“LA ESCULTURA EN LAS VANGUARDIAS DEL SIGLO XX”

EL GRAN CANAL EN VENECIA 1907

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ÍNDICE

1.- Características de la escultura de principios de siglo XX (las vanguardias).

2.- Ossip Zadkine La escultura cubista.

3.- Umberto Boccioni, Futurismo.

4.- Brancusi, del expresionismo a la abstracción.

5.- Alberto Giacometti. Expresionismo.

6.- Duchamp. Dadaismo.

7.- Jean Arp, Surrealismo.

8.- Naum Gabo, Constructivismo abstracto, la vanguardia soviética.

9.- Henry Moore, escultura biomorfica y humanista.

1o.- Alexander Calder, expresionismo abstracto. Escultura cinética.

11.- Auguste Rodin, impresionismo.

12.- Edgar Degas, La pequeña bailarina de catorce años.

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LA ESCULTURA DEL SIGLO XX:

La escultura contemporánea experimenta una revolución radical en el siglo XX. Las

tendencias evolucionan siguiendo un camino paralelo a la pintura, aunque la ruptura en
escultura es más tardía, posiblemente porque los artistas están más atados a la tradición
que marcan sus clientes y el coste del material es más elevado que en pintura.

El precursor, a finales del siglo XIX, fue A. Rodin quien aplica los principios impresionistas a
la escultura alejándose de las pautas academicistas. Pero la ruptura definitiva la realiza el
Cubismo. Los escultores buscarán un nuevo lenguaje expresivo. Como sucede en la
pintura, es difícil clasificar a los escultores en un movimiento u otro porque están en
continua evolución.

Características de la escultura del siglo XX :

● Temática. La figura humana pierde su omnipresencia. Los temas se inspiran en las

formas geométricas, en la naturaleza como la escultura biomórfica; representan la
abstracción, el movimiento, la antimateria, el espacio, el vacío.

● El lenguaje escultórico es expresionista, a través de sus obras transmiten angustia,

inquietud, rechazo, desesperación ante los momentos históricos que les toca vivir.

● Las innovaciones plásticas están basadas en la masa y su deformación, en el

volumen (abierto/cerrado).

● Representan el movimiento unido a la energía. Esculturas-máquinas o cinéticas

(Calder- móviles)

● Están en permanente experimentación con materiales nuevos como hierro, plásticos,

plexiglás (metacrilato), sintéticos, resinas, etc.

● Los artistas están en continua evolución. Pasan de un movimiento a otro. Ejemplo:

González del Cubismo al Surrealismo/ Calder del Surrealismo a la Abstracción
Cinética/etc.)

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OSSIP ZADKINE (Escultura cubista)

Ossip Zadkine fue un escultor ruso nacido el 9 de febrero de 1888 en Vitebsk, Bielorrusia.
De niño, Ossip prefería moldear arcilla que ir al colegio, cosa que a su padre no le gustaba
nada, ya que era profesor. En 1905, el padre de Ossip lo envió a Sunderland para que
aprendiera inglés y buena conducta, se quedó con la familia de su madre y asistió a la
escuela de arte de la ciudad. Allí, John Lestec, primo de la madre de Ossip, le introdujo en
la escultura ornamental.

En 1906, Ossip Zadkine se trasladó a Londres y se matriculó en el Regent Street

Polytechnic mientras trabajaba como tallador de adornos de madera. Regresó a Rusia dos
años después y realizó sus primeras esculturas. En 1909, Ossip viajó a París y estudió
brevemente en la Escuela de Bellas Artes. Comenzó a crear obras de arte de estilo cubista
tras su asociación con los artistas franceses de vanguardia. En 1917, había desarrollado un
enfoque personalizado para esculpir figuras humanas.

Ossip Zadkine ganó popularidad exponiendo sus obras en prestigiosas sociedades, como el
Salon d’Automne, la Allied Artists Association y el Salon des Indépendants. Se trasladó a
Estados Unidos en 1939, durante la Segunda Guerra Mundial, y dió clases en la Arts
Students League de Nueva York. Ossip regresó a Francia en 1945 y siguió exponiendo. Fue
ganador del Gran Premio de Escultura de la Bienal de Venecia. Ossip murió el 25 de
noviembre de 1967 tras ser operado en París.

