PINTURA DEL RENACIMIENTO

1ª FASE DEL RENACIMIENTO

Giotto, sigue pintando en la pared con una técnica de pintado llamada el fresco, que consiste en
dar una capa de yeso en la pared e ir pintando rápidamente y sin errores ya que cuando se seque
no hay vuelta atrás. Puede durar para siempre y las desventajas son que los colores no son
intensos y apenas puedes mezclarlos, no puedes corregir y si te equivocas tienes que volver a
dar la capa de yeso y empezar de nuevo.

En su obra “Llanto sobre el Cristo muerto” se ve muy bien lo que

el quiere expresar. Es una escena donde Jesucristo a sido crucificado
y está en el suelo, la virgen María le tiene en sus brazos, la línea del
horizonte esta mas baja para dar la sensación de ser partícipe de esta
escena, los cuerpos inclinados, trabaja los cuerpos humanos, la
expresión concreta de cada uno de los personajes que aparecen, la
forma de expresar su dolor.

Massaccio, es el primer autor del renacimiento, vive poco tiempo ya que muere con 28 años,
pero revoluciona la pintura, inventa la pintura al fresco y en sus obras “La Santísimas Trinidad”
se ve muy bien la gran capacidad que tiene de dar profundidad a la pared, se supone que inventó
las leyes de fuga.

“El tributo de la moneda”, es una escena amplia,

Jesucristo y sus apóstoles están pintados con cuerpos muy
geométricos hasta la propia marca esa geometría, la
capacidad de colocar los personajes y parecer que es una
ventana. Uso de las sombras y las luces. Sitúa a los
personajes en el suelo reflejando las sombras en el suelo.

Otras obras de Massaccio:

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2ª FASE DEL RENACIMIENTO

Sandro Botticelli, estaban hartos del peso, la volumetría y la perspectiva y pintan cosas distintas
con formas distintas. Los personajes van a idealizar (su canon serán alargadas, rubias, muchos
detalles, más lineales y los temas de pintura serán la mitología). No le interesa ni la profundidad,
ni el volumen, ni sombras, ni dureza.
Sus obras más importantes son:

“La Primavera” “El nacimiento de Venus”

3ª FASE DEL RENACIMIENTO

Leonardo da Vinci pinta al óleo, el cual permite corregir, se puede pintar sobre cualquier cosa
y como se hace con aceite, puedes manejar la intensidad de los colores. Se pinta por capas, es
translucido haciendo que los colores lo sean también. Los colores son mas intensos, puedes
obtener niveles de transparencia y trabajar las luces.

Leonardo le da importancia al rostro y al torso, y el fondo lo pone con colores oscuros para no
distraerse en otros detalles más allá del retrato. Representa la capacidad de observación y
sutileza al tratar las sombras y las luces. Al no satisfacer esta técnica de representación (fondo
negro) comienza a pintar paisajes como ríos y montañas, pero de forma
difuminada como pixelado.

“La virgen de las rosas” usa un triangulo compositivo, en la parte central lo mas
importante de la pintura, acompaña la escena con montañas y cuevas, caras
suaves, y tiene un canon de belleza muy propio, personajes idealizados y pinta
siempre igual.

“La última cena” es una especie de simulación de profundidad, coloca la mesa,

el paisaje y los personajes, una obra que se acerca a lo más cercano que va a
estar de pinturas al fresco.

Miguel Ángel, le interesa el cuerpo humano, la anatomía, la volumetría y la profundidad. Le

encargaron la Capilla Sixtina (siendo ésta la cúpula de los sacerdotes donde se reúnen). No
dominaba la pintura al fresco y lo pintaba subido a un andamio que él creo. Es una obra maestra
del renacimiento y en ese momento estaba mal visto representar cuerpos desnudos.
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LA PINTURA VENECIANA
Giorgione van a pintar desde el principio con óleo y los temas de su interés serán el paisaje y el desnudo
femenino. Obsesión va a ser trabajar con color y con la luz, pintan directamente con capas de color. Los
dos temas unidos paisaje y desnudo. Como modelar el cuerpo femenino era un reto un cuerpo terso,
delicado, normal te suelen representar a Venus. La razón de que fuera Venus era como con Praxíteles, ya
que Venus al ser la diosa del amor se justificaba que estuviera desnuda.

Triziano perfecciona esta forma de pintar desnudos, pasando de pintar a Venus a pintar a prostitutas
haciendo que esto gustara por el morbo. Pintor del color, colores intensos rojos potentes. Pintaba con
brochados largos. Le piden cuadros que trasmita la importancia el personaje, inspirar temor, distancia,
respecto.

LA PINTURA FLAMENCA
Jan Van Eyck, tiene su propio foco renacentista, muchos detalles hasta el punto de ser obsesivo, uso del
realismo, poco mobiliario en las obras y muchas vidrieras.

“El matrimonio Arnolfini” es un retrato, de una ceremonia religiosa, representación

de un sitio domestico con mobiliario básico y poco lujoso, contiene símbolos del
matrimonio (la cama, el perro, dándose la mano en forma de fidelidad). Mucho
detalle en la textura de los metales, hay perspectiva y profundidad. Los personajes
no están idealizados y caras reales.

Van der Weyden, en qué se diferencia de Jan Van Eyck: no hay profundidad y lo hace para que
se centren en lo personaje que no estén en un segundo plano. Descendimiento de Jesucristo De
la Cruz, centrándose en los personajes usando un recurso muy usual que es pintar el fondo de
pan de oro. Era un cuadro para rezar, el cuerpo de cristo, los personajes colocados en una banda
le dan igual que la escala de cruz no coincida con el cuerpo de Cristo. Tiene la misma inclinación
que la virgen María, y esta tiene un color de ropaje azul y esta mareada por eso esta blanca la
cara. La virgen María se le forman lágrimas en los ojos y tiene cuatro lagrimones.