Música

La música (del griego:

μουσική [τέχνη] - mousikē
[téchnē], «el arte de las
musas») es, según la
definición tradicional del
término, el arte de crear y
organizar sonidos y
silencios respetando los
Atenea (Minerva) y las Nueve
principios fundamentales
Musas inspiradoras. De la palabra
de la melodía, la armonía y
«musa» proviene «música».
el ritmo, mediante la
intervención de complejos
procesos psicoanímicos. El concepto de música ha ido
evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se
reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como
arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más
compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que
destacados compositores en el marco de diversas experiencias
artísticas fronterizas han realizado obras que, si bien podrían
considerarse musicales, expanden los límites de la definición
de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto

cultural con múltiples finalidades, entre otras, la de suscitar
una experiencia estética en el oyente, la de expresar
sentimientos, emociones, circunstancias, pensamientos o
ideas, y cada vez más, cumplir una importante función
terapéutica a través de la musicoterapia.

La música cumple una función de vital importancia en el

desarrollo cognitivo del ser humano. Está relacionada con el
pensamiento lógico matemático, la adquisición del lenguaje, el
desarrollo psicomotriz, las relaciones interpersonales, el
aprendizaje de lenguas no nativas y a potenciar la inteligencia
emocional, entre otros. Por este motivo, la música debe estar
presente en cualquier plan educativo moderno y ser
reconocida como una disciplina imprescindible dentro de la
enseñanza obligatoria.

La música es un estímulo sonoro que afecta al campo

perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir
variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, diversión, etc.). En muchas culturas, la música
es una parte importante del modo de vida de la gente, ya que
desempeña un papel fundamental en rituales religiosos, en las
ceremonias de rito de paso (por ejemplo, la graduación y el
matrimonio), en las actividades sociales (por ejemplo, en el
baile) y en las actividades culturales que van desde el canto
aficionado en el karaoke hasta tocar en una banda amateur de
funk o cantar en un coro comunitario. La gente puede hacer
música por afición, como un adolescente que toca el chelo en
una orquesta juvenil, o trabajar como músico o cantante
profesional. La industria musical incluye a las personas que
crean nuevas canciones y piezas musicales (como los
cantautores y los compositores), a las personas que
interpretan música (que incluyen a los músicos de orquesta,
de bandas de jazz y de bandas de rock, a los cantantes y a los
directores de orquesta), a las personas que graban música
(productores musicales e ingenieros de sonido), a las personas
que organizan giras de conciertos y a las personas que venden
grabaciones, partituras y partituras a los clientes. Incluso una
vez que se ha interpretado una canción o pieza, la crítica
musical, el periodismo musical y la musicología pueden
valorar y evaluar la pieza y su interpretación.

Índice
Etimología
Definición
Parámetros del sonido
Elementos de la música
Historia
Prehistoria
Antiguo Egipto
Culturas asiáticas
Referencias en la Biblia
Antigua Grecia
Antigua Roma
Edad Media
Renacimiento
Barroco
Clasicismo
Romanticismo
Siglo XX y XXI
Cultura y música
La notación musical occidental
Beneficios de la música a nivel psicológico y
neurológico
Véase también
Notas y referencias
Bibliografía
Enlaces externos

Etimología
La palabra «música»
deriva del griego μουσική
(mousike; «(arte) de las
musas»)1 ​ En la mitología
griega, las nueve musas
eran las diosas que En la mitología griega, las nueve
inspiraban la literatura, la musas fueron la inspiración de
ciencia y las artes y eran la muchos esfuerzos creativos,
fuente del conocimiento incluidas las artes.
plasmado en la poesía, los
cantos y los mitos de la
cultura griega.

Según el Diccionario etimológico en línea:

El término «música» deriva de «musike, de

mediados del siglo  xiii, del francés antiguo
 musique (siglo  xii) y directamente del latín
musica "el arte de la música", que también
incluye la poesía (también la fuente del español
música, italiano musica, alto alemán antiguo
mosica, alemán Musik, holandés muziek,
danés musik)». Se deriva del «...griego
mousike (techne) "(arte) de las musas", del
femenino de mousikos «perteneciente a las
musas», de Mousa «Musa».

La ortografía moderna data de la década de 1630. En la Grecia

clásica, el término «música» se refiere a cualquier arte en el
que las musas presidían, pero especialmente la música y la
poesía lírica.2 ​

Definición
Las definiciones parten
desde el seno de las
culturas, y así, el sentido
de las expresiones
musicales se ve afectado
por cuestiones
La música académica occidental ha
psicológicas, sociales,
desarrollado un método de escritura
culturales e históricas. De
basado en dos ejes: el horizontal
esta forma, surgen representa el transcurso del tiempo,
múltiples y diversas y el vertical la altura del sonido; la
definiciones que pueden duración de cada sonido está dada
ser válidas en el momento por la forma de las figuras
de expresar qué se musicales.
entiende por música. Ninguna, sin embargo, puede ser
considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es

sonoridad organizada (según una formulación perceptible,
coherente y significativa). Esta definición parte de que —en
aquello a lo que consensualmente se puede denominar
«música»— se pueden percibir ciertos patrones del «flujo
sonoro» en función de cómo las propiedades del sonido son
aprendidas y procesadas por los humanos (hay incluso
quienes consideran que también por los animales). La
definición que se atribuye a Edgard Varese de música como
sonido organizado,3 ​ y también la de la Enciclopedia Británica
que en su 15a edición describe que «aunque no haya sonidos
que no puedan ser descritos como inherentmente no-
musicales, en cada cultura los músicos han tendido a
restringir la gama de sonidos que estaban dispuestos a
admitir». John Blacking añadió este detalle importante a la
definición de Varèse: «la música es sonido organizado
humanamente».4 ​

