Música

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], «el arte de las musas») es,
según la definición tradicional del término, el arte de crear y organizar sonidos y silencios
respetando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la
intervención de complejos procesos psicoanímicos. El concepto de música ha ido
evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la
poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto
más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados
compositores en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas han realizado
obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición
de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural con múltiples

finalidades, entre otras, la de suscitar una experiencia estética en el oyente, la de
expresar sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o ideas, y cada vez más,
cumplir una importante función terapéutica a través de la musicoterapia.

La música cumple una función de vital importancia en el desarrollo cognitivo del ser
humano. Está relacionada con el pensamiento lógico matemático, la adquisición del
lenguaje, el desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales, el aprendizaje de
lenguas no nativas y a potenciar la inteligencia emocional, entre otros. Por este motivo, la
música debe estar presente en cualquier plan educativo moderno y ser reconocida como
una disciplina imprescindible dentro de la enseñanza obligatoria.

La música es un estímulo sonoro que afecta al campo perceptivo del individuo; así, el flujo
sonoro puede cumplir variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación,
diversión, etc.). En muchas culturas, la música es una parte importante del modo de vida
de la gente, ya que desempeña un papel fundamental en rituales religiosos, en las
ceremonias de rito de paso (por ejemplo, la graduación y el matrimonio), en las
actividades sociales (por ejemplo, en el baile) y en las actividades culturales que van
desde el canto aficionado en el karaoke hasta tocar en una banda amateur de funk o
cantar en un coro comunitario. La gente puede hacer música por afición, como, por
ejemplo, un adolescente que toca el violonchelo en una orquesta juvenil, o trabajar como
músico o cantante profesional. La industria musical incluye a las personas que crean
nuevas canciones y piezas musicales (como los cantautores y los compositores), a las
personas que interpretan música (que incluyen a los músicos de orquesta, de bandas de
jazz y de bandas de rock, a los cantantes y a los directores de orquesta), a las personas
que graban música (productores musicales e ingenieros de sonido), a las personas que
organizan giras de conciertos y a las personas que venden grabaciones y partituras a los
clientes. Incluso una vez que se ha interpretado una canción o pieza, la crítica musical, el
periodismo musical y la musicología pueden valorar y evaluar la pieza y su interpretación.
Etimología

En la mitología griega, las nueve musas fueron la inspiración de muchos esfuerzos

creativos, incluidas las artes.
La palabra «música» deriva del griego μουσική (mousike; «(arte) de las musas»)1 En la
mitología griega, las nueve musas eran las diosas que inspiraban la literatura, la ciencia y
las artes y eran la fuente del conocimiento plasmado en la poesía, los cantos y los mitos
de la cultura griega.

Según el Diccionario etimológico en línea:

El término «música» deriva de «musike, de mediados del siglo xiii, del francés antiguo
musique (siglo xii) y directamente del latín musica "el arte de la música", que también
incluye la poesía (también la fuente del español música, italiano musica, alto alemán
antiguo mosica, alemán Musik, holandés muziek, danés musik)». Se deriva del «...griego
mousike (techne) "(arte) de las musas", del femenino de mousikos «perteneciente a las
musas», de Mousa «Musa».
La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia clásica, el término
«música» se refiere a cualquier arte en el que las musas presidían, pero especialmente la
música y la poesía lírica.2

Definición

La música académica occidental ha desarrollado un método de escritura basado en dos

ejes: el horizontal representa el transcurso del tiempo, y el vertical la altura del sonido; la
duración de cada sonido está dada por la forma de las figuras musicales.
Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones
musicales se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De
esta forma, surgen múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el
momento de expresar qué se entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser
considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según
una formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en
aquello a lo que consensualmente se puede denominar «música»— se pueden percibir
ciertos patrones del «flujo sonoro» en función de cómo las propiedades del sonido son
aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso quienes consideran que también
por los animales). La definición que se atribuye a Edgard Varese de música como sonido
organizado,3 y también la de la Enciclopedia Británica que en su 15a edición describe que
«aunque no haya sonidos que no puedan ser descritos como inherentemente no-
musicales, en cada cultura los músicos han tendido a restringir la gama de sonidos que
estaban dispuestos a admitir». John Blacking añadió este detalle importante a la definición
de Varèse: «la música es sonido organizado humanamente».4

