Resumen historia del arte

Capitulo 12: La Conquista De La Realidad

Primera mitad del S. XV
Renacimiento: volver a nacer o instaurar de nuevo
Italia (Roma) fue el centro del mundo civilizado hasta la caída de su imperio a mano de tribus germánicas de
godos y vándalos.
La idea del renacer estaba ligada a la recuperación de la grandeza de Roma
Con la caída del imperio (476) nace el arte gótico
Giotto (1267-1337) condujo el arte a su renacer
Brunelleschi (1377-1446) fue iniciador de la arquitectura renacentista y la perspectiva, se inspiró
en las ruinas de templos y palacios romanos y creo un nuevo modo de construcción que perduro 5 siglos,
hasta e S.XX que lo cuestionaron como el cuestiono la arquitectura gótica.
Massacio (1401-1428) revoluciono la pintura, recurso técnico de perspectiva pictórica, simplicidad y
magnitud, pesadas y macizas figuras, solidas formas angulares, sincero y emotivo. Fue precursor de la luz y
la sombra.
Donatello (¿1386? - 1446) rompe con el pasado, nueva concepción del criterio de la escultura, facultad de
corporizar espontánea y convincente, sensación de movimiento y vida, silueta precisa y sólida. Observación
del natural y estudio al cuerpo humano.
Jan Van Eyrk (1390-1441) desarrollo el arte nórdico, muy paciente con los detalles y por menores
encantadores y delicados. Inventor de la pintura de oleo.

Capítulo 13: Tradición e innovación

Segunda mitad S. XV Italia (14450-1500)
A parte de pasmar temas sagrados, el arte refleja un fragmento del mundo real.
La revolución del arte comenzó en Florencia, Italia y ocasiono la ruptura del medievo
Alberti (1404-1472) unió la casa tradicional con la forma clásica de Brunelleschi usando red de pilastras y
entablamento. Tradujo el diseño gótico a formas clásicas, suavizo el bárbaro arco apuntado y adapto
proyectos nuevos a tradición antigua.
Ghiberti (1378-1455) fue escultor fiel a las ideas del arte gótico, cuidadoso con los pliegues de trajes, relieve
vigoroso y convincente, hace alusión a la profundidad.
Fra Angélico (1387-1455) fue un fraile dominico que expresa las ideas tradicionales del arte gótico, no se le
dificultaba la perspectiva, belleza y simplicidad con apenas movimiento.
Paolo Uccello (1397- 1475) buscaba que las pinturas parezcan talladas, impresionado con la perspectiva,
tenía un criterio opuesto a Van Eyrk. No usaba la luz, sombra o luz.
Benozzo Gozzolini (1421-1497) fue discípulo de Fra Angélico, pero tenía un criterio distinto, pinto los
muros de la capilla privada del palacio Médicis. Representa mundo lleno de encanto y alegría, suntuosos
ropajes. Usaba los nuevos recursos para representaciones alegres.
Andrea Mantegna (1431-1506) Realizo pinturas murales que fueron destruidas. Se imaginaba como fue la
escena, prosigue camino de Massacio con figuras estatuarias e impresionantes. Usa el arte de la perspectiva.
Della Francesca (1416-1492) dominaba la perspectiva, la luz y la sombra, da ilusión de profundidad, calma
y simplicidad.
Problemática: pintores ignorantes distribuían sus figuras logrando un esquema perfecto, pero desconocían
las reglas correctas de dibujo. Pero con la perspectiva y estudio de la naturaleza aparecen recursos
técnicos y reglas correctas de dibujo.
Polaiuolo (1432-1498) soluciona la problemática con instinto, tacto y aplicación correcta de normas, suaviza
la simetría, introduce y domina los movimientos y músculos.
Botticelli (1446-1510) pintor del nacimiento de venus, en esquema armonioso y menos sólido, con graciosos
movimientos y líneas melódicas que recuerdan a la tradición gótica. Fue Lorenzo pier-francescco quien le
encargo el cuadro, el mimo que protegió Américo Vespucci

