¿Cómo funciona la industria musical?

(actualización de 2023)

Por el equipo de Soundcharts - Publicado el 7 de enero de 2019

https://soundcharts.com/blog/mechanics-of-the-music-industry

Los principales artistas trabajan con docenas de socios mientras realizan giras por todo el
mundo, lanzan sencillos, vídeos y álbumes, hacen apariciones, venden productos y
promocionan su música y espectáculos. Las grandes carreras necesitan grandes equipos
para mantenerlas. Los equipos de artistas en desarrollo suelen ser mucho, mucho más
pequeños, pero alguien todavía tiene que apoyar todas las fuentes de ingresos. Entonces,
trabajar con artistas jóvenes significa hacer malabarismos con docenas de funciones,
aprender cómo funciona la industria de la música sobre la marcha y ampliar su experiencia
para cubrir todos los huecos.

El denominador común de estos equipos es el combustible que los impulsa. Artistas,

managers, sellos discográficos importantes e independientes, editores, distribuidores,
promotores, agentes, agencias, etc., aunque no están totalmente alineados, todas esas
personas y empresas trabajan hacia el mismo objetivo. La colaboración es lo que impulsó a
la industria a lo largo de las décadas.

Al mismo tiempo, cada carrera musical es única y la legislación y las prácticas comerciales
difieren entre países. Entonces, al final, el negocio de la música está interconectado y
fragmentado. Eso dificulta obtener una imagen completa y coherente de la industria,
especialmente para un recién llegado.

Por eso hemos decidido intentar levantar el velo y explicar cómo funciona realmente la
industria musical.

En la serie “Mecánica”, compartiremos los conocimientos que hemos adquirido a lo largo

de nuestras carreras y lo que hemos aprendido de todas las personas que hemos
conocido. Analizaremos los componentes individuales de la industria, desde lo legal hasta
lo discográfico, y trataremos de mostrar lo que sucede detrás de escena. A veces
tendremos que simplificar y tomar atajos para explicar las cosas. Sin embargo, siempre
intentaremos mantener una voz neutral y centrarnos en los hechos más que en las
opiniones.

Pero primero, para entender dónde estamos, debemos descubrir cómo llegamos hasta
aquí. Por eso, en la siguiente parte de este artículo, rastrearemos la evolución de la
industria musical, destacando los principales canales de promoción y la forma en que se
han desarrollado a lo largo de los años.

Evolución del desarrollo de la carrera del artista

Década de 1960 - 2000 - Promoción realizada por las discográficas

A primera vista, la industria musical pasó por muchas fases a lo largo de la segunda mitad
del siglo XX. Desde los primeros reproductores de cintas para automóviles en los años 60
hasta el lanzamiento del Walkman de Sony y el nacimiento de la experiencia auditiva
personalizada en los años 80, los avances tecnológicos cambiaron la forma en que los
oyentes experimentan la música. Sin embargo, aunque los formatos de grabación, los
géneros y las generaciones iban y venían, el núcleo del negocio de la música se mantuvo
constante.

La industria de la música estaba estructurada como una autopista recta con algunas
puertas fuertemente vigiladas a lo largo del camino. En primer lugar, los artistas tenían que
ser descubiertos por los sellos discográficos, que dominaban la industria en su día. Las
compañías discográficas proporcionaron infraestructura, pero lo que es aún más
importante, tuvieron acceso a los medios. La radio y la televisión eran los principales
canales de promoción y los artistas los necesitaban para acceder a grandes audiencias. La
rotación en horario de máxima audiencia en una gran estación de radio podría brindarle a
un artista un éxito de la noche a la mañana, impulsándolo a una vida de ingresos
extraordinarios y fama a nivel nacional. Sin embargo, sólo un puñado de artistas
disfrutaron de los beneficios de ese sistema, mientras que otros quedaron en el polvo.

Al final del milenio, las tornas empezaron a cambiar. En 1993 se inventó el protocolo MP3,
que permitía reducir el tamaño de los archivos de música digitales hasta en un 95%. El
MP3 provocó un auge en la distribución digital de música en los inicios de la era de
Internet. Cuando Napster (1999) abrió el camino a la piratería musical y convirtió las
descargas digitales en algo común, comenzaron a aparecer los primeros signos de la futura
crisis.
Ingresos mundiales de música grabada de 1999 a 2018, miles de millones de dólares
estadounidenses. Fuente: Investigación MIDIA

2000-2009: Días oscuros de la industria y promoción emergente del bricolaje

iTunes se lanzó en 2001, pero incluso con su integración en el ecosistema de Apple, no

podía competir con el atractivo de la música gratuita e ilimitada. La antigua industria
estaba colapsando a medida que la distribución física y los servicios de descarga para
compra estaban perdiendo la batalla ante la piratería en línea. En 2008, según
estimaciones de la IFPI , el 95% de toda la música digital se descargaba ilegalmente. Al
mismo tiempo, surgieron plataformas digitales de nueva era como Myspace (2003),
Facebook (2004), Youtube (2005) y Soundcloud (2007). Trajeron nuevas formas de
monitorear el éxito, llamando la atención de la industria sobre el número de juegos y los
"me gusta". Los primeros artistas de la era digital lanzaron sus carreras en ese ambiente
caótico: Scooter Braun , por ejemplo, descubrió a Justin Bieber al hacer clic
accidentalmente en uno de sus vídeos de YouTube.