Ossip Zadkine recibió la influencia de artistas cubistas de vanguardia como Pablo Picasso y
Auguste Rodin. La combinación de emociones y formas geométricas de Ossip se remonta al
estilo expresivo de las obras de Rodin.

Era conocido por sus esculturas en bronce de figuras humanas, eran alargadas y
expresivas, mostrando el deseo del artista de transmitir un mensaje a través de sus obras.
Combinó planos, líneas y cóncavas en una forma unificada para crear figuras de inspiración
cubista.
(https://www.artlex.com/es/artistas/ossip-zadkine/)

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 The return of the prodigal son (1964)
(https://www.dreamstime.com/ossip-zadkine-return-prodigal-son-cast-national-gallery-ottawa
-image213456314)

UMBERTO BOCCIONI (futurismo)

Pintor y escultor italiano que nació en Reggio de Calabria en 1882.

Umberto Boccioni fue uno de los primeros artistas de vanguardia y el máximo exponente del
futurismo italiano, movimiento que defendía que «el artista moderno debe liberarse de los
modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para centrarse únicamente en el mundo
contemporáneo, dinámico y en continua evolución».

Se inició en el divisionismo de la mano de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo

en París, Rusia, Padua y Venecia, se instaló definitivamente en Milán y se interesó por todo
lo referente a la sociedad industrial moderna.

El dinamismo era una de las principales herramientas que usaba al hacer sus obras,
dándole extremo movimiento.
Otro concepto que quiso resaltar fue el de simultaneidad, algo que compartiría con las
novedosas teorías cubistas.

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El antiacademicismo fue otra de las señas particulares de Boccioni, pues él aseguraba que
era un ́ ́cementerio de arte``, esto conlleva situaciones violentas, llegando incluso a
situaciones violentas. Este radicalismo permitiría que el futurismo acabara por acercarse al
recién llegado fascismo. Dos corrientes absolutamente novedosas, fascinantes, juveniles y
enérgicas que quizás muchos miembros no adivinaron la repugnantes formas que adoptaría
en el futuro.

Entre sus obras cabe destacar La ciudad que surge (1910) y La calle ante la casa (1911),
pinturas que, aun siendo formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la ciudad,
que para los futuristas simbolizaba la modernidad, el movimiento y la velocidad.

En cuanto a su actividad escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue pionero

en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el cemento o el hierro, así como en el
aprovechamiento de la luz eléctrica.

Pero donde más se percibe la singular personalidad del trabajo de Boccioni es en el campo
de la escultura. A pesar de la escasísima obra que dejó, al morir prematuramente en la
guerra, su valor innovador, apoyado por sus escritos teóricos, le coloca entre los grandes
padres de la escultura contemporánea.

Falleció en Sorte (Verona) el 16 de agosto de 1916, durante la Primera Guerra Mundial (se
había alistado como voluntario), a causa de una caída de caballo.

https://historia-arte.com/artistas/umberto-boccioni

La calle ante la casa (1911)

https://www.reprodart.com/a/umberto-boccioni/la-calle-entra-en-la-casa.html

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CONTASTIN BRANCUSI (del expresionismo a la abstracción.)

De origen rumano, parisino de adopción y nacionalizado francés al final de su vida,

La obra completa de Brancusi, repleta de estas confluencias, sorprende por su aparente
simplicidad, y es ahí donde reside el misterio, el genio y la modernidad de este artista
artesano.

Brancusi dice no estar satisfecho con las reproducciones fotográficas de sus obras, por lo
que decide ser él mismo quien tome sus propias fotografías. En los años veinte, Man Ray lo
ayuda a instalar una cámara fotográfica en su taller y a perfeccionar sus métodos de
revelado, iniciándolo también en la técnica de la filmación. Cámara en mano, Brancusi
siempre ha jugado con las luces y sombras que emergen al impactar la luz en las
superficies de sus
obras.

Moviéndose alrededor de las esculturas, graba todos sus ángulos, para inmortalizar los
“grupos móviles”, esas efímeras configuraciones de esculturas y pedestales en el taller. De
cada negativo, Brancusi realiza al menos dos revelados –a veces hasta una veintena–, con
diferentes tamaños o encuadres. Muchas de sus fotografías en realidad son fotogramas que
obtiene a partir de la película expuesta.