Capitulo 14: Tradición e Innovación, II

El S. XV en el norte
Durante el S.XV siguieron desarrollando el estilo gótico
El estilo gótico se dividió en fases, la última fue gótico flamígero
Nórdicos artistas medievales fieles al gótico
Pero tenían los mismos problemas
Italia moderna con triunfo del renacimiento
Stefan Lochner(1410-1480) Como el Fra Angélico del norte
Jean Fouquet (1420-1480) Moldeados, sin rastros de luz y sombra, se interesaba en la calidad (texturas)
Rogier Van Der Weyden (1400-1464) reproduce detalles, diseño armónico, principales ideas de pintura
gótica a nuevo estilo
Hugo Van Der Goes (1482) supo como ubicar las figuras y se esforzó por que parece una escena real,
movimiento contorsionado
A mediados del siglo XV llega la imprenta: con un trozo por madera se sacaba todo lo que no se tenía que
ver en la impresión, para que solo sobresalga lo que se imprimía en negro. Se le llamaba xilografía, era
barato y popular
El grabado de cobre seria como el negativo del grabado en madera
Martin Schongauer (1453-1491) expresaba pequeños detalles, texturas y superficies. La imprenta facilito
intercambio de ideas, aseguró el triunfo del renacimiento en Italia poniéndole fin al arte medieval del norte.
Capitulo 15: La Consecuencia De La Armonía
Toscana y Roma, Primera mitad del S. XVI (1500- 15509
El cinquecento trajo los mejores artistas, fue el periodo más famoso
Alto Renacimiento
Artistas amplían horizontales gracias a matemáticas y anatomía, estudiando las leyes de la
perspectiva, la construcción del cuerpo humano
La construcción social del artista fue una lucha, había mucho perjuicio, pero los vencieron.
El artista elegia que encargos tomar porque era libre
En la arquitectura había un conflicto con las exigencias del cliente y los ideales del artista
En1506 el papa julio II manda a demoler la basílica de san pedro con el objetivo de construir
una estructura imponente que desafié las antiguas tradiciones. fue Bramante quien estaba a
cargo, este busca combinar el coliseo y el panteón, inspirado por el equilibrio y la armonía,
pero esto nunca se lleva cabo por falta de fondos, esto adelanto la reforma.
Leonardo Da Vinci (1452-1519) como aprendiz aprendió los secretos técnicos como a fundir
metales, preparar cuadros y estatuas, estudio modelos desnudos y vestidos, plantas y
animales, las leyes ópticas de la perspectiva y como usar colores. El decía que “la misión del
artista era explorar el mundo visible”, su curiosidad era insaciable; exploro los secretos del
cuerpo humano, investigo las leyes del oleaje, el vuelo de los insectos y pájaros, el
crecimiento las plantas y árboles, la armonía de los sonidos, etc. Buscaba transformar el arte
de la pintura en una ocupación honorable y noble. Pinto “La última cena” entre 1495 y 1498,
en esta hay movimiento, expresiones, gestos armonía y equilibrio. También “La mona lisa”
en 1502, la cual parece viva, pensando, observando y con expresiones cambiantes, esto fue
intencional “cuanto más consciente más copiamos una figura (…) menos podemos imaginar
como se mueve y respira” evito la rigidez y dureza
Miguel Ángel Bounarroti (1475-1564) Aprendiz de Domenico Ghirlandaio quien expresaba
agradablemente los temas religiosos y sabia distribuir diestramente los grupos y halagar los
ojos. Pero Miguel Ángel tenía ideas distintas, estudio a loa grandes maestros como Massacio
y Donatello, investigo anatomía humana. El papa Julio II le encargo un mausoleo, pero no se
hizo porque no había basílica de san pedro. Miguel Ángel se enojó y se fue, pero volvió para
pintar la bóveda de la capilla Sixtina del vaticano. Lo hizo sin ayuda en 4 años. No se
consideraba a sí mismo pintor o escultor, era enemigo de Bramante y rival de Leonardo.
Rafael (1483-1520) Aprendiz de Pietro Perugino, decidió aprender de miguel ángel y
leonardo. Sus pinturas aparentaban sencillez y singular belleza. En 1506 el papa julio II
demolió basílica de san pedro (cap. 15) para construir estructura imponente a cargo de
Bramante, no se hizo por falta de fondos, se precipito la reforma (Lutero cuestiona
recolección de fondos para iglesia nueva) se muer el papa y bramante. Nuevo papa contrata a
Rafael para nueva iglesia, en 1512 se convierte en arquitecto
Capítulo 16: Luz y Color
Venecia e Italia septentrional (norte). Primera mitad S. XVI (1500-1550)
Venecia era el centro del arte italiano, lenta en aceptar el renacimiento, pero allí adquirió
lozanía, esplendor y vivacidad.
Jacopo Sansovino (1486-1570) Arquitecto que construyó la biblioteca de san marcos,
edificio alegre y sencillo, sabia entretejer elementos sencillos en un esquema renovado. 1°
piso con columnas de orden dórico y 2° piso con columnas de orden jónico.
Los pintores del medievo no se preocupaban por los colores en figuras reales, pero si en
miniaturas. Reformadores florentinos se interesaban menos por el color que por el dibujo,
pero sus cuadros eran exquisitos por el color. Pocos lo usaban para unificar figuras y formas
dentro del esquema. Usaban mas que nada la perspectiva y composición, no consideraban
color como enriquecimiento.
Giovanni Bellini (1431- 1516) es de la misma generación que Perugio, usa el esquema de
colores para armonizar cuadros.
Giorgione (1478-1510) fue un revolucionario, sus obras tenían acertijo ¿Qué representa?,
sencilla conjunción con luz y aire, el paisaje no es el fondo, es el verdadero asunto.
Considero ,la naturaleza, arboles, aire, humanos como un conjunto. Mucha transcendencia
con perspectiva. Ahora la pintura es un arte con sus leyes ocultas y recursos propios.
Ticiano (1485-1576) fue muy famoso como Miguel Ángel, gran manejo de colores le
permitía desatender las reglas tradicionales ya que con el color reestablece la unidad,
controla el equilibrio y la armonía de la obra con luz, aire y colores que unifican la escena.
Retrato parece sencillo y sin esfuerzo, pero vivo con mirada intensa como mona lisa.
Correggio (1489-1534) dudoso equilibrio, luz y color contra balancean las formas, pintaba
techos y cupulas fingiendo que se abrían al cielo.

