Xera

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Xera
Xera - Flavia and Vérval.jpeg
Verval and Flavia Live 2014
Datos generales
Origen San Andrés de Trubia, Oviedo, Asturias Bandera de Asturias, España
Estado En activo
Información artística
Género(s) Fusión entre electrónica industrial y tradicional asturiana.
Período de actividad 2005 - en activo
Web
Sitio web http://www.xera.eu
Miembros
5
[editar datos en Wikidata]
Xera es un grupo asturiano (España) de San Andrés, en el concejo de Oviedo. Nace
como consecuencia de la combinación de sonidos electrónicos (de música new age y
música industrial principalmente) con recursos de la música tradicional asturiana.
El fundamento de su sonido se apoya en el contraste en todo momento sin perder la
integridad de la mezcla.

Más de 100 conciertos, 3 discos publicados (Lliendes (2006), Tierra (2009) y Llume
(2012), pioneros en espectáculos en sonido surround, Xera se presenta como una
pieza clave en la evolución del World music en España y en el mundo.

Durante los más de diez años de historia de Xera, su música ha llegado a Portugal,
Francia, República Checa, Alemania, Italia, Países Bajos, Suiza y España,
destacando su participación en los siguientes festivales:

Festival Tall Ships Races, Harlingen , Festival Intercéltico de Lorient, Festival

Opening Zaailand Leewarden, Festival Traversées de Tatihou, Normadía , Festival
Folk Plasencia, World Music Festival Loshausen, Festival Mediterranean, Pilsen,
Festival Liet International, Festival Capodanno Céltico, Festival Mascarada
Ibérica, Festival Triskell, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Festival Folk de
Getxo y Festival Folk Segovia.

En 2012 Xera da el salto a un nuevo estilo de directo, el sonido surround 5.1. Su

estreno en 2012 en el Centro Niemeyer de Avilés del espectáculo "Llume" y su nueva
puesta en escena en el Teatro Campoamor de Oviedo conquistaron a crítica y
público.1"Llume", Centro Niemeyer 2012

En 2015 con motivo del décimo aniversario del grupo se presenta el espectáculo
"Árbore", un cuento musical donde sus tres discos sirven de base para el discurso
de los personajes principales.2

Discografía
Álbumes
Lliendes, publicado en diciembre de 2006 bajo una licencia Creative Commons.
Tierra, publicado en julio de 2009 bajo una licencia Creative Commons.
Llume, publicado en junio de 2012 bajo una licencia Creative Commons.
Raiz, publicado en noviembre de 2013 bajo una licencia Creative Commons.
Maquetas
Lliendes (promocional), publicado en 2005 bajo una licencia Creative Commons.
Recopilatorios
Esbilla 05 (incluido en el Anuariu de la música asturiana 2005 de Discos
L'Aguañaz), con el tema Valdescabres publicado en 2005 bajo una licencia Creative
Commons.
Llengües Vives 1996-2006, con el tema Dúrmite publicado en 2006 bajo una licencia
Creative Commons.
Esbilla 06 (incluido en el Anuariu de la música asturiana 2006 de Discos
L'Aguañaz), con el tema Inda publicado en 2006 bajo una licencia Creative Commons.
Sonidos Eurofolk 2006 (incluido con la revista Interfolk), con el tema Valdescabres
publicado en 2007 bajo una licencia Creative Commons.
Otros Trabajos

Gente bailando en concierto de Xera, en Granda (Gijón).

Banda sonora del documental "Aconcagua, más que un récord" (2007), producido por
DosTorres Audiovisual.
La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas»)
es, según la definición tradicional del término, el arte de crear y organizar
sonidos y silencios respetando los principios fundamentales de la melodía, la
armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psicoanímicos.
El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en
que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario.
Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué
no es la música, ya que destacados compositores en el marco de diversas
experiencias artísticas fronterizas han realizado obras que, si bien podrían
considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples

finalidades, entre otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la
de expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas, y cada
vez más, cumplir una importante función terapéutica a través de la musicoterapia.

La música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del

ser humano. Está relacionada con el pensamiento lógico matemático, la adquisición
del lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales, el
aprendizaje de lenguas no nativas y a potenciar la inteligencia emocional, entre
otros. Por este motivo, la música debe estar presente en cualquier plan educativo
moderno y ser reconocida como una disciplina imprescindible dentro de la enseñanza
obligatoria.

La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo del individuo; así,
el flujo sonoro puede cumplir variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, diversión, etc.). En muchas culturas, la música es una parte
importante del modo de vida de la gente, ya que desempeña un papel fundamental en
rituales religiosos, en las ceremonias de rito de paso (por ejemplo, la graduación
y el matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el baile) y en las
actividades culturales que van desde el canto aficionado en el karaoke hasta tocar
en una banda amateur de funk o cantar en un coro comunitario. La gente puede hacer
música por afición, como, por ejemplo, un adolescente que toca el violonchelo en
una orquesta juvenil, o trabajar como músico o cantante profesional. La industria
musical incluye a las personas que crean nuevas canciones y piezas musicales (como
los cantautores y los compositores), a las personas que interpretan música (que
incluyen a los músicos de orquesta, de bandas de jazz y de bandas de rock, a los
cantantes y a los directores de orquesta), a las personas que graban música
(productores musicales e ingenieros de sonido), a las personas que organizan giras
de conciertos y a las personas que venden grabaciones y partituras a los clientes.
Incluso una vez que se ha interpretado una canción o pieza, la crítica musical, el
periodismo musical y la musicología pueden valorar y evaluar la pieza y su
interpretación.

Etimología

En la mitología griega, las nueve musas fueron la inspiración de muchos esfuerzos

creativos, incluidas las artes.
La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike; «(arte) de las musas»)1 En
la mitología griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraban la literatura,
la ciencia y las artes y eran la fuente del conocimiento plasmado en la poesía, los
cantos y los mitos de la cultura griega.

Según el Diccionario etimológico en línea:

El término «música» deriva de «musike, de mediados del siglo xiii, del francés
antiguo musique (siglo xii) y directamente del latín musica "el arte de la música",
que también incluye la poesía (también la fuente del español música, italiano
musica, alto alemán antiguo mosica, alemán Musik, holandés muziek, danés musik)».
Se deriva del «...griego mousike (techne) "(arte) de las musas", del femenino de
mousikos «perteneciente a las musas», de Mousa «Musa».
La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término
«música» se refiere a cualquier arte en el que las musas presidían, pero
especialmente la música y la poesía lírica.2

Definición

La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en dos

ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura
del sonido; la duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras
musicales.
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las
expresiones musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales,
culturales e históricas. De esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones
que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se entiende por música.
Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según
una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de
que —en aquello a lo que consensualmente se puede denominar «música»— se pueden
percibir ciertos patrones del «flujo sonoro» en función de cómo las propiedades del
sonido son aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran
que también por los animales). La definición que se atribuye a Edgard Varese de
música como sonido organizado,3 y también la de la Enciclopedia Británica que en su
15a edición describe que «aunque no haya sonidos que no puedan ser descritos como
inherentemente no-musicales, en cada cultura los músicos han tendido a restringir
la gama de sonidos que estaban dispuestos a admitir». John Blacking añadió este
detalle importante a la definición de Varèse: «la música es sonido organizado
humanamente».4

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos
esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido,
artificial) y que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los
dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del
lenguaje. En cuanto a la función «estética», se trata de un punto bastante
discutible; así, por ejemplo, un «jingle» publicitario no deja de ser música por
cumplir una función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte,
hablar de una función «estética» presupone una idea de la música (y del arte en
general) que funciona en forma autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad,
tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.
Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot,
después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,5 la definió como el «arte de
combinar los sonidos de una manera agradable al oído».6

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas

expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el
creador y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la
música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no
se detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones «bien
hechas» y otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos

ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o
estructura que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por
ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo alemán Johann Wolfgang von
Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la
arquitectura como «música congelada». La mayoría de los estudiosos coincide en el
aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una
organización; pero algunos teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser
placentero o agradable.

Parámetros del sonido

Véase también: Nota musical

Distribución de las notas musicales en el teclado de un piano. Cada nota representa

una frecuencia de sonido distinta.
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de
presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite
por el medio que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La
ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya
que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir,

de la cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se
emiten. De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como graves y agudos.
Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de
onda es la distancia medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos
puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y
mínimos en el mismo instante. 7
La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido.
La duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene
representada en la onda por los segundos que esta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía.
La intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces
a pesar de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e
intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de
un conjunto de sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que
nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad
de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada
uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una
onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada
sobretono, se representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo
es la suma de ondas senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras
verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada
una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su altura indica la
cantidad que aporta cada una al sonido resultante.
Elementos de la música

Un ejemplo de las escalas de la antigua Grecia es la octava hipofrigia de género

enarmónico (en mi). Ya existía el concepto fundamental de octava. La nota varía
según la armonía (αρμονία), transcritas como modos griegos. La polifonía y variedad
de instrumentos aerófonos, cordófonos y membranófonos, han sido documentadas en
infinidad de grabados y dibujos.
La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual. Ambos
no se hallan yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan, en la
música, para formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea
intelectual, el material acústico experimenta una preparación pre-musical, mediante
un proceso de selección y ordenamiento.8

La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un ordenamiento

que la predestina para ser el vehículo de la intención intelectual. Con el fin de
un entendimiento general previo, dentro del material acústico para la organización
de la música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las cuales la más
habitual en ambientes académicos es la que divide la música en melodía, armonía y
ritmo.9 La manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una
cultura a otra (también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro

particular— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y
que se percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también forman parte
de la estructura de la melodía, poniendo pausas al «discurso melódico». El
resultado es como una frase bien construida semántica y gramaticalmente. Es
discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser considerada
una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina
contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es
el acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente
y su enlace con sonidos vecinos.
El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con
variaciones muy notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la
capacidad de generar contraste en la música, esto es provocado por las diferentes
dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación
del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del mismo o,
dicho de otra manera, su duración.
La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición
entre dos (o más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo
largo de la historia, destacan principalmente el legato, el staccato, el portato,
el tenuto, el acento, el marcato y el calderón.
Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy llamamos cerebro-
cuerpo-mente) convierte el material acústico en arte, y así la música adquiere
historia, vinculándose con el tiempo y haciéndose atemporal.

La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo xx, produjo a veces

dificultades de información, por falta de un sistema válido de entendimiento
previo, y es por eso que otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y
estudiar el fenómeno de la música, como son la forma, la instrumentación, la
textura, etc. A partir de todos estos elementos, se originan nuevos principios de
ordenamiento y posibilidades de composición.8

Historia
Artículo principal: Historia de la música
Prehistoria
Artículo principal: Música en la Prehistoria
La flauta de hueso encontrada en Divje Babe (Eslovenia), con más de 40 000 años de
antigüedad.
La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los
sitios arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en huesos
en los que se han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en un
extremo como el shakuhachi japonés. Se piensa que la flauta de Divje Babe, tallada
en el fémur de un oso de las cavernas, tiene al menos 40 000 años. Se han
recuperado instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de
instrumentos de cuerda, como el ravanahatha, de los yacimientos arqueológicos de la
civilización del valle del Indo.10 La India tiene una de las tradiciones musicales
más antiguas del mundo; las referencias a la música clásica india (marga) se
encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la tradición hindú.11 La colección
más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró en
China y data de entre el 7000 y el 6600 a. C.12 El «Himno hurrita a Nikkal», que se
encuentra en tablillas de arcilla que se remontan aproximadamente al 1400 a. C., es
la obra musical escrita más antigua que se conserva.1314

Antiguo Egipto
Artículo principal: Música de Egipto
Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la
música, y Osiris, a su vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el
mundo. La evidencia material y representativa más antigua de los instrumentos
musicales egipcios data del período predinástico, pero la evidencia está
atestiguada con mayor seguridad en el Imperio Antiguo cuando se tocaron arpas,
flautas y clarinetes dobles.15 Durante el Imperio Medio se agregaron instrumentos
de percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los platillos16 frecuentemente
acompañaban a la música y danza, como lo hacen todavía hoy en Egipto. La música
folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr, es el género
musical contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto y han conservado
muchas de sus características, ritmos e instrumentos.1718

Culturas asiáticas

Mujeres indias vestidas con atuendos regionales tocando una variedad de

instrumentos musicales populares en diferentes partes de la India.
Categoría principal: Música de Asia
La música clásica india (marga) es una de las tradiciones musicales más antiguas
del mundo.19 La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran
danzas20 e instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se
han recuperado varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y
Mohenjo-Daro mediante excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler.21 El Rigveda
tiene elementos de la música india actual, con una notación musical para denotar la
métrica y el modo de cantar.22 La música clásica india es monofónica y se basa en
una sola línea melódica o raga, organizada rítmicamente a través de talas.
Silappatikaram de Ilango Adigal proporciona información sobre cómo se pueden formar
nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una escala existente.23 La
música hindi actual fue influenciada por la música tradicional persa y por los
mogoles afganos. La música carnática, popular en los estados del sur, es en gran
parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a las deidades
hindúes. También hay muchas canciones que enfatizan el amor y otros temas sociales.