Del mismo modo que las esculturas y el taller son los principales temas fotográficos y
fílmicos de Brancusi, también hace de modelo para sus obras muy a menudo. Se fotografía
mientras trabaja, con su mono blanco, dentro y fuera del taller, despeinado, recubierto de
yeso o de polvo

La madera es el material favorito de Brancusi. Sus esculturas, sus pedestales, pero también
los muebles domésticos que él mismo construye para el taller, recuerdan algunos motivos
del arte tradicional rumano, y dejan entrever el interés de Brancusi por el arte fuera de los
cánones occidentales, especialmente el africano.

A menudo, sus creaciones llevan la marca de las herramientas con las que se han hecho;
las formas son brutas e imponentes, y en algunas se pueden apreciar figuras
antropomorfas. A Brancusi también le gusta trabajar con yeso, mármol o bronce. Estos
materiales responden particularmente a la tendencia abstracta y geometrizante de su obra a
partir de 1916-17.

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Brancusi destaca en su habilidad para poner fotografía y película al servicio de los
materiales pulidos hasta el extremo, donde el modelaje a veces llega a desparecer casi por
completo. A menudo, trabaja con encuadres muy cerrados, forzando así a los ojos a
acercarse al máximo a las esculturas, mientras que en otras tomas los juegos de sombras y
los fantásticos reflejos luminosos parecen emanar de los propios objetos.

https://www.descubrirelarte.es/2018/06/13/brancusi-artista-artesano-obrero.html

DanaÏde (1913)
https://www.artlex.com/es/artistas/ossip-zadkine/

ALBERTO GIACOMETTI

Escultor y pintor suizo. Nació en un ambiente artístico, ya que su padre, Giovanni, era un
pintor impresionista. Se inició en el dibujo y la plástica en la Escuela de Artes y Oficios de
Ginebra, antes de trasladarse a París para seguir los cursos de escultura de Antoine
Bourdelle en la Academia de Grand Chaumière.

En la capital francesa entró en contacto con el cubismo de Picasso y Braque, y más tarde
con el grupo surrealista de André Breton, del que formó parte de 1930 a 1935.
El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyó el preludio de la llegada
de Alberto Giacometti a su estilo más singular y característico, que se desarrolló a partir de
comienzos de la década de 1940. Surgieron entonces sus figuras humanas alargadas y de
apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural,
que pueden aparecer solas o en grupo.

Son estas obras las que hicieron de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo
XX, también en el campo de la pintura, con cuadros que representan figuras rígidas y
frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. En estas creaciones que representan la
soledad y el aislamiento del hombre se ha querido ver un trasunto de la filosofía
existencialista.

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En un período de soledad, destruye varias obras y decide volver a un trabajo que sea “un
duplicado de la realidad“ ; el artista quiere dar constancia del mundo exterior, del rostro y del
conjunto del ser humano (numerosos bustos de su hermano). Las obras pintadas son
depuradas, sin artificio, y poco coloreadas. Entra en una fase en la cual sus esculturas son
cada vez más pequeñas.ç

Giacometti huye de la guerra instalándose en Ginebra. De vuelta a Paris, en 1945, trabaja

sin descanso, (esculturas, dibujos, grabados,…) poniendo una mirada diferente sobre su
trabajo ; emprende una serie de estatuas de bronce o de yeso pintado, efigies de hombres y
mujeres, desnudas, alargadas, estiradas, ahuecadas.
Estas efigies expresan una desesperanza existencial : esqueletos filiformes, esqueletos en
movimiento. Más tarde crea también esculturas de animales según los mismos cánones de
reducción de la silueta. Paralelamente, pinta retratos al natural, definiendo el espacio
mediante unas redes de líneas por las cuales intenta restituir la intensidad de la presencia y
de la mirada. Giacometti se empeña en explorar sus hallazgos en su obra gráfica.

En 1966 recibe el Gran Premio de la escultura en la Bienal de Venecia y, en 1969, se

organiza en Paris, en el museo de la Orangerie, la primera y mayor retrospectiva de su
obra.

En 1966 Alberto Giacometti muere de cáncer en Coire (Suiza).

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/g/giacometti.htm

El hombre que señala (1947)

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MARCEL DUCHAMP

Nació en Francia en 1887 y fue considerado el artista más influyente del siglo XX. Se
adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría de arte y cambió
radicalmente la idea de la belleza. En realidad era un gamberro, un punk que convirtió una
broma en el dogma que hoy sigue la aborregada comunidad artística internacional.

