EL

EXPRESIONISMO,
CUBISMO Y
SURREALISMO

Universidad internacional
d el Pa cíf ico.
Antecedentes - proceso de estudio y reflexión del arte:
• Paul Cézanne (1839 - 1906): parte de los impresionistas (contradicciones)
¿Cómo podían mantenerse estas conquistas sin que condujeran a una
pérdida de claridad y orden? Búsqueda del equilibrio.
“Esfuerzo por conseguir un sentido de profundidad sin sacrificar la brillantez
de los colores, por lograr una composición ordenada sin sacrificar el sentido
de profundidad. En todos estos forcejeos había algo que sí estaba dispuesto a
sacrificar si era necesario: la corrección convencional del trazado. Él no iba a
tergiversar la naturaleza; pero no le importaría demasiado que quedase
contrariada en algún detalle, siempre que éste le ayudara a obtener el efecto
deseado.”
“Cézanne no se propuso crear una ilusión, lo que quiso fue transmitir el
sentido de solidez y de volumen, y advirtió que podía hacerlo sin un dibujo
convencional.”
 Antecedentes - proceso de estudio y reflexión del arte:
• Vincent W. van Gogh (1853 - 1890): asimilado las lecciones del
impresionismo y el puntillismo.
Dirigido a cualquier ser humano para proporcionarle placer y consuelo.
Comunicación de su espíritu.
“«las emociones son algo tan fuerte que se trabaja sin darse cuenta de ello...
y las pinceladas adquieren una ilación y coherencia como las palabras en
una oración o en una carta” Cartas a Theo.
Experimentó tal frenesí de creación que se sintió impulsado no sólo a
representar naturaleza, sino también las cosas humildes, apacibles y
cotidianas, que nadie había considerado que merecieran la atención del
artista.
 Antecedentes - proceso de estudio y reflexión del arte:
“Van Gogh llegó por diferente camino a una coyuntura similar a la que
encontró Cézanne. Tuvieron la trascendental decisión de abandonar
deliberadamente los fines que hacían de la pintura una imitación de la
naturaleza. Sus razones, claro está, eran diferentes.
Cuando Cézanne pintaba una naturaleza muerta, quería explorar las
relaciones entre formas y colores, y tan sólo utilizó la «perspectiva correcta»
cuando la necesitó para su experiencia. Van Gogh quiso que su obra
expresara lo que sentía, y si la tergiversación le ayudaba a conseguir este
propósito, haría uso de ella.”

Inspiración a generaciones de jóvenes artistas – revolución artística con la

invención y experimentación.
 • Edvard Munch (1863-1944) El grito - 1893
EXPRESIONISMO

(La palabra es una síntesis adecuada

por su contraposición con el
impresionismo)
Creación de un arte más personal e
intuitivo, donde predomina la visión
interior del artista —expresión— frente
a la plasmación de la realidad —
impresión—.
La idea tomada de una caricatura seria,
de un arte que deliberadamente altera
las apariencias de las cosas, no para
expresar un sentido de superioridad,
sino tal vez de amor, miedo,
admiración, etc.
 Cambio radical en la Alemania pre-
bélica: su arte inspirara a muchos
artistas y propagandistas del Este
comunista.
Mirar más que el lado agradable de la
vida: los expresionistas sintieron
intensamente el sufrimiento
humano, la pobreza y la violencia.
Ya no era la impresión decorativa lo
que perseguían. Su simplificación
estaba por completo al servicio del
acentuamiento de la expresión.
Crearon indignación y censura por
parte del gobierno.

• Emil Nolde: La crucifixión. 1911-1912.

Oskar Kokoshka: La diosa del
aire o La novia del viento. 1913-
1914
 • Pablo Picasso, Las señoritas de Avignon, 1907.
CUBISMO
FRANCIA. Reformarla tradición en la
representación pictórica.
En 1908 un crítico escribe: «Son
geómetras ignorantes, que reducen el
paisaje y el cuerpo humano a insípidos
cubos».
Al dar prioridad al esquema-estructura
decorativo, se sacrificaba la práctica de
modelar todas las formas con luz y
sombra. Liberación.
Reconocer la naturaleza bidimensional
del lienzo y no recrear la
tridimensionalidad (cosa que pretende el
cubo).
Simplificación.
 • Albert Gleizes - Paisaje, 1911
Posibilidad de elaborar la imagen de
un rostro o de un objeto con unos
cuantos elementos muy simples. *
Mirar un objeto desde todos los
puntos de vista y elaboración
posibles. Se dibuja por el ángulo
desde el que se advierta más
claramente su forma característica y
comprender sus fragmentos.

Las formas se presentan primero,

después el tema. Relacionar líneas,
formas y colores entre sí hasta lograr
ese sentimiento de equilibrio.
Sugerían algún tema fantástico o real
a su imaginación. Libertad.
Gradación de cristal (1922) de
Paul Klee
 • Rene Magritte, La lámpara filosófica, 1936.
SURREALISMO (1920)
Sigmund Freud mostró que cuando los
pensamientos que caracterizan el
estado de vigilia se adormecen, el niño
y el salvaje que viven en nosotros se
hacen con el control. Fue esta idea la
que llevó a proclamar al surrealismo
que el arte nunca puede ser producido
por el pensamiento consciente.
André Robert Breton, escritor (escritura
automática: escritura libre de todo
control de la razón y de preocupaciones
estéticas o morales), poeta, y teórico
principal del surrealismo.
Gusto por el arte primitivo. Tendencia a
ser ingenuos (infancia), libres y
espontáneos, que orilló a la creación de
imágenes fantásticas y oníricas.
 • Salvador Dalí, Cisnes reflejando elefantes, 1937.
Acceder al subconsciente significaba
mostrar estados de animo en los que
puede salir a la superficie lo más
profundo de nuestro ser.
Como el subconsciente es algo muy
personal, no hay un «estilo
surrealista», pero se puede distinguir
en líneas generales dos formas:
• Una automática, espontánea y
fluida, con universos figurativos
propios.
• Una naturalista, que muestra con
figuración a veces hiperrealista el
mundo de los sueños y el
inconsciente.
Capacidad de representar varias
cosas a la par; muchos sentidos
posibles de cada color y cada forma.
Leonora Carrington, Entonces vimos a la hija del
Minotauro (1953).
Conclusión
• El artista moderno quiere experimentar que ha hecho algo que no poseía existencia con
anterioridad. Algo más importante y duradero, algo que el artista considera que posee mayor
realidad que los objetos de nuestra monótona existencia.
• Los artistas del siglo XX no se contentan con representar sencillamente lo que ven. Han
llegado a darse cuenta de los muchos problemas que se ocultan tras esta búsqueda. El artista
que quiere representar una cosa real (o imaginaria) no tiene que empezar por mirar en su
alrededor, sino por tomar formas y colores y elaborar la imagen requerida.
• Cómo cada solución de uno de estos problemas da lugar a otros nuevos, ofrecen a los jóvenes
la oportunidad de poner de manifiesto lo que pueden hacer con formas y colores. Incluso el
artista que se rebela contra la tradición depende de ella por ese estímulo con el que impulsa la
dirección de sus esfuerzos.
“No existe, realmente, el Arte. No hay más que artistas favorecidos por el maravilloso don de
equilibrar formas y colores hasta dar en lo justo, dotados de una integridad de carácter que nunca
se satisface con soluciones a medias, sino que indica su predisposición a renunciar a todos los
efectos fáciles, a todo éxito superficial en favor del esfuerzo y la agonía propia de la obra sincera.”