La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China,

tiene una historia que se remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas
únicos de notación musical, así como afinación y tono musical, instrumentos y
estilos musicales o géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica,
con una escala de doce notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de
influencia europea.
Referencias en la Biblia
Artículo principal: Anexo:Música en la Biblia

David componiendo salmos, Salterio de París, c. 960 (Constantinopla).

El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias
literarias en la Biblia y fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música
Herbert Lockyer escribió que «la música, tanto vocal como instrumental, fue bien
cultivada entre los hebreos, los cristianos del Nuevo Testamento y la iglesia
cristiana a través de los siglos». Agrega que «una mirada al Antiguo Testamento
revela cómo el pueblo antiguo de Dios se dedicó al estudio y la práctica de la
música, que ocupa un lugar único en los libros históricos y proféticos, así como en
el Salterio».24

Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la antropología

de la cultura semítica y judeocristiana temprana han descubierto vínculos comunes
en la actividad teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos y las
de los griegos y romanos posteriores. El área común de actuación se encuentra en un
«fenómeno social llamado letanía», una forma de oración que consiste en una serie
de invocaciones o súplicas. Journal of Religion and Theatre señala que entre las
primeras formas de letanía, «la letanía hebrea estuvo acompañada de una rica
tradición musical»:25

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and
pipe", the Pentateuch is nearly silent about the practice and instruction of music
in the early life of Israel. In I Samuel 10, there are more depictions of "large
choirs and orchestras". These large ensembles could only be run with extensive
rehearsals. This had led some scholars to theorize that the prophet Samuel led a
public music school to a wide range of students.25
El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el «padre de todos los que manejan el arpa y
la flauta», el Pentateuco casi guarda silencio sobre la práctica y la instrucción
de la música en la vida temprana de Israel. En I Samuel 10, hay más
representaciones de «grandes coros y orquestas». Estos grandes conjuntos sólo
podían ejecutarse con ensayos extensos. Esto había llevado a algunos estudiosos a
teorizar que el profeta Samuel dirigió una escuela pública de música para una
amplia gama de estudiantes.
Antigua Grecia

Epitafio de Sícilo
0:50
La inscripción cantada, según la pronunciación del griego koiné.
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Artículo principal: Música de la Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua
Grecia. Los músicos y cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro
griego.26 Se realizaban interpretaciones de coros mixtos para el entretenimiento,
la celebración y ceremonias espirituales.27 Los instrumentos incluían el aulós de
doble lengüeta y un instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo
especial llamado kithara. La música era una parte importante de la educación y a
los niños se les enseñaba música a partir de los seis años. La alfabetización
musical griega creó un florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la música
griega incluía los modos musicales griegos, que finalmente se convirtieron en la
base de la música clásica y religiosa occidental. Más tarde, las influencias del
Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música griega.
El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo que se conserva de una composición
musical completa, incluida la notación musical, de cualquier parte del mundo.28 La
obra escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría musical es
Harmonika Stoicheia de Aristóxeno.29

Antigua Roma
Trío de músicos tocando aulós, cymbala y tympanum (mosaico de Pompeya).
Artículo principal: Música de la Antigua Roma
La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana desde los tiempos más
remotos. Las canciones (carmen) eran una parte integral de casi todos los eventos
sociales.30 El Carmen saeculare de Horacio, por ejemplo, fue encargado por Augusto
e interpretada por un coro mixto de niños en los Juegos Seculares del 17 a. C.31 La
música era habitual en los funerales y la tibia (el aulós griego), un instrumento
de viento-madera, se tocaba en los sacrificios para protegerse de las malas
influencias.32 Bajo la influencia de la teoría griega antigua, se pensaba que la
música reflejaba el orden del cosmos y se asociaba particularmente con las
matemáticas y el conocimiento.33

La música etrusca tuvo una influencia temprana en la cultura de los romanos.

Durante el período imperial, los romanos llevaron su música a las provincias,
mientras que las tradiciones de Asia Menor, África del Norte y la Galia se
convirtieron en parte de la cultura romana.34

La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la forma de

artes escénicas llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana de ballet
narrativo que combinaba danza expresiva, música instrumental y un libreto
cantado.35

Edad Media

El introito de Gaudeamus omnes, escrito en notación neumática en el Graduale

Aboense de los siglos xiv y xv, rinde homenaje a Enrique, patrón de Finlandia.
Gaudeamus omnes
3:00
Artículo principal: Música de la Edad Media
La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del canto monofónico (línea
melódica única) en los servicios de la Iglesia católica. La notación musical se usó
desde la antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue
introducida por primera vez por la Iglesia católica para que las melodías de los
cánticos pudieran escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la
música religiosa en todo el mundo católico.a36 El único repertorio medieval europeo
que se ha encontrado en forma escrita desde antes del 800 es el canto llano
litúrgico monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se llamaba
canto gregoriano.

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de canto
secular. Ejemplos de compositores de este período son Léonin, Perotín, Guillaume de
Machaut y Walther von der Vogelweide.

Renacimiento
Artículo principal: Música del Renacimiento

Amicus meus
2:47
De Tomás Luis de Victoria.
¿Problemas al reproducir este archivo?
La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares, como
el amor cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que hacía partituras
impresas mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa.b La mayor
disponibilidad de partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente
y en un área más amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la
iglesia, las cortes y las ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y
la Iglesia siguió siendo un mecenas importante de la música. A mediados del siglo
xv, los compositores escribieron música sacra ricamente polifónica, en la que se
entrelazaban simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los compositores
destacados de esta época se incluyen Josquin des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni
Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria, Thomas Morley y Orlando di Lasso.
A medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a las cortes aristocráticas,
reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores compositores. Muchos
compositores importantes provenían de los Países Bajos, Bélgica y el norte de
Francia. Se les llama compositores franco-flamencos y ocuparon cargos importantes
en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una gran actividad
musical fueron Alemania, Inglaterra y España.

Barroco

Johann Sebastian Bach fue un destacado compositor de la era barroca de la música.

Tocata y fuga en re menor, BWV 565
8:34
Artículo principal: Música del Barroco
La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo
artístico barroco floreció en toda Europa y durante este tiempo la música se
expandió en su rango y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron
las primeras óperas (música vocal dramática solista acompañada de orquesta).
Durante la época barroca, la música polifónica contrapuntística, en la que se
utilizaban múltiples líneas melódicas independientes simultáneas, siguió siendo
importante.c Los compositores barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos
que incluían cuerdas, metales y viento-madera, así como para coros e instrumentos
de teclado, como órgano, clavecín y clavicordio. Durante este período se definieron
varias formas musicales importantes que perduraron en períodos posteriores cuando
se expandieron y evolucionaron aún más, incluida la fuga, la invención, la sonata y
el concierto.37 El estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y ricamente
ornamentado. Entre los compositores importantes de la época barroca se encuentran
Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann y Antonio
Vivaldi.

Clasicismo

1. Luigi Cherubini
2. Carl Philipp Emanuel Bach
3. Joseph Haydn
4. Johann Christoph Friedrich Bach
5. Ludwig van Beethoven
6. Franz Xaver Richter
7. Wolfgang Amadeus Mozart
8. Luigi Boccherini
9. Carl Friedrich Abel
10. Christoph Willibald Gluck
11. Maria Anna Mozart
12. Johann Christian Bach
Artículo principal: Música del Clasicismo
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se
consideraba los elementos clave del arte y la filosofía de la Antigua Grecia y
Antigua Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada.d La
música del período clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente
más simple que la música barroca que la precedió. El estilo principal fue la
homofonía,38 donde una melodía prominente y una parte de acompañamiento de acordes
subordinados son claramente distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían
a ser casi vocales y cantables. Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el
precursor del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de la época
barroca como principal instrumento de teclado, aunque este último siguió
utilizándose en la música sacra, como las misas.
Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor
desarrollo de formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la
sonata, el concierto y la sinfonía. Otros tipos principales fueron el trío, el
cuarteto de cuerda, la serenata y el divertimento. La sonata fue la forma más
importante y desarrollada. Aunque los compositores barrocos también escribieron
sonatas, el estilo clásico de la sonata es completamente distinto. Todas las formas
instrumentales principales de la era clásica, desde los cuartetos de cuerda hasta
las sinfonías y los conciertos, se basaron en la estructura de la sonata. Los
instrumentos tocaban música de cámara y la orquesta se volvió más estandarizada. En
lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que consistía en clavecín,
órgano o laúd junto con varios instrumentos bajos seleccionados a discreción del
líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo, tiorba o serpentón), los grupos
de cámara clásicos usaron instrumentos estandarizados especificados (por ejemplo,
un cuarteto de cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un
violonchelo). La interpretación de acordes improvisados de la época barroca del
tecladista de continuo o el laudista se eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.

Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el

desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel
importante en el patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los
compositores podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reyes o príncipes.
La creciente popularidad de la música clásica llevó a un crecimiento en el número y
tipos de orquestas. La expansión de los conciertos orquestales requirió la
construcción de grandes espacios para espectáculos públicos. La música sinfónica,
incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet y los géneros
vocales/instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron más
populares.

Los compositores más destacados del clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach,
Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus
Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se
consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que comenzó a
moverse hacia el Romanticismo.

Romanticismo

El piano fue la pieza central de la actividad social de los urbanitas de clase

media en el siglo xix (Moritz von Schwind, 1868). El hombre al piano es el
compositor Franz Schubert.
Artículo principal: Música del Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo xix tenía muchos elementos en común
con los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El
Romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se
caracterizó por su énfasis en la emoción y el individualismo, así como por la
glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La música romántica se expandió
más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica hacia piezas y canciones
expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores románticos como Richard
Wagner y Johannes Brahms intentaron aumentar la expresión emocional y el poder en
su música para describir verdades más profundas o sentimientos humanos. Con poemas
sinfónicos, los compositores intentaron contar historias y evocar imágenes o
paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el
orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música
folclórica. Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a
prevalecer sobre la tradición.

Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el

sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la
literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma.
El amor romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas
durante este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras
formales del período clásico (por ejemplo, la forma sonata utilizada en cuartetos
de cuerda y sinfonías), pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos
casos, se exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones existentes.
Además, se crearon nuevos formularios que se consideraron más adecuados para el
nuevo tema. Los compositores continuaron desarrollando música de ópera y ballet,
explorando nuevos estilos y temas.26

En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y
Franz Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de
Beethoven, los motivos cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a
la melodía como la unidad compositiva más significativa.e Compositores románticos
posteriores como Piotr Ilich Chaikovski, Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron
acordes más inusuales y más disonancia para crear una tensión dramática. Generaron
obras musicales complejas y, a menudo, mucho más largas. Durante el período
romántico tardío, los compositores exploraron las alteraciones cromáticas
dramáticas de la tonalidad, como los acordes extendidos y los acordes alterados,
que crearon nuevos colores de sonido. A finales del siglo xix se produjo una
expansión espectacular en el tamaño de la orquesta y la Revolución industrial ayudó
a crear mejores instrumentos, creando un sonido más potente. Los conciertos
públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad urbana acomodada.
También vio una nueva diversidad en la música para teatro, incluida la opereta, la
comedia musical y otras formas de teatro musical.26

El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito

musical sino también en el técnico ya que gracias a los avances logrados debido a
la Revolución industrial su mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la misma
forma que el capitalismo influyó en el modo de organización jerárquico de las
cadenas de producción, el piano se utilizó como herramienta para conseguir la
expresión musical y como ayuda a la composición.39 En dicho período hubo
importantes compositores como Félix Mendelssohn, Frédéric Chopin, Franz Liszt,
Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz que
realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan compositores como
Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel Fauré.40

Siglo XX y XXI

Enrico Caruso con un gramófono.

Artículo principal: [[:Música clásica del siglo xx | Música clásica del siglo xx]]
En el siglo xix, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron
a conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la
música aficionados de clase media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos
comunes, como el violín. Con la música del siglo xx, la invención de nuevas
tecnologías eléctricas como la radiodifusión y la disponibilidad de discos de
gramófono en el mercado masivo significó que las grabaciones sonoras de canciones y
piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la radio o en su tocadiscos) se
convirtieron en la principal vía para aprender sobre nuevas canciones y piezas.
Hubo un gran aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó popularidad
y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y distribuir música, porque mientras
que en el siglo xix, el enfoque en las partituras restringió el acceso de la nueva
música a las personas de clase media y alta que podían leer música y poseían pianos
e instrumentos, en el siglo xx, cualquier persona con radio o tocadiscos podía
escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar. Esto
permitió a las personas de bajos ingresos, que no podían pagar una entrada para un
concierto de ópera o sinfónico, escuchar esta música. También significaba que las
personas podían escuchar música de diferentes partes del país, además de diferentes
partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares. Esto
ayudó a difundir los estilos musicales.
El enfoque de la música artística en el siglo xx se caracterizó por la exploración
de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial
influyeron en muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores
comenzaron a explorar sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron
estilos musicales tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente de
ideas para la música clásica. Ígor Stravinski, Arnold Schönberg y John Cage fueron
compositores influyentes en la música artística del siglo xx. La invención de la
grabación de sonido y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo subgénero
de la música clásica, incluidas las escuelas de composición electrónica
acusmática41 y música concreta. La grabación de sonido también fue de gran
influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares, porque permitió que
las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran ampliamente. La introducción
del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia en la música rock,
porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una banda. Usando un
sistema multipista, una banda y su productor musical podrían sobregrabar muchas
capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos que no serían
posibles en una actuación en vivo.

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la

izquierda: Louis Armstrong, Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del
siglo xx y durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El
jazz es una forma de arte musical estadounidense que se originó a principios de
siglo en las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos a partir de una
confluencia de tradiciones musicales africanas y europeas. El pedigrí de África
Occidental del estilo es evidente en el uso de notas de blues, improvisación,
polirritmos, síncopa y la nota swing.42

La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de

1960 a partir del rock and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la
música country.43 El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica
o acústica y utiliza un fuerte ritmo de fondo establecido por una sección rítmica.
Junto con la guitarra o los teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se
utilizan como instrumentos solistas. La sección rítmica tradicional de la música
popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la batería. Algunas bandas
también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o, desde la década de
1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos pop comenzaron a
usar sintetizadores digitales, como el Yamaha DX7, cajas de ritmos electrónicas
como el Roland TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland TB-303) o
teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada vez
más amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y
software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de
2020, los sintetizadores de software y las aplicaciones de música de computadora
permiten crear y grabar variados tipos de música, como música electrónica de baile
en su propia casa, agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la
grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas de géneros como el nu
metal comenzaron a incluir DJ en sus bandas. Los DJs crean música manipulando
música grabada en tocadiscos o reproductores de CD, usando un mezclador de DJ.

Cultura y música

Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la versión actual

de este artículo o sección.
En la página de discusión puedes consultar el debate al respecto.
Violinista en la catedral de Dublín.
Todas las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. La mayoría de las
especies animales también son capaces de producir sonidos de una forma organizada
para comunicar una gran variedad de mensajes. Lo que define a la música de los
hombres no es tanto el ser una combinación «correcta» (o «armoniosa» o «bella») de
sonidos en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de un
grupo social determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y

culturas tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto
a los instrumentos utilizados para producir música, en cuanto a las formas de
emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el ritmo y la melodía, y, sobre
todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las diferentes sociedades:
no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que la música
que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca.
Tomando en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un
contexto social determinado, podemos ser más precisos a la hora de definir las
características comunes de la música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a
las músicas que no son las de nuestra sociedad.

La Música, representación alegórica de la música, diseñada por Józef Gosławski en

un edificio en Varsovia.
La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas
producidas durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características
son «universales», es decir, comunes a todos los seres humanos de todas las
culturas y de todos los tiempos. Dice Schopenhauer, «(la música) repercute en el
hombre de manera tan potente y magnífica, que puede ser comparada a una lengua
universal, cuya claridad y elocuencia supera a todos los idiomas de la tierra».44

Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal», puesto que varios de sus
elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre
las frecuencias de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones
más o menos matemáticas, y que los humanos en mayor o menor medida, estamos
naturalmente capacitados para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o
soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos. Así, por ejemplo, se
ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en realidad es
exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha
creído que la armonía es privativa de la cultura occidental[cita requerida] porque
representa un estadio más «avanzado» o «superior» de la «evolución» de la música.

Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u

occidentalizadas) es la compleja división del trabajo de la que es objeto la
práctica musical. Así, por ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música,
otro quien la ejecuta, y un tercero quien cobra las regalías. La idea de que quien
crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como la idea de
que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se
produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo
más común (es decir, lo más «universal») es que creador e intérprete sean la misma
persona.

La notación musical occidental

Artículo principal: Historia de la notación en la música occidental

Fragmento de uno de los himnos dedicado al dios de la música Apolo, en Delfos,

Grecia. El templo oracular era una acrópolis y fue construido en su honor. Este
fragmento contiene la notación musical introducida por los helenos, situando las
notas por sobre las estrofas (a modo de «cancionero popular»).
Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de
notación musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media
(principalmente canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de notación
musical que evolucionaría al actual. En el Renacimiento cristalizó con los rasgos
más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo lenguaje- ha
ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.

El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el

transcurrir del tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del
sonido. Las alturas se leen en relación con un pentagrama (del griego «πεντα»,
«penta»: cinco; y «γραμμa», «grama»: líneas), que al comienzo tiene una clave que
tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinada
nota musical. En un pentagrama encabezado por la «clave de sol en segunda línea»
nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando
desde abajo), como la el sonido que se escribe en el espacio entre la segunda y la
tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que
quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más usadas son
las de:

do en tercera línea (clave que toma como referencia al do4 de 261,63 Hz, el do
central del piano),
sol en segunda línea (que se refiere al sol que se encuentra una quinta por encima
del do central), y
fa en cuarta línea (referida al fa que está una quinta por debajo del do central).
El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases:
cada línea vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el
comienzo del siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos
números; el número de arriba indica la cantidad de tiempos que tiene cada compás;
el número de abajo nos indica cuál será la unidad de tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda

(representada como un círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito
vertical llamado plica), la negra (igual que la blanca pero con un círculo negro),
la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza en la
punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos
horizontales), etc. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la
mitad que una redonda y el doble que una negra, etc.

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo
en determinada partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación
del compás: si es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca
corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será representado por una negra,
etc. Así, una partitura encabezada por un 3
4 estará dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una
negra y cuatro corcheas, etc.); un compás de 4
8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un
silencio de redonda, de blanca, etc..

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o
mitad), lo que no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con tresillos.
Cuando se desea que a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se
le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea que la nota dure,
además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos notas y se las une por
medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras

escritas más o menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo,
las intensidades se indican mediante el uso de una «f» (forte, fuerte) o una «p»
(piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los pulsos se indica
con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de velocidad: largo,
lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.

Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico

El canto de los ángeles (obra de William Bouguereau), siglo xix.

La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un
mejor rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan ambos
hemisferios cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y disciplina
de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la
capacidad de las aptitudes mencionadas. En el momento en el que el cerebro se ve
retado a dividirse en varias funciones que requieren concentración y precisión,
como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo, entre otros,
mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la
Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos musicales
hace que los dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización
produce que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de la
concentración, memoria y aprendizaje. El legendario científico español de la
neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que la única actividad que
hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en este
instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en
distintos ritmos y velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una
importante función al utilizarse los pedales.45

A nivel mental, también se considera muy útil la teoría musical para facilitar el
aprendizaje de otros idiomas. Características importantes de la música, como el
tono, el timbre, la intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones
del habla en los distintos idiomas. Cada uno de estos tiene un acento distinto, y
en la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían
acoplar a los diferentes idiomas.46
Musical

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Elenco de Hamilton reuniéndose con el presidente Barack Obama.

Un musical es una forma de expresión de arte escénico en el que la acción se
desenvuelve con secciones cantadas y generalmente, bailadas justo después de un
diálogo no muy extenso. Es un género que combina la música, canciones, diálogo y
baile, y que suele representarse en grandes escenarios, tal como los teatros de
West End de Londres o Broadway, en Nueva York, principales sedes del teatro
musical, seguidos de Argentina, Australia, Canadá, España, Brasil y México.

Características
El musical remonta sus orígenes a varias fuentes teatrales del siglo XIX, incluida
la opereta, la ópera cómica, la comedia musical, la pantomima, el minstrel show, el
vodevil y el género burlesco.

Existen diversas variedades de musicales dependiendo de la manera en la que hayan

sido escritas. Una de las formas más básicas (con la que se escribieron los
primeros musicales) consiste en tomar canciones pre-existentes y escribir una
historia alrededor de ellas (denominado un musical "jukebox", haciendo alusión a
las antiguas máquinas reproductoras de discos de vinilo, que compilaban canciones
de diversos artistas para ser elegidas por el cliente a cambio de una moneda).

Sin embargo, para muchos esta forma de escribir se volvió un tanto limitada ya que,
en muchas ocasiones, se añadían canciones por el simple hecho de ser populares.
Esto quitaba profundidad a la obra, por lo que muchos tomaron las riendas y
comenzaron a componer canciones originales para sus musicales. Esto permitió que
las obras adquirieran tonos que nunca podrían haberse adquirido con canciones de
radio y emociones mucho más fuertes. A partir de esto la comedia musical comenzó a
nutrirse de la ópera, donde los diálogos de los personajes eran completamente
cantados (un ejemplo de esto es [RENT], musical/ópera rock, escrito y compuesto por
Jonathan Larson, donde los diálogos son cantados casi en la totalidad de la obra).

Sin embargo esto no quiere decir que esa sea la norma para escribir musicales. Otra
forma, más común hoy en día, es una mixtura entre ambas formas: canciones
originales, pero con segmentos en bloques, donde la estructura tiene forma de
canción>escena>canción>escena. El orden puede variarse, pero en síntesis, los
diálogos son recitados como en una obra teatral tradicional, pero en ciertos
momentos, una canción comienza de imprevisto para ahondar más en los sentimientos
de los personajes o para narrar un hecho (libre de diálogos). Un ejemplo de esta
forma es el musical Despertar de Primavera, adaptación de la obra teatral homónima.