Impresionista a los 16 años, fauvista a los 19 y cubista a los 24, al final este iconoclasta
encontró su voz como forajido, un terrorista que acabaría encontrando en el dadaísmo su
libertad y la forma de reírse de todo y de todos, incluido él mismo. Este movimiento,
condenado a su autodestrucción, trataría por todos los medios (sobre todo con ironía,
absurdo y mala hostia) acabar con el arte narcotizado de las instituciones.

Duchamp se olió que la pintura estaba muerta, pudriéndose en los museos/mausoleos, y

descubrió la belleza en lo coyuntural, lo fugaz y lo superficial

Duchamp crea los ready mades, objetos cotidianos separados de su entorno habitual y
presentados por el artista como obras de arte. A partir de entonces el arte ya no se veía con
los ojos, sino con la mente. Resultó que la belleza podía estar en otros sitios… También
creó otras formas de arte hoy institucionalizadas: instalaciones, museos portátiles,
performances, happenings…

Fountain (1917)

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HANS JEAN ARP

Nació en Estrasburgo en 1887, estudió en la Academia de Bellas Artes de Weimar

(1904-1906). Hace parte de los fundadores del grupo ‘’Der Moderne Bund’’ en 1911. En
1912 colabora en el Almanaque del Blaue Reiter y expone con este grupo. Arp ejecuta
entonces collages abstractos.

En 1914 se refugió en Francia, después en Suiza, logrando ser exentado del servicio militar
en el ejército alemán. Encuentra a la pintora Sophie Taeuber en 1915 con quien se casará
en 1922. Con ella realiza ‘’duo-collages’’ abstractos con papeles recortados con una
trituradora. El año siguiente es cofundador del grupo ´´Dada`` de Zurich ; más tarde
participará al movimiento ´´Dada`` de Berlín y Colonia.

En 1916 introduce lo aleatorio en sus collages, conservando las posiciones que toman los
papeles al caer en la hoja. En aquella época Arp crea relieves con ensamblajes de tablas de
madera pintadas con colores vivos (1916-1917). En 1920 imagina un alfabeto para sus
relieves en los cuales los signos evocan forman reales. Inventa y pinta decorados para
ballets.

Arp se instala en Paris en 1925 y se une al movimiento surrealista. Realiza sus primeras
esculturas. Obtiene la nacionalidad francesa en 1926 y realiza su primera exposición
personal el año siguiente. En 1928 Arp practica la escritura automática y los ‘’cadáveres
exquisitos’’ con los surrealistas. Participa a ‘’Círculo y Cuadrado’’ (1929) , a
Abstracción-Creación (1923), a Allianz (1937 ). Hacia 1930 introduce una variante en sus
collages con los “papeles desgarrados’’.

Cuando la Declaración de Guerra, Arp afrancesa su nombre en Jean. Entre 1942 y 1945
Arp se refugia en Suiza donde Sophie Taeuber-Arp fallece de manera trágica. A lo largo de
su vida Arp se dedicó a la poesía paralelamente a su obra plástica. También realizó una
obra monumental. Jean Arp murió en Basilea (Suiza) en 1966.

Concreción humana (1935)

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NAUM GABO

Escultor ruso, fundador del movimiento constructivista, que se caracterizó por la realización
de esculturas a partir de materiales industriales.

Las primeras obras que Naum Gabo realizó entre 1915 y 1917 son cabezas y torsos
"constructivos", deudores de la descomposición de volúmenes en planos del cubismo
analítico de Picasso y Braque.

Naum Gabo pronto prescindiría de toda referencia figurativa para indagar en la introducción
de factores hasta entonces inéditos en la escultura, como el movimiento (Construcción
cinética, 1920, Tate Gallery, Londres) o la transparencia (Construcción en el espacio
equilibrada entre dos puntos, 1925, Colección familia Pevsner), ligados a la experimentación
de los nuevos materiales industriales (acero, plexiglás, vidrio).

Con el tiempo su escultura evolucionó hacia los grandes formatos y adoptó escalas
relacionables con las dimensiones de las obras arquitectónicas.

Naum Gabo comenzó a pintar y dibujar en 1907; en 1910, tras una breve estancia en Berlín,
se instaló en Munich, donde se matriculó en la Facultad de Medicina y posteriormente en la
de Ciencias Naturales e Ingeniería; asistió además a los cursos de historia del arte de
Heinrich Wölfflin y conoció la obra de Wilhelm Worringer.

