un tamaño mayor, también es
habitual el interés del gesto, la desproporción y en alguna que otra ocasión el desnudo
aunque este último desaparecerá con el tiempo.
Algunas de las obras Paleocristianas

Arte Románico
 El románico fue un estilo artístico que se difundió en gran parte de Europa entre el siglo
XI y los primeros años del siglo XIII d. C.
 Se manifestó de manera más relevante en arquitectura, caracterizándose por su aspecto
de solidez y por el uso del arco de medio punto y las bóvedas de cañón y de arista. Por
este motivo, cuando el estilo comenzó a ser identificado y estudiado en el siglo XIX, se
le dio el nombre de «románico» al ser considerado una derivación del arte romano.
 Su desarrollo coincidió con la expansión del feudalismo, la fundación de la orden
religiosa del Cister, la reforma de la orden benedictina que daría lugar a la orden de
Cluny, las cruzadas y un intenso movimiento de peregrinaje hacia las iglesias que
poseían reliquias sagradas.
Características del arte románico
 Presentó un gran número de corrientes locales con características propias.
 La manifestación más importante del arte románico fue la arquitectura
religiosa, especialmente sobre iglesias y monasterios.
 Las distintas disciplinas artísticas, como la pintura, escultura y el mosaico, estaban
subordinadas a la arquitectura. Las paredes de las iglesias estaban cubiertas por pinturas
y relieves que tenían una función narrativa: transmitir a los fieles, generalmente
analfabetos, los principios del cristianismo. Por ese motivo se ha llamado a las iglesias
románicas «biblias de piedra».
 La estructura de sus construcciones sentó las bases del estilo posterior, el gótico.
 Durante la Edad Media, tanto la arquitectura como la escultura y la pintura eran
consideradas artes mecánicas, es decir manuales, y no tenían la misma valoración que
 las actividades intelectuales. Como consecuencia, los artistas románicos no tuvieron
relevancia social y sus nombres no han perdurado.
Algunas de las obras Románicas

Arte Gótico
 El arte gótico es un estilo artístico que predominó en la arquitectura religiosa, escultura
y pintura de Europa entre el siglo XII y el siglo XV, hasta el surgimiento del movimiento
cultural del Renacimiento. Lo precedió el arte románico (siglo XI y XII).
 El arte gótico es un estilo fascinante debido a que en él se unifican el arte y una nueva
teología que surgía en Europa hacia el año 1100.
 Algunos historiadores de la Ilustración veían este estilo como expresión de una época
oscurantista, pero el arte gótico fue una estética de la luz sobre todas las cosas. En él se
manifestó el humanismo teocéntrico que dio paso al antropocentrismo renacentista.
 El gótico tuvo su inicio en la Baja Edad Media, en Francia, desde donde se irradió al resto
de Europa. Cada país, sin embargo, incorporó elementos de su cultura y así en cada uno
adquirió características particulares.
Características del arte Gótico
 El principio de la estética de la luz como fundamento de todo arte. Fue capaz de
representar la idea teocentrista de la luz de Dios.
 Su aplicación en la arquitectura religiosa, como monasterios y catedrales.
 El uso del arco ojival que terminaba en forma apuntada y generaba sensación de gran
altura. Se aplicaba para las cúpulas, puertas y ventanales.
 La aplicación de innovadoras técnicas de arquitectura que permitieron alcanzar el estilo
único de techos altos, arcos arbotantes y extensas paredes de vitrales.
 El diseño de formas extravagantes aplicadas tanto en la escultura como en la decoración
arquitectónica.
 La decoración con materiales brillosos y el uso de colores vivos, para exacerbar el
concepto de luminosidad.
 La aplicación de extensos ventanales de colores que reflejaban diferentes tipos de luz
hacia el interior de las catedrales y monasterios.
Algunas de las obras Góticas
Arte Renacentista
 El arte renacentista fue un movimiento artístico que surgió en Italia en el siglo XIV,
durante la transición entre la Edad Media y la Edad Moderna, y se destacó por su interés
en el saber de la razón y en los valores clásicos de la antigua Grecia.
La colonización de América y el fin de la época medieval cambiaron la comprensión de
la realidad. El hombre comenzó a creer en su propia individualidad, en su propia mente
y en las ilimitadas posibilidades del conocimiento.
 El movimiento surgió en un contexto de prosperidad económica y de desarrollo de
nuevas tecnologías como la imprenta, que impactó de manera directa en la difusión del
conocimiento, las artes y la filosofía. Se destacaron artistas como Leonardo Da
Vinci, Miguel Ángel y Rafael.
Características del arte Renacentista
 Recuperar aspectos de la cultura clásica greco-romana, como la armonía y la proporción
como ideal de belleza, además de los temas mitológicos.
 Basarse en el concepto del ser humano como centro de todas las cosas, en lugar de
considerar a Dios como centro del universo (si bien el arte renacentista tomó como
figuras principales a los ángeles, a los apóstoles y a Dios).
 Debilitar a la Iglesia, que perdió poder social ante la nueva concepción de la razón como
el centro de todo. Predominaba la idea de razón por sobre la fe.
 Buscar la perfección, simetría y proporción en las líneas, tanto en la pintura como en
la escultura, para representar el cuerpo humano.
 Considerar las artes plásticas como forma de expresar conocimientos de
geometría, matemática, anatomía, botánica y filosofía.
 Abordar temas como la mitología, la historia, el cuerpo humano y la naturaleza.
 Emplear la técnica de la pintura al óleo en la pintura sobre lienzo.
 Crear el ensayo, un nuevo género en la literatura.
 Incorporar el mecenazgo, durante este período las figuras importantes y poderosas de
la época (reyes, príncipes y nobles) realizaban encargos para la decoración de iglesias u
otras construcciones de importancia.
Algunas de las obras Renacentista