La economía digital es ágil por definición y pronto cientos de empresas se ofrecieron a

impulsar el crecimiento “pirateando” los números. En aquellos primeros días, las redes
sociales no tenían las herramientas para implementar campañas de marketing. Mientras
Facebook todavía se centraba en juegos virales como Farmville y en etiquetar fotografías
de familiares y amigos para generar bucles de participación, empresas como Topspin
(2007) llenaron el vacío. Ofrecieron nuevas formas para que los artistas interactúen con el
entorno digital como centro para las relaciones entre artistas y fanáticos. Entonces,
mientras los ingresos para todos caían en picado, surgieron nuevas formas de promocionar
a los artistas.
2010-2015 - Nuevo Espacio de Promoción Digital

De 2010 a 2015, el mercado estuvo en su punto más bajo histórico. Los ingresos de la
industria discográfica cayeron por debajo de los 15 mil millones de dólares en 2010 y se
mantuvieron en ese nivel durante los cinco años. Sin embargo, en el lado positivo, el
mercado finalmente definió su respuesta a la piratería digital. Spotify se lanzó en 2008 y
llegó a EE. UU. en 2011. De 2010 a 2015, el streaming creció un 700%, pero eso fue solo el
comienzo: en mayo de 2014, Spotify había alcanzado solo una décima parte de su número
actual de suscriptores.

Justin Bieber pasó de los concursos de canto locales a ser la persona más buscada en
Google en sólo tres años, y eso es algo que la industria tenía que tener en cuenta.
Reconociendo el potencial del nuevo entorno, en 2010 la mayoría de las discográficas ya
contaban con algún tipo de departamento digital. Influenciados por los medios en línea,
las campañas de lanzamiento y marketing de giras comenzaron a verse como son ahora.
Los primeros signos de interacciones directas entre artistas y fanáticos comenzaron a
aparecer, y varios artistas importantes comenzaron sus carreras en estos días confiando en
ese enfoque.

2015 - … Promoción en la Era de la Abundancia

La industria digital ha madurado, pero el mundo físico sigue siendo tan vital como siempre.
La industria se ha adaptado al entrelazamiento de los mundos digital y físico y a las
interacciones directas entre artistas y fanáticos: los artistas ahora transmiten shows en
vivo en sus “redes sociales” y anuncian álbumes con un solo tweet .

Las estrategias de marketing que tradicionalmente llevaban a cabo las discográficas se

convirtieron en un juego de todos. Los editores, gerentes y agentes invirtieron en los
canales de promoción, y la industria ahora está llena de pensadores digitales que
desarrollan carreras en el entorno en línea. Hay más formas de promover la música que
nunca, pero, al mismo tiempo, hay más música en sí.

Los artistas pueden tener acceso directo a los canales de promoción, pero cada día se
lanzan más de 20.000 canciones y el principal desafío de la promoción del artista es
eliminar ese ruido. Los profesionales de la música tuvieron que volverse ágiles y basados
en datos, sintiéndose como en casa navegando a través de una industria fragmentada y de
múltiples capas.

Cómo funciona la industria musical en 10 partes clave

La industria de la música funciona a través de una red de asociaciones entre empresas e

individuos en el lado de la creación musical (cantantes, compositores y productores), el
lado de cara al cliente (plataformas de transmisión, lugares y plataformas de
presentaciones públicas como la radio) y el lado comercial, conectando los dos (disqueras,
gerentes, publicistas, organizaciones de derechos de ejecución, distribuidores, agentes de
reservas y más).

Desglosar esta estructura en términos claros es exactamente el objetivo de nuestro

proyecto Mecánica. Verá, a menudo escuchamos el término unificado "industria musical".
Puede ser muy engañoso: lo que puede parecer una única industria cohesiva es en
realidad una red de partes individuales, a veces superpuestas, otras no. Es por eso que
hemos decidido darle cierta estructura y dedicar un capítulo a cada componente distintivo
que hemos identificado. Este desglose es subjetivo y no exhaustivo, por lo que
definitivamente hay más temas que podríamos cubrir. Si tiene alguna pregunta sobre la
industria (específica o de otro tipo), no dude en comunicarse con nosotros; nos ayudará a
priorizar el contenido futuro.