Historia
El musical es una producción en la que se integran en una trama emocional canciones
y bailes, acompañamientos instrumentales e interludios y, a menudo, también danzas.
Este género renació como se conoce hoy en día en la Europa del siglo XIX como una
variante de la opereta, aunque en los diferentes países existía teatro musical con
diferentes estilos: zarzuela, género chico y comedia musical en España, opera
cómica y music hall en Inglaterra u operette en Francia. Mucho después, durante la
primera mitad del siglo XX, se desarrolló en Estados Unidos, país donde ha
registrado el máximo desarrollo.

Orígenes

The Black Crook

Se puede decir que el musical nació el 12 de septiembre de 1866, el día en el que
en Estados Unidos se pone en escena por primera vez una ópera (The Black Crook),
que surge de la unión entre una compañía de danza y baile europea con una compañía
de teatro. Esta colaboración surge del hecho de que la primera se encontraba sin un
recinto donde actuar mientras que la segunda estaba montando una producción que
resultaba ser mucho más cara de lo esperado. Superadas las dificultades económicas
y de organización el 12 de septiembre se estrenaba la pieza en el Niblo's Garden de
Nueva York.

Por tanto, el musical se desarrolla como una forma de teatro dirigido a las masas y
para un público muy diverso. Su estructura y estilo permite que el espectador sea
capaz de seguir el espectáculo como en un vodevil (teatro de variedades), dando
como resultado una representación más simple y fácil de entender que la prosa
tradicional.

La comedia musical nace en los Estados Unidos en un contexto histórico de fortísima

inmigración con una población urbana compleja y de muy distintos orígenes étnicos y
culturales, que a menudo ni siquiera hablan 'inglés; estos colectivos representan
una vasta audiencia potencial para el musical, porque esta forma de entretenimiento
es capaz de atraer con facilidad el interés del público con una historia que es
claramente evidente en el desarrollo del espectáculo, sin necesidad de tener un
profundo conocimiento del idioma, y que al mismo tiempo visualmente atractiva.

The Wizard of Oz
A partir de Nueva York (Broadway), la cultura del musical se va extendiendo por el
resto del territorio estadounidense. Comienzan a estrenarse obras que pasarían a la
historia de esta modalidad de espectáculo: Así, A Trip to Chinatown (1891), de
Percy Gaunt; Wang de Woolson Morse; The Belle of New York (1897) de Gustave Kerker
con Edna May o The Wizard of Oz (1902), de Paul Tietjens.

Por su parte, en Europa el centro del fenómeno de los musicales, se sitúa en la

ciudad de Londres, donde en 1893 se estrenaba A Gaiety Girl de Sidney Jones y un
año más tarde lo hacía The Shop Girl, de Ivan Caryll con Seymour Hicks y Ellaline
Terriss, que llegó a alcanzar las 546 representaciones. En 1896 destaca The Geisha,
de Sidney Jones, con 760 representaciones y The Circus Girl, de Caryll. En años
sucesivos, fueron destacables The French Maid (1897), de Walter Slaughter, con
Herbert Standing; A Runaway Girl (1898), de Caryll; A Chinese Honeymoon, (1901), de
Howard Talbot; The Girl from Kays (1903), de Caryll y Owen Hall, con Willie Edouin;
The Catch of the Season (1904) de Herbert Haines y Evelyn Baker; The Arcadians
(1909), de Monckton y Talbot; o Our Miss Gibbs de Caryll y Monckton, con Gladys
Cooper.

A lo largo de la década de 1910, se afianzan estos espectáculos a ambos lados del

Atlántico. Destacaron Adele (1913), de Adolf Philipp; Watch Your Step (1914) de
Irving Berlin; Very Good Eddie (1915), de Jerome Kern, con Ernest Truex; Chu Chin
Chow (1916), de Frederic Norton, con Lily Brayton y Oscar Asche, estrenado en el
Her Majesty's Theatre, de Londres, que alcanzó las 2.238 representaciones y llegó a
Broadway un año más tarde a Nueva York, donde fue interpretado por Tyrone Power,
Sr., Henry E. Dixey y Tessa Kosta; Theodore & Co (1916) de Ivor Novello y Kern con
Leslie Henson; Oh Boy! (1917), de Kern, con Tom Powers, Edna May Oliver, Marion
Davies y Justine Johnstone; Maytime (1917), de Romberg con Peggy Wood; Going Up
(1917), de Louis Hirsch con Ed Begley; The Better 'Ole (1917), de Herman Darewski
con Charles Coburn; Yes, Uncle! (1917), de Nat D. Ayer con Cyril Ritchard; o Sinbad
(1918), de Romberg, con Al Jolson.

Años 1920

Fred y Adele Astaire

Los musicales de los años veinte, con influencias del vodevil, music hall y otros
espectáculos ligeros, tendían a enfatizar los actores y actrices, coreografías
espectaculares y canciones populares, a expensas de la trama. Típicas de la década
fueron producciones ligeras como Sally; Lady Be Good; Sunny; No, No, Nanette; Oh,
Kay! y Funny Face. Pese a que los libretos de estos espectáculos careciesen de
consistencia, permitieron el lucimiento de estrellas como Marilyn Miller y Fred
Astaire y generaron decenas de canciones populares que pasaron a la historia del
musical, en composiciones de Jerome Kern, los hermanos Gershwin, Irving Berlin,
Cole Porter, Vincent Youmans, y el equipo de Richard Rodgers y Lorenz Hart. A lo
largo de la primera mitad del siglo xx, la música popular fue dominado por los
compositores de teatro musical y letristas. Incluyen temas como Fascinating Rhythm,
Tea for Two y Someone to Watch Over Me, populares a ambos lados del océano
Atlántico.

Muchos de los espectáculos eran revistas o sucesiones de sketches y canciones con

poca o ninguna conexión entre ellos. El más conocido de estos fue el Ziegfeld
Follies anual, revistas espectaculares de canto y baile en Broadway con conjuntos
extravagantes, trajes elaborados y hermosas coristas. Todo ello, además, provocó un
encarecimiento de los costes. Shuffle Along, un espectáculo exclusivamente de afro-
americanos fue todo un éxito en Broadway.1 En Londres, estrellas como Ivor Novello
y Noël Coward ganaban popularidad. Mientras tanto, las operetas, que habían estado
casi ausentes de la escena de habla inglesa desde la I Guerra Mundial, tuvieron un
último estallido de popularidad; obras de compositores europeos continentales
tuvieron éxito, como por ejemplo las de Sigmund Romberg y Rudolf Friml en Estados
Unidos, incluyendo Rose-Marie (1924), The Student Prince (1926) o The New Moon
(1928).2

Más allá de los musicales comparativamente frívolos y las operetas sentimentales de

la década, Show Boat, que se estrenó el 27 de diciembre de 1927 en el Teatro
Ziegfeld de Nueva York, supuso un punto de inflexión al integrar plenamente música
y libreto, narrando la historia a través de las canciones.3

Años 1930

Lorenz Hart y Richard Rodgers

La Gran Depresión afectó el público teatral a ambos lados del Atlántico, ya que la
gente tenía poco dinero para gastar en entretenimiento. Solo unos cuantos
espectáculos superaron una permanencia en Broadway o en Londres de 500
representaciones durante la década.

Muchos espectáculos siguieron el estilo de canto y danza alegre de sus predecesores

de los años 1920. La pareja de baile formada por Fred Astaire y su hermana Adele
protagonizaban la revista The Band Wagon (1931), mientras que Anything Goes (1934),
de Cole Porter consagraba a Ethel Merman como la reina de teatro musical, título
que mantuvo durante muchos años. Escritores británicos, como Noël Coward e Ivor
Novello continuaron estrenando musicales sentimentales de la antigua moda, como The
Dancing Years. Del mismo modo, Rodgers & Hart regresaron de Hollywood para triunfar
de nuevo en Broadway, en montajes como On Your Toes (1936), Babes In Arms (1937) y
The Boys From Syracuse (1938). El récord de la década en permanencia en cartel lo
ostenta Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que alcanzó
las 1404 representaciones.

George Gershwin
Especial mención merece Of Thee I Sing (1931), una sátira política con música de
George Gershwin y letra de Ira Gershwin y Morrie Ryskind, que fue el primer musical
galardonado con el Premio Pulitzer.4 As Thousands Cheer (1933), una revista por
Irving Berlin, en la que cada canción se basaba en un titular de periódico, fue el
primer espectáculo de Broadway en el que una persona afrodescendiente, Ethel
Waters, fue protagonista junto a actores blancos. Porgy and Bess (1935), de los
hermanos Gershwin y DuBose Heyward, contó con un elenco totalmente afrodescendiente
y mezclaba ópera, folk y modismos de jazz. Por su parte, The Cradle Will Rock
(1937), con música y letra de Marc Blitzstein y dirección de Orson Welles, era una
pieza a favor de los sindicatos con connotaciones altamente políticas que, a pesar
de la controversia en torno a ella, se las arregló para mantenerse durante 108
representaciones. I'd Rather Be Right (1937), de Richard Rodgers y Lorenz Hart era
una sátira política con George M. Cohan como el presidente Franklin D. Roosevelt.

A pesar de los problemas económicos de la década y la competencia del cine, el

género musical sobrevivió. De hecho, el movimiento hacia la sátira política en Of
Thee I Sing, I'd Rather Be Right y Knickerbocker Holiday, junto con la
sofisticación musical de los musicales de Gershwin, Kern, Rodgers y Weill y la
puesta en escena de ritmo rápido y estilo de diálogo naturalista creado por el
director George Abbott, mostró que el teatro musical comenzaba a evolucionar más
allá de los gags y coristas musicales de décadas anteriores y el romance
sentimental del género de la opereta.

Años 1940

Richard Rodgers, Irving Berlin, Oscar Hammerstein II y Helen Tamiris

La década de 1940 se iniciaría con nuevos éxitos de Porter, Irving Berlin, Rodgers
y Hart, Weill y Gershwin, algunos con permanencias en cartel de más de 500
representaciones.
Oklahoma! (1943), de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II supuso la culminación
de la revolución artística iniciada con Show Boat, por la estrecha integración de
todos los aspectos del teatro musical, con una trama coherente, canciones que
respaldaban el argumento y coreografía de apoyo a la trama, desarrollando los
personajes, en lugar de utilizar la danza como una excusa para un mero desfile de
mujeres ligeras de ropa por todo el escenario. En el montaje, la coreoógrafa Agnes
de Mille utiliza movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus
ideas. Desafió las convenciones musicales levantando el telón del primer acto, no
con un grupo de coristas, sino con una mujer batiendo la mantequilla, con una voz
en off cantando las primeras líneas de Oh, What a Beautiful Mornin sin
acompañamiento. La obra recibió críticas muy favorables, fue un éxito de taquilla y
recibió un Premio Pulitzer. Oklahoma fue el primer gran espectáculo de masas de
Broadway, permaneciendo en cartel durante 2.212 representaciones, y se convirtió en
una película de éxito. Sigue siendo una de las más representadas de los proyectos
del papa . Para algunos autores se convirtió en un auténtico hito, y algunos
historiadores comenzarían a identificar eras en la historia del teatro musical del
siglo xx según su relación con Oklahoma!.5

Ethel Merman
La colaboración entre Rodgers y Hammerstein dio lugar a una extraordinaria
colección de algunos de los mejores y más perdurables clásicos del teatro musical,
como Carousel (1945), South Pacific (1949), El rey y yo (1951), y The Sound of
Music (1959). Algunos de estos musicales abordan cuestiones con mayor carga
dramática que la mayoría de los espectáculos anteriores: El villano en Oklahoma! es
un presunto asesino y psicópata; Carousel, trata sobre la violencia doméstica y el
suicidio; South Pacific explora el mestizaje y el héroe de El rey y yo muere en el
escenario.