Arte Barroco
 En la actualidad, el arte barroco se considera una de las mayores declaraciones artísticas
que abarcaba diversos movimientos, tanto el político y religioso como el social. Como la
gran mayoría sabrá el arte barroco es una continuación de un movimiento artístico
denominado manierismo italiano que abarca hasta la mitad del siglo XVI.
 El barroco como movimiento artístico, es reconocido como uno de los estilos artísticos
más complejos que abandona toda aquella serenidad clásica, que por otro lado
caracterizaba al manierismo, y comienza a manifestar en sus obras la agitación y el
movimiento de todos los sentidos. Por esta razón, al arte barroco se le considera una
tendencia de ostentación y exageración.
  El Arte Barroco, se creó en la época del renacimiento y anterior al neoclasicismo.
Comenzó a popularizarse en Italia y luego se extendió hacia el resto de Europa.
Igualmente, el Barroco es un movimiento cultural, un estilo artístico desarrollado entre
el siglo XVII y mediados del siglo XVIII, alcanzando diversas disciplinas como la
arquitectura, la pintura, la música y la literatura. Así mismo, la característica que más lo
define es la ornamentación excesiva.
Características del arte Barroco
 Busca representar sentimientos interiores, pasiones, forma de pensar y
diferentes emociones.
 Sus temas incluyen tópicos religiosos que habían sido abandonadas por el Recentismo.
 Tiene sentido del movimiento, energía y tensión.
 Las luces y las sombras de su arte tienen fuertes contrastes.
 Su espiritualidad es intensa y se basa en martirios y apariciones.
 Procura representar de una manera correcta el espacio y la perspectiva.
 Sus cuadros están basados en el naturalismo.
 Los temas de la escultura barroca son profanos y mitológicos.
 Utilizaron de forma continua los desnudos dándoles mucha importancia.
 Tiene fuerza y monumentalidad, dinamismo y expresividad.
Algunas de las obras Barroco