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música

basado en tres atributos esenciales: que utiliza sonidos, que es
un producto humano (y en este sentido, artificial) y que
predomina la función estética. Si tomáramos en cuenta solo
los dos primeros elementos de la definición, nada diferenciaría
a la música del lenguaje. En cuanto a la función «estética», se
trata de un punto bastante discutible; así, por ejemplo, un
«jingle» publicitario no deja de ser música por cumplir una
función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra
parte, hablar de una función «estética» presupone una idea de
la música (y del arte en general) que funciona en forma
autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la
vemos en la teoría del arte del filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en

L'Encyclopédie de Diderot, después recogidas en su
Dictionnaire de la Musique,5 ​ la definió como el «arte de
combinar los sonidos de una manera agradable al oído».6 ​

Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total

de fuerzas dispersas expresadas en un proceso sonoro que
incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su
obra, un medio propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se

parece bastante a esta: «la música es el arte del bien combinar
los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a
explicar lo que es el arte, y presupone que hay combinaciones
«bien hechas» y otras que no lo son, lo que es por lo menos
discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como

un conjunto de tonos ordenados de manera horizontal
(melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que
debe tener un grupo de sonidos para ser llamados música está,
por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo alemán
Johann Wolfgang von Goethe cuando la comparaba con la
arquitectura, definiendo metafóricamente a la arquitectura
como «música congelada». La mayoría de los estudiosos
coincide en el aspecto de la estructura, es decir, en el hecho de
que la música implica una organización; pero algunos teóricos
modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o
agradable.

Parámetros del sonido

Véase también: Nota musical

Distribución de las notas musicales en el

teclado de un piano. Cada nota representa
una frecuencia de sonido distinta.

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las

variaciones de presión generadas por el movimiento vibratorio
de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los
envuelve, que generalmente es el aire de la atmósfera. La
ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque es una
sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la
naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un
cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad de ciclos de las
vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten.
De acuerdo con esto se pueden definir los sonidos como
graves y agudos. Cuanto mayor sea la frecuencia, más
agudo (o alto) será el sonido. La longitud de onda es la
distancia medida en la dirección de propagación de la
onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es
idéntico; es decir, que alcanzan sus máximos y mínimos
en el mismo instante. 7 ​
La duración corresponde al tiempo que duran las
vibraciones que producen un sonido. La duración del
sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene
representada en la onda por los segundos que esta
contenga.
La intensidad es la fuerza con la que se produce un
sonido; depende de la energía. La intensidad viene
representada en una onda por la amplitud.
El timbre es la cualidad que permite distinguir los
diferentes instrumentos o voces a pesar de que estén
produciendo sonidos con la misma altura, duración e
intensidad. Los sonidos que escuchamos son complejos;
es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos
simultáneos (tonos, sobretonos y armónicos), pero que
nosotros percibimos como uno (sonido fundamental). El
timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de
la onda que tenga un sonido y de la intensidad de cada
uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre
se representa en una onda por el dibujo. Un sonido puro,
como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se
representa con una onda sinusoidal, mientras que un
sonido complejo es la suma de ondas senoidales puras. El
espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a
 lo largo de un eje de frecuencia y que representan a cada
una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y
su altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido
resultante.

Elementos de la música
La música contiene dos
elementos: el material
acústico y la idea
intelectual. Ambos no se
hallan yuxtapuestos como Un ejemplo de las escalas de la
forma y contenido, sino antigua Grecia es la octava
que se combinan, en la hipofrigia de género enarmónico (en
música, para formar una mi). Ya existía el concepto
imagen unitaria. Para fundamental de octava. La nota
varía según la armonía (αρμονία),
convertirse en vehículo de
transcritas como modos griegos. La
la idea intelectual, el
polifonía y variedad de instrumentos
material acústico
aerófonos, cordófonos y
experimenta una
membranófonos, han sido
preparación pre-musical,
documentadas en infinidad de
mediante un proceso de grabados y dibujos.
selección y
ordenamiento.8 ​

La estructura del sonido, la escala de sonidos armónicos,

exhibe ya un ordenamiento que la predestina para ser el
vehículo de la intención intelectual. Con el fin de un
entendimiento general previo, dentro del material acústico
para la organización de la música, encontramos diversas
clasificaciones, dentro de las cuales la más habitual en
ambientes académicos es la que divide la música en melodía,
armonía y ritmo.9 ​ La manera en la que se definen y aplican
estos principios, varían de una cultura a otra (también hay
variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos

dentro de un ámbito sonoro particular— que suenan
sucesivamente uno después de otro (concepción
horizontal), y que se percibe con identidad y sentido
propio. Los silencios también forman parte de la estructura
de la melodía, poniendo pausas al «discurso melódico».
El resultado es como una frase bien construida semántica
y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si
una secuencia dodecafónica podría ser considerada una
melodía o no. Cuando hay dos o más melodías
simultáneas se denomina contrapunto.
La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad,
y cuya unidad básica es el acorde o tríada, regula la
concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente
y su enlace con sonidos vecinos.
El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores,
a veces con variaciones muy notorias, pero en una muy
general apreciación se trata de la capacidad de generar
contraste en la música, esto es provocado por las
diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la
práctica se refiere a la acentuación del sonido y la
distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del
mismo o, dicho de otra manera, su duración.
La articulación, refiere a cómo un sonido es ejecutado, así
como la transición entre dos (o más) notas. Entre las
variadas formas de articulación elaboradas a lo largo de la
 historia, destacan principalmente el legato, el staccato, el
portato, el tenuto, el acento, el marcato y el calderón.