Sin más preámbulos, aquí están los capítulos en los que nos hemos centrado:

1. Industria discográfica

Los sellos discográficos fueron los que más sufrieron la piratería en la década de 2000. En
15 años, la industria discográfica pasó por tres realidades diferentes: desde el CD hasta la
piratería digital y el streaming. Las discográficas tuvieron que adaptarse y los modelos de
negocio discográfico cambiaron en consecuencia. Incluso hoy en día, la industria
discográfica sigue afrontando nuevos retos: desde que los artistas DIY se salten por
completo los sellos trabajando directamente con agregadores de artistas como
Soundcloud hasta la creciente implicación del manager del artista en la promoción del
lanzamiento.

Si bien el lugar de la industria discográfica en el gran esquema de las cosas está

cambiando, los sellos discográficos siguen siendo lo primero que viene a la mente cuando
la gente piensa en la industria de la música. La mayoría de los fanáticos del hip-hop han
oído hablar de Def Jam, los fanáticos del EDM (de OWSLA) y los fanáticos del country (de
Big Machine). Incluso Universal, Sony y Warner son considerados “sellos discográficos” por
la población en general, a pesar de que su modelo de negocio se extiende mucho más allá
del ámbito de una “compañía discográfica”, cubriendo todos los aspectos del negocio de la
música.

2. Industria de distribución de música digital

Técnicamente, la distribución es parte de la cadena de grabación. El papel principal de los

distribuidores es simple: entregar el lanzamiento a las tiendas y mantener el flujo de
efectivo de regreso a los artistas y/o sus sellos. Suena bastante sencillo, ¿verdad?

Bueno en realidad no. A medida que la transmisión se apoderó de la industria de la

música, los DSP se convirtieron en una parada todo en uno para el consumo, la
monetización y el descubrimiento de música. Empresas como Spotify no son sólo
plataformas para que los artistas moneticen su música, sino también canales de
promoción destacados. De hecho, para el 90% de los artistas, el efecto promocional de las
listas de reproducción en streaming y los algoritmos de descubrimiento es probablemente
más importante que el dinero que obtienen de los servicios de streaming .

En consecuencia, la industria de los distribuidores se ha vuelto cada vez más importante

como enlace entre los DSP (Digital Service Providers) y la industria discográfica,
expandiendo su modelo de negocio mucho más allá de los servicios básicos de
administración y agregación.

3. Transmisión

La adopción del streaming es, con diferencia, el cambio más significativo en la industria en
los últimos diez años, y es un cambio que aún está en curso. Incluso hoy en día, los
servicios de streaming buscan formas de ampliar su base de usuarios, desarrollar sus
productos, aumentar los ingresos y encontrar un modelo de negocio sostenible a largo
plazo. La industria de la música está atrapada en medio de ese proceso: el streaming ya ha
cambiado la forma en que opera la industria discográfica y la forma en que consumimos,
compartimos y experimentamos la música, y eso podría ser solo el comienzo.

4. Industria en vivo y de giras

La realidad virtual está ingresando lenta pero seguramente a la industria en vivo: con
empresas emergentes como TheWaveVR y NextVR defendiendo el nuevo tipo de
experiencia en vivo, es posible que veamos que la industria pronto dará un giro hacia la
digitalización. Por ahora, sin embargo, sigue siendo el 99% “físico”, lo que también significa
que es la parte menos escalable del negocio de la música.

No hay diferencia (al menos desde el punto de vista de los recursos) entre distribuir una
grabación digital a cien o a un millón de fans. Al mismo tiempo, la cantidad de trabajo que
implica organizar una gira internacional, que llegue al mismo millón de fans, es enorme, ya
que la industria sigue estando localizada y basada en redes. Es difícil reservar un lugar en
Wellington si estás en Berlín, por lo que la mayoría de los agentes de reservas tienden a
centrarse en un solo mercado, e incluso los actores internacionales todavía tienen que
depender de la red de promotores locales.

5. Licencias y sincronización

La música siempre ha desempeñado un papel integral en industrias creativas como el cine

y los videojuegos, mientras que los acuerdos de patrocinio con músicos son una práctica
estándar para las marcas en todos los sectores de bienes de consumo, desde el lujo hasta
los bienes de consumo. Todas esas conexiones con actores externos son gestionadas por
la empresa de licencias. Las relaciones con las marcas y otros medios son más que una
simple fuente de ingresos. Una integración afortunada puede convertirse en una gran
oportunidad de promoción para el artista: cada uno de nosotros probablemente pueda
pensar en un par de artistas que hayamos descubierto en el cine.