Arte Rococó
 El rococó fue un movimiento artístico europeo de origen francés que se caracterizó por
su estilo alegre y provocador, y el gusto por la decoración excesiva. Se manifestó en la
pintura, la arquitectura, las artes decorativas y la escultura.
 El arte rococó se desarrolló a principios del siglo XVIII, en el período de transición entre
el barroco y el arte neoclásico. Pese a que comparte con el barroco el interés por la
profusión de detalles, se distingue de este por sustituir su solemnidad y dramatismo por
el placer y el divertimento.
 Tal era el afán de divertimento que, de acuerdo con el investigador Michael Levey, el
rococó no respetaba ni a la Iglesia ni al Estado. El amor, la sensualidad y la cotidianidad
resultaban temas más interesantes que las glorias espirituales o temporales.
Características del arte Rococó
 Arte mundano: es un arte mundano y sin más pretensión que expresar la alegría, la
fiesta, celebrar la vida y ser la expresión de una clase social que busca una manera de
vivir entusiasta y en el que prima el humor, el erotismo y un ambiente frívolo.
 Temática amorosa: Uno de los principales temas son los temas amorosos y
sentimentales, con escenas pastoriles y galantes, recreando las frívolas diversiones de
esas élites. Unas escenas que siempre aparecen con un tono dulce o pícaro.
 Temática histórica y religiosa: Otra de las características del arte Rococó es que,
también, se tratan temas históricos, mitológicos y religiosos, pero siempre con mucha
menos solemnidad y sin deseo de moralizar.
  Erotismo: Hay gusto por el erotismo, incluyendo en las obras unos desnudos eróticos
camuflados como figuras mitológicas para eludir la crítica o la censura.
 Arte excesivo y detallista: Toda la decoración rococó es detallista y excesiva,
ornamentando todos los espacios de manera imaginativa, refinada y suntuosa.
 Interés en la naturaleza: Los artistas de Rococó se inspiran para esas decoraciones en el
arte oriental, en la Naturaleza, especialmente en la flora y la fauna.
 Tonos neutros: Tanto en la decoración de interiores como en pintura se utilizaron
colores pasteles y blanco, dejando los colores oscuros y terrosos del Barroco.
 Mayor libertad temática: Hay una mayor libertad en lo que se refiere a los temas, sin
tener que plegarse a la propaganda absolutista ni eclesiástica, se busca solo la alegría,
la elegancia y el placer.
Algunas de las obras Rococó

Arte Romanticismo
 El romanticismo es un movimiento artístico y literario que surgió entre finales del siglo
XVIII y comienzos del siglo XIX en algunos países de Europa. Desde allí se extendió a toda
Europa y América. El movimiento romántico está basado en la expresión de la
subjetividad y la libertad creadora en oposición al academicismo y el racionalismo del
arte neoclásico.
 La importancia del romanticismo radica en haber promovido la idea del arte como un
medio de expresión individual. Dice el especialista E. Gombrich que durante el
romanticismo: «Por primera vez, acaso, llegó a ser verdad que el arte era un perfecto
medio para expresar el sentir individual; siempre, naturalmente, que el artista poseyera
ese sentir individual al que dar expresión».
 En consecuencia, el romanticismo fue un movimiento diverso. Había artistas
revolucionarios y reaccionarios. Otros eran evasivos de la realidad, otros promotores de
los valores burgueses y otros antiburgueses.
Características del arte Romanticismo
 Se caracteriza por expresar estados de ánimo y sentimientos, a la intensidad emocional
 El tema de la pintora romántica es el paisaje, en su aspecto más salvaje y misterioso, así
como cuadros con temática exótica, dramática, melancólica
 La noche y los cementerios fascinaban a los románticos
 El Clasicismo deja de regir en el arte
 En el retrato los rostros están llenos de ternura, dulzura y soledad
 Emerge una ansiedad de manifestar lo reprimido, lo oculto, eso que está más allá de lo
cotidiano, provocando un placer estético
 El romanticismo intenta expresar el mundo interior del artista, aunque signifique
recurrir a mundos oscuros o sueños
 Conciben el mundo como algo inabarcable para el ser humano, los que les causa sentir
inferioridad y angustia ante la fuerza de la naturaleza
 En el Romanticismo impera la historia nacional, presumiendo con orgullo las raíces de
los pueblos natales
 La escultura romántica se vio presente en algunas figuras de jardines ingleses y así como
en la escultura funeraria.
 La arquitectura romántica se usó sobre todo de forma utilitaria y no decorativa.
Algunas de las obras Romanticismo