Tales cotas de creatividad estimularon a otros autores, dando lugar a la llamada

Edad de Oro del musical en Estados Unidos. Como ejemplos pueden mencionarse On the
Town (1944), con libreto de Betty Comden y Adolph Green, y música de Leonard
Bernstein y coreografiado por Jerome Robbins. La historia está ambientada en
tiempos de guerra y se refiere a tres marineros que están en un permiso en tierra
de 24 horas en la ciudad de Nueva York, durante la cual cada uno de ellos se
enamora. Annie Get Your Gun (1946, 1147 representaciones), de Irving Berlin basado
en la figura real de Annie Oakley. Finian's Rainbow (1947, 725 representaciones),
de Burton Lane, Yip Harburg y Fred Saidy, que es una sátira política combinada con
fantasías irlandesas; y Kiss Me, Kate (1948, 1077 representaciones), de Cole
Porter, basada en La fierecilla domada, de William Shakespeare

Años 1950

Julie Andrews
La década se inicia con el éxito de Guys and Dolls, (1950, 1200 representaciones),
de Frank Loesser y Abe Burrows; por su parte, la Fiebre del oro de California
centraba el argumento de Paint Your Wagon (1951) de Alan Jay Lerner y Frederick
Loewe. Lerner y Loewe colaboraron de nuevo en My Fair Lady (1956), una adaptación
de la obra de teatro Pigmalión, de George Bernard Shaw, protagonizada por Rex
Harrison y Julie Andrews, que con 2717 representaciones mantuvo el récord de
representaciones durante muchos años. Por su parte, The Boy Friend (1954) alcanzó
las 2.078 en Londres.

Otro récord se estableció por La ópera de tres centavos , que se representó en 2707
ocasiones, convirtiéndose en el musical off-Broadway más longevo hasta Los
Fantasticks. Esta producción también fue importante porque demostró que los
musicales podían ser rentables fuera de Broadway en un pequeño formato de orquesta
en pequeños locales. Esto se confirmó en 1959, cuando el reestreno de Leave It to
Jane de Jerome Kern y P. G. Wodehouse se mantuvo durante más de dos años. La
cartelera del Off-Broadway de la temporada 1959-1960 incluyó una docena de
musicales y revistas, como Little Mary Sunshine, The Fantasticks y Ernest in Love,
una adaptación musical de La importancia de llamarse Ernesto, de Oscar Wilde.

Leonard Bernstein
West Side Story (1957), supuso una traslación de Romeo y Julieta al Nueva York
contemporáneo y convirtió la enemistad entre Montescos y Capuletos en oposición
entre bandas étnicas, los Jets y los Sharks. El libreto fue adaptado por Arthur
Laurents, con música de Leonard Bernstein y letra de Stephen Sondheim. Fue bien
acogido por la crítica, pero no tanto por el público. Tampoco cosechó grandes
éxitos en la entrega de los Premio Tony, frente a el señor de los anillos (1957).
En cualquier caso, West Side Story tuvo una respetable carrera de 732
representaciones (1040 en el West End londinense), mientras que The Music Man se
representó durante casi el doble de tiempo, con 1.375 actuaciones. Por el
contrario, la película de West Side Story fue un rotundo éxito.6 Arthur Laurents y
Stephen Sondheim se unirían de nuevo para Gypsy (1959, 702 representaciones), sobre
la vida de Gypsy Rose Lee con música de Jule Styne.

La década finalizaba con otro gran éxito de Rodgers y Hammerstein, The Sound of
Music, que también se convirtió en un triunfo para su protagonista Mary Martin. Se
mantuvo durante 1,443 representaciones y compartió el premio Tony al Mejor Musical.
En parte debido al éxito arrollador de su versión cinematográfica, Sonrisas y
lágrimas en España, se ha convertido en uno de los musicales más populares de la
historia.

Años 1960

Stephen Sondheim
1960 fue el año del estreno de The Fantasticks concretamente en el Off-Broadway.
Este espectáculo alegórico e íntimo se seguiría representando durante más de 40
años en el Sullivan Street Theatre del Greenwich Village, llegando a ser, con
mucho, el musical de más larga duración en la historia. Sus autores produjeron
otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! I Do!, el
primer musical de Broadway con tan solo dos personajes. A lo largo de la década se
estrenaron grandes éxitos de taquilla, como El violinista en el tejado (1964; 3242
representaciones), Hello, Dolly (1964; 2844 representaciones), Funny Girl (1964;
1348 representaciones), y El hombre de La Mancha (1965; 2328 representaciones),
junto a apuestas más arriesgadas como Cabaret (1966), antes de terminar con la
aparición del musical de rock. Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la
historia del teatro musical desde el comienzo de esta década: Stephen Sondheim y
Jerry Herman. El primer proyecto para el que Sondheim escribió la música y la letra
fue A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 representaciones),
traducida en España como Golfus de Roma, con libreto basado en las obras de Plauto
por Burt Shevelove y Larry Gelbart, y protagonizada por Zero Mostel. Sondheim fue
más allá del manido argumento romántico, explorando facetas más oscuras de la
personalidad humana. Otras obras destacadas de Sondheim fueron Anyone Can Whistle
(1964, con Lee Remick y Angela Lansbury, Company (1970), Follies (1971) y A Little
Night Music (1973). Más tarde, Sondheim encontró inspiración en fuentes poco
habituales: la apertura de Japón al comercio occidental en Pacific Overtures
(1976), un legendario barbero asesino en busca de venganza en el Londres victoriano
en Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat en Sunday in the Park with
George (1984), los cuentos de hadas en Into the Woods (1987), y el magnicidio en
Assassins (1990).

Ben Vereen
Mientras que algunos críticos han argumentado que algunos de los musicales de
Sondheim carecen de atractivo comercial, otros han elogiado su sofisticación lírica
y complejidad musical, así como la interacción de las letras y la música en sus
espectáculos. Algunas de las innovaciones notables de Sondheim incluyen un
espectáculo presentó a la inversa ( Merrily We Roll Along) y la mencionada Anyone
Can Whistle, en la que el primero acto termina con el elenco informando al público
que están locos.

Jerry Herman desempeñó un papel significativo en el teatro musical americano,

comenzando con su primera producción de Broadway, Milk and Honey (1961, 563
representaciones), acerca de la fundación del Estado de Israel, y continuando con
los éxitos de taquilla Hello, Dolly (1964, 2844 representaciones), Mame (1966, 1508
representaciones), y La Cage aux Folles (1983, 1761 representaciones). Incluso sus
espectáculos menos exitosos como Dear World (1969) y Mack & Mabel (1974) tuvieron
su relevancia. Algunas de las canciones de Herman para musicales han sido grabadas
por artistas como Louis Armstrong, Eydie Gorme, Barbra Streisand, Petula Clark y
Bernadette Peters. El repertorio de Herman ha sido objeto de dos revistas
musicales, Jerry Girls (Broadway, 1985), y Showtune (off-Broadway, 2003).

Uno de los hitos de la década fue sin duda el musical Hair, que incluyó no solo la
música rock sino también el desnudo y opiniones controvertidas sobre la guerra de
Vietnam, las relaciones interraciales y otras cuestiones sociales.7

Años 1970
Tras el éxito de Hair , el musical de rock floreció en la década de 1970, con
títulos tan conocidos como Jesucristo Superstar (1971), Godspell (1971), The Rocky
Horror Show (1973) y Two Gentlemen of Verona (1973). Algunos de estos musicales de
rock comenzaron como álbumes conceptuales y después se traspusieron a los
escenarios o a la pantalla, como Tommy. Otros no tenían ningún diálogo o
presentaban reminiscencias operísticas y fueron conocidos como ópera rock. Por otro
lado, espectáculos como Raisin, Dreamgirls, Purlie y The Wiz situaron al colectivo
afrodescendiente en una posición significativa en la escena de Broadway. Nuevos y
variados géneros y estilos musicales fueron teniendo cabida en los musicales, tanto
en Broadway como en otros escenarios.

1975 fue el año en que se estrenó un musical que el crítico del New York Times
Clive Barnes llegó a calificar de "tremendo". 8 Se trata de A Chorus Line, que
surgió de grabaciones de ensayos de coristas de las grandes estrellas de Broadway.
Sobre esa base de cientos de horas de cintas, James Kirkwood, Jr. y Nick Dante
escribieron un libreto sobre una audición para un musical, incorporando muchas
historias de la vida real de las sesiones. Con música de Marvin Hamlisch y letras
de Edward Kleban, A Chorus Line se estrenó en el Lower Manhattan, pasando después
al Shubert Theatre de Broadway donde alcanzó las 6.137 representaciones,
convirtiéndose en la producción de más larga duración en la historia de Broadway
hasta ese momento. El espectáculo barrió los premios Tony y ganó el Premio
Pulitzer.

El público de Broadway comenzó a apreciar musicales con un estilo y temática

alejados de lo que había sido la norma hasta el momento. Así, John Kander y Fred
Ebb exploraron el aumento del nazismo en la Alemania de los años 1930 en Cabaret
(1975 y la época de la Ley seca fue retratada en Chicago (1975). Por su parte,
Pippin (1972), por Stephen Schwartz, estaba ambientado en la época de Carlomagno.
La película autobiográfica 8 ½, de Federico Fellini se convirtió en Nine, de Maury
Yeston.

Al final de la década, Evita (1978) y Sweeney Todd (1979) fueron precursores de los
grandes musicales de elevado presupuesto de la década de 1980 que recrearían
historias dramáticas, y contarían con espectaculares efectos. Sin embargo, durante
este mismo período, los viejos valores se mantuvieron en éxitos como Annie (1977) y
La Calle 42 (1980). Durante la década se realizaron versiones cinematográficas de
varios musicales, destacando El violinista en el tejado (película), Cabaret y
Grease .9

Años 1980
La década de 1980 vio la influencia de los "mega-musicales" europeos y de las
"óperas pop", en Broadway, en el West End y en otros lugares. Por lo general se
caracterizaron por sus influencias pop, grandes elencos, muy notables efectos
especiales y grandes presupuestos. Muchos estaban basados en novelas u otras obras
de la literatura. Entre los escritores más importantes de "mega-musicales" debe
mencionarse el equipo francés de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil,
responsables de Los Miserables, que se convirtió en el éxito musical internacional
de más larga duración en la historia. El equipo, en colaboración con Richard
Maltby, Jr., continuó produciendo éxitos, entre ellos Miss Saigon (1989), inspirada
en la ópera de Puccini Madame Butterfly , y con espectaculares efectos que incluyen
el aterrizaje de un helicóptero sobre el escenario.

Andrew Lloyd Webber

El compositor británico Andrew Lloyd Webber tuvo un éxito similar con Evita ,
basada en la vida de la argentina Eva Perón; Cats (1981), derivado de los poemas de
T. S. Eliot (ambos musicales fueron originalmente protagonizados por Elaine Paige);
Starlight Express, realizado sobre patines; El fantasma de la Ópera (1986),
derivado de la novela homónima de Gaston Leroux; y Sunset Boulevard (de la clásica
película del mismo nombre). Estas obras se representaron (o aún lo hacen) durante
décadas, tanto en Nueva York como en Londres y tuvieron extraordinario éxito
internacional. Con sus enormes presupuestos, los mega-musicales redefinieron los
parámetros de éxito financiero en Broadway y el West End. En años anteriores, era
posible que un espectáculo fuera considerado un éxito después si lograba mantenerse
a lo largo de varios cientos de representaciones, pero con unos costes de
producción de varios millones de dólares, un espectáculo debe funcionar durante
años simplemente para obtener algún beneficio..