Capítulo 17: El curso del aprendizaje.

Alemania y Países Bajos, primera mitad S. XVI (1500-1550)
El renacer estaba asociado a Italia, el arte no progresa igual que la ciencia, hay 3 aportes
tangibles de maestros italianos: la perspectiva matemática, el conocimiento de la anatomía
científica (perfecta representación del cuerpo humano) y exhumación de las formas clásicas
de la arquitectura.
En el norte de los Alpes tardaron en adoptar nueva modalidad de arquitectura y solo lo
hicieron superficialmente, añadiendo formas decorativas mientras el cuerpo del edificio
estaba igual. Entremezclaron estilos incongruentes. Pero no fue así en el arte y la escultura
ya que debían comprender los nuevos principios del arte.
Alberto Durero (1471-1528) era consciente de su importancia para el futuro del arte. Fue
aprendiz del taller mas importante de grabados de madera, visito a Schongauer, viajo mucho.
Poseía algo mas que simple conocimiento técnico de su difícil arte. Durante la reforma dejo
de lado toda actitud tradicional. Demostró ser un maestro fantástico y visionario, heredero de
artistas góticos, su propósito era contemplar y copiar la naturaleza con fidelidad, imitar la
realidad para ofrecer visión verista. Busca representar al cuerpo humano según belleza ideal
del arte clásico con la regla adecuada, aplico todas sus ideas sobre belleza y armonía, pero
fue convincente, tenía indicio de artificialidad en la simetría, formas y actitudes ya que no
había abandonado su “yo autentico”.
Matthias Grünewald: Grandeza y poder artístico pero fue olvidado completamente, es un
misterio, estaba familiarizado con los descubrimientos del arte italiano pero solo los uso
cuando lo considero necesario, tenía un criterio firme sobre que el arte no consistía en la
indagación de las leyes ocultas de la belleza, su obra la crucifixión es un sermón gráfico, una
representación cruel y austera sin rastros del concepto del belleza, buscaba que se
familiaricen con los horrores de esa escena de sufrimiento y hacernos ver que es preciso que
cristo crezca y nosotros nos disminuyamos, lo expresa rechazando las normas del arte,
alterando el tamaño de la figura de acuerdo a su importancia. Esto deja en claro que un
artista puede ser extraordinario sin ser progresista ya que la grandeza del arte no está
relacionado con los nuevos descubrimientos.
Lucas Cranach (1472-1553) descubrió la belleza de los parajes románticos y quedo fascinado
por los encantos de los lugares del norte (la obra de Giogione) represento a la sagrada familia
durante la huida de Egipto, es una poética concepción que conserva algo del espíritu del arte
lirico de Lochner. Fue un fácil y elegante pintor, famoso por su amistad con Martín Lutero.
Albrecht Altdorfer (1480-1538) estudio pinos y rocas, pinturas sin rastros humanos, fue un
cambio de gran importancia ya que antes solo pintaba paisajes para escenas pastoriles.
Jan Gosseart “Mabuse” (1478-1532) es un ejemplo de la fidelidad que tenían a los viejos
métodos y el amor por lo nuevo, pintura de acuerdo a criterio de Jan Van Eyrk, pero quiso
demostrar sus conocimientos, su dominio de la perspectiva científica, familiaridad con
arquitectura clásica y maestría en la luz y sombra, el resultado es una obra con gran encanto,
pero le falta sencilla armonía. Oto9p9
Hieronymus Bosch “El Bosco” demostró que los métodos de la pintura, que habían
evolucionado en el sentido de representar la realidad de manera más verosímil, podrían
ofrecer un sentido de las cosas que nadie había visto jamás, con sus representaciones el
infierno y sus moradores dio forma concreta y tangible a los temores que obsesionaron al
hombre en el medievo.