Por otro lado, la idea intelectual (podemos incluir lo que hoy

llamamos cerebro-cuerpo-mente) convierte el material
acústico en arte, y así la música adquiere historia,
vinculándose con el tiempo y haciéndose atemporal.

La incorporación de un material acústico ampliado en el

siglo xx, produjo a veces dificultades de información, por falta
de un sistema válido de entendimiento previo, y es por eso que
otros elementos se toman en cuenta a la hora de analizar y
estudiar el fenómeno de la música, como son la forma, la
instrumentación, la textura, etc. A partir de todos estos
elementos, se originan nuevos principios de ordenamiento y
posibilidades de composición.8 ​

Historia

Prehistoria

La música prehistórica sólo se puede teorizar sobre la base de

los hallazgos de los sitios arqueológicos paleolíticos. A
menudo se descubren flautas talladas en huesos en los que se
han perforado agujeros laterales; se cree que se soplaban en
un extremo como el shakuhachi japonés. Se piensa que la
flauta de Divje Babe, tallada en el fémur de un oso de las
cavernas, tiene al menos 40  000 años. Se han recuperado
instrumentos como la flauta de siete agujeros y varios tipos de
instrumentos de cuerda, como el ravanahatha, de los
yacimientos arqueológicos
de la civilización del valle
del Indo.10 ​ La India tiene
una de las tradiciones
musicales más antiguas
del mundo; las referencias
a la música clásica india
(marga) se encuentran en
los Vedas, antiguas
escrituras de la tradición
hindú.11 ​ La colección más
antigua y más grande de
instrumentos musicales
prehistóricos se encontró
en China y data de entre el
7000 y el 6600 a.  C.12 ​ El
«Himno hurrita a Nikkal»,
que se encuentra en
La flauta de hueso encontrada en
tablillas de arcilla que se
Divje Babe (Eslovenia), con más de
remontan 40 000 años de antigüedad.
aproximadamente al 1400
a.  C., es la obra musical
escrita más antigua que se conserva.13 14​ ​

Antiguo Egipto

Los antiguos egipcios atribuyeron a uno de sus dioses, Thoth,

la invención de la música, y Osiris, a su vez, lo utilizó como
parte de su esfuerzo por civilizar el mundo. La evidencia
material y representativa más antigua de los instrumentos
musicales egipcios data del período predinástico, pero la
evidencia está atestiguada con mayor seguridad en el Imperio
Antiguo cuando se tocaron arpas, flautas y clarinetes
dobles.15 ​ Durante el Imperio Medio se agregaron
instrumentos de percusión, liras y laúdes a las orquestas. Los
platillos16 ​ frecuentemente acompañaban a la música y danza,
como lo hacen todavía hoy en Egipto. La música folclórica
egipcia, incluidos los rituales tradicionales sufíes dhikr, es el
género musical contemporáneo más cercano a la música del
antiguo Egipto y han conservado muchas de sus
características, ritmos e instrumentos.17 18
​

Culturas asiáticas

La música clásica india

Mujeres indias vestidas con
atuendos regionales tocando una
variedad de instrumentos musicales
populares en diferentes partes de la
India.
(marga) es una de las
tradiciones musicales más
antiguas del mundo.19 ​ La
civilización del valle del
Indo tiene esculturas que
muestran danzas20 ​ e
instrumentos musicales
antiguos, como la flauta de
siete agujeros. Se han
recuperado varios tipos de
instrumentos de cuerda y
tambores de Harappa y
Mohenjo-Daro mediante
excavaciones realizadas
por Mortimer Wheeler.21 ​
El Rigveda tiene elementos de la música india actual, con una
notación musical para denotar la métrica y el modo de
cantar.22 ​ La música clásica india es monofónica y se basa en
una sola línea melódica o raga, organizada rítmicamente a
través de talas. Silappadhikaram de Ilango Adigal
proporciona información sobre cómo se pueden formar
nuevas escalas mediante el cambio modal de la tónica de una
escala existente.23 ​ La música hindi actual fue influenciada
por la música tradicional persa y por los mogoles afganos. La
música carnática, popular en los estados del sur, es en gran
parte devocional; la mayoría de las canciones están dirigidas a
las deidades hindúes. También hay muchas canciones que
enfatizan el amor y otros temas sociales.

La música clásica china, el arte tradicional o la música de la

corte de China, tiene una historia que se remonta a unos tres
mil años. Tiene sus propios sistemas únicos de notación
musical, así como afinación y tono musical, instrumentos y
estilos musicales o géneros musicales. La música china es
pentatónica-diatónica, con una escala de doce notas a una
octava (5 + 7 = 12) al igual que la música de influencia
europea.