Años 1990

The Lion King en Broadway

En la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales,
pudiendo mencionarse a Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa, que comenzaron
su trayectoria con producciones en el Off-Broadway. El éxito más notable de esta
generación fue Rent (1996), de Jonathan Larson, un musical de rock basado en la
ópera La Bohème sobre un grupo de artistas de Manhattan. Rent, con precios de
entrada asequibles, apuntaba a conseguir un público joven y se convirtió en un
éxito. Otros musicales en Broadway siguieron su estela, ofreciendo descuentos o
estableciendo precios más económicos un día a la semana.10

La década de 1990 también fue testigo de la influencia de las grandes compañías

productoras en el montaje de musicales. La más importante ha sido The Walt Disney
Company, que comenzó a adaptar algunas de sus películas musicales animadas de la
época, como La Bella y la Bestia (1994), El Rey León (1997) y Aída (2000), estos
dos últimos con música de Elton John. El Rey León se ha llegado a convertir en el
espectáculo más taquillero en la historia musical de Broadway.11

A pesar del creciente número de grandes musicales en los años 1980 y 1990, también
se produjeron otros de menor presupuesto, que llegaron a alcanzar la suficiencia
financiera y el aplauso de la crítica, como Falsettoland, Little Shop of Horrors,
Bat Boy: The Musical y Blood Brothers. Los temas de estos montajes varían
ampliamente, y la música va desde el rock al pop, pero con frecuencia se producen
fuera de Broadway, o para los más pequeños teatros de Londres, y algunas de estas
puestas en escena han sido consideradas como imaginativas e innovadoras.12
Siglo xxi
En el nuevo siglo, los productores, deseosos de garantizar la recuperación de sus
inversiones, han apostado por musicales dirigidos a un público masivo. En algunos
se apostó por temáticas novedosas, como Avenida Q (2003), The Light in the Piazza
(2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2007), Next to Normal (2009) y
American Idiot (2010). Pero la mayoría optó por fórmulas ya probadas, tales como
películas ( The Producers, Spamalot Hairspray , Una rubia muy legal, The Color
Purple, Xanadú, Billy Elliot, Mary Poppins y Shrek) o clásicos de la Literatura (La
pimpinela escarlata y Wicked) con la esperanza de que los espectáculos tendrán un
público integrado como resultado.

Por otro lado, varios musicales volvieron al formato de gran espectáculo que tanto
éxito cosechó en la década de 1980, como El Señor de los Anillos (2007), Lo que el
viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). En 2013, la revista
Time destacó sendos musicales que marcaban una nueva tendencia en el Off-Broadway
en los que la puesta en escena tiene lugar alrededor y entre el público. Se trata
de Natasha, Pierre and the Great Comet of 1812 (2012) y Here Lies Love (2013).13

Otra tendencia ha sido la creación de un argumento básico para incorporar un grupo

de canciones exitosas. Es el caso de Movin' Out (2002, basado en las canciones de
Billy Joel), Jersey Boys (2006, sobre temas de The Four Seasons) y Rock of Ages
(2009, con temas de rock clásico de la década de 1980). Este estilo se ha
denominado como "Jukebox musical". 14 De naturaleza similar pero con argumentos más
elaborados pueden mencionarse Mamma Mia! (1999, basado en las canciones de ABBA),
Our House (2002, basado en las canciones de Madness), We Will Rock You (2002,
basado en las canciones de Queen) y Priscilla, reina del desierto (2006).

Algunos musicales famosos

Dentro de este género se pueden destacar obras como:

A Chorus Line (1975).

Annie (1977).
Avenue Q (2003).
Billy Elliot (2005).
Cats (1980).
Chicago (1975).
Dear Evan Hansen (2016)
Dreamgirls (1981).
El Fantasma de la Ópera (1986).
Man of La Mancha (1964).
El Joven Frankenstein (2007).
El Mago de Oz (1987).
El Rey León (1997).
El Rey y Yo (1951).
Evita (1976).
Fama (1988).
Funny Girl (1964).
Grease (1971).
Gypsy (1959).
Hairspray (2007).
Heathers (2016)
In the Heights (2008).
Jersey Boys (2005).
Jesucristo Superstar (1970).
La Bella y la Bestia (1994).
La Novicia Rebelde (1959).
La Ópera de los Tres Centavos (1928), de Bertolt Brecht y Kurt Weill
Legally Blonde (2007).
Los Locos Addams (2010).
Los Miserables (1985)*.
Los Productores (2001).
Mame (1966).
Mamma Mia! (1999).
Marry Poppins (2004).
Matilda (2010)
Mi Bella Dama (1956).
Piaf (1978).
Priscilla, Reina del Desierto (2007)
Rent (1993).
Rock of ages (2006).
Show Boat (1927), de Jerome Kern
Sister Act (2009).
Spring Awakening (2006).
The Rocky Horror Show (1975).
Víctor Victoria (1995).
West Side Story (Amor Sin Barreras) (1957), de Leonard Bernstein
Wicked (2003).
Hamilton (musical) (2015).
Be More Chill (2015).
(*) Si bien la producción original de Les Misérables se estrenó en París en 1980,
las otras producciones alrededor del mundo se basan en la versión del West End de
1985.

Musicales en otros países

Los musicales han salido de su ámbito anglosajón original y se han exportado y
adaptado a países de todo el mundo donde la tradición del teatro lírico ya existía
en formas como zarzuela, ópera, opereta y revista musical.

En los países latinoamericanos como Colombia, Chile, Cuba, México y Perú existe
también una oferta de teatro musical. Muy recientemente, varios países han empezado
a crear sus musicales, sin partir de adaptaciones.

Argentina
En Argentina el género musical, comienza con el circo criollo en 1880, los
espectáculos de varieté en los famosos cabarets de Buenos Aires y continúa con el
sainete porteño en las grandes salas, como género músico-teatral autóctono,
influenciado con la estética y la cultura del Tango y también de elementos
constitutivos del folklore rural de la pampa húmeda. A fines de los años setenta
las producciones en los llamados "Café concerts" proponía obras en pequeños
formatos. "Eva" el gran musical argentino, con el protagonismo de Nacha Guevara,
ofreció una versión propia de la vida de Eva Perón. La comedia musical infantil
tiene en sus máximos eferentes a Carlos Gianni y Hugo Midón, quienes impulsan su
desarrollo. Desde 1991 se desarrolla la comedia musical contemporánea con
influencia norteamericana y grandes producciones. Drácula, el musical de Pepe
Cibrián y Ángel Mahler. Como consecuencia y otros. Durante los años noventa se
desarrolló una fuerte corriente de musicales en la avenida Corrientes, llamada «la
Broadway de Argentina»). Obras extranjeras, tales como Los miserables y El fantasma
de la ópera hicieron notar su influencia.

Bolivia
En La Paz existen productoras dedicadas a montar grandes musicales de Broadway y
del West End. Algunas de ellas son Ciclorama Producciones (dirigida por Gonzalo
Escobar y Daniela Díaz), Mauricio Clavijo (Evita, Notre Dame de París y We will
rock you).

Los musicales más importantes que se han montado son:

Across the universe (adaptación para teatro de la película del mismo nombre, con
música de la banda británica The Beatles),
Amor sin barreras.
Annie (Art Naif).
Avenue Q (En Off).
Cats (Sociedad Filarmónica de La Paz).
El libro de la selva,
El rey león (Art Naif).
En las alturas (In the heights)
Jesucristo superstar (Sociedad Filarmónica de La Paz).
Joseph and the amazing technicolor dreams coat (Sociedad Filarmónica de La Paz).
La sirenita,
Los Miserables (Sociedad Filarmónica de La Paz).
Moulin Rouge (Primera Fila).
Oliver Twist (Sociedad Filarmónica de La Paz).
Rent (Art Naif).
Romeo y Julieta (musical francés traducido al español por los mismos productores
bolivianos).
Brasil
Brasil cuenta con un sólido repertorio de teatro musical, de los cuales se destacan
Muerte y vida Severina (1966) y La ópera del malandro (1985) ambas con música de
Chico Buarque y letras de João Cabral, que han sido representadas en muchos países.

El musical El pagador de promesas (de Anselmo Duarte) ha sido llevado al cine.

Chile
La más conocida comedia musical chilena es La pérgola de las flores escrita por
Isidora Aguirre con música de Francisco Flores del Campo. También Amores de
cantina, que es una tragicomedia musical escrita por el maestro Juan Radrigán. En
la actualidad se están presentando muchos musicales de Broadway, producidos por la
productora Inda Goycoolea & Asociados (IG&A), como "Cabaret", "Cats", "La novicia
rebelde", "Chicago", "My Fair lady" y "El Hombre de la Mancha". A su vez, un
conocido Mall, financia, como parte de su plan de cultura, un musical al año, como
"La pérgola de las flores", "El mago de oz", "Aladino", "Peter Pan" y "La
Sirenita". Por su parte, innumerables compañías nacionales realizan obras musicales
originales y de reposición. Solo en 2019 se montaron más de 70 musicales en todo el
país. También en 2019 se crea la primera ceremonia que premia a los mejores
exponentes del teatro musical chileno, denominados premios Carmen, en honor a la
cantante e intérprete de teatro musical Carmen Barros, sumándose así a lo que ya
realizan los Tony (de EE. UU.) y a los Hugo (de Argentina), por nombrar algunos.
Los Carmen son organizados por la Corporación Nacional de Teatro Musical de Chile,
CONATEMUCH. Otro ejemplo de este género es lo realizado por el Colegio Puerto
Varas. Desde el año 2013, han montado 5 musicales (Los miserables, El rey León,
Matilda, Descubriendo nunca jamás y Shrek) en el Teatro del Lago de Frutillar. La
compañía está compuesta, íntegramente, por estudiantes, profesores, funcionarios y
apoderados del colegio. Esta comunidad ha buscado desarrollar una experiencia
educativa que integre distintas dimensiones formativas en torno a la producción y
ejecución de musicales. Los musicales El Rey León, Matilda, Descubriendo Nunca
Jamás y Shrek fueron estrenados en Chile por dicha comunidad.

Colombia
Se destaca MISI Producciones,15 una de las compañías más importantes del país que
hace representaciones de obras de teatro musical original y de repertorio
universal. Sus producciones han sido reconocidas internacionalmente y recientemente
La más grande historia jamás cantada fue presentada en el Lincoln Center de Nueva
York, y recibió 3 premios ACE.16 En su más reciente producción, "Por siempre
navidad", contó con la participación de grandes personalidades del mundo del
musical, como el director y coreógrafo británico Mitch Sebastian y el célebre
orquestador estadounidense Larry Hochman.17
Entre sus artistas más reconocidos se encuentran: Felipe Salazar Murillo, Sebastián
Martínez, Mónica Danilov, Sofía Salazar, Leonardo Palacios, Santiago Deluchi, Rubén
Montoya, Juliana Reyes y Juliana Velázquez.

Sin duda alguna, la maestra, cantante, artista y mezzosoprano Eliana Quintero es la

más grande voz intérprete a nivel musicales hasta la fecha en Colombia.

Cuba
Cuba es un país con una tradición de comedia musical desde los primeros sainetes
del teatro bufo vernáculo, ya que desde principio de siglo XX se estableció el
teatro Alhambra, que presentó temporadas durante 35 años. También tuvo relevancia
el teatro Martí y el desaparecido teatro Molino Rojo (que después se llamó Regina).

Compositores como Ernesto Lecuona, Gonzalo Roig, Rodrigo Prats o Jorge Ankerman han
contribuido con sus obras al desarrollo de este género teatral y se extendieron a
otras naciones.

Los musicales más importantes fueron Mefistófeles de Ignacio Sarachaga, La isla de

las cotorras de F. Villoch y las zarzuelas María La O (de Ernesto Lecuona en los
años treinta), Cecilia Valdés (de Gonzalo Roig) y Amalia Batista (de Rodrigo
Pratts).

Se destacaron intérpretes internacionales como Rita Montaner, Rosita Fornes y María

de los Ángeles Santana. Las vedettes cubanas ―como Ninón Sevilla, Rosa Carmina,
Amalia Aguilar y María Antonieta Pons― invadieron el cine musical de México. A
Argentina llegaron Blanquita Amaro y Amelita Vargas, muchas de ellas consagradas en
el famoso centro nocturno Tropicana (de La Habana).

