En la actualidad, no hay que hacer voto de pobreza para conseguir

ser un artista de éxito y ganar el reconocimiento del gran público.

Un buen ejemplo de ello es Takashi Murakami, uno de los artistas
japoneses de mayor proyección en el panorama artístico
internacional. De sus orígenes reconoce: «Yo quería tener éxito
comercial. Solo quería ganarme la vida en el mundo del
"entretenimiento" y tenía muy clara la estrategia sobre qué tipo de
pinturas debía hacer a tal fin, pero desde entonces mi motivación
ha cambiado».Nació en Tokio en 1962 y, en 1983, obtuvo el
doctorado en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de
Tokio, y se formó en nihonga, pinturas realizadas de acuerdo con
las convenciones artísticas tradicionales japonesas tanto en
técnicas como en temas y materiales. Incorpora en su obra
elementos de la cultura japonesa de distintos periodos. Por un
lado, la tradicional iconografía budista, pinturas del siglo XII, pintura
zen y técnicas de composición del periodo Edo del siglo XVIII, de
donde toma el uso de imágenes fantásticas y poco habituales.
Murakami comienza a abrirse paso en la década de 1990, tras la
crisis económica que sufrió Japón a finales de los ochenta, de la
mano de la generación Neo-pop japonesa. Su trabajo se ha
expuesto en prestigiosos museos de todo el mundo, como
el Museo Metropolitano de Arte de Tokio, el Museo de Bellas
Artes de Boston, el Museo de Bard College of Art o el Palacio de
Versalles. En el año 2000, Murakami organizó una exposición de
arte japonés titulada Superflat, uniendo la cultura pop japonesa
contemporánea con el arte histórico japonés, que dio paso a un
movimiento hacia el entretenimiento de producción masiva. Esto
dio origen a la corriente cultural posmoderna del mismo nombre,
que hace referencia a su estilo plano y a la ausencia de un centro
en sus composiciones.
Quién fue Lygia Clark?
Lygia Clark (Belo Horizonte, 23 de octubre de 1920 - Río de Janeiro, 26 de abril de 1988) fue una
artista brasileña, co-fundadora del Movimiento Neoconcreto, comprometida con redefinir la relación
entre el arte y el ser humano a nivel conceptual y sensorial.

Realizó pinturas, esculturas, instalaciones y acciones sensoriales vinculadas al arte y a

la psicoterapia. La presente exposición se centra en la evolución de Clark mediante tres secciones
estructuradas históricamente: “Los primeros años, 1948−1952”, “Abstracción geométrica, 1953−1956” y
“Variación de la forma: La modulación del espacio, 1957−1958.” Cada bloque presenta las ideas más
significativas de Clark y refleja de manera concienzuda su desarrollo artístico a través de una selección de
obras.

Henry Spencer Moore (Castleford, Inglaterra, 30 de julio de 1898-Much Hadham,

Inglaterra, 31 de agosto de 1986), más conocido como Henry Moore, fue
un escultor británico conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que
pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte público.

Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo,
[2] pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas
moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando
la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.[3]
Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana, [4] como
una madre con su hijo o figuras reclinadas.[2] La mayoría de sus esculturas
representan el cuerpo femenino[5] a excepción de las realizadas durante los años
1950, cuando esculpió grupos familiares.
Cuál es la escultura más famosa de Henry Moore?

La estatua de bronce Family Group (1950), localizada en la entrada de The Barclay School en
Stevenage (Hertfordshire), fue la primera comisión de gran escala de Moore después de la Segunda
Guerra Mundial.

Quién es Feliza Bursztyn?

Feliza Bursztyn (Bogotá, 8 de septiembre de 1933 - París, Francia, 8 de enero de 1982) fue una artista y
escultora colombiana. ... Además fue parte de la primera generación de artistas colombianos en pensar la
relación entre el objeto escultórico y el espacio de exhibición, práctica conocida como instalación.

En los años 1960 desarrolló una gran cantidad de obras con ese material, pasando
de trabajos sencillos como conglomerados de ruedas, aros, tuercas y láminas, poco
soldados en torno a un eje vertical, a productos mucho más complejos.
En 1965 con la obra hecha de chatarra Mirando al norte obtuvo el primer premio de
Escultura en el XVII Salón Nacional. En 1968 realizó una exposición con
esculturas cinéticas. En 1971 realizó Homenaje a Gandhi, que se encuentra en la
carrera Séptima con calle Cien, en Bogotá. En este periodo desarrolló asimismo el
proyecto Las camas.
En la segunda parte de los años 1970 realizó otros dos trabajos públicos, la
escultura Andrómeda y el mural La última cena, compuesto por 276 paneles
instalados a diferentes niveles, cada uno con un sinnúmero de cubiertos aplanados
y pegados con soldadura de punto, que se encuentra en el Centro Hotelero
del SENA en Bogotá. A principios de los años 1980 realizó varias esculturas, que se
presentaron póstumamente.

Pierre de Meuron (8 de mayo de 1950) es un arquitecto suizo nacido en Basilea. Trabaja

conjuntamente con Jacques Herzog. Ambos estudiaron en la misma escuela de
arquitectura y en el año 1978 establecieron la firma Herzog & de Meuron. Se caracterizan
por el uso de soluciones imaginativas ante los problemas arquitectónicos, a la vez que
combinan la artesanía con las nuevas tecnologías. Destaca también en todos sus edificios
un gran aprovechamiento de la luz natural.

Su obra más conocida es la Tate Modern de Londres terminada en el año 2000,

donde transformaron una antigua central eléctrica en una moderna galería de arte.
Ese mismo año fueron galardonados con el Premio Pritzker, equivalente al Premio
Nobel de Arquitectura. En su obra encontramos numerosos edificios residenciales
así como también algunas galerías de arte, como la ya dicha anteriormente. Uno de
sus edificios más significativos es el Edificio Fórum en Barcelona, emblema del Fórum
Universal de las Culturas del 2004. El edificio en cuestión es un prisma de base triangular y
color azul añil que dispone de un gran auditorio subterráneo y de una amplia sala de
exposiciones.
Zaha Hadid (en árabe: ‫( )زها حديد‬Bagdad, 31 de octubre de 1950-Miami Beach, 31 de
marzo de 2016)[1] fue una arquitecta anglo-iraquí, procedente de la corriente
del deconstructivismo. Pasó la mayor parte de su vida en Londres, donde realizó sus
estudios de arquitectura.

Qué tipo de arquitectura de Zaha Hadid?

Zaha Hadid fue una arquitecta iraquí-británica y fue la primera mujer en recibir el Premio de
Arquitectura Pritzker. Su estilo era una arquitectura intensamente futurista caracterizada por fachadas
curvas, ángulos agudos y el uso de materiales como el hormigón y el acero.

Cómo construye Zaha Hadid?

Esta construcción experimental, pensada como homenaje al arquitecto e ingeniero mexicano Félix
Candela, fue fabricada con hormigón ultra delgado, vertido en un moldaje compuesto de telas y cables,
denominado “KnitCrete”. Así, es posible construir superficies de hormigón complejas sin necesidad de
moldes especiales.