Arte Realismo
 El realismo es una forma de expresión en que se retienen las impresiones básicas de la
realidad, además de relatar e interpretar la realidad que se esconde debajo de la
apariencia de las cosas. Al arte realista se le considera aquel estilo de arte que intenta
representar y exponer temas que estén conformes con las reglas empíricas y seculares,
es decir, este estilo de arte representa obras en las cuales sus contenidos pueden
explicarse por causas naturales y que no haya ningún tipo de participación divina o sobre
natural. Es por esta razón por la cual al arte realista se le considera una realidad muy
objetiva tanto del artista como de la persona que observe dicha obra y por lo tanto
carece de cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.
 El realismo surge después de la revolución francesa de 1848 y se extiende
aproximadamente hasta 1870. El desencanto por los fracasos revolucionarios hace que
el arte abandone los temas políticos y se concentre en temas sociales.
Características del arte Realismo
 Fue un movimiento histórico que aspira a ofrecer una representación verdadera y
objetivo del mundo sensible.
 Los temas preferidos son los retratos, en su actitud natural, sin poses estudiadas, la
gente en su trabajo, al aire libre.
 Se describe las cosas con precisión y objetividad, los artistas representan las cosas tal
como son, tal como se ven y tal como se conocen.
 Es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos, religiosos
o alegóricos, dejando a un lado los temas sobrenaturales, mágicos y se centraron en
temas más corrientes.
 Son fieles al detalle, característica que lo diferencia de la glorificación idealizadora
romántica.
 La meta del realismo no es la belleza, sino la verdad, y, por tanto, el conocimiento de la
realidad, por lo tanto, plasman no sólo lo bello, sino también lo feo y revulsivo.
 Algunas de las obras Realismo

Arte Impresionismo
 Se conoce como impresionismo a uno de los principales movimientos artísticos del siglo
XIX, especialmente en el género de la pintura, que aspiraba a reproducir en sus obras la
“impresión” vital del mundo a su alrededor, es decir, intentaba pintar la luz en el
momento exacto en que observaban el mundo. En esto rompió con sus predecesores,
que favorecían las figuras plenas e identificables y fue un movimiento clave en el
desarrollo de las artes en Europa –y sobre todo en Francia- y sentó las bases para
movimientos posteriores como el postimpresionismo y las vanguardias.
 La velocidad requerida favoreció que la mayor parte de los impresionistas prescindiera
de la línea, abandonara el claroscuro (por lo que eliminaron el uso del negro) y
descuidara el tratamiento de la perspectiva (profundidad de plano), tan valorada por la
academia tradicional.
Características del arte Impresionismo
 La pintura contiene escenas de la vida cotidiana, paisajes al aire libre, intenta reflejar la
naturaleza cambiante, suelen representar series de un mismo paisaje a diferentes horas
 La pintura se concibe en función de la luz y del color, que establece tres colores
primarios (azul, rojo y amarillo) y tres colores secundarios formados por la mezcla de
dos primarios
 La utilización de la luz y del color como únicos medios para unificar una pintura
 Las pinceladas son sueltas de manchas yuxtapuestas, con poca materia y pinceles finos
 Utilizan colores puros aplicados directamente sobre el lienzo sin mezclarlos en la paleta
 Los impresionistas excluyen el dibujo con contorno y se sugiere el volumen
 Prescinden de la perspectiva basada en reglas de la geometría, empleando en su lugar
una realizada desde el primer plano hasta la línea del horizonte.
Algunas de las obras Impresionistas

El siglo XX en 20 movimientos artísticos

El arte del siglo XX es activo y participativo. Por primera vez, abandona la exclusividad de las
élites para empezar a representar los convulsos escenarios políticos y sociales que se vivieron
en el mundo en aquel momento.
El arte se pone al servicio de la protesta individual y colectiva, como un modo de escenificar las
fuertes emociones que impregnaban el ánimo social de una etapa marcada por el cambio.
A continuación, el siglo XX en 20 movimientos artísticos.