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos
esenciales: que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y
que predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros
elementos de la definición, nada diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la
función «estética», se trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un «jingle»
publicitario no deja de ser música por cumplir una función no estética (tratar de vender
una mercancía). Por otra parte, hablar de una función «estética» presupone una idea de
la música (y del arte en general) que funciona en forma autónoma, ajena al
funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del filósofo
Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot,

después recogidas en su Dictionnaire de la Musique,5 la definió como el «arte de
combinar los sonidos de una manera agradable al oído».6

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas

expresadas en un proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador
y su obra, un medio propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la
música es el arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se
detiene a explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones «bien hechas» y
otras que no lo son, lo que es por lo menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos

ordenados de manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura
que debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente
en las aseveraciones del filósofo alemán Johann Wolfgang von Goethe cuando la
comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura como
«música congelada». La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la
estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos
teóricos modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

Parámetros del sonido

Véase también: Nota musical

Distribución de las notas musicales en el teclado de un piano. Cada nota representa una
frecuencia de sonido distinta.
El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión
generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio
que los envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de
sonido es el silencio, aunque es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se
da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la

cantidad de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De
acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como graves y agudos. Cuanto mayor sea
la frecuencia, más agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia
medida en la dirección de propagación de la onda, entre dos puntos cuyo estado de
movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos en el mismo
instante. 7
La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La
duración del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la
onda por los segundos que esta contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La
intensidad viene representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar
de que estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los
sonidos que escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de
sonidos simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como
uno (sonido fundamental). El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la
onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo
denomina espectro. El timbre se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro,
como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se representa con una onda
sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El
espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de frecuencia
y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su
altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.
Elementos de la música

Un ejemplo de las escalas de la antigua Grecia es la octava hipofrigia de género

enarmónico (en mi). Ya existía el concepto fundamental de octava. La nota varía según la
armonía (αρμονία), transcritas como modos griegos. La polifonía y variedad de
instrumentos aerófonos, cordófonos y membranófonos, han sido documentadas en
infinidad de grabados y dibujos.
La música contiene dos elementos: el material acústico y la idea intelectual. Ambos no se
hallan yuxtapuestos como forma y contenido, sino que se combinan, en la música, para
formar una imagen unitaria. Para convertirse en vehículo de la idea intelectual, el material
acústico experimenta una preparación pre-musical, mediante un proceso de selección y
ordenamiento.8

La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos, exhibe ya un ordenamiento que

la predestina para ser el vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un
entendimiento general previo, dentro del material acústico para la organización de la
música, encontramos diversas clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en
ambientes académicos es la que divide la música en melodía, armonía y ritmo.9 La
manera en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra
(también hay variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular

— que suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se
percibe con identidad y sentido propio. Los silencios también forman parte de la estructura
de la melodía, poniendo pausas al «discurso melódico». El resultado es como una frase
bien construida semántica y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una
secuencia dodecafónica podría ser considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más
melodías simultáneas se denomina contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el
acorde o tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su
enlace con sonidos vecinos.
El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy
notorias, pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar
contraste en la música, esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas
y sonidos. En la práctica se refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que
hay entre el comienzo y el fin del mismo o, dicho de otra manera, su duración.
La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así como la transición entre dos (o
más) notas. Entre las variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de la historia,
destacan principalmente el legato, el staccato, el portato, el tenuto, el acento, el marcato y
el calderón.
Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy llamamos cerebro-cuerpo-
mente) convierte el material acústico en arte, y así la música adquiere historia,
vinculándose con el tiempo y haciéndose atemporal.
La incorporación de un material acústico ampliado en el siglo xx, produjo a veces
dificultades de información, por falta de un sistema válido de entendimiento previo, y es
por eso que otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y estudiar el
fenómeno de la música, como son la forma, la instrumentación, la textura, etc. A partir de
todos estos elementos, se originan nuevos principios de ordenamiento y posibilidades de
composición.8

Historia
Artículo principal: Historia de la música
Prehistoria
Artículo principal: Música en la Prehistoria

