CUBISMO

El cubismo fue un movimiento de vanguardia de principios del siglo XX caracterizado

por el uso de figuras principalmente geométricas como rectángulos, triángulos y
especialmente el cubo del que deriva su nombre. Su objetivo era romper con las ideas
naturalistas y capturar simultáneamente varios planos en la pantalla.

Marco Temporal y Geográfico

El cubismo nace en París gracias al famoso pintor español Pablo Picasso. Su

expansión fue gracias a la colaboración de sus colegas: Juan Gris, Georges Braque y
Fernand Léger. Se toma como fecha de inicio el año 1907 con el cuadro de
Picasso Demoiselles d’Avignon (Las señoritas de Aviñón).

Etapas del cubismo

El movimiento cubista estuvo marcado por tres etapas: escénico, analítico y sintético.

Cubismo Escénico (1907-1909): También conocido como "Cubismo Preanalítico", se

considera la fase inicial del arte basado principalmente en las obras de Cézanne,
fuertemente influenciado por el arte africano debido al uso de formas simplificadas.

Cubismo Analítico (1909-1912): Se consideraba "cubismo puro" y de difícil

interpretación porque la figura se descomponía utilizando diferentes formas
geométricas. Las obras discurre por una paleta monocromática en la que predominan
los verdes, marrones y grises. Los colores no son tan relevantes en este momento,
porque las diferentes perspectivas y la geometría son importantes, no la aberración
cromática. Desarrollan un "nuevo lenguaje" que analiza la realidad y la divide en varios
elementos geométricos.

Las opiniones proliferaron y finalmente abandonaron la unidad de los puntos de vista

del Renacimiento. Los "pasos", definidos como pequeños cortes en el contorno, se
introducen en la pintura. Una gran cantidad se descompone en cantidades más
pequeñas. Las obras de esta fase cubista incluyen Retrato de Kahnweiler (1910,
Instituto de Arte de Chicago).

Cubismo Sintético (1912-1914): La característica principal de esta fase es la

introducción de técnicas de pegado para reconstruir imágenes descompuestas.
A diferencia del cubismo analítico, las imágenes en esta etapa comenzaron a retener lo
que eran, pero de manera simplificada, mostrando solo lo esencial para su
identificación.

Los colores son más ricos que antes, como los rojos y azules de Botella de Suze (1913,
Saint Louis, Misuri, Universidad Washington). Estas composiciones son más sencillas y
fáciles de entender porque son más específicas y queda claro lo que intentan expresar.
Los objetos ya no se reducen a volúmenes y planos expuestos a diferentes
perspectivas hasta volverse irreconocibles, sino a sus propiedades esenciales,
reducidas a lo que los define claramente, sin lo cual no serían lo que son. Por eso,
aunque se reduce a lo esencial, siempre queda claro cuáles son.

Características Visuales

El cubismo representa la realidad, utilizando principalmente elementos geométricos, los

resultados del análisis y la síntesis. Los objetos no se representan como "son" o "ven",
sino como la mente los percibe, deconstruyéndolos en formas geométricas básicas,
prestando atención al lenguaje plástico, la observación y la analítica.

Rompiendo las leyes de la naturaleza en el arte:

A diferencia de sus movimientos predecesores, el cubismo se distanció abiertamente
de la representación naturalista, es decir, del principio de imitación de la naturaleza
como fin último del arte. Esto lo convierte en el primer movimiento de vanguardia real.
El cubismo fue un paso más allá y distaba incluso de la idea de representar la
naturaleza en términos de estados visuales o emocionales de "percepción", es decir,
efecto o sentimiento. Es así como deconstruye la plástica con medios analíticos y logra
crear su propia realidad en la pintura, al margen de referencias e intentos de llegar a la
verdad.

Suprimir la perspectiva y el claroscuro:

Sin interés en imitar la naturaleza o las formas ópticas de percepción, el cubismo no
estaba interesado en el claroscuro y la perspectiva, elementos plásticos que sirven al
principio del realismo.

Planos superpuestos:
El cubismo combina diferentes planos en uno solo. La composición se vuelve completa:
compone gráficos hasta la más mínima expresión geométrica, también crea diferentes
perspectivas de objetos en un mismo plano.

Una combinación de técnicas no pictóricas:

Además de usar pintura al óleo y otras técnicas comunes, los cubistas fueron los
primeros en incorporar técnicas no pictóricas con la introducción del collage, el uso de
diferentes materiales adheridos a la superficie del lienzo.

Forma sobre sustancia:

El análisis visual y los propios elementos plásticos tienen una gran importancia en el
cubismo. Por ello, no se sienten obligados a representar temas trascendentales, sino
que la cotidianidad se convierte en fuente de inspiración para el desarrollo del
concepto.