Capitulo 18: Una crisis del arte

Europa, segunda mitad S. XVI
1520, la pintura había alcanzado su cima de perfección, dominaron toda dificultad y detalles,
superando las estatuas griegas y romanas. Todo lo posible en arte ya se había hecho. Los
nuevos artistas imitan las maneras de los grandes maestros, denominado Manierismo. Creían
que el arte había llegado a un punto muerto, consideran imposible superarlos en el dominio
del cuerpo humano, quisieron hacerlo con las concepciones haciendo cuadros llenos de
sentido y sabiduría que parecen enigmas gráficos. Llamaban la atención con obras menos
clásicas, naturales, sencillas o armoniosas. Los esfuerzos por superarlos son el mejor tributo.
Miguel Ángel constantemente investigaba nuevos modos y fórmulas de expresión, así
acostumbro al publico a admirar sus caprichos e inventos.
Los nuevos artistas también lo hicieron; la ventana con forma de rostro de Federico
Zucciano, villa rotonda de Andrea Palladio (tiene 4 lados idénticos, cada uno con fachada de
templo distinta).
Era mas importante la novedad y efectisismo que la propia finalidad de la arquitectura, según
Benvenuto Cellini ser artista ya no es ser respetable y tener un taller, si no ser un virtuoso i
por el que compitan.
Intentos infatigables y agotadores de crear algo mas interesante y poco frecuente
Parmigianino fue discípulo de Correggio, pinto virgen sin naturalidad y sencillez,
desagradable por afectación y artificiosidad, buscaba que pareciera graciosa y elegante, le
gustaban formas antinaturales y alargadas, quería demostrar que la solución clásica de la
armonía perfecta no era la única concebible, la simplicidad natural era un medio para
conseguir belleza, pero con otros medios se consiguen efectos interesantes.
Los artistas buscaban crear algo nuevo e inesperado a costa de la belleza natural, así nace el
arte moderno
Jean de Boulogne “Giambologna” hizo la estatua de Mercurio, esta supera la gravedad de la
materia inerte y crea sensación de vuelo.
Jacopo Robusti “Tintoretto” estaba harto de la sencilla belleza de formas y colores. Pinto las
reliquias de San Marcos de una manera distinta, con drama intenso y conmovedor de los
acontecimientos, sus cuadros eran insólitos y cautivaban, pintura parece confusa y
desconcertante. Heterodoxoii y excéntrico, intenso contraste de luz y sombras, quiso mostrar
las cosas desde una nueva luz y otros modos de representar leyendas y mitos, el drama llego
a su clímax, Giorgio Vasari reprocha a Tintoretto por descuidada ejecución y gusto
excéntrico. Mismo reproche que hacen los artistas modernos ya que los grandes innovadores
no se preocupaban por la técnica.
Domenikos Theotokopulos “El Greco” desarrollo el procedimiento, estaba en España donde
tenían ideas medievales del arte, se destacó con sus dramáticas y ajetreadas visiones,
heterodoxos procedimientos que desequilibran la composición, despreciaba las formas y
colores naturales, manierismo de alargar las figuras como Tintoretto.
Crisis en Italia y España era respecto a pintar de un modo distinto para impresionar, pero en
el norte la crisis era mas seria, respecto a si se podía o se debía seguir pintando, producido
por la reforma, los protestantes decían que las pinturas eran signos de idolatría papal. Los
artistas solo generan ingresos ilustrando libros o pintando retratos.
Hans Holbein “El Joven” tenía los conocimientos de Durero, era extraordinariamente
dotado: sabia situar sin esfuerzo, era atento a los detalles e indiferente a la belleza
convencional, era un maestro, pinto retratos de personajes de la casa real sin dramatismo o
nada que impresione, pero se puede ver el espíritu y personalidad del modelo, la
composición estaba equilibrada.