La flauta de hueso encontrada en Divje Babe (Eslovenia), con más de 40 000 años de
antigüedad.
La música prehistórica solo se puede teorizar sobre la base de los hallazgos de los sitios
arqueológicos paleolíticos. A menudo se descubren flautas talladas en huesos en los que
se han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en un extremo como el
shakuhachi japonés. Se piensa que la flauta de Divje Babe, tallada en el fémur de un oso
de las cavernas, tiene al menos 40 000 años. Se han recuperado instrumentos como la
flauta de siete agujeros y varios tipos de instrumentos de cuerda, como el ravanahatha, de
los yacimientos arqueológicos de la civilización del valle del Indo.10 La India tiene una de
las tradiciones musicales más antiguas del mundo; las referencias a la música clásica
india (marga) se encuentran en los Vedas, antiguas escrituras de la tradición hindú.11 La
colección más antigua y más grande de instrumentos musicales prehistóricos se encontró
en China y data de entre el 7000 y el 6600 a. C.12 El «Himno hurrita a Nikkal», que se
encuentra en tablillas de arcilla que se remontan aproximadamente al 1400 a. C., es la
obra musical escrita más antigua que se conserva.1314

Antiguo Egipto
Artículo principal: Música de Egipto
Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth, la invención de la música, y
Osiris, a su vez, lo utilizó como parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La evidencia
material y representativa más antigua de los instrumentos musicales egipcios data del
período predinástico, pero la evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el
Imperio Antiguo cuando se tocaron arpas, flautas y clarinetes dobles.15 Durante el
Imperio Medio se agregaron instrumentos de percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los
platillos16 frecuentemente acompañaban a la música y danza, como lo hacen todavía hoy
en Egipto. La música folclórica egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr, es
el género musical contemporáneo más cercano a la música del antiguo Egipto y han
conservado muchas de sus características, ritmos e instrumentos.1718
Culturas asiáticas

Mujeres indias vestidas con atuendos regionales tocando una variedad de instrumentos
musicales populares en diferentes partes de la India.
Categoría principal: Música de Asia
La música clásica india (marga) es una de las tradiciones musicales más antiguas del
mundo.19 La civilización del valle del Indo tiene esculturas que muestran danzas20 e
instrumentos musicales antiguos, como la flauta de siete agujeros. Se han recuperado
varios tipos de instrumentos de cuerda y tambores de Harappa y Mohenjo-Daro mediante
excavaciones realizadas por Mortimer Wheeler.21 El Rigveda tiene elementos de la
música india actual, con una notación musical para denotar la métrica y el modo de
cantar.22 La música clásica india es monofónica y se basa en una sola línea melódica o
raga, organizada rítmicamente a través de talas. Silappatikaram de Ilango Adigal
proporciona información sobre cómo se pueden formar nuevas escalas mediante el
cambio modal de la tónica de una escala existente.23 La música hindi actual fue
influenciada por la música tradicional persa y por los mogoles afganos. La música
carnática, popular en los estados del sur, es en gran parte devocional; la mayoría de las
canciones están dirigidas a las deidades hindúes. También hay muchas canciones que
enfatizan el amor y otros temas sociales.

La música clásica china, el arte tradicional o la música de la corte de China, tiene una
historia que se remonta a unos tres mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de
notación musical, así como afinación y tono musical, instrumentos y estilos musicales o
géneros musicales. La música china es pentatónica-diatónica, con una escala de doce
notas a una octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia europea.

Referencias en la Biblia
Artículo principal: Anexo:Música en la Biblia

David componiendo salmos, Salterio de París, c. 960 (Constantinopla).

El conocimiento del período bíblico proviene principalmente de referencias literarias en la
Biblia y fuentes posbíblicas. El historiador de religión y música Herbert Lockyer escribió
que «la música, tanto vocal como instrumental, fue bien cultivada entre los hebreos, los
cristianos del Nuevo Testamento y la iglesia cristiana a través de los siglos». Agrega que
«una mirada al Antiguo Testamento revela cómo el pueblo antiguo de Dios se dedicó al
estudio y la práctica de la música, que ocupa un lugar único en los libros históricos y
proféticos, así como en el Salterio».24
Los estudiosos de la música y el teatro que estudian la historia y la antropología de la
cultura semítica y judeocristiana temprana han descubierto vínculos comunes en la
actividad teatral y musical entre las culturas clásicas de los hebreos y las de los griegos y
romanos posteriores. El área común de actuación se encuentra en un «fenómeno social
llamado letanía», una forma de oración que consiste en una serie de invocaciones o
súplicas. Journal of Religion and Theatre señala que entre las primeras formas de letanía,
«la letanía hebrea estuvo acompañada de una rica tradición musical»:25