Preferencia por la naturaleza muerta y la figura humana:

De lo anterior se puede inferir un interés por temas como el bodegón o la naturaleza
muerta. Son comunes los instrumentos musicales, las frutas y los objetos domésticos, y
las figuras humanas son despojadas de todo valor referencial (mitológico, religioso,
histórico o filosófico).

Artistas Representantes

Pablo Picasso (Málaga, 1881 - Mougins, 1973) : Se le atribuye la creación del

cubismo a partir del lienzo Las señoritas de Avignon de 1907. En su edad madura fue
aproximándose una vez más al figurativismo. Una de sus obras más célebre es el
cuadro Guernica, inspirado en la guerra civil española.

Georges Braque (Argenteuil-sur-Seine, 1882 - París, 1963): Tras conocer a Picasso

y su cuadro Las señoritas de Avignon, su obra dio un giro y trabajó codo a codo con el
pintor malagueño, desarrollando el máximo potencial del movimiento cubista. Fue el
creador del collage.

Juan Gris (Madrid, 1987 - Boulogne-sur-Seine, 1927): Se integró al cubismo a partir

de 1910 y dejó la ilustración. Trabajó con una técnica de collage específica conocida
como papier collé, que usa papel, cartón y periódico. Dio gran desarrollo al colorismo
dentro de su obra cubista, a la que se apegó toda su vida.

André Derain (Chatou, 1880 - Garches, 1954): Tuvo un período cubista que inició
hacia 1908, año en el que destruyó muchas de sus obras anteriores. Al terminar la
Primera Guerra Mundial, Derain retornó al arte tradicional. Su paso por el cubismo fue
transitorio.

María Gutiérrez-Cueto Blanchard (Santander, 1881-París, 1932) Es considerada

como uno de los grandes nombres del cubismo, si bien alcanzó notoriedad tras su
muerte y el estudio de su figura por parte de la feminista María Laffite, Condesa de
Campo Alange, quien escribió una biografía de la artista 1944. En la actualidad es una
artista objeto de numerosas investigaciones, además de exhibirse sus obras en
museos de todo el mundo y ser muy cotizadas en las casas de subastas más
prestigiosas.
Obras Representantes:

“Cases d’Horta”, Pablo Picasso, 1909: Esta es una de las primeras obras cubistas de
Picasso. Representa un paisaje, en este caso arquitectura, con un fuerte predominio de
los tonos ocres y grises. Las Cases d'Horta están diseñadas con formas geométricas
refinadas y continuas, todas con poliedros de diferentes lados, en este caso cuadrados,
rectángulos y triángulos.

“Violín y jarra”, Georges Braque, 1909-1910: Esta naturaleza muerta muestra

claramente el estilo de trabajo cubista: la descomposición del objeto en varios planos.
En Violín y jarra, Braque pinta no lo que tiene delante desde un único punto de vista,
sino una naturaleza muerta sobre la misma superficie vista desde diferentes rostros.
Desde arriba, se puede distinguir el violín de la jarra que parece estar sobre la mesa.
En cuanto al uso de colores, encontramos de nuevo el gris, el negro, el ocre y el
blanco.

“Retrato de Pablo Picasso”, Juan Gris, 1912: Cuando Juan Gris conoció a Picasso y
Braque, quedó impresionado por el cubismo y se volvió hacia el movimiento primitivo.
En Retrato de Pablo Picasso, Gris representa a Picasso dividiendo su imagen en
diferentes planos y ensamblando la misma imagen desde diferentes ángulos. Los
elementos representados de esta manera son diferentes partes de la cara, como los
ojos, la boca y la nariz, la ropa o la paleta de colores. En cambio, la función y la forma
del cuerpo están distorsionadas por el ángulo. En cuanto al uso de colores, el gris y el
azul se mantienen sin cambios en este caso.

“Naturaleza muerta”, María Blanchard, 1922: En ella la artista, aun siguiendo los
cánones del movimiento, evoluciona hacia una luz especial que no tiene otras obras
representativas. El uso del color gris, el blanco y las formas curvas de lo que parecen
unas uvas contribuyen a ello.