El retrato fue la única rama de la pintura que sobrevivió a la reforma en Europa.
Excepto en los Países Bajos, que desde la época de Jan Van Eyrk son maestros en la
imitación de la naturaleza, sacaban ventaja por la paciencia y cuidados extremos pero los
italianos se centraban en la belleza de la figura humana en movimiento, tenían una
extraordinaria destreza en la representación de la superficie de las cosas.
Pieter Bruegel “El Viejo” se centro en las escenas de la vida de los campesinos, organizo el
cuadro para que no parezca apiñado o confuso, con muchos detalles que hacen que se pierda
la viveza del color. Descubrió nuevo dominio para el arte.
En Francia la crisis fue que la tradición del arte medieval estaba amenazada por la invasión
de la moda italianizante
Jean Goujon fue un escultor que tiene algo de elegancia y virtuosismo, figuras
exquisitamente graciosas
Jacques Callot ofrecía figuras gigantescas y dilatados panoramas insólitos, uso de los
recursos para reflejar insensatez de la humanidad.

Capítulo 19: Visión y visiones

La Europa caótica, primera mitad del S. XVII
Arte como encadenamiento sucesivo, de estilos diversos. El renacimiento comenzó en Italia
a mediados del S. XV (1400-1450), le sigue el barroco. Otros estilos tienen signos definidos
que los distinguen, pero el Barroco no, en arquitectura usan las mismas formas básicas
extraídas de las ruinas clásicas, el estilo arquitectónico renacentista se mantiene en el tiempo.
Los nombres con los que se distinguen los estilos, originariamente eran palabras ofensivas o
burlescas, como el termino gótico que señala el estilo bárbaro que los godos introdujeron a
Italia, o el Manierismo que se refiere a lo imitado superficialmente, lo mismo pasa con el
Barroco que significa absurdo o grotesco refiriéndose a que combinaban o aplicaban los
edificios clásicos de manera distinta a los griegos y romanos.
1575 en Roma, el arquitecto Giacomo Della Porta construye edificio revolucionario, la
primera iglesia de la orden jesuítica, buscaban concepción nueva e insólita, plano sencillo e
ingenioso, iglesia en forma de cruz coronada con cúpula majestuosa. Rasgo principal de las
iglesias medievales con aportaciones arquitectónicas renacentistas, nada sugiere que se
desafiaron las reglas clásicas, pero las normas griegas, romanas y renacentistas tienen una
fundamental alteración.
La pintura evoluciona desde el punto muerto del manierismo. Con Tintoretto y El Greco
vimos como nacían las ideas: énfasis en la luz y el color, desprecio de armonización sencilla
y preferencia por composiciones complicadas. Creían que el arte fue por mal camino y
discutían si era mejor la pintura o la escultura, el dibujo o la pintura, etc.
Dos artistas cansados del manierismo con procedimientos opuestos: Carracci y Caravaggio
Annibale Carracci estudio a Correggio, pero quedo encantado con obra de Rafael y se
propone recobrar algo de su sencillez y belleza, lo acusaron de tener intención de imitar. Su
obra es sencilla y armónica, dejando de lado el horror y agonía. Es muy parecido al
renacimiento, pero se diferencia en la forma en que cae la luz en el cuerpo y como provoca a
las emociones, es barroco.
Carracci y Caravaggio tenían buena relación, ambos tenían líneas distintas, pero dieron al
arte un impulso inimaginable.
Michelangelo da Caravaggio no tenia preferencia por los modelos clásicos ni respeto por la
belleza ideal. Quería romper con los convencionalismos y pensar por si mismo respecto al
arte, era naturalista, copiaba fielmente la naturaleza sea esta fea o linda, cuadro poco
convencional, pero sus personajes parecían reales y tangibles gracias a su modo de manejar
la luz y la sombra.