1. MODERNISMO | 1900
Fue una corriente artística de carácter renovador, que alcanzó su máximo apogeo en la etapa
de la Belle Époque.
Fue un arte novedoso, de características juveniles, símbolo de la libertad y de la etapa moderna.
Rompe por fin con los estilos academicistas imperantes hasta la fecha.
Estuvo altamente influenciado por motivos exóticos como las estampas japonesas o la
naturaleza exuberante.

2. FAUVISMO | 1904
El fauvismo francés fue un movimiento artístico exclusivamente pictórico. El uso del color en su
más puro estado es su característica principal.
Contrastes cromáticos fundamentados en la teoría del color dan sentido a la obra. La perspectiva
o el modelado pierden todo su sentido en esta corriente, aportando un toque de espontaneidad
al resultado final. El pintor fauvista expresa sus emociones y percepciones a través del color y
las líneas desfiguradas.

3. CUBISMO | 1907
La corriente cubista rompe radicalmente con la pintura tradicional, materializada en el uso de la
perspectiva. La figuración geométrica se convierte en el medio de representación de la
naturaleza y el entorno.
Los colores se vuelven tenues, desaparece la potencia del color en favor de tonalidades
apagadas y frías. Fue común el uso del collage.
La obra cubista a menudo supone un reto interpretativo al perder los referentes naturalistas.
4. FUTURISMO | 1909
Surge en Italia con el férreo objetivo de romper la tradición artística y los signos convencionales
y lugares comunes de los que estaba dotada.
El futurismo estuvo fuertemente relacionado con el nacionalismo. Representó elementos que
dominaban una época de agitación.
La máquina y el movimiento fueron la máxima inspiración para artistas del movimiento que
buscaban mostrar al mundo acción y frenetismo.

5. EXPRESIONISMO | 1910
El expresionismo como corriente impregnó todos los campos artísticos: la pintura, la escultura,
la música… Está considerada la primera de las vanguardias, por lo que no es un movimiento
como tal, sino un modo de entender el arte.
El artista expresionista deforma la realidad, expresa sus emociones y su propia visión del entorno
a través de colores violentos y un tratamiento brusco de la obra. Supuso una representación del
sentimiento de soledad y amargura provocado por la guerra.

6. CONSTRUCTIVISMO RUSO | 1914

El constructivismo ruso representa el poder de la influencia artística al servicio de los intereses
políticos.
Los artistas realizaron obras que pusieron a disposición del gobierno revolucionario bolchevique.
El arte comenzó a unirse al diseño y al texto, dando lugar a obras de enorme capacidad
propagandística. Los colores planos y la geometría fueron fuertemente empleados por los
artistas.

7. DADAÍSMO | 1916
El dadaísmo surge como reacción a la supremacía de la razón. Fueron muchas las
manifestaciones artísticas que se hicieron eco de este movimiento.
El artista dadá es revolucionario y provocador, y se burla del sistema establecido en todos los
órdenes.
Es una corriente heterogénea que no posee lugares comunes, sino que debe entenderse como
una nueva forma de ver el mundo del arte.

8. BAUHAUS | 1919
La Bauhaus fue una escuela de arte, diseño y arquitectura alemana que influyó tan
notablemente en el arte moderno que, en la actualidad, se le considera una corriente más. Las
representaciones artísticas concebidas en la Bauhaus seguían un patrón común que conjugaba
el diseño funcional y la producción en serie.
La estética debía estar al servicio de la funcionalidad y el uso no debía sacrificar el diseño.