Referencias en la Biblia

El conocimiento del período bíblico proviene principalmente

de referencias literarias en la Biblia y fuentes posbíblicas. El
historiador de religión y música Herbert Lockyer escribió que
«la música, tanto vocal como instrumental, fue bien cultivada
entre los hebreos, los cristianos del Nuevo Testamento y la
iglesia cristiana a través de los siglos». Agrega que «una
mirada al Antiguo
Testamento revela cómo el
pueblo antiguo de Dios se
dedicó al estudio y la
práctica de la música, que
ocupa un lugar único en
los libros históricos y
proféticos, así como en el
Salterio».24 ​

Los estudiosos de la
música y el teatro que
estudian la historia y la
antropología de la cultura
David componiendo salmos,
semítica y judeocristiana
Salterio de París, c. 960
temprana han descubierto (Constantinopla).
vínculos comunes en la
actividad teatral y musical
entre las culturas clásicas de los hebreos y las de los griegos y
romanos posteriores. El área común de actuación se encuentra
en un «fenómeno social llamado letanía», una forma de
oración que consiste en una serie de invocaciones o súplicas.
Journal of Religion and Theatre señala que entre las primeras
formas de letanía, «la letanía hebrea estuvo acompañada de
una rica tradición musical»:25 ​

Genesis 4.21 indicated that Jubal is the "father

of all such as handle the harp and pipe", the
Pentateuch is nearly silent about the practice
and instruction of music in the early life of
Israel. In I Samuel 10, there are more
depictions of "large choirs and orchestras".
 These large ensembles could only be run with
extensive rehearsals. This had led some
scholars to theorize that the prophet Samuel
led a public music school to a wide range of
students.25 ​
El Génesis 4.21 indicaba que Jubal es el «padre
de todos los que manejan el arpa y la flauta», el
Pentateuco casi guarda silencio sobre la
práctica y la instrucción de la música en la vida
temprana de Israel. En I Samuel 10, hay más
representaciones de «grandes coros y
orquestas». Estos grandes conjuntos sólo
podían ejecutarse con ensayos extensos. Esto
había llevado a algunos estudiosos a teorizar
que el profeta Samuel dirigió una escuela
pública de música para una amplia gama de
estudiantes.

Antigua Grecia

La música era una parte importante de la vida social y cultural

en la Antigua Grecia. Los músicos y cantantes desempeñaron
un papel destacado en el teatro griego.26 ​ Se realizaban
interpretaciones de coros mixtos para el entretenimiento, la
celebración y ceremonias espirituales.27 ​ Los instrumentos
incluían el aulós de doble lengüeta y un instrumento de
cuerda pulsada, la lira, principalmente del tipo especial
llamado kithara. La música era una parte importante de la
educación y a los niños se les enseñaba música a partir de los
seis años. La alfabetización musical griega creó un
florecimiento del desarrollo musical. La teoría de la música
griega incluía los modos musicales griegos, que eventualmente
se convirtieron en la base de la música clásica y religiosa
occidental. Más tarde, las influencias del Imperio Romano,
Europa del Este y el Imperio Bizantino cambiaron la música
griega. El Epitafio de Sícilo es el ejemplo más antiguo que se
conserva de una composición musical completa, incluida la
notación musical, de cualquier parte del mundo.28 ​ La obra
escrita más antigua que sobrevive sobre el tema de la teoría
musical es Harmonika Stoicheia de Aristóxeno.29 ​

Antigua Roma

La música de la Antigua
Roma fue parte de la
cultura romana desde los
tiempos más remotos. Las
canciones (carmen) eran
una parte integral de casi
todos los eventos
sociales.30 ​ El Carmen
saeculare de Horacio, por Trío de músicos tocando un aulós,
ejemplo, fue encargado Cymbala, y tímpano (mosaico de
por Augusto e interpretada Pompeya).
por un coro mixto de niños
en los Juegos Seculares del
17 a. C.31 ​ La música era habitual en los funerales y la tibia (el
aulós griego), un instrumento de viento-madera, se tocaba en
los sacrificios para protegerse de las malas influencias.32 ​Bajo
la influencia de la teoría griega antigua, se pensaba que la
música reflejaba el orden del cosmos y se asociaba
particularmente con las matemáticas y el conocimiento.33 ​
La música etrusca tuvo una influencia temprana en la de los
romanos. Durante el período imperial, los romanos llevaron
su música a las provincias, mientras que las tradiciones de
Asia Menor, África del Norte y la Galia se convirtieron en
parte de la cultura romana.34 ​

La música acompañaba espectáculos y eventos en la arena, y

era parte de la forma de artes escénicas llamada pantomima
(pantomimus), una forma temprana de ballet narrativo que
combinaba danza expresiva, música instrumental y un libreto
cantado.35 ​

Edad Media

La Edad Media (476 a 1400) comenzó con la introducción del

canto monofónico (línea melódica única) en los servicios de la
Iglesia católica. La notación musical se usó desde la
antigüedad en la cultura griega, pero en la Edad Media, la
notación fue introducida por primera vez por la Iglesia
católica para que las melodías de los cánticos pudieran
escribirse, para facilitar el uso de las mismas melodías para la
música religiosa en todo el mundo católico.a 36 ​ ​ El único
repertorio medieval europeo que se ha encontrado en forma
escrita desde antes del 800 es el canto llano litúrgico
monofónico de la Iglesia católica, cuya tradición central se
llamaba canto gregoriano.

Junto a estas tradiciones de música sacra, existía una vibrante

tradición de canto secular. Ejemplos de compositores de este
período son Léonin, Perotín, Guillaume de Machaut y Walther
von der Vogelweide.
Renacimiento

La música del
Renacimiento (c. 1400 a
1600) se centró más en
temas seculares, como el
amor cortés. Alrededor de
1450, se inventó la
imprenta, que hacía
partituras impresas mucho
menos costosas y más
fáciles de producir en
masa.b ​ La mayor
disponibilidad de
partituras ayudó a difundir
los estilos musicales más
rápidamente y en un área
más amplia. Los músicos y
El introito de Gaudeamus omnes,
cantantes a menudo
escrito en notación neumática en el
trabajaban para la iglesia,
Graduale Aboense de los siglos xiv
las cortes y las ciudades.
y xv, rinde homenaje a Enrique,
Los coros de la iglesia
patrón de Finlandia.
crecieron en tamaño y la
Iglesia siguió siendo un
mecenas importante de la
música. A mediados del siglo xv, los compositores escribieron
música sacra ricamente polifónica, en la que se entrelazaban
simultáneamente diferentes líneas melódicas. Entre los
compositores destacados de esta época se incluyen Josquin
des Prés, Guillaume Dufay, Giovanni Pierluigi da Palestrina,
Tomás Luis de Victoria, Thomas Morley y Orlando di Lasso. A
medida que la actividad musical pasó de la Iglesia a las cortes
aristocráticas, reyes, reinas y príncipes compitieron por los
mejores compositores. Muchos compositores importantes
provenían de los Países Bajos, Bélgica y el norte de Francia. Se
les llama compositores franco-flamencos y ocuparon cargos
importantes en toda Europa, especialmente en Italia. Otros
países con una gran actividad musical fueron Alemania,
Inglaterra y España.