Guido Reni pinto el techo de un palacio de roma con tanto encanto y belleza que evocan a
Rafael, a quien se propuso igualar o superar. Pinto del mismo modo como cuestión de
principios, tenia que ser consciente en la elección de procedimientos, establecido
programade idealización, embellecimiento de la naturaleza según criterio establecido por
estatuas clásicas, llamado Neoclásico.
Nicolas Poussin: estudio esculturas clásicas, se inspiro en su belleza para traducir su visión
de las tierras de inocencia y dignidad perdidas, muestra apacible y risueño paisaje
meridional. Simplicidad que nace de sabiduría artística inmensa.
Claude Lorrain estudio paisajes, llanuras y colinas. Perfecto maestro de la representación
realista de la naturaleza. Abrió los ojos a la gente de la belleza de la naturaleza.
Pedro Pablo Rubens: no se preocupaba mucho por criterios de belleza, creía que la tarea del
pintor era pintar el mundo en torno a él. Estudio a roma y no tuvo rival al norte de los Alpes,
cuadro con mas movimiento, más luz ms espacio y mas figuras que estaban ligadas entre sí.
Habilidad de vivificar todo intensa y gozosamente. Retratos sin recursos de composición que
parecen vivos. No uso las, según él, remotas y abstractas formas ideales de belleza clásica,
tampoco la esbeltez o censura, por eso sus obras pasaron a ser simples decoraciones barrocas
a obras maestras. En la época de tensiones religiosas y sociales de Europa, la monarquía
absoluta sostenidos por la iglesia católica y las ciudades mercantiles protestantes, Rubens fue
pintor del ámbito católico, tenía una posición excepcional y lo sabía.
Anton Van Dyck fue su mejor discípulo, se diferencio de su maestro por su temperamento y
carácter, con sus cuadros con ligera melancolía y languidez llego a ser pintor de la cámara de
la corte de Carlos I. Podía plasmar cualidades como elegancia, autoridad, dignidad, etc. A la
perfección. Contribuyo a que cristalizaran lo ideales de la nobleza de sangre azul y de la
desenvoltura cortesana.
Diego Velázquez, también relacionado con Caravaggio, pinta con verismo. Respetado y
famoso miembro de la corte de Felipe IV, pintaba retratos del rey y familia real.