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father of all such as handle the harp and pipe",
the Pentateuch is nearly silent about the practice and instruction of music in the early life
of Israel. In I Samuel 10, there are more depictions of "large choirs and orchestras". These
large ensembles could only be run with extensive rehearsals. This had led some scholars
to theorize that the prophet Samuel led a public music school to a wide range of
students.25
El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el «padre de todos los que manejan el arpa y la
flauta», el Pentateuco casi guarda silencio sobre la práctica y la instrucción de la música
en la vida temprana de Israel. En I Samuel 10, hay más representaciones de «grandes
coros y orquestas». Estos grandes conjuntos sólo podían ejecutarse con ensayos
extensos. Esto había llevado a algunos estudiosos a teorizar que el profeta Samuel dirigió
una escuela pública de música para una amplia gama de estudiantes.
Antigua Grecia

Epitafio de Sícilo
0:50
La inscripción cantada, según la pronunciación del griego koiné.
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Artículo principal: Música de la Antigua Grecia
La música era una parte importante de la vida social y cultural en la Antigua Grecia. Los
músicos y cantantes desempeñaron un papel destacado en el teatro griego.26 Se
realizaban interpretaciones de coros mixtos para el entretenimiento, la celebración y
ceremonias espirituales.27 Los instrumentos incluían el aulós de doble lengüeta y un
instrumento de cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial llamado kithara. La
música era una parte importante de la educación y a los niños se les enseñaba música a
partir de los seis años. La alfabetización musical griega creó un florecimiento del
desarrollo musical. La teoría de la música griega incluía los modos musicales griegos, que
finalmente se convirtieron en la base de la música clásica y religiosa occidental. Más
tarde, las influencias del Imperio Romano, Europa del Este y el Imperio Bizantino
cambiaron la música griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo que se
conserva de una composición musical completa, incluida la notación musical, de cualquier
parte del mundo.28 La obra escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría
musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno.29
Antigua Roma

Trío de músicos tocando aulós, cymbala y tympanum (mosaico de Pompeya).

Artículo principal: Música de la Antigua Roma
La música de la Antigua Roma fue parte de la cultura romana desde los tiempos más
remotos. Las canciones (carmen) eran una parte integral de casi todos los eventos
sociales.30 El Carmen saeculare de Horacio, por ejemplo, fue encargado por Augusto e
interpretada por un coro mixto de niños en los Juegos Seculares del 17 a. C.31 La música
era habitual en los funerales y la tibia (el aulós griego), un instrumento de viento-madera,
se tocaba en los sacrificios para protegerse de las malas influencias.32 Bajo la influencia
de la teoría griega antigua, se pensaba que la música reflejaba el orden del cosmos y se
asociaba particularmente con las matemáticas y el conocimiento.33

La música etrusca tuvo una influencia temprana en la cultura de los romanos. Durante el
período imperial, los romanos llevaron su música a las provincias, mientras que las
tradiciones de Asia Menor, África del Norte y la Galia se convirtieron en parte de la cultura
romana.34

La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y era parte de la forma de

artes escénicas llamada pantomima (pantomimus), una forma temprana de ballet narrativo
que combinaba danza expresiva, música instrumental y un libreto cantado.35

Edad Media

El introito de Gaudeamus omnes, escrito en notación neumática en el Graduale Aboense

de los siglos xiv y xv, rinde homenaje a Enrique, patrón de Finlandia.
Gaudeamus omnes
3:00
Artículo principal: Música de la Edad Media
La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del canto monofónico (línea
melódica única) en los servicios de la Iglesia católica. La notación musical se usó desde la
antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la notación fue introducida por
primera vez por la Iglesia católica para que las melodías de los cánticos pudieran
escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la música religiosa en todo el
mundo católico.a36 El único repertorio medieval europeo que se ha encontrado en forma
escrita desde antes del 800 es el canto llano litúrgico monofónico de la Iglesia católica,
cuya tradición central se llamaba canto gregoriano.