Barroco

La era barroca de la
música tuvo lugar entre
1600 y 1750, cuando el
estilo artístico barroco
floreció en toda Europa y
durante este tiempo la
música se expandió en su
rango y complejidad. La
música barroca comenzó
cuando se escribieron las
primeras óperas (música
vocal dramática solista
acompañada de orquesta).
Durante la época barroca,
la música polifónica Johann Sebastian Bach fue un
contrapuntística, en la que destacado compositor de la era
se utilizaban múltiples barroca de la música.
líneas melódicas
independientes
simultáneas, siguió siendo importante.c ​ Los compositores
barrocos alemanes escribieron para pequeños conjuntos que
incluían cuerdas, metales y viento-madera, así como para
coros e instrumentos de teclado, como órgano, clavecín y
clavicordio. Durante este período se definieron varias formas
musicales importantes que perduraron en períodos
posteriores cuando se expandieron y evolucionaron aún más,
incluida la fuga, la invención, la sonata y el concierto.37 ​ El
estilo barroco tardío era polifónicamente complejo y
ricamente ornamentado. Entre los compositores importantes
de la época barroca se encuentran Johann Sebastian Bach,
Georg Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann y Antonio
Vivaldi.

Clasicismo

La música del período clásico (1730 a 1820) tenía como

objetivo imitar lo que se consideraba los elementos clave del
arte y la filosofía de la Antigua Grecia y Antigua Roma: los
ideales de equilibrio, proporción y expresión disciplinada.d ​La
música del período clásico tiene una textura más ligera, clara y
considerablemente más simple que la música barroca que la
precedió. El estilo principal fue la homofonía,38 ​ donde una
melodía prominente y una parte de acompañamiento de
acordes subordinados son claramente distintas. Las melodías
instrumentales clásicas tendían a ser casi vocales y cantables.
Se desarrollaron nuevos géneros y el fortepiano, el precursor
del piano moderno, reemplazó al clavicémbalo y al órgano de
 la época barroca como
principal instrumento de
teclado, aunque este
último siguió utilizándose
en la música sacra, como
las misas.

Se le dio importancia a la
música instrumental.
Estuvo dominado por un
mayor desarrollo de
formas musicales
inicialmente definidas en
el período barroco: la
sonata, el concierto y la
sinfonía. Otros tipos
principales fueron el trío,
el cuarteto de cuerda, la
serenata y el divertimento.
La sonata fue la forma más
importante y desarrollada.
1. Luigi Cherubini
Aunque los compositores
2. Carl Philipp Emanuel Bach
barrocos también
3. Joseph Haydn
escribieron sonatas, el
4. Johann Christoph Friedrich Bach
estilo clásico de la sonata
5. Ludwig van Beethoven
es completamente distinto.
6. Franz Xaver Richter
Todas las formas
7. Wolfgang Amadeus Mozart
instrumentales principales
8. Luigi Boccherini
de la era clásica, desde los
9. Carl Friedrich Abel
cuartetos de cuerda hasta
10. Christoph Willibald Gluck
las sinfonías y los
conciertos, se basaron en
11. Maria Anna Mozart
la estructura de la sonata.
12. Johann Christian Bach Los instrumentos tocaban
música de cámara y la
orquesta se volvió más
estandarizada. En lugar del grupo de bajo continuo de la época
barroca, que consistía en clavecín, órgano o laúd junto con
varios instrumentos bajos seleccionados a discreción del líder
del grupo (por ejemplo, viola, violonchelo, tiorba o serpentón),
los grupos de cámara clásicos usaron instrumentos
estandarizados especificados (por ejemplo, un cuarteto de
cuerdas sería interpretado por dos violines, una viola y un
violonchelo). La interpretación de acordes improvisados de la
época barroca del tecladista de continuo o el laudista se
eliminó gradualmente entre 1750 y 1800.

Uno de los cambios más importantes realizados en el período

clásico fue el desarrollo de conciertos públicos. La aristocracia
seguía desempeñando un papel importante en el patrocinio de
conciertos y composiciones, pero ahora los compositores
podían sobrevivir sin ser empleados permanentes de reyes o
príncipes. La creciente popularidad de la música clásica llevó a
un crecimiento en el número y tipos de orquestas. La
expansión de los conciertos orquestales requirió la
construcción de grandes espacios para espectáculos públicos.
La música sinfónica, incluidas las sinfonías, el
acompañamiento musical al ballet y los géneros
vocales/instrumentales mixtos, como la ópera y el oratorio, se
hicieron más populares.

Los compositores más destacados del clasicismo son Carl

Philipp Emanuel Bach, Christoph Willibald Gluck, Johann
Christian Bach, Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart,
Ludwig van Beethoven y Franz Schubert. Beethoven y
Schubert también se consideran compositores de la última
parte de la era clásica, ya que comenzó a moverse hacia el
Romanticismo.