Capitulo 20: El espejo de la naturaleza

Holanda, S. XVII
La división europea entre catolicismo y protestantismo afecto al arte. En Países Bajos el sur
(Bélgica) era católico pero el norte (Holanda) era protestante, eran hombres devotos,
trabajadores, lentos y poco aficionados que nunca aceptaron completamente el estilo barroco
de la Europa católica, preferían la sobriedad.
En especial, la victoria el protestantismo afecto al arte, la pintura (cap. 18), ya que solo los
retratos continuaron.
Fran Hals fue un maestro que pintaba con brillantes y originalidad, logro plasmar a muchos
hombres sin que parezca rigido o artificial, transmitía espíritu de alegría. Sus retratos parecen
espontaneas hechas en momentos exactos por su manejo de colores y pincel. Aun que no es
simétrico, esta equilibrado, sin seguir alguna norma.
A los Artistas holandeses no les gustaba pintar retratos, ya no se rigen por encargos, primero
pintan después venden, se sentían libres pero la libertad se pago caro, al no tener clientes
debían vender sus obras al público comprador y había mucha competencia, así que surgieron
las especializaciones.
Simón de Vlieger se dedico a pintar el mar, así descubrieron la belleza del cielo, en sus
cuadros no había nada dramático o impresionante, pero estaban llenos de interés.
Jan van Goyen hacia cuadros sencillos y sinceros, transformo una escena corriente en
sosegada belleza.
Cuando algo es “pintoresco” se refiere a que parece una pintura, un cuadro. Ellos abrieron
los ojos sobre sencillas bellezas naturales.
Rembrandt van Rijn fue un importante pintor que dejo registro de su vida a través de
autorretratos sinceros e n donde no disimula su fealdad, aprendía sobre los secretos del rostro
humano, sensación de vida. Gran maestro en evocaciones de efectos, colores menos
brillantes y parda oscura comunican vigor, uso de luz y sombra para aumentar intensidad.
También fue un extraordinario grabador, uso la técnica de Aguafuerte que le permitió trabajar
con mayor libertad y rapidez. Consiste en cubrir la plancha con barniz y dibujar con una
aguja sobre él, luego usar un acido que ataque lo que no tiene barniz, después esto se
imprime como cualquier grabado, solo se diferencian por el carácter de las líneas. Rembrandt
tenia muchas habilidades y sabiduría artística, domino el arte de distribuir grupos y que se
vea casual y armonioso.
Muchos artistas continuaron tradición de arte nórdico de reproducir vida en cuadros alegres y
espontáneos, como genero de naturaleza humana en vida campesina. Jan Steen lo llevo a la
perfección, usando diversos tipos y expresiones de alegría y con su destreza en encajar varios
accidentes en el cuadro. Jacob van Ruisdael estudio efectos de luz y sombra sobre árboles,
especializándose en escenas de bosques pintorescos, fue un maestro pintando nubes, fue
quien descubrió la poesía de los paisajes nórdicos y quien mejor expreso sus sentimientos y
emociones a través de su reflejo en la naturaleza.
El arte nórdico aprendió a reproducir la naturaleza fielmente como un espejo, esta transmite
el propio espíritu del artista, la rama mas especializada del arte nórdico fue la
NATURALEZA MUERTA, son representaciones de vasijas con vino, frutos u otras cosas
depositadas sobre delicadas porcelanas. Era un maravilloso campo de experimentación para
los problemas específicos, Willen Kalf estudio el reflejo y quiebre de la luz sobre el cristal
coloreado.
El tema de un cuadro es menos importante de lo que se había creído. En una escena bíblica el
artista nos hace comprender su manera de concebirlo, hay grandes cuadros sin tema de
importancia ya que descubrieron la belleza pura del mundo visible, ahora el tema es de
importancia secundaria.
Jan Vermeer van Delft pinto pocas escenas de gran importancia, si no mas composiciones de
naturaleza muerta y seres humanos. Tiene precisión para captar calidad, colores y formas sin
que parezca trabajado y duro, dulcifica los contornos, pero conserva impresión de solidez y
firmeza, combina precisión y suavidad, da nueva mirada a la sosegada belleza de una escena
simple, mostrando lo que sintió el artista.

Capitulo 21: El poder y la gloria, 1.