9. ABSTRACCIÓN GEOMÉTRICA | 1920

Esta corriente se basa en el empleo de figuras geométricas sencillas combinadas.
La abstracción geométrica reacciona al sentimentalismo impreso en las corrientes anteriores de
las artes plásticas. Recibe una clara influencia de culturas antiguas que emplearon la geometría
como motivo decorativo.
Esta corriente busca representar realidades completamente planas o bidimensionales.
10. ART DECÓ | 1920
El art decó influyó decisivamente en todas las artes decorativas. Su origen se encuentra en la
Exposición Universal de 1900 en París.
Este arte emplea líneas toscas y secas, no sinuosas. Y tiene una clara preferencia por materiales
de origen industrial como el acero o el aluminio. La simetría era un elemento importante en la
representación, así como la geometrización de elementos, especialmente visible en elementos
arquitectónicos.

11. SURREALISMO | 1924

El surrealismo encuentra en el inconsciente humano un paraje ideal para retratar. Las pulsiones,
los miedos y los anhelos ocultos en el interior del artista pretenden ser expresados a través de
elementos extravagantes.
Es una corriente cargada de simbolismo, que ofrece una evidente dificultad de interpretación
por haber perdido los referentes naturales.
Los pintores surrealistas crearon numerosas técnicas artísticas como el frottage o el fumage.

12. REALISMO SOCIALISTA | 1932

Fue un movimiento desarrollado especialmente en la Unión Soviética tras la revolución. Supuso
una superación de los estilos artísticos asociados a la burguesía.
Pretendía representar los problemas sociales y las vivencias personales de la clase trabajadora
agrícola o industrializada.
A través del realismo socialista se ensalzaban valores de trabajo proletario, convirtiéndolo en
algo admirable.

13. EXPRESIONISMO ABSTRACTO | 1940

Fue un movimiento artístico cuya máxima expresión fue la pintura, realizada habitualmente en
formatos de gran tamaño.
Desaparece la figuración, aunque no radicalmente; en ocasiones pueden encontrarse figuras
reconocibles. No existen jerarquías entre elementos representados, por lo que se entiende el
espacio pictórico como un todo. La gama cromática se limita al uso del blanco y negro, y la
combinación de colores primarios.

14. POP ART | 1950

El pop art revoluciona el panorama artístico gracias a la asimilación e incorporación de
elementos propios de la cultura popular. Los medios de comunicación son una fuerte influencia,
y los motivos publicitarios a menudo son retratados en representaciones artísticas.
El pop art se impone ante el concepto de arte elitista, favoreciendo el acercamiento de la cultura
a la masa, que puede ser captadora o creadora de contenido artístico.

15. OP-ART | 1960

El op art es un arte óptico que se basa en la creación de juegos visuales e ilusiones ópticas que
engañan al observador.
Elementos emocionales están completamente fuera del deseo del artista, que se enfoca en
aspectos puramente estéticos.
La combinación y repetición de líneas y figuras geométricas, junto con colores extravagantes
dan lugar a representaciones poco corrientes.

16. ARTE DE ACCIÓN | 1960

Arte de acción es el nombre con el que se designa a un conjunto de técnicas y estilos que se
enfocan en el acto creador, en la acción que realiza el artista para dar lugar. La obra es el proceso
de creación. Este hecho le confiere un carácter extremadamente efímero.
El happening o la perfomance son formas de expresión del arte de acción. En este tipo de
representaciones el artista es parte del resultado de la obra.

17. FLUXUS | 1962

El movimiento Fluxus se movilizó para luchar contra la concepción artística como objeto de
consumo o mercancía, defendiéndolo como movimiento artístico de gran valor sociológico.
Fluxus aúna en sus obras elementos y materiales procedentes de diversos entornos,
confiriéndoles un significado holístico al conjugarlos en la representación artística.
Esta tendencia busca incorporar el arte en la cotidianeidad de la sociedad.

18. MINIMALISMO | 1965

El arte minimalista se enfoca en la necesidad de reducir el contenido a la más pura esencia,
deshaciéndose así de todo elemento restante que no aporte valor a la obra.
Es un movimiento cargado de simbolismo y de un alto valor intelectual, aunque a nivel
producción o manufactura no requiera grandes dotes.
Se caracteriza por la concreción conceptual. El lenguaje artístico se economiza al máximo,
siempre manteniendo un orden estético.