Romanticismo

La música romántica (c.

1810 a 1900) del siglo  xix
tenía muchos elementos
en común con los estilos
románticos en la literatura
y la pintura de la época. El
Romanticismo fue un
movimiento artístico, El piano fue la pieza central de la
literario e intelectual que actividad social de los urbanitas de
se caracterizó por su clase media en el siglo xix (Moritz
énfasis en la emoción y el von Schwind, 1868). El hombre al
individualismo, así como piano es el compositor Franz
por la glorificación de todo Schubert.
el pasado y la naturaleza.
La música romántica se
expandió más allá de los estilos y formas rígidos de la era
clásica hacia piezas y canciones expresivas más apasionantes y
dramáticas. Compositores románticos como Richard Wagner y
Johannes Brahms intentaron aumentar la expresión
emocional y el poder en su música para describir verdades
más profundas o sentimientos humanos. Con poemas
sinfónicos, los compositores intentaron contar historias y
evocar imágenes o paisajes utilizando música instrumental.
Algunos compositores promovieron el orgullo nacionalista con
música orquestal patriótica inspirada en la música folclórica.
Las cualidades emocionales y expresivas de la música llegaron
a prevalecer sobre la tradición.

Los compositores románticos crecieron en idiosincrasia y

fueron más allá en el sincretismo de explorar diferentes
formas de arte en un contexto musical (como la literatura), la
historia (personajes históricos y leyendas) o la naturaleza
misma. El amor romántico o el anhelo fue un tema
predominante en muchas obras compuestas durante este
período. En algunos casos, se siguieron utilizando las
estructuras formales del período clásico (por ejemplo, la forma
sonata utilizada en cuartetos de cuerda y sinfonías), pero estas
formas se ampliaron y modificaron. En muchos casos, se
exploraron nuevos enfoques para géneros, formas y funciones
existentes. Además, se crearon nuevos formularios que se
consideraron más adecuados para el nuevo tema. Los
compositores continuaron desarrollando música de ópera y
ballet, explorando nuevos estilos y temas.26 ​

En los años posteriores a 1800, la música desarrollada por

Ludwig van Beethoven y Franz Schubert introdujo un estilo
más dramático y expresivo. En el caso de Beethoven, los
motivos cortos, desarrollados orgánicamente, llegaron a
reemplazar a la melodía como la unidad compositiva más
significativa.e ​ Compositores románticos posteriores como
Piotr Ilich Chaikovski, Antonín Dvořák y Gustav Mahler
utilizaron acordes más inusuales y más disonancia para crear
una tensión dramática. Generaron obras musicales complejas
y, a menudo, mucho más largas. Durante el período romántico
tardío, los compositores exploraron las alteraciones
cromáticas dramáticas de la tonalidad, como los acordes
extendidos y los acordes alterados, que crearon nuevos colores
de sonido. A finales del siglo  xix se produjo una expansión
espectacular en el tamaño de la orquesta y la Revolución
industrial ayudó a crear mejores instrumentos, creando un
sonido más potente. Los conciertos públicos se convirtieron en
una parte importante de la sociedad urbana acomodada.
También vio una nueva diversidad en la música para teatro,
incluida la opereta, la comedia musical y otras formas de
teatro musical.26 ​

El piano fue un instrumento representativo de esta época, no

sólo en el ámbito musical sino también en el técnico ya que
gracias a los avances logrados gracias a la Revolución
industrial su mecanismo fue mejorado sustancialmente. De la
misma forma que el capitalismo influyó en el modo de
organización jerárquico de las cadenas de producción, el piano
se utilizó como herramienta para conseguir la expresión
musical y como ayuda a la composición.39 ​ En dicho período
hubo importantes compositores como Félix Mendelssohn,
Frédéric Chopin, Franz Liszt, Robert Schumann, Franz
Schubert, Johannes Brahms, Edvard Grieg e Isaac Albéniz que
realizaron obras para piano. Del romanticismo tardío destacan
compositores como Aleksandr Skriabin, Serguéi Rajmáninov y
Gabriel Fauré.40 ​

Siglo XX y XXI
 En el siglo  xix, una de las
formas clave en que las
nuevas composiciones se
dieron a conocer al público
fue mediante la venta de
partituras, que los
amantes de la música
aficionados de clase media
tocaban en casa en su
piano u otros
instrumentos comunes,
como el violín. Con la
música del siglo  xx, la
invención de nuevas
tecnologías eléctricas
como la radiodifusión y la
disponibilidad de discos de
Enrico Caruso con un gramófono.
gramófono en el mercado
masivo significó que las
grabaciones sonoras de
canciones y piezas escuchadas por los oyentes (ya sea en la
radio o en su tocadiscos) se convirtieron en la principal vía
para aprender sobre nuevas canciones y piezas. Hubo un gran
aumento en la escucha de música a medida que la radio ganó
popularidad y los fonógrafos se utilizaron para reproducir y
distribuir música, porque mientras que en el siglo  xix, el
enfoque en las partituras restringió el acceso a la nueva
música a las personas de clase media y alta que podían leer
música y poseían pianos e instrumentos, en el siglo  xx,
cualquier persona con radio o tocadiscos podía escuchar
óperas, sinfonías y grandes bandas en su propia sala de estar.
Esto permitió a las personas de bajos ingresos, que nunca
podrían pagar una entrada para un concierto de ópera o
sinfónico, escuchar esta música. También significaba que las
personas podían escuchar música de diferentes partes del
país, o incluso de diferentes partes del mundo, incluso si no
podían permitirse viajar a estos lugares. Esto ayudó a difundir
los estilos musicales.