Italia segunda mitad S. XVII y XVIII
Las primeras obras de arte barrocas fueron a finales del S. XVI. Con Della Porta desafiando las reglas
clásicas para conseguir mas variedad y efectos. Así que el arte debe seguir ese camino, buscar decoraciones
más complicadas, acumular deslumbrantes y nuevas ideas hasta que a mitad del siglo XVII El Barroco llegó
a su mayor desenvolvimiento.
En una iglesia típica barroca, hecha por Francesco Barromini podemos ver que las formas adoptadas son
realmente renacentistas: el frontis triangular que marca la puerta central, las pilastras a cada lado dan efecto
de mayor riqueza, entre otros detalles.
A comparación, la fachada de Della Porta parece contenida y severa, ya que Barromini fue más allá de
utilizar los órdenes de la arquitectura clásica, su fachada curvada parece de yeso, las torres son cuadradas en
el 1er piso y redondas en el 2do, unidas con un entablamento extraño, en general los edificios barrocos son
muy abundantes en ornamentación y muy teatrales. La iglesia por dentro y por fuera parece pastosa llena de
esplendor y movimiento.
La cuestión de la Reforma de protestantes contra católicos tuvo efectos indirectos en el desarrollo del
Barroco con sus iglesias los católicos buscaban adoctrinar a los que no sabían leer a través del arte personer
y convertir a los que habían leído mucho
Gian Lorenzo Bernini: era un maestro en el arte supremo de la decoración teatral fue un consumado
recatrista de la misma época que Barromini. Con una escultura de una joven con lozanía e independencia
logró que parezca viva y respiraba esta era una experiencia religiosa. Un altar de la monja santa teresa qué
muestra el momento en que la monja es flechada se puede ver el dolor pero también un infinito deleite
desfallecida por el éxtasis celestial también es arte religioso, su propósito era provocar sentimientos de
fervorosa exaltación y transportes místicos, conducirnos a la cima de motividad logró con la intensidad de la
expresión y la manera de proceder con los ropajes retorciéndolo y desmenuzándolo para efecto de
movimiento y agitación.
Giovanni Battista Gauli: fue discípulo de Bernini, pinta bóveda de la iglesia fingiendo que sabría a la gloria
celestial como Correggio pero mucho más teatral deseaba confundirnos y abrumarnos con qué es real y qué
ilusorio solo tiene sentido donde fue realizada.
Tras el completo desarrollo del estilo barroco la pintura y la cultura te cayeron en Italia y toda la Europa
católica los artistas italianos de 1700 eran soberbios decoradores de interiores.
Giovanni Battista Tiepolo: fue un maestro veneciano desplegó alegres colores y vestidos suntuosos
La grandeza del arte italiano estaba tocando su fin solo la rama de especialidad de la pintura y el grabado de
panoramas crea nuevas concepciones.

Francesco Gaurdi pertenecía a una escuela de pintores pintaban con suntuosidad luz y color el espíritu del
Barroco tiene afición al movimiento y a los efectos atrevidos

Capitulo 22: El poder y la gloria, II.

Francia, Alemania y Austria. Final S. XVII y primera mitad S. XVIII
No solo la iglesia usaba el arte a su favor Reyes y pruden siempre están bien para ostentar su
poderío e incrementar su flujo sobre el espíritu de la gente parecer seres distintos destinados
a gobernar por derecho divino. Luis XIV de Francia ostentó y magnificó la realeza con sus
Versalles símbolo de inmenso poder. Es un palacio Barroco que destaca por sus proporciones
más que por su ornamentación tiene aspecto noble y grandioso se aprecia la función y
propósito del barroco.
El periodo de 1700 es uno de los más grandes en arquitectura pero no solo en edificios sino
en ciudades enteras que parecían escenarios
En Austria bohemia y sur de Alemania Barroco italiano de francés se fusionaron en un estilo
más usado y consistente.
Lucas Con Hildebrandt: hizo un castillo sobre colina dividido en siete cuerpos distintos el
del centro y los dos laterales son los más ricamente adornados es quema perfectamente nítido
y preciso a pesar de adornos caprichosos y grotescos.
Jakob Prandtauer: y rumonasterio austríaco sobre una colina con cúpula de Torres es un
Barroco ornamentado extravagante dentro y fuera lleno de detalles como nubes y ángeles
sensación de movimiento y alegría ofrece experiencias celestial y paradisíaca
Antoine Wetteau: hacía decoraciones para interior de castillos de nobleza, arte artificioso y
preciosista en extremo. Moldeo es lo que hoy conocemos como rococó: colores exquisitos
ornamentación delicada. En sus obras domina dulce y melancólica calma lleno de
sensibilidad.
i
Que tiene virtudes
ii
En desacuerdo con la doctrina, no sigue las normas y practicas aceptadas por la mayoría