En 1920 realizó sus primeras construcciones cinéticas y redactó, con Antoine Pevsner, el
Manifiesto Realista. En 1922 se le permitió abandonar Rusia y se instaló en Berlín, donde
participó en la Primera Exposición de Arte Ruso, organizada por el gobierno soviético en la
galería Van Diemen. En los dos años siguientes mantuvo contactos con la Bauhaus de
Weimar, que le invitó a pronunciar conferencias y a colaborar en la revista.

En 1924 tuvo lugar en la galería Percier de París la exposición Constructivistas Rusos:

Gabo y Pevsner. Pinturas y Construcciones. Al año siguiente formó parte del comité director
del Grupo de Noviembre. Instalado en París desde 1932, se unió al grupo
Abstracción-Creación, del que también formaban parte Piet Mondrian y el escultor antes
nombrado Jean Arp.

En 1939 se trasladó a Londres y participó en la exposición Abstract Art of Gabo, Pevsner,

Mondrian and Domela en el Wadsworth Atheneum en Hartford (Estados Unidos), y en la
muestra Cubism and Abstract Art, organizada por el Museo de Arte Moderno de Nueva
York; en 1939 su obra estuvo presente en Réalités Nouvelles en París. En 1946 abandonó
Londres; desde entonces vivió en los Estados Unidos, hasta su fallecimiento en Waterbury
en 1977.

La obra de Naum Gabo se caracteriza por una constante investigación espacial llevada a
cabo de forma científica; se interesa por los nuevos materiales industriales, en especial los

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transparentes, que le permiten construir superficies regladas y desarrollables, elementos
que materializan ecuaciones matemáticas tridimensionales y exploran el espacio entendido
en su sentido metafísico.

http://masdearte.com/artistas/gabo-naum/

Cabeza nº 2 (1916)
https://www.epdlp.com/cuadro.php?id=286

HENRY MOORE

Henry Moore es aclamado como el más importante escultor británico del siglo XX. Su obra,
centrada en la figura humana, en especial en la mujer, está compuesta de unas esculturas y
una gran cantidad de dibujos, en los que enlazaba su amplio conocimiento del arte del
pasado con las nuevas tendencias del siglo que le tocó vivir.

Siguiendo el deseo de su padre y contra el suyo propio de ser escultor, Moore trabajó como
maestro, y sólo en 1919, tras regresar herido de Francia, donde fue movilizado durante la
Primera Guerra Mundial, comenzó sus estudios en la Leeds School of Art. Desde 1921
estudió en el Royal College of Art de Londres, lo que le posibilitó visitar regularmente el
British Museum.

Además de las esculturas griegas, Moore se sintió fascinado por las expresiones artísticas
no occidentales, como el arte africano, de Oceanía y, en especial, el precolombino. Durante

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la década de 1920 viajó a Francia y a Italia, y allí admiró la obra de Cézanne, Picasso, Hans
Arp y Modigliani, pero también la de maestros del Renacimiento como Giotto y Massaccio Y
en 1933 Moore entró a formar parte del grupo Unit One, que integraba a pintores, escultores
y arquitectos vanguardistas.

En 1940 el estudio de Moore fue dañado por las bombas, y poco después el Gobierno le
encomendó la tarea de plasmar sobre papel a los londinenses que se refugiaban en las
estaciones de metro. Para realizar estos dibujos, Moore volvió a un estilo más naturalista, a
pesar de que tampoco en sus aproximaciones a la abstracción abandonó por completo la
figuración.

En 1946, coincidiendo con una gran retrospectiva de su obra en el Museum of Modern Art
de Nueva York, nació Mary, su única hija. Durante esta etapa sus dibujos y estudios
reflejaron la vida doméstica familiar. La mujer sola o acompañada por un niño, tema que ya
había aparecido con frecuencia en su obra anterior, se convirtió en el gran protagonista a
partir de entonces. Dos años después, en 1948, la Biennale de Venecia le concedió el
Premio Internacional de Escultura, que consolidó su reputación internacional. A partir de
entonces, recibió encargos para realizar obras públicas, lo que le permitió que el tamaño de
sus esculturas aumentase.