“La torre roja”, Robert Delaunay, 1913: Construida para la Exposición Universal de
París de 1889, la Torre Eiffel se convirtió en un símbolo de la modernidad y de la
Europa global de Delaunuy. En esta pintura, el pintor utilizó formas geométricas
básicas y una paleta de colores reducida para transformar la torre en un icono. Por lo
tanto, la torre se presenta de forma dinámica, mostrándola desde diferentes ángulos y
capturando diferentes impresiones. Una declaración hecha por el autor de memoria
mientras estaba fuera de París.
BIOGRAFÍA DE PABLO PICASSO

“PRIMEROS AÑOS”

Aunque vivió la mayor parte de su edad adulta en Francia, Picasso era español de
nacimiento. Proveniente de la ciudad de Málaga en Andalucía, España, fue el
primogénito de Don José Ruiz y Blasco y María Picasso y López. Fue criado como
católico, pero luego se convirtió en ateo.

El padre de Pablo Picasso era artista y se ganaba la vida dibujando pájaros y otros
animales salvajes. También daba clases de arte y era director de un museo local. Don
José Ruiz y Blasco comenzaron a enseñar a su hijo a dibujar y pintar cuando
tenía 7 años, y el joven Pablo encontró un alumno adecuado.

Picasso estudió en la Academia de Bellas Artes de Barcelona, donde su padre enseñó

por 13 años. En 1897, Picasso comenzó a estudiar en la Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando de Madrid. Esta era la universidad de arte más importante en
España en ese momento. Picasso atendió solo brevemente, prefiriendo asistir a las
exposiciones de arte en el Prado y estudiar las pinturas de Rembrandt, Johannes
Vermeer, El Greco, Francisco Goya y Diego Velázquez.

En el período formativo de la vida de Picasso, pintó retratos como la Primera Comunión

de Sor Lola. Hacia fines del siglo XIX, elementos del simbolismo y su propia
interpretación del modernismo comenzaron a aparecer en sus paisajes estilizados.

“INICIOS DE SU CARRERA”

En 1900, Picasso llegó por primera vez a París, el centro de la escena artística
europea. Vivió con el poeta y periodista Max Jacob, quien tomó al artista bajo su
protección. Ambos vivían en la pobreza y, a veces, tenían que quemar las pinturas del
artista para calentarse.

Poco después, Picasso se traslada a Madrid, donde pasa la primera mitad de 1901.
Junto a su amigo Francisco Asis Soler, fundó la revista literaria Arte de los Jóvenes,
ilustrando artículos y creando viñetas solidarias con los pobres. Cuando se publicó el
primer número, el joven artista había comenzado a firmar su obra "Picasso" en lugar de
los habituales "Pablo Ruiz y Picasso".

Período Azul (1901-1904): Durante este tiempo, el artista pintó principalmente en

tonos de azul, con toques ocasionales de acento de color. Por ejemplo, la famosa obra
de arte de 1903, The Old Guitarist, presenta una guitarra en tonos marrones más
cálidos en medio de los tonos azules. Las obras del Período Azul de Picasso a menudo
se perciben como sombrías debido a sus tonos tenues.
Los historiadores atribuyen el Período Azul de Picasso en gran parte a la aparente
depresión del artista tras el suicidio de un amigo. Algunos de los temas recurrentes en
el Período Azul son la ceguera, la pobreza y el desnudo femenino.

Período Rosa (1904-1906): Tonos de rosa impregnaron el arte de Picasso con un aire
más cálido y menos melancólico que en sus pinturas del período azul. Arlequines,
payasos y gente del circo son temas recurrentes en estas obras. Pintó una de las obras
más vendidas del período rosa, "Niño con pipa". Los elementos de primitivismo en las
pinturas de la Edad de las Rosas reflejan los experimentos de Picasso con el estilo
artístico.

Influencia Africana (1907-1909): Durante el período del arte africano y el primitivismo,

Picasso creó una de sus obras de arte más famosas y controvertidas, Les Damoiselles
d'Avignon. Inspirado por el arte africano angular que vio en su exposición en el Palais
de Trocadero y las máscaras africanas propiedad de Henri Matisse, el arte de Picasso
refleja este período de influencia. Irónicamente, cuando Picasso mostró por primera vez
"Les Demoiselles d'Avignon" a su círculo íntimo, Matisse fue uno de sus más fuertes
oponentes.

Cubismo Analítico (1907-1912): El artista colaboró con el pintor Georges Braque para
iniciar el movimiento cubista en el arte. Sus pinturas utilizan tonos tierra. Estas obras
representan objetos deconstruidos con formas geométricas complejas.

Su pareja romántica durante siete años, Fernande Olivier, aparece en muchas de las
obras cubistas del artista, incluida Cabeza de mujer, Fernande (1909). Los
historiadores creen que también aparece en "Les Demoiselles d'Avignon". Su relación
fue inestable y se divorciaron definitivamente en 1912.