19. ARTE POVERA | 1970

Toma su nombre de la costumbre que los artistas del movimiento tenían de emplear materiales
humildes, como son la tierra o las plantas.
El Arte Povera se enfrenta a la comercialización del arte, representando a través de sus obras la
caducidad y el valor real de los objetos tras la intervención del artista. Manifestaron a través de
su obra la cuestión de dónde se hallaba la valía artística, si bien en la obra en sí, o en el artista
que la realizaba.

20. HIPERREALISMO | 1970

El hiperrealismo busca la representación de la realidad de un modo absolutamente fiel y
objetivo. Con ello, se enfrenta directamente con la fotografía.
Para magnificar el resultado final de las obras, los artistas hiperrealistas incorporan elementos
reflectantes, de colores sinuosos o brillantes a sus imágenes.
A menudo representan una realidad impersonal, casi mecánica, valiéndose de fotografías para
alcanzar un resultado final absolutamente cercano a la realidad.

Los elementos del diseño:

• Punto: Es el elemento de expresión plástica más pequeño. El punto no tiene dimensión pero
puede cambiar de tamaño, color y forma. Puede configurar líneas y formas por medio de la
 alineación y la agrupación. El punto tiene una gran fuerza expresiva que atrae la mirada
tanto si está aislado como combinado con otros puntos.

• Línea: La línea es un elemento gráfico que, al igual que el punto, se utiliza para
construir formas e imágenes. Cuando un punto se pone en movimiento, deja un trazo y
se convierte en una línea. Según sea la trayectoria del punto, las líneas pueden ser rectas,
curvas, quebradas, onduladas, mixtas, abiertas, cerradas, etcétera.

• Color: Tanto los científicos como los artistas entienden el color como lo que el ojo ve cuando
la luz es reflejada desde un objeto.
Los colores tienen un significado muy especial en las obras de arte. Los
grandes maestros expresaban sus emociones a través de la pintura. Dejaban
reflejar su estado de ánimo, incluso su descontento con la sociedad o la
política, el color era un medio de expresión que les ayudaba a transmitir este
mensaje.

• Contraste: El contraste se puede lograr a través de la ubicación en la obra de elementos

que se contraponen, como luz y oscuridad, áspero y liso, grande y pequeño. Si el artista
buscase unidad en la obra no incluiría estas combinaciones. El contraste en formas y
texturas se puede combinar con colores cromáticamente opuestos; si la obra buscara la
unidad los colores desplegados serían complementarios.
• Textura: La textura corresponde a la característica que tiene cada superficie, ya sea real o
sugerida. Esta sensación es real cuando podemos tocarla y sentirla; y sugerida, cuando se
trata de una "textura visual", ya que apreciamos lo que "parece" y así la sentimos
visualmente. Las texturas son, entre otras: lisa, rugosa, blanda, dura, áspera, suave, e
influyen en nuestra percepción al observar determinada composición.

• Proporción: En el mundo del arte, la proporción o proporcionalidad es una relación

armónica y comparativa entre dos o más elementos de una composición con respecto al
tamaño, color, contexto, formato y el resto de las variables de esta.

• Ritmo: Se define el ritmo como un flujo de movimiento, generado por la repetición de

elementos visuales iguales o diferentes. Dicho de otro modo, una repetición continua de
líneas genera un ritmo lineal, que dirige la mirada en una dirección.
• Movimiento: el movimiento, o mejor dicho, la sensación de desplazamiento y actividad, es
un elemento compositivo auxiliar representado mediante elementos relativos a la
perspectiva, estructura, posición e interacción de figuras, dirección y secuencialidad.

• Equilibrio: El equilibrio es el principio de la percepción visual que se preocupa por igualar

las fuerzas visuales o los elementos en una obra de arte. El equilibrio visual hace sentir que
los elementos han sido bien distribuidos y provoca un resultado armónico, mientras que el
desequilibrio, con una distribución desordenada o muy desigual de las fuerzas
contrastantes, provoca todo lo contrario.