Murió el 31 de Agosto de 1986 en Perry Green, Reino Unido

https://historia-arte.com/artistas/henry-moore

Figura reclinada (1956-1958)

https://historia-arte.com/obras/figura-reclinada

ALEXANDER CALDER

Escultor estadounidense. Nació en el seno de una familia de artistas, pero no se sintió

inclinado inicialmente hacia el arte y cursó estudios de ingeniería mecánica, que más
adelante le fueron de gran utilidad. Hasta 1923 no se matriculó en una escuela de arte, en la
que comenzó haciendo esbozos rápidos de viandantes.

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Influido por artistas abstractos como Piet Mondrian, Jean Arp y Joan Miró, en 1931 ingresó
en la asociación Abstraction-Creation, y el mismo año creó una obra a la que Marcel
Duchamp bautizó como móvil. Precisamente son los móviles las creaciones que elevaron a
Calder a las más altas cimas de la escultura moderna. Con ellos se propuso crear obras
abstractas dotadas de movimiento, que reflejaran, gracias a su dinamismo, los efectos
cambiantes de la luz.

Realizó móviles de muy distintos tamaños, algunos gigantescos, en los que se sirvió de
piezas coloreadas de latón de formas abstractas, unidas por alambres o por cuerdas;
suspendidos por lo general del techo, a consecuencia de su poco peso eran fácilmente
movidos por el aire.

Con estas obras, fue el primero en incorporar el movimiento a la obra de arte y se convirtió
en el precursor del arte cinético. Destacan particularmente Steel Fish y Red Petals. El gran
éxito de los móviles explica que el creador recibiera encargos de los más diversos países y
que sus obras embellezcan algunas de las principales ciudades del mundo.

También realizó stabiles, esculturas no móviles, grandes y de color oscuro, que a menudo
reproducen monstruos o animales extraños. Refiriéndose a sus móviles, Alexander Calder
dijo en alguna ocasión que con ellos había pretendido dar vida y movimiento a las obras de
Piet Mondrian, que tuvo ocasión de contemplar en directo y le causaron un profundo
impacto.

murió el 11 de Noviembre de 1976 en Nueva York, EEUU

https://historia-arte.com/artistas/alexander-calder

Devil fish (1937)

http://alexcalderbio.blogspot.com/2011/11/devil-fish.html

AUGUSTE RODIN

Escultor francés. Fue alumno de Jean-Baptiste Carpeaux en la Escuela de Artes

Decorativas y de Antoine-Louis Barye en el Museo de Historia Natural, dos escultores a los
que admiró y en quienes se inspiró en cierta medida. Por sus modestos orígenes, se vio

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obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración, compaginando el trabajo
profesional con su dedicación a la escultura.

Su primera obra, El hombre de la nariz rota, tuvo muy malas críticas en el Salón de 1864,
hasta el punto de ser rechazada por considerarse inacabada e incompleta. Rodin
incorporaba en esta escultura el modelado espontáneo y expresivo que habría de
caracterizar toda su obra posterior. Tras unos años al servicio del empresario Albert
Carrier-Belleuse, para quien trabajó en la decoración de la fachada de la Bolsa de Bruselas,
en 1875 emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel.

Rodin seguía sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en
el Salón su San Juan Bautista predicando. Poco antes, en 1880, recibió el gran encargo de
su vida: las puertas monumentales del futuro Museo de Artes Decorativas de París. El portal
estaba inspirado en temas dantescos, de ahí que el propio Rodin le diera el nombre de
Puerta del Infierno, en la que trabajó desde 1880 hasta su muerte en 1917. Rodin se inspiró
en la Divina Comedia de Dante y en la Puerta del Paraíso de Lorenzo Ghiberti, por el que el
escultor sentía una gran admiración.

Cuando todavía trabajaba en los modelos de las puertas, Rodin aceptó el encargo de
levantar el monumento de Los burgueses de Calais (1884-1888), una obra de dramatismo
contenido. A pesar de recibir, tras la exposición de 1889, el apoyo de la crítica de
vanguardia y de que su fama era ya notable a fines de siglo, vivió siempre envuelto en
grandes polémicas en torno a su obra.

Fueron éstos sus años de máxima creatividad, con obras que han llevado a considerarlo el
principal escultor impresionista, junto con el italiano Medardo Rosso, por sus estudios
texturales y lumínicos.
Con posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal, pero se centró en los
retratos y en la realización de monumentos públicos, tales como los dedicados a Victor
Hugo y a Honoré de Balzac, no siempre exentos de polémicas.