El enfoque de la música artística en el siglo xx se caracterizó

por la exploración de nuevos ritmos, estilos y sonidos. Las
consecuencias de la Primera Guerra Mundial influyeron en
muchas de las artes, incluida la música, y algunos
compositores comenzaron a explorar sonidos más oscuros y
ásperos. Los compositores utilizaron estilos musicales
tradicionales como el jazz y la música folclórica como fuente
de ideas para la música clásica. Ígor Stravinski, Arnold
Schönberg y John Cage fueron compositores influyentes en la
música artística del siglo xx. La invención de la grabación de
sonido y la capacidad de editar música dio lugar a un nuevo
subgénero de la música clásica, incluidas las escuelas de
composición electrónica acusmática41 ​ y música concreta. La
grabación de sonido también fue una gran influencia en el
desarrollo de los géneros musicales populares, porque
permitió que las grabaciones de canciones y bandas se
distribuyeran ampliamente. La introducción del sistema de
grabación multipista tuvo una gran influencia en la música
rock, porque podía hacer mucho más que grabar la
interpretación de una banda. Usando un sistema multipista,
una banda y su productor musical podrían sobregrabar
muchas capas de pistas de instrumentos y voces, creando
nuevos sonidos que no serían posibles en una actuación en
vivo.

Algunos músicos expositores del jazz. En sentido

horario, desde arriba a la izquierda: Louis Armstrong,
Charlie Parker, Ella Fitzgerald y Aretha Franklin.

El jazz evolucionó y se convirtió en un género musical

importante a lo largo delsiglo xx y durante la segunda mitad
de ese siglo, la música rock hizo lo mismo. El jazz es una
forma de arte musical estadounidense que se originó a
principios de siglo en las comunidades afroamericanas del sur
de Estados Unidos a partir de una confluencia de tradiciones
musicales africanas y europeas. El pedigrí de África Occidental
del estilo es evidente en el uso de notas de blues,
improvisación, polirritmos, síncopa y la nota swing.42
La música rock es un género de música popular que se
desarrolló en la década de 1960 a partir del rock and roll de la
década de 1950, el rockabilly, el blues y la música country.43 ​
El sonido del rock a menudo gira en torno a la guitarra
eléctrica o acústica y utiliza un fuerte ritmo de fondo
establecido por una sección rítmica. Junto con la guitarra o los
teclados, el saxofón y la armónica de estilo blues se utilizan
como instrumentos solistas. La sección rítmica tradicional de
la música popular es la guitarra rítmica, el bajo eléctrico y la
batería. Algunas bandas también tienen instrumentos de
teclado como órgano, piano o, desde la década de 1970,
sintetizadores analógicos. En la década de 1980, los músicos
pop comenzaron a usar sintetizadores digitales, como el
Yamaha DX7, cajas de ritmos electrónicas como el Roland TR-
808 y dispositivos de bajo sintetizado (como el Roland TB-
303) o teclados de bajo sintetizado. En la década de 1990, se
utilizó una gama cada vez más amplia de dispositivos e
instrumentos musicales de hardware computarizado y
software (por ejemplo, estaciones de trabajo de audio digital).
En la década de 2020, los sintetizadores de software y las
aplicaciones de música de computadora hacen posible
productores de dormitorio para crear y grabar algunos tipos
de música, como música electrónica de baile en su propia casa,
agregando instrumentos muestreados y digitales y editando la
grabación digitalmente. En la década de 1990, algunas bandas
de géneros como el nu metal comenzaron a incluir DJ en sus
bandas. Los DJs crean música manipulando música grabada
en tocadiscos o reproductores de CD, usando un mezclador de
DJ.

Cultura y música
 Todas las culturas
humanas tienen
manifestaciones
musicales. La mayoría de
las especies animales
también son capaces de
producir sonidos de una
forma organizada para
Violinista en la catedral de Dublín. comunicar una gran
variedad de mensajes. Lo
que define a la música de
los hombres no es tanto el ser una combinación «correcta» (o
«armoniosa» o «bella») de sonidos en el tiempo como el ser
una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social
determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales

de diversos pueblos y culturas tengan en común, es
importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los
instrumentos utilizados para producir música, en cuanto a las
formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de tratar el
ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que
desempeña la música en las diferentes sociedades: no es lo
mismo la música que se escucha en una celebración religiosa,
que la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la
que se baila en una discoteca. Tomando en consideración las
funciones que una música determinada desempeña en un
contexto social determinado, podemos ser más precisos a la
hora de definir las características comunes de la música, y más
respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son
las de nuestra sociedad.
La mayoría de las
definiciones de música
solo toman en cuenta
algunas músicas
producidas durante
determinado lapso en
Occidente, creyendo que
sus características son
«universales», es decir,
comunes a todos los seres La Música, representación alegórica
humanos de todas las de la música, diseñada por Józef
culturas y de todos los Gosławski en un edificio en
tiempos. Dice Varsovia.
Schopenhauer, «(la
música) repercute en el
hombre de manera tan potente y magnífica, que puede ser
comparada a una lengua universal, cuya claridad y elocuencia
supera a todos los idiomas de la tierra».44 ​

Muchos piensan que la música es un lenguaje «universal»,

puesto que varios de sus elementos, como la melodía, el ritmo,
y especialmente la armonía (relación entre las frecuencias de
las diversas notas de un acorde) son plausibles de
explicaciones más o menos matemáticas, y que los humanos
en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados
para percibir como bello. Quienes creen esto ignoran o
soslayan la complejidad de los fenómenos culturales humanos.
Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho
musical universal cuando en realidad es exclusivo de la música
de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído
que la armonía es privativa de la cultura
occidental[cita  requerida] porque representa un estadio más
«avanzado» o «superior» de la «evolución» de la música.

Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades

occidentales (u occidentalizadas) es la compleja división del
trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por
ejemplo, muchas veces es uno quien compone la música, otro
quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las regalías. La
idea de que quien crea la música es otra persona distinta de
quien la ejecuta, así como la idea de que quien escucha la
música no está presente en el mismo espacio físico en donde
se produce es solamente posible en la sociedad occidental de
hace algunos siglos; lo más común (es decir, lo más
«universal») es que creador e intérprete sean la misma
persona.

La notación musical occidental

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música
occidental) existen formas de notación musical. Sin embargo,
es a partir de la música de la edad media (principalmente
canto gregoriano) que se comienza a emplear el sistema de
notación musical que evolucionaría al actual. En el
Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos
definitivos con que lo conocemos hoy, aunque -como todo
lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de
los usuarios.
El sistema se basa en dos
ejes: uno horizontal, que
representa gráficamente el
transcurrir del tiempo, y
otro vertical que
representa gráficamente la
altura del sonido. Las
alturas se leen en relación
a un pentagrama (del
griego «πεντα», «penta»: Fragmento de uno de los himnos
cinco; y «γραμμa», dedicado al dios de la música
«grama»: líneas), que al Apolo, en Delfos, Grecia. El templo
comienzo tiene una clave oracular era una acrópolis y fue
que tiene la función de construido en su honor. Este
fragmento contiene la notación
atribuir a una de las líneas
musical introducida por los helenos,
del pentagrama una
situando las notas por sobre las
determinada nota musical.
estrofas (a modo de «cancionero
En un pentagrama
popular»).
encabezado por la «clave
de sol en segunda línea»
nosotros leeremos como sol el sonido que se escribe en la
segunda línea (contando desde abajo), como la el sonido que
se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas,
como si el sonido en la tercera línea, etc. Para los sonidos que
quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las
claves más usadas son las de:

do en tercera línea (clave que toma como referencia al

do4 de 261,63 Hz, el do central del piano),
sol en segunda línea (que se refiere al sol que se
encuentra una quinta por encima del do central), y
 fa en cuarta línea (referida al fa que está una quinta por
debajo del do central).

El discurso musical está dividido en unidades iguales de

tiempo llamadas compases: cada línea vertical que atraviesa el
pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del
siguiente. Al comienzo del pentagrama habrá una fracción con
dos números; el número de arriba indica la cantidad de
tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica
cuál será la unidad de tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la

redonda (representada como un círculo blanco), la blanca (un
círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra
(igual que la blanca pero con un círculo negro), la corchea
(igual que la negra pero con un palito horizontal que comienza
en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea
pero con dos palitos horizontales), etc. Cada una vale la mitad
de su antecesora: la blanca vale la mitad que una redonda y el
doble que una negra, etc.

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es

la unidad de tiempo en determinada partitura, debemos
fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si
es 1, cada redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada
blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada tiempo será
representado por una negra, etc. Así, una partitura
3

encabezada por un 4 estará dividida en compases en los que

entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro
4

corcheas, etc.); un compás de 8 tendrá cuatro tiempos, cada

uno de ellos representados por una corchea, etc.
Para representar los silencios, el sistema posee otros signos
que representan un silencio de redonda, de blanca, etc..

Como se ve, las duraciones están establecidas según una

relación binaria (doble o mitad), lo que no prevé la subdivisión
por tres, que será indicada con tresillos. Cuando se desea que
a una nota o silencio se le agregue la mitad de su duración, se
le coloca un punto a la derecha (puntillo). Cuando se desea
que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor,
se escriben dos notas y se las une por medio de una línea
arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas

apelando a palabras escritas más o menos convencionales,
generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se
indican mediante el uso de una «f» (forte, fuerte) o una «p»
(piano, suave), o varias efes y pes juntas. La velocidad de los
pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que
son, en orden de velocidad: largo, lento, adagio, moderato,
andante, allegro, presto.

Beneficios de la música a nivel

psicológico y neurológico
La práctica de la ejecución musical sobre la base de un
instrumento, promueve un mejor rendimiento a nivel
cerebral. Las lecciones musicales activan a ambos hemisferios
cerebrales. Por esta actividad, la concentración, memoria y
disciplina de un estudiante se ven a duelo al ejercitarse, y este
ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes
mencionadas. En el
momento en el que el
cerebro se ve retado a
dividirse en varias
funciones que requieren
concentración y precisión,
como al tocar
instrumentos ya sea piano,
guitarra, violín,
contrabajo, entre otros,
mejora sus funciones.
Estudios realizados por la
Universidad de Harvard y
la Universidad de
California han
comprobado que la
práctica de instrumentos
musicales hace que los dos El canto de los ángeles (obra de
hemisferios cerebrales William Bouguereau, siglo xix.
formen nuevas conexiones,
cuya realización produce
que el cerebro tenga un mejor rendimiento en los campos de
la concentración, memoria y aprendizaje. El legendario
científico español de la neurociencia moderna, Santiago
Ramón y Cajal, descubrió que la única actividad que hacía más
conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que
en este instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta,
enfocándose cada mano en distintos ritmos y velocidades, y en
adición, los pies, que también tienen una importante función
al utilizarse los pedales.45 ​
A nivel mental, también se considera muy útil la teoría
musical para facilitar el aprendizaje de otros idiomas.
Características importantes de la música, como el tono, el
timbre, la intensidad y el ritmo, tienen mucho que ver con