Composición artística
 El color
Historia del color.
• El primero en definir los colores fue el filosofo Aristóteles, que determinó, que todos los
colores se conforman de la mezcla de cuatro colores básicos. Además otorgó un papel
fundamental a la incidencia de la luz y las sombras sobre los mismos. Estos colores que
denominó como básicos eran, la tierra, el fuego, el agua y el cielo.
• Leonardo Da Vinci definió al color como propio de la materia y aportó una nueva gama
de colores básicos. El color principal era el blanco, ya que permite recibir a todos los
demás colores, después el amarillo para la tierra, verde para el agua, azul para el cielo,
rojo para el fuego y negro para la oscuridad, ya que es el color que nos priva de todos
los otros. Con la mezcla de estos colores obtenía todos los demás, aunque también
observó que el verde también surgía de una mezcla, lo que hizo surgir algunas dudas.
 • Finalmente en el siglo XVII Isaac Newton estableció un principio hasta hoy aceptado:
«LA LUZ ES COLOR». Descubrió que la luz que pasaba a través de un prisma era capaz de
descomponerse en varios colores formando un espectro. Newton llegó a la conclusión
de que la luz natural está formada por luces de seis colores y que cuando esta, incide
sobre un elemento absorbe algunos de esos colores y refleja otros.

¿Qué es el círculo cromático?

Es una representación gráfica ordenada y circular de los colores basada en su matiz o tono. En
ella se representa a los colores primarios y sus derivados (secundarios, terciarios, etc.). Además,
puede diferenciar entre colores cálidos y fríos.
División de Colores

• Colores primarios

Los colores primarios son aquellos que no pueden obtenerse de la mezcla de otros colores. El
reflejo de la luz sobre los objetos da como resultado los colores primarios.

• Colores secundarios

Los colores secundarios son el resultado de la mezcla en proporciones iguales los colores
primarios.

• Colores terciarios

Estos se obtienen de la mezcla de un color primario con un secundario y son extensiones de

colores, ya sean primarios o secundarios, a los que se les asignan matices que los acercan más
a un color que a otro.

Mezclas del color

❖ RGB: El codigo RGB es un modelo de colores reconocido a nivel internacional. Este

modelo tiene su base en los tres colores primarios rojo (Red), verde (Green), y azul
(Blue).
Cuando hablamos de RGB estamos hablando de un modelo basado en la “síntesis
aditiva” o sea: es posible representar cualquier color por medio de la suma de los tres
básicos. Sobreponiéndolos todos se obtiene el color blanco.

❖ CMYK: El acrónimo CMYK indica un modelo de colores conocido también como

cuatricromía. Los colores a los que se refiere son cian (Cyan), magenta (Magenta),
amarillo (Yellow) y negro (Key black). Este sistema es aquello utilizado por las
tipografías tradicionales u online y funciona por medio del utilizo de una plancha negra
a la que se alinean las planchas cian, magenta y amarillo.

Cuando hablamos de CMYK nos referimos a un modelo sustractivo, que trabaja de manera
contraria al modelo RGB: el color se obtiene por medio de la deferente luminosidad de cada
tono.

Colores cálidos y fríos

• Colores cálidos: Se refiere a las radiaciones del espectro que presenta la máxima
longitud de onda cercana al infrarrojo, van del rojo al amarillo, pasando por las
distintas tonalidades de colores que hay entre ellos. Estos colores permiten simular las
fuentes de calor de la naturaleza como el sol y el fuego.

• Colores fríos: Se sitúan en longitud de onda mínima, próximas al ultravioleta dando

una sensación contraria a los colores cálidos, transitan entre el azul y el verde, también
pasando por todas las tonalidades intermedias. El azul ayuda a representar la ausencia
de calor y puede evocar al agua; mientras que el verde puede representar a la
humedad y frescura de la vegetación.
Armonía cromática