Es el caso de Balzac (1891-1898), obra que le encargó Émile Zola, presidente de la

Sociedad de Hombres de Letras, cuyos miembros consideraron después que estaba
inacabada; de hecho, el retrato de Rodin fue rechazado y se pasó el encargo a Falguière.
Rodin representó a un Balzac replegado en sí mismo, erguido y orgulloso. La cabeza altiva,
inclinada hacia atrás, destaca sobre la túnica intemporal (el hábito de monje que solía
utilizar en sus sesiones nocturnas de trabajo), que otorga un aire espectral a la figura.

murió el 17 de Noviembre de 1917

https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/122/Auguste%20Rodin

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 El hombre de la nariz rota (1864)

http://esculturayarte.com/027395/El-Hombre-con-la-Nariz-Rota-en-Museo-Rodin.html#.Y_P8
33bMK3A

EDGAR DEGAS
Pintor impresionista francés. A pesar de que inició sus estudios de derecho, Edgar Degas
se dedicó bien pronto a la pintura gracias a la desahogada economía familiar y al
beneplácito de su padre, cuya cultura y sensibilidad ante lo artístico resultó fundamental en
su etapa de formación.

En 1853 ingresó en el taller del pintor Félix-Joseph Barrias y en 1854 recibió las
enseñanzas de Louis Lamothe, seguidor de Ingres. Sin embargo, su privilegiada condición
social, que determinará toda su vida y una buena parte de su obra, le permitió conocer las
colecciones particulares de pintura de la clase alta parisiense y formarse en la tradición
clásica como autodidacta a través de múltiples viajes. En casa de su tío el barón Bellelli, en
Florencia, Degas tuvo acceso a copias y originales de Rafael Sanzio, Andrea Mantegna,
Piero Pollaiuolo, Domenico Ghirlandaio y Sandro Botticelli.

Por los testimonios de la época se sabe que Degas era un hombre tímido, sensible, algo
retraído, con una gran vida interior que a veces le dificultaba la relación con sus semejantes,
tal como puede observarse en la serie de autorretratos que realizó entre 1854 y 1858,
donde se aprecia la influencia de Jean Auguste Dominique Ingres. En la década de los
sesenta, la posibilidad de entender la pintura como un ejercicio artístico, ajeno a las
alegorías y al trasfondo moralista de los grandes cuadros de historia, era todavía incierta y
dudosa.

De regreso a París, tras una estancia en la villa Médicis de Roma, Degas descubrió el
fascinante mundo escénico que tanto exaltó en su pintura. Aunque de connotaciones

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alegóricas, el retrato de Mademoiselle Fiocre en el ballet La Source (1868, Brooklyn
Museum, Nueva York), expuesto en el Salón de 1868, representa su aparición en el
panorama artístico parisiense.

Las relaciones de Degas con el movimiento impresionista fueron bastante complejas. A

pesar de que participó en siete de las ocho exposiciones del grupo y mantuvo diferentes
contactos con todos los pintores que lo constituían, se negó sistemáticamente a practicar la
pintura al aire libre y su obra posee indudables resonancias realistas e incluso clásicas.

Tras la guerra franco-prusiana, en la que participó alistándose en la Guardia Nacional,

Degas regresó a París y frecuentó el ballet de la Ópera de la calle Peletier, iniciando sus
primeras y míticas series de bailarinas hacia 1872. Dos años después, cuando participó en
la primera muestra impresionista, su pintura fue una de las menos criticadas debido al
perfecto dominio del dibujo, entendido éste sólo como un análisis de la realidad.
A partir de los años ochenta, Degas realizó numerosas variaciones sobre el tema de las
bailarinas; sin embargo, la idea de la mujer estuvo muy vinculada a su vida artística y
privada. Degas perdió a su madre cuando contaba apenas trece años. No se casó nunca y
no se le conoció ninguna relación amorosa

murió el 27 de Septiembre de 1917 en París, Francia

https://historia-arte.com/artistas/edgar-degas

La orquesta (1868-1869)

https://historia-arte.com/obras/la-orquesta-de-la-opera-de-degas

MI OPINIÓN
Mi opinión acerca de estos artistas es que todos han conseguido llegar lejos por su
constancia a pesar de haber tenido dificultades a lo largo de su vida, todos y cada uno de
ellos se han ganado el reconocimiento que tienen hoy en día.

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