Cubismo Sintético: (1912-1919): El trabajo de Picasso continuó con el estilo cubista,

pero el artista introdujo una nueva forma de arte, el collage, en algunas de sus obras.
También incorporó la forma humana en muchas pinturas cubistas, como “Chica con
Mandolina” (1910) y “Ma Jolie” (1911-12). Mientras que varios artistas que conocía
dejaron París para luchar en la Primera Guerra Mundial, Picasso pasó los años de la
guerra en su estudio.

Cuando rompió con Fernanda Olivier, ya estaba enamorado de otra mujer. Permaneció
con Eva Gouell (de su pintura de 1911 Mujer tocando la Guitarra) hasta su prematura
muerte por tuberculosis en 1915.

Neoclasicismo y Surrealismo (1929-1929): Se presentó un gran cambio de estilo.

Tras su primera visita a Italia y el final de la Primera Guerra Mundial, las pinturas del
artista, como la acuarela "Campesino Dormido" (1919), reflejaron la restauración del
orden artístico, y su arte neoclásico coincidió con el cubismo, las pinturas están en
marcado contraste. Sin embargo, con el surgimiento del movimiento surrealista francés
a mediados de la década de 1920, Picasso comenzó a revivir su inclinación por el
primitivismo en pinturas de influencia surrealista como “Three Dancers” (1925).
En 1927, el artista de 46 años conoció a María Teresa Walters, una joven española de
17 años. Los dos desarrollaron una relación y María Teresa dio a luz a la hija de
Picasso, Maya. Siguieron siendo marido y mujer hasta 1936, y Picasso inspiró la "Suite
Vollard" del artista, una serie de 100 grabados neoclásicos, completada en 1937.
Picasso salió con la artista y fotógrafa Dora Maar a finales de la década de 1930. En la
década de 1930, las obras de Picasso, como su famoso Guernica, reflejaron una
representación única de la Guerra Civil española, la violencia en tiempos de guerra. El
peligroso Minotauro se convirtió en el símbolo central de su arte, reemplazando a los
villanos de sus primeros días.

“LOS ÚLTIMOS AÑOS DE SU CARRERA”

Durante la Segunda Guerra Mundial, Picasso permaneció en París durante la

ocupación alemana. Continuó creando arte, soportando el acoso de la Gestapo. A
veces escribía poesía y completó más de 300 obras de 1939 a 1959. También
completó dos obras de teatro "Desire Caught by the Tail" y "The Four Little Girls".

Después de la liberación de París en 1944, Picasso inició un nuevo romance con un

estudiante de arte mucho más joven, François Guillot. Tuvieron un hijo, Claude, en
1947 y una hija, Paloma, en 1949. Sin embargo, su relación estaba condenada al
fracaso debido a las constantes infidelidades y abusos de Picasso.

Durante este tiempo, se centró en la escultura y participó en la exposición internacional

en el Museo de Filadelfia en 1949. Más tarde estableció una escultura del comité
llamada Chicago Picasso y la donó a la ciudad estadounidense. En 1961, a la edad de
79 años, el artista se casó con su segunda y última esposa, Jacqueline Rock, de 27
años. Resulta que ella es una de las mayores inspiraciones en su carrera. Durante los
últimos 17 años de su vida, Picasso pintó más de 70 retratos de ella.

Al final de su vida, el artista experimentó un estallido de creatividad. La obraa de arte

resultantes incluyen sus estilos anteriores, incluidos dibujos policromados y grabados
en cobre. Los expertos en arte reconocieron más tarde los inicios del neoexpresionismo
en las últimas obras de Picasso.
INFLUENCIA DE PICASSO EN EL ARTE

Como una de las mayores influencias en el curso del arte del siglo XX, Pablo Picasso a
menudo mezclaba estilos para crear nuevas interpretaciones de lo que veía. Fue un
impulsor del desarrollo del cubismo y elevó el collage a la categoría de arte. Con coraje
y convicción, sin ataduras por la tradición o el miedo al rechazo, Picasso persiguió su
visión y logró así nuevas innovaciones en su oficio. Asimismo, la continua búsqueda de
la pasión durante las muchas relaciones románticas de su vida inspiró muchas pinturas,
esculturas y grabados. Picasso fue más que un hombre y su obra. Picasso es para
siempre una leyenda, casi un mito de hecho. A los ojos del público, siempre ha sido
la encarnación del genio del arte moderno. Picasso era un icono, una de esas
raras figuras que actuaban como crisol de fenómenos culturales diversos y a
menudo caóticos, que parecen encarnar en una sola persona la vida artística de su
época.