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante tradición de canto secular.
Ejemplos de compositores de este período son Léonin, Perotín, Guillaume de Machaut y
Walther von der Vogelweide.

Renacimiento
Artículo principal: Música del Renacimiento

Amicus meus
2:47
De Tomás Luis de Victoria.
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La música del Renacimiento (c. 1400 a 1600) se centró más en temas seculares, como el
amor cortés. Alrededor de 1450, se inventó la imprenta, que hacía partituras impresas
mucho menos costosas y más fáciles de producir en masa.b La mayor disponibilidad de
partituras ayudó a difundir los estilos musicales más rápidamente y en un área más
amplia. Los músicos y cantantes a menudo trabajaban para la iglesia, las cortes y las
ciudades. Los coros de la iglesia crecieron en tamaño y la Iglesia siguió siendo un
mecenas importante de la música. A mediados del siglo xv, los compositores escribieron
música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban simultáneamente diferentes
líneas melódicas. Entre los compositores destacados de esta época se incluyen Josquin
des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Tomás Luis de Victoria,
Thomas Morley y Orlando di Lasso. A medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a
las cortes aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los mejores
compositores. Muchos compositores importantes provenían de los Países Bajos, Bélgica y
el norte de Francia. Se les llama compositores franco-flamencos y ocuparon cargos
importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros países con una gran actividad
musical fueron Alemania, Inglaterra y España.

Barroco

Johann Sebastian Bach fue un destacado compositor de la era barroca de la música.

Tocata y fuga en re menor, BWV 565
8:34
Artículo principal: Música del Barroco
La era barroca de la música tuvo lugar entre 1600 y 1750, cuando el estilo artístico
barroco floreció en toda Europa y durante este tiempo la música se expandió en su rango
y complejidad. La música barroca comenzó cuando se escribieron las primeras óperas
(música vocal dramática solista acompañada de orquesta). Durante la época barroca, la
música polifónica contrapuntística, en la que se utilizaban múltiples líneas melódicas
independientes simultáneas, siguió siendo importante.c Los compositores barrocos
alemanes escribieron para pequeños conjuntos que incluían cuerdas, metales y viento-
madera, así como para coros e instrumentos de teclado, como órgano, clavecín y
clavicordio. Durante este período se definieron varias formas musicales importantes que
perduraron en períodos posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más,
incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto.37 El estilo barroco tardío era
polifónicamente complejo y ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes
de la época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel,
Georg Philipp Telemann y Antonio Vivaldi.

Clasicismo

1. Luigi Cherubini
2. Carl Philipp Emanuel Bach
3. Joseph Haydn
4. Johann Christoph Friedrich Bach
5. Ludwig van Beethoven
6. Franz Xaver Richter
7. Wolfgang Amadeus Mozart
8. Luigi Boccherini
9. Carl Friedrich Abel
10. Christoph Willibald Gluck
11. Maria Anna Mozart
12. Johann Christian Bach
Artículo principal: Música del Clasicismo
La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como objetivo imitar lo que se
consideraba los elementos clave del arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Antigua
Roma: los ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada.d La música del
período clásico tiene una textura más ligera, clara y considerablemente más simple que la
música barroca que la precedió. El estilo principal fue la homofonía,38 donde una melodía
prominente y una parte de acompañamiento de acordes subordinados son claramente
distintas. Las melodías instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables. Se
desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el precursor del piano moderno, reemplazó
al clavicémbalo y al órgano de la época barroca como principal instrumento de teclado,
aunque este último siguió utilizándose en la música sacra, como las misas.

Se le dio importancia a la música instrumental. Estuvo dominado por un mayor desarrollo

de formas musicales inicialmente definidas en el período barroco: la sonata, el concierto y
la sinfonía. Otros tipos principales fueron el trío, el cuarteto de cuerda, la serenata y el
divertimento. La sonata fue la forma más importante y desarrollada. Aunque los
compositores barrocos también escribieron sonatas, el estilo clásico de la sonata es
completamente distinto. Todas las formas instrumentales principales de la era clásica,
desde los cuartetos de cuerda hasta las sinfonías y los conciertos, se basaron en la
estructura de la sonata. Los instrumentos tocaban música de cámara y la orquesta se
volvió más estandarizada. En lugar del grupo de bajo continuo de la época barroca, que
consistía en clavecín, órgano o laúd junto con varios instrumentos bajos seleccionados a
discreción del líder del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo, tiorba o serpentón), los
grupos de cámara clásicos usaron instrumentos estandarizados especificados (por
ejemplo, un cuarteto de cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un
violonchelo). La interpretación de acordes improvisados de la época barroca del tecladista
de continuo o el laudista se eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.