España
En España se ha entroncado el auge del musical con la Revista musical española, que
triunfaba en el país desde la década de 1930.18 Será en la década de 1950 cuando
comiencen a estrenarse musicales propiamente dichos. Es decir, adaptaciones a los
escenarios españoles de producciones estadounidenses como Al Sur del Pacífico
(1955)19 o Kiss me Kate.

La década de 1970 conoce un nuevo auge del género, con los estrenos de algunos de
sus más reconocidos montajes internacionales de la época, como Jesucristo
Superstar, Hair, Evita, The Rocky Horror Show o Historia de un caballo.

Será la década de 1980 la que verá los primeros musicales de producción propia,
pudiendo mencionarse Mar i cel, de Dagoll Dagom, La Maja de Goya, con música de
Fernando Arbex y Carmen, Carmen (1988), de Antonio Gala.

En la década de 2000 se produce la gran eclosión del musical español. Por lo

general no se trata de música original sino espectáculos montados sobre temas ya
conocidos por el público, en muchos casos inspirados en la trayectoria de grupos y
cantantes de pop de décadas anteriores (Hoy no me puedo levantar, 2005, con temas
de Mecano; Marta tiene un marcapasos, 2013, de Hombres G, Más de cien mentiras,
2011, de Joaquín Sabina; Quisiera ser, 2007, del Dúo Dinámico), o en un repaso de
la era dorada del pop español (Escuela de calor, 2013; 40, el musical, 2009; El
otro lado de la cama, 2004). Y en el ámbito de la nostalgia, y destinado al público
infantil, ¿Cómo están ustedes?. El musical (2013).

Algunos actores populares de teatro musical en España incluyen Daniel Diges, Adrián
Lastra, Dulcinea Juárez, Paula Sebastián, Marta Valverde, Nina, Leo Rivera, Natalia
Millán, Pedro Ruy Blas, José Sacristán, Paloma San Basilio o Camilo Sesto. es una
milanesa

México
Desde los años cincuenta se han montado en este país musicales importados de
Broadway. Gracias al talento y empeño de Silvia Pinal, Manolo Fábregas, Fela
Fábregas, Rubén Lara, Julissa y Tina Galindo, se ha impulsado la llegada de este
género a México, con obras que se habían presentado en los grandes escenarios de
Broadway y West End como Mi bella dama, Sor-presas, Esa chica es un tiro, Evita,
Vaselina, Jesucristo superestrella, Cats, El violinista en el tejado, El diluvio
que viene, En Roma el amor es broma, Annie y Peter Pan, entre otros.

Actualmente, la productora Ocesa Teatro, bajo la dirección de Federico González

Compeán y Morris Gilbert, se considera la mayor productora de teatro en México. Ha
montado los musicales más exitosos del mundo, siempre fiel a la escenografía y a la
calidad de los escenarios de Broadway y del West End. Esta empresa ha producido,
entre otros, los siguientes musicales:

Musicales de Ocesa
Los miserables
El fantasma de la ópera
La bella y la bestia
Mamma Mia!
El violinista en el tejado
El hombre de La Mancha
Chicago
Jesucristo Superstar
José el soñador
Dulce Caridad
Mary Poppins, con Bianca Marroquin, la primera mexicana que triunfó en Broadway
(con el musical Chicago).
Wicked, con Danna Paola, Cecilia de la Cueva y Ana Cecilia Anzaldúa.
El Rey León, con Carlos Rivera como Simba.
Mentiras el musical (desde 2009 hasta la fecha), un musical mexicano de casi ocho
años en la cartelera, y con más de 29 actores en los papeles y únicamente cinco
personajes. Es muy poco frecuente ver la obra con un mismo elenco en cada ocasión
que se representa.
Otros productores, como Claudio Carrera, en asociación con Tina Galindo y Ocesa,
han dado a luz varios musicales, como Los Locos Addams y Annie, el musical, entre
otros; Tina Galindo (La novicia rebelde, Victor Victoria y Cabaret, entre otras);
Alejandro Gou (Spamalot y Pegados, Hoy no me puedo levantar, El joven Frankestein
(febrero del 2016) y Billy Eliot (a estrenarse en el 2017), entre otros); Gerardo
Quiroz (Cats, Shrek El Musical, El violinista en el tejado, entre otros), y, por
último, Juan Torres y Guillermo Wiechers, que producen el exitoso musical en
Broadway Godspell.

Musicales propiamente mexicanos

México también tiene sus propios musicales, como los siguientes:

Bésame mucho
Perfume de gardenia
Regina: un musical para una nación que despierta
Ciudad blanca
Mentiras, el musical
¡Que plantón!
Amar y querer
Si nos dejan
Timbiriche, el musical
El Agave Rojo: Musical
Aquella Banca del Parque
es una milanesa
Estrellas de los musicales mexicanos
Algunas de las estrellas del teatro musical en México son:
Anahí Allué
Regina Blandón
Lolita Cortés
Crisanta Gómez
Cecilia de la Cueva
Paola Gómez
Kika Edgar
Aldo Ceballos
Alan Estrada
Felipe Flores
Ana Cecilia Anzaldúa
Hiromi Hayakawa
Lisardo
Bianca Marroquín
Majo Pérez
Danna Paola
Carlos Rivera
Mauricio Salas
Natalia Sosa
Rogelio Suárez
Beto Torres
Jerry Velázquez
Gloria Aura
Mauricio Martínez
Martha Fernanda
Perú
En este país existen varias productoras, las cuales impulsan el teatro musical con
gran calidad. Las productoras más importantes son las siguientes:

Preludio.
Los Productores.
Tondero Producciones.
La Gran Manzana.
Escuela D'ART.
ED Producciones.
Primer Nivel Entertainment.
Playbill
betis
Los musicales en el cine
Artículo principal: Cine musical
Se han llevado a cabo distintas adaptaciones de musicales a películas como:

El fantasma de la ópera
My Little Pony: Equestria Girls (2013).
Evita
Grease
The Man From La Mancha
Fiddler on the Roof
Rent
Chicago
Hairspray
Jesus Christ superstar (1973).
Mamma Mia
K-12
La vida en rosa
Los miserables
"Into the woods"
My fair lady (1964).
Singin’ in the rain (1952).
West side story(1961).
Y otras que fueron hechas exclusivamente para el cine y luego pasaron a ser
representaciones teatrales:

Chitty Chitty Bang Bang

Flashdance
Footloose
High School Musical 2 (2007).
High School Musical 3 (2008).
High School Musical (2006).
Legally blonde
Mary Poppins (1964)
Saturday night fever
Shrek, el musical
Pretty Woman (1990)
Beetlejuice (1988)
Musical Freedom

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Musical Freedom
Musical Freedom Records logo.png
Empresa matriz Spinnin' Records
Fundación 08 de 2009
Fundador(es) Tijs Michiel Verwest
Distribuidor PIAS Recordings, Ultra Records (Norteamérica) (2009–10), Spinnin'
Records (2010–presente), PM:AM Recordings (2014–presente)
Género(s) Electro house, EDM, big room house, house, progressive house, future
house, bass house, trap, dubstep
País Bandera de los Países Bajos Países Bajos
Localización Breda, Países Bajos
musicalfreedom.com
[editar datos en Wikidata]
Musical Freedom es un sello discográfico fundado por el DJ y productor discográfico
neerlandés Tiësto con el sello independiente Play It Again Sam12 después de vender
sus acciones de Black Hole Recordings. Fue distribuido en todo el mundo por PIAS
Entertainment Group, excepto en los Estados Unidos, donde fue distribuida por Ultra
Records. Desde 2014, se distribuye por PM:AM Recordings y Spinnin' Records.

Historia
En agosto de 2009, Tiësto fundó Musical Freedom com el sello independiente Play It
Again, Sam después de vender sus acciones de Black Hole Recordings.12

Los principales éxitos que siguieron fueron "Maximal Crazy" de Tiësto, "C'mon
(Catch 'em by Surprise)" de Tiësto y Diplo, "Epic" de Sandro Silva y Quintino,
"Cannonball" de Showtek y Justin Prime, "Red Lights" y "Wasted" de Tiësto,
"Secrets" de Tiësto y KSHMR y "L'amour Toujours" (Tiësto Edit) de Dzeko & Torres.
Además, los dos discos Kaleidoscope y A Town Called Paradise y los cinco Club Life
compilaciones de Tiësto, Club Life: Volume One Las Vegas (2011), Club Life: Volume
Two Miami (2012), Club Life: Volume Three Stockholm (2013) y Club Life: Volume Four
New York City (2015) Club Life: Volume Five China (2017) fueron puestos en libertad
en la etiqueta.
El 20 de julio de 2018 se realizó la primera producción en vivo del sello musical.
Este fue presentado en el festival de música electrónica Tomorrowland luego de 9
años desde su fundación. En esta primera producción se presentaron Djs como Tiësto
(fundador del sello Musical Freedom), Don Diablo, Alan Walker, Jauz, Oliver
Heldens, entre otros artistas que pertenecen a la empresa musical.

Artistas
Múltiples artistas son parte de Musical Freedom, algunos de ellos son: Tiësto,
MOTi, Dzeko & Torres, ZAXX, Dada Life, Hardwell, Bassjackers, Quintino, Tommy
Trash, Nicky Romero, Showtek, R3hab, Sidney Samson, Martin Garrix, Dimitri Vegas &
Like Mike, Firebeatz, Blasterjaxx, Dyro, Oliver Heldens, DVBBS, 3LAU, KSHMR,
DallasK, W&W, The Chainsmokers, Don Diablo, DubVision, Adamski, Tony Junior,
JETFIRE, Ephwurd, Mike Williams, DJ Mesto, DJ Moska, URBØI