OBRAS MÁS IMPORTANTES

La vida (1903): Es una de las pinturas más importantes de la denominada Etapa Azul.
Picasso enfatiza los tonos azules y trabaja temas como las prostitutas y los alcohólicos.
Esta etapa se inspiró en un viaje a España y el suicidio de su amigo Carlos
Casagemas, quien fue retratado en este cuadro póstumamente. Durante el Período
Azul, Picasso atravesó dificultades financieras y se mudó entre París y Madrid.

Las damiselas de Avignon (1907): Esta pintura marca el comienzo de un período en

el que Picasso estuvo fuertemente influenciado por el arte africano. A pesar de la
presencia del arte ibérico en esta pintura, existen claras referencias a África. Se trata
principalmente de una composición de dos rostros femeninos en el lado derecho del
cuadro. Sus caras parecen máscaras africanas. La pintura de Picasso fue descubierta
en 1916 unos años más tarde.

Cabeza (1913): Picasso comenzó a utilizar trozos de papel como papel tapiz y
periódicos en sus obras. Fue uno de los primeros en utilizar la técnica del collage en
sus composiciones. Durante este período, el pintor estuvo siempre en contacto con
varios artistas parisinos, como André Breton y el escritor Apollinaire. Con el final de la
Primera Guerra Mundial, Picasso conoció a más personas, como el director Jean
Cocteau y el compositor Igor Stravinsky. El contacto con muchos artistas de diferentes
regiones influyó en el estilo artístico del pintor, que experimentó varias experiencias en
los años siguientes.

Guernica (1937): Es la obra más famosa de Picasso y el cubismo. Representa el

bombardeo nazi de las ciudades vascas durante la Guerra Civil Española. Entre 1930 y
1939, la imagen recurrente del payaso en la obra de Picasso fue sustituida por el
Minotauro. Las pinturas de Picasso se volvieron sombrías y atrajeron el uso de colores
pastel.
OBRA ELEGIDA

“Mujer Frente al Espejo”: Pintada en marzo de 1932.

Es de técnica óleo sobre lienzo, forma parte del período del cubismo y el surrealismo, y
tiene un tamaño de 162.3 cm x 130.2 cm. Este cuadro se encuentra en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York, en Estados Unidos.

Usó colores cálidos (amarillo, naranja y rojo) y colores fríos (azul y verde).

Esta pintura representa a una mujer de una manera muy abstracta. Para crearlo,
Picasso utilizó muchas formas, como círculos, triángulos y rombos. Aunque claramente
no es una obra tradicional, Picasso comenzó la pintura con un modelo llamado Maria
Therese Walteri (amante de Picasso).

Picasso dijo una vez: “No hay arte abstracto. Siempre hay que empezar por algo.
Entonces se pueden eliminar todos los rastros de la realidad.” En esta pintura, se
puede ver cómo Picasso elimina lentamente la rigidez de su sociedad al hacer cambios
en este trabajo ligeramente realista. Picasso distorsiona a Walter y ofrece múltiples
interpretaciones de la obra y el mensaje social. En esta composición, el fondo es tan
fuerte como el punto focal gracias a los colores vibrantes. La vanidad es el tema
principal ya que la protagonista es una mujer que se mira en el espejo.

Picasso incorporó algunos elementos importantes al lienzo. Cuando lo miramos,

podemos ver diferentes versiones de una misma mujer. En el lado derecho de su cara
se puede ver quién es ella para el día. La cosa blanca alrededor del lado derecho de la
cabeza nos parece un halo. Su piel rosada también simboliza la inocencia juvenil. Por
otro lado, podemos ver otro ángulo de esa persona. El lado izquierdo representa tu
personalidad nocturna. Refleja su sensualidad y feminidad. Los colores de su rostro
sugieren que es un híbrido de varias figuras femeninas utilizadas en el arte de Picasso.

El retrato combina la infinita ternura de las mujeres, pero también es una gran
dedicación a su cuerpo. El pintor abandonó la tensión del cubismo y fue reemplazado
por el surrealismo, refiriéndose a una anatomía redonda, sexy, gentil y pornográfica. El
reflejo de la joven en el espejo se deformó y se volvió ligeramente fantasmal.

En una valoración muy personal, me atrevo a decir que refleja tal romance entre él y
ella, que se oculta a todos, porque el pintor estuvo casado con Olga Koklova. El reflejo
ensombrecido del espejo puede ser, además, síntoma del sentimiento de culpabilidad
del autor.
PROCESO TÉCNICO

Materiales:

 Pintura acrílica (rojo, amarillo, azul, verde, negro, blanco)

 Pinceles (de tamaños variados)
 Depósito con agua para limpiar los pinceles
 Paleta de pintor
 Canva (Tamaño 40cm x 50cm)