Uno de los cambios más importantes realizados en el período clásico fue el desarrollo de
conciertos públicos. La aristocracia seguía desempeñando un papel importante en el
patrocinio de conciertos y composiciones, pero ahora los compositores podían sobrevivir
sin ser empleados permanentes de reyes o príncipes. La creciente popularidad de la
música clásica llevó a un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La expansión de
los conciertos orquestales requirió la construcción de grandes espacios para espectáculos
públicos. La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el acompañamiento musical al ballet
y los géneros vocales/instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se hicieron más
populares.

Los compositores más destacados del clasicismo son Carl Philipp Emanuel Bach,
Christoph Willibald Gluck, Johann Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus
Mozart, Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y Schubert también se
consideran compositores de la última parte de la era clásica, ya que comenzó a moverse
hacia el Romanticismo.

Romanticismo

El piano fue la pieza central de la actividad social de los urbanitas de clase media en el
siglo xix (Moritz von Schwind, 1868). El hombre al piano es el compositor Franz Schubert.
Artículo principal: Música del Romanticismo
La música romántica (c. 1810 a 1900) del siglo xix tenía muchos elementos en común con
los estilos románticos en la literatura y la pintura de la época. El Romanticismo fue un
movimiento artístico, literario e intelectual que se caracterizó por su énfasis en la emoción
y el individualismo, así como por la glorificación de todo el pasado y la naturaleza. La
música romántica se expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era clásica
hacia piezas y canciones expresivas más apasionantes y dramáticas. Compositores
románticos como Richard Wagner y Johannes Brahms intentaron aumentar la expresión
emocional y el poder en su música para describir verdades más profundas o sentimientos
humanos. Con poemas sinfónicos, los compositores intentaron contar historias y evocar
imágenes o paisajes utilizando música instrumental. Algunos compositores promovieron el
orgullo nacionalista con música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica. Las
cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron a prevalecer sobre la
tradición.

Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y fueron más allá en el

sincretismo de explorar diferentes formas de arte en un contexto musical (como la
literatura), la historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza misma. El amor
romántico o el anhelo fue un tema predominante en muchas obras compuestas durante
este período. En algunos casos, se siguieron utilizando las estructuras formales del
período clásico (por ejemplo, la forma sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías),
pero estas formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos, se exploraron nuevos
enfoques para géneros, formas y funciones existentes. Además, se crearon nuevos
formularios que se consideraron más adecuados para el nuevo tema. Los compositores
continuaron desarrollando música de ópera y ballet, explorando nuevos estilos y temas.26

En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por Ludwig van Beethoven y Franz
Schubert introdujo un estilo más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los
motivos cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a reemplazar a la melodía como la
unidad compositiva más significativa.e Compositores románticos posteriores como Piotr
Ilich Chaikovski, Antonín Dvořák y Gustav Mahler utilizaron acordes más inusuales y más
disonancia para crear una tensión dramática. Generaron obras musicales complejas y, a
menudo, mucho más largas. Durante el período romántico tardío, los compositores
exploraron las alteraciones cromáticas dramáticas de la tonalidad, como los acordes
extendidos y los acordes alterados, que crearon nuevos colores de sonido. A finales del
siglo xix se produjo una expansión espectacular en el tamaño de la orquesta y la
Revolución industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un sonido más
potente. Los conciertos públicos se convirtieron en una parte importante de la sociedad
urbana acomodada. También vio una nueva diversidad en la música para teatro, incluida
la opereta, la comedia musical y otras formas de teatro musical.26

El piano fue un instrumento representativo de esta época, no solo en el ámbito musical

sino también en el técnico ya que gracias a los avances logrados debido a la Revolución
industrial su mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la misma forma que el
capitalismo influyó en el modo de organización jerárquico de las cadenas de producción,
el piano se utilizó como herramienta para conseguir la expresión musical y como ayuda a
la composición.39 En dicho período hubo importantes compositores como Félix
Mendelssohn, Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann, Franz Schubert, Johannes
Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz que realizaron obras para piano. Del romanticismo
tardío destacan compositores como Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y Gabriel
Fauré.40

Siglo XX y XXI

Enrico Caruso con un gramófono.