Lanzamientos
Sencillos
2017
Mike Williams - Bambini
DubVision - Geht's Noch
Sikdope - Old School
Redondo - I Can Cast A Spell
WHYLO feat. Swedish Red Elephant - Next Summer (Original Mix + Sunset Mix)
Florian Picasso - Blast From The Past
Curbi X Mesto - BRUH
Tiësto & Sevenn - BOOM
John Christian - The Grimm
Pep & Rash feat. D-Double - Break Down
Dzeko - Fluxland 2017
Kryder - MTV
Tiësto & KSHMR feat. Talay Riley - Harder
Dzeko feat. Brynn Elliott - California
Snavs & Fabian Mazur - Lonely Street
Dzeko feat. TOKA-J - Heart Speak
Tom Staar - The Nighttrain
Mike Williams - Melody (Tip of my Tongue)
2016
DubVision - Sweet Harmony
Henry Fong feat. Mr. V - Turn It Up
Patrolla vs. Adamski feat. Seal - Killer (MOTi Remix)
CID - No!
Tiësto + Oliver Heldens feat. Natalie La Rose - The Right Song (Wombass)
Dzeko & Torres feat. Alex Joseph - Home
Abel Ramos & Albert Neve - Let The Bass Be Louder
MOTi feat. Nabiha - Turn Me Up (VIP Mix)
Mike Williams - Sweet & Sour
Tiësto + Oliver Heldens feat. Natalie La Rose - The Right Song (Wombass) (Remixes)
(Dillon Francis Remix + Basement Jaxx Zone Dub + Mike Williams Remix + Tom Zanetti
& KO Kane Remix)
Tiësto & Bobby Puma - Making Me Dizzy
Lucky Charmes feat. Da Professor - Ready
KSHMR feat. Sidnie Tipton - Wildcard
Tony Junior - Facedbased
Nari& Milani & Cristian Marchi - The Creeps 2016
Tiësto & Ummet Ozcan - What You're Waiting For
Mike Williams & Justin Mylo - Groovy George
Bojac - Six Million
Curbi - Triple Six
Moska - Euphoria
Ummet Ozcan - Wickerman
Tony Junior & Kura feat. Jimmy Clash - Walk Away
Tiësto & Jauz - Infected
Sander van Doorn & Chocolate Puma - Raise Your Hands Up
ZAXX - Phunky
Tiësto & Mike Williams - I Want You
Vassy - Nothing To Lose
Tiësto & DallasK - Your Love
Albert Neve & Abel Ramos - Party
Merk & Kremont - Ciao
twoloud & Konih - Gimme Some More
Snavs & Fabian Mazur - Wolves
MOTi & Maurice West - Disco Weapon
ZAXX - Dazzle
Sikdope - I'm Back
Matt Nash - Know My Love
Ephwurd - Vibrations
Jordy Dazz - Stamina
Dzeko - Liberty
Matt Nash - Know My Love (MazZz & Constantin Remix)
Tiësto vs. Diplo - C'mon (Maestro Harrell 2016 Remix)
2015
Mikey B - Stay A While (Tiësto Remix)
Tiesto & MOTi - Blow Your Mind
Dzeko & Torres - Alarm
The Voyagers & Alpharock - Crossover
Bougenvilla & Marc Macrowland - Voodooz
Odesza feat. Shy Girls - All We Need (Dzeko & Torres Remix)
Hardsoul feat. Hero Baldwin - Human (Silver Lining)
Tiësto & KSHMR feat. Vassy - Secrets
Dzeko & Torres & Maestro Harrell feat. Delora - For You
Álvaro & Jetfire - Guest List
Lucky Charmes - Skank
MOTi - Valencia
Martin Garrix & Tiësto - The Only Way Is Up
Dzeko & Torres - Air
MOTi - House Of Now (Tiësto Edit)
David Tort & Moska feat. Danielle Simeone - Music Feeds My Soul
ZAXX vs Riggi & Piros - ALPHA
Tiësto & DallasK - Show Me
Wee-O - Fighting For (Tiësto Edit)
Bobby Puma - Someone Somewhere (Tiësto Edit)
Firebeatz - Sky High (Tiësto Edit)
Tiësto & KSHMR feat. Vassy - Secrets (Don Diablo's VIP Mix)
W&W & MOTi - Spack Jarrow
Tiësto & KSHMR feat. Vassy - Secrets (Remixes) (Future House Extended + Don Diablo
Remix + Don Diablo's VIP Mix + David Zowie Remix + Felon Remix + Diplo Remix + ZAXX
vs. Jaylex Remix + Riggi & Piros Remix)
Tiësto & The Chainsmokers - Split (Only U)
Dzeko & Torres feat. Delaney Jane - L'amour toujours (Tiësto Edit)
Tiësto & Don Diablo - Chemicals
Jetfire & Mr. Black feat. Sonny Wilson - Boombox
Alpharock & Vida - Guitar Hero
FTampa - Strike It Up
Mercer - Encore
Riggi & Piros - Knightlife
Tiësto & Oliver Heldens - Wombass
Firebeatz - Tornado
Higher Self feat. Lurker - House Music Hustle
Jewelz & Sparks - I Can Fly
Bassjackers & Reez - Rough
Lucky Charmes - Fullfill
KSHMR & ZAXX - Deeper
Tiësto & Tony Junior - Get Down
2014
Thomas Newson & John Dish - Kalavela (Original Mix)
Hix - Alarma (Original Mix)
TV Noise - Yamidoo (Original Mix)
Just Jack - Stars (Original Mix + Vocal Mix)
KAAZE - Drop The Power (Original Mix)
MOTi - Don't Go Lose It (Original Mix)
Joe Ghost - Crank (Original Mix)
Wiwek - Salute (Original Mix)
Disco Fries - Philtrum (Original Mix)
Sunnery James & Ryan Marciano, Ariyan - Circus (Original Mix)
LA Riots & Polina - Kamikaze (Original Mix)
TST vs. twoloud - Drop It Like This (Original Mix)
Carnage & Junkie Kid - Krakatoa (Original Mix)
Tiësto - Maximal Crazy (KAAZE Remix)
Álvaro - Shades (Original Mix)
Baggi Begovic & Team Bastian - I Know U (Original Mix)
twoloud vs. Danny Ávila - Rock The Place (Original Mix)
DVBBS & MOTi - This Is Dirty (Original Mix)
Tiësto ft. Matthew Koma - Wasted (Original Mix + Ummet Ozcan Remix + TST Remix +
Mike Mago Remix + Yellow Claw Remix)
3LAU - Bang (Tiësto Bootleg)
TST & Dani L. Mebius - No Regular (Original Mix)
Oliver Heldens ft. Becky Hill - Gecko (Overdrive) (Original Mix)
Sultan & Ned Shepard vs. John Dish - Regenade Masters (Back Once Again) (Original
Mix)
KAAZE & Michael Feiner - We Will Recover (Original Mix + Orchestral Version)
twoloud - Big Bang (Bass Modulators Remix)
TST, Moguai & Amba Shepherd - Real Life (Original Mix)
Funkin Matt - Alive EP
Mr. Belt & Wezol - Feel So Good (Original Mix)
MOTi & Kenneth G - Zeus (Original Mix)
twoloud ft. Christian Burns - We Are The Ones (Original Mix)
Henry Fong & J-Trick - Scream (Original Mix)
John Dahlback ft. Little Boots - Heartbeat (Original Mix)
Rune RK - Calabria (Firebeatz Remix)
Cleavage - Prove (Original Mix)
MOTi - Lion (In My Head) (Original Mix)
Borgeous, Dzeko & Torres - Tutankhamun (Original Mix)
3LAU ft. Luciana - We Came To Bang (Original Mix)
Tiësto feat. DBX – Light Years Away (Extended Mix + Tiësto & MOTi Remix + Oliver
Heldens Remix + Skyden Remix + HeyHey Remix + David K Remix + Unclubbed Classic
Mix)
Helena - Shake It
HIIO & Lucas Blanco - Good Enough
2013
Sidney Samson & Martin Garrix - Torrent (Original Mix)
Tiësto & Swanky Tunes ft. Ben McInerney - Make Some Noise (Remixes - Dyro Remix +
Skidka Remix)
Tiësto - Chasing Summers (R3hab & Quintino Remix)
Dimitri Vegas & Like Mike & GTA ft. Wolfpack - Turn It Up (Original Mix + Pelari
TRAP Remix)
Firebeatz & Bobby Burns - Ding Dong (Original Mix)
Baggi Begovic ft. Tab - Compromise (Original Mix)
Tiësto ft. Kyler England - Take Me (Original Mix + Michael Brun Remix + Alex Balog
Remix)
Jus Jack & Oza - Love Is The Answer (Original Mix + Tiësto Remix)
Blasterjaxx & Billy The Kit - Loud & Proud (Original Mix)
Tiësto & DJ Punish - Shocker (Original Mix + Basscamp Remix)
Tiësto & MOTi - Back To The Acid (Original Mix)
Tiësto & Dyro - Paradise (Original Mix)
Pelari - Cango (Original Mix)
Bass King vs. X-Vertigo ft. Golden Sun - Kings (Original Mix)
Tiësto, Mark Alston, Baggi Begrovic & Jason Taylor ft. Teddy Geiger - Love And Run
(Original Mix)
Sandro Silva & Quintino - Epic (Luminox Remix)
R3hab & ZROQ - Skydrop (Ethyr Remix)
Tiësto & Nari & Milani vs. Delayers - Move To The Rhythm (Original Mix)
Danny Ávila - Tronco (Original Mix)
Sidney Samson & Leroy Styles - YLB (Original Mix)
John Christian - Flight 643 (Original Mix)
twoloud - Big Bang (Original Mix)
Baggi Begovic ft. Team Bastian - Sleep Till I Come Home (Original Mix)
TST & Álvaro - Out Of Control (Original Mix)
Danny Ávila - Poseidon (Original Mix)
twoloud - Traffic (Tiësto Edit)
Dzeko & Torres - Highline (Original Mix)
Oliver Heldens - Gecko (Original Mix)
Tiësto - Red Lights (Original Mix + Afrojack Remix + twoloud Remix + Fred Falke
Remix + Blame Remix)
2012
Sultan & Ned Shepard ft. Quilla - Walls (Original Mix)
Quintino - We Gonna Rock (Original Mix)
Nicky Romero - Generation 303 (Original Mix)
Avesta - Arena (Original Mix)
AutoErotique - Bring That Beat Back (Tiësto Edit)
Tiësto & Wolfgang Gartner ft. Luciana - We Own The Night (Original Mix)
Gotye ft. Kimbra - Somebody That I Used To Know (Tiësto Remix)
Tiësto & Swanky Tunes ft. Ben McInerney - Make Some Noise (Original Mix)
Ken Loi ft. Zashanell - All It Takes (Original Mix)
Tiësto & Showtek - Hell Yeah! (Original Mix)
Mikael Weermets vs. Bauer & Lanford - Out Of Control (Original Mix)
Benji - Steel Eyes (Original Mix)
Albin Myers - The Beast (Original Mix)
Mikael Weermets & Nico De Andrea ft. Yasmeen - I Found You (Original Mix)
Tiësto & Allure - Pair Of Dice (Original Mix)
Showtek & Justin Prime - Cannonball (Original Mix)
Álvaro - Make Me Jump (Original Mix)
R3hab & ZROQ - Skydrop (Original Mix)
2011
Tiësto & Diplo ft. Busta Rhymes - C'mon (Catch 'em by Surprise) (Original Mix)
Tiësto & Hardwell - Zero 76
Henrik B feat. Christian Älvestam - Now & Forever
Steve Forte Rio ft. Lindsey Ray - Slumber (Original Mix + Tommy Trash Remix)
Bassjackers - Mush Mush
Boys Will Be Boys - We Rock EP
Kryder - K2 (Original Mix + The Squatters Remix)
Sandro Silva & Quintino - Epic (Original Mix)
Tiësto ft. Kay - Work Hard, Play Hard (Original Mix + AutoErotique Remix + Paris FZ
& Simo T Remix)
Tiësto - Maximal Crazy (Original Mix + Bassjackers Remix + R3hab & Swanky Tunes
Remix)
Tommy Trash - Future Folk (Original Mix)
2010
Tiësto & Diplo - C'mon (Original Mix)
Tiësto - Speed Rail (Original Mix)
Dada Life - Unleash The F*cking Dada (Original Mix)
Tiësto ft. Tegan & Sara - Feel It In My Bones (Original Mix + Marcus Schossow Remix
+ Paul Miller Remix + Suncatcher Remix + Sasha Dubrovsky Remix + Paul Webster
Remix)
Tiësto ft. Emily Haines - Knock You Out (Remixes - Ken Loi Remix + Mysto & Pizzi
Remix + 3BE Remix + Keemerah Remix + Owen Westlake Remix)
Tiësto ft. Nelly Furtado - Who Wants to Be Alone (Original Mix + Robbie Rivera
Remix + David Tort Remix + Andy Duguid Remix)
2009
Tiësto ft. C.C. Sheffield - Escape Me (Original Mix + Alex Gaudino & Jason Rooney
Remix + LA Riots Remix + Avicii's Remix At Night + Marcel Woods Remix)
Three 6 Mafia feat. Sean Kingston & Flo Rida vs. Tiësto - Feel It (Tiësto's Feel It
On The Floor remix)
Compilaciones
2015
Club Life: Volume Four New York City (2015) (mezclado por Tiësto)
2014
Future Heroes EP (2014)
2013
Club Life: Volume Three Stockholm (2013) (mezclado por Tiësto)
Trap EP (2013)
2012
Club Life: Volume Two Miami (2012) (mezclado por Tiësto)
Dada Life's Musical Freedom (2012) (mezclado por Dada Life)
2011
Club Life: Volume One Las Vegas (2011) (mezclado por Tiësto)
Musical Freedom Best Of 2011 (2011)
Álbumes
2014
Tiësto - A Town Called Paradise
2010
Tiësto - Kaleidoscope (Remixed)
2009
Tiësto - Kaleidoscope