6. Gestión de artistas

Los managers tienen relaciones únicas con los artistas, ya que son los únicos socios que
siempre están alineados financieramente con los artistas. En lugar de centrarse en un solo
subconjunto de la industria, los gerentes trabajan en estrategias globales a largo plazo y
ayudan a los artistas a tomar decisiones comerciales críticas. Además, los directivos
coordinan a todos los profesionales que trabajan en la carrera del artista, por lo que
necesitan un conocimiento amplio y profundo de toda la industria.

Esta experiencia integral también significa que los gerentes son los mejores para llenar los
vacíos. Dependiendo de las necesidades de un artista, los managers pueden reemplazar a
los editores, profundizar en la promoción del disco o negociar presentaciones en vivo. En
pocas palabras, el manager es un experto en todos los oficios y la columna vertebral de
la carrera de cualquier artista.

7. Industria editorial musical

"¿Cómo ganan dinero los músicos?" La respuesta no es tan sencilla como podría pensar
alguien externo, y la publicación es probablemente la fuente de ingresos más
incomprendida y compleja del negocio. El objetivo de un editor de música es cobrar
pagos de regalías sobre los derechos del artista relacionados con la obra musical real, y
no sobre la grabación de la misma; este es el dominio de la industria discográfica.

Ya suena complicado, ¿no? Además, los pagos de regalías pasan a través de

organizaciones de derechos de ejecución (también conocidas como PRO: ASCAP , BMI ,
SACEM y similares), organizaciones de cobranzas mecánicas ( HFA en EE. UU., MCPS en el
Reino Unido), subeditores y editores antes de llegar a los autores y compositores. — este
proceso por sí solo puede tardar hasta 2 años. Luego están las acciones legales entre
escritores y editores, regulaciones legislativas que difieren de un país a otro, derechos
musicales fragmentados y un millón de otros matices y complejidades.

La conclusión es que la publicación suele ser oscura incluso para los profesionales de la
música experimentados si nunca han trabajado directamente con la vertical. El hecho de
que Michael Jackson fuera el principal titular de los derechos del catálogo de The Beatles
te dice todo lo que necesitas saber sobre esta faceta del negocio.

8. Radio

El futuro lugar de la radio en la industria musical no está tan claro. El auge de los servicios
de streaming también hizo que fuera mucho más difícil para las radios llegar a sus
audiencias: debido a la complejidad de las leyes de derechos de autor y las barreras
legales en torno a las frecuencias FM/AM, incluso las grandes corporaciones como iHeart,
Bauer Media y SiriusXM no pueden ofrecer el alcance mundial de los gigantes del
streaming.

Sin embargo, este enfoque local es una moneda de dos caras: si bien la radio no puede
competir con el streaming a escala global, ha mantenido su poder como canal de
comunicación localizado. Siguiendo el espíritu de la época, la radio tradicional invirtió
fuertemente en el entorno digital. Esto ha abierto nuevas formas para que la radio
interactúe con su audiencia y, si bien la radio ha perdido su estatus como principal medio
de descubrimiento musical, sigue siendo un canal promocional destacado y una parte
integral del negocio de la música.

9. Legales

Cada aspecto del negocio de la música tiene su propio conjunto de reglas y regulaciones
comúnmente aceptadas, lo que facilita las relaciones entre los socios donde la ley no es
explícita. Además de eso, las leyes locales, que difieren de un país a otro, anulan esas
prácticas si entran en conflicto. Al mismo tiempo, los legisladores intentan desarrollar
nuevas soluciones a los problemas del entorno digital y arrojar luz sobre los rincones
grises del negocio. Este tipo de iniciativas, como por ejemplo el reciente artículo 13,
afectan a la industria en su conjunto.

Como resultado, terminamos con una de las industrias más conectadas globalmente,
regida por un sistema desconectado de contratos y legislación. Te guste o no, una
comprensión básica de la ley musical es esencial para la mayoría de los profesionales de
la música.

10. Atención al público y a los fans

Las relaciones entre el artista y su comunidad de fans son un recurso vital para el
desarrollo profesional de un artista. Los fanáticos siempre estaban generando conciencia y
promocionando a los artistas dentro de sus círculos sociales. Sin embargo, a medida que
las relaciones pasaron de los clubes de fans a las redes sociales a lo largo de las décadas,
las interacciones entre artistas y fans se volvieron más cruciales que nunca. La tecnología
ha cambiado la forma en que los artistas establecen relaciones con los fans, así como la
forma en que los fans se comunican entre sí y con el público en general. En el mundo de la
Web 2.0, los fans son los medios en sí mismos, unos medios que a veces son mucho más
eficaces que los canales tradicionales.