Artículo principal: Música clásica del siglo XX
En el siglo xix, una de las formas clave en que las nuevas composiciones se dieron a
conocer al público fue mediante la venta de partituras, que los amantes de la música
aficionados de clase media tocaban en casa en su piano u otros instrumentos comunes,
como el violín. Con la música del siglo xx, la invención de nuevas tecnologías eléctricas
como la radiodifusión y la disponibilidad de discos de gramófono en el mercado masivo
significó que las grabaciones sonoras de canciones y piezas escuchadas por los oyentes
(ya sea en la radio o en su tocadiscos) se convirtieron en la principal vía para aprender
sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un gran aumento en la escucha de música a
medida que la radio ganó popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y
distribuir música, porque mientras que en el siglo xix, el enfoque en las partituras
restringió el acceso de la nueva música a las personas de clase media y alta que podían
leer música y poseían pianos e instrumentos, en el siglo xx, cualquier persona con radio o
tocadiscos podía escuchar óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar.
Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que no podían pagar una entrada para un
concierto de ópera o sinfónico, escuchar esta música. También significaba que las
personas podían escuchar música de diferentes partes del país, además de diferentes
partes del mundo, incluso si no podían permitirse viajar a estos lugares. Esto ayudó a
difundir los estilos musicales.

El enfoque de la música artística en el siglo xx se caracterizó por la exploración de nuevos

ritmos, estilos y sonidos. Las consecuencias de la Primera Guerra Mundial influyeron en
muchas de las artes, incluida la música, y algunos compositores comenzaron a explorar
sonidos más oscuros y ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales
tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente de ideas para la música
clásica. Ígor Stravinski, Arnold Schönberg y John Cage fueron compositores influyentes en
la música artística del siglo xx. La invención de la grabación de sonido y la capacidad de
editar música dio lugar a un nuevo subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas
de composición electrónica acusmática41 y música concreta. La grabación de sonido
también fue de gran influencia en el desarrollo de los géneros musicales populares,
porque permitió que las grabaciones de canciones y bandas se distribuyeran
ampliamente. La introducción del sistema de grabación multipista tuvo una gran influencia
en la música rock, porque podía hacer mucho más que grabar la interpretación de una
banda. Usando un sistema multipista, una banda y su productor musical podrían
sobregrabar muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando nuevos sonidos
que no serían posibles en una actuación en vivo.

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido horario, desde arriba a la izquierda:
Louis Armstrong, Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.
El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical importante a lo largo del siglo xx y
durante la segunda mitad de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una forma
de arte musical estadounidense que se originó a principios de siglo en las comunidades
afroamericanas del sur de Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones
musicales africanas y europeas. El pedigrí de África Occidental del estilo es evidente en el
uso de notas de blues, improvisación, polirritmos, síncopa y la nota swing.42

La música rock es un género de música popular que se desarrolló en la década de 1960 a

partir del rock and roll de la década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country.43
El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra eléctrica o acústica y utiliza un
fuerte ritmo de fondo establecido por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los
teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan como instrumentos solistas.
La sección rítmica tradicional de la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y
la batería. Algunas bandas también tienen instrumentos de teclado como órgano, piano o,
desde la década de 1970, sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos
pop comenzaron a usar sintetizadores digitales, como el Yamaha DX7, cajas de ritmos
electrónicas como el Roland TR-808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland
TB-303) o teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se utilizó una gama cada
vez más amplia de dispositivos e instrumentos musicales de hardware computarizado y
software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital). En la década de 2020, los
sintetizadores de software y las aplicaciones de música de computadora permiten crear y
grabar variados tipos de música, como música electrónica de baile en su propia casa,
agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la grabación digitalmente. En
la década de 1990, algunas bandas de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ
en sus bandas. Los DJs crean música manipulando música grabada en tocadiscos o
reproductores de CD, usando un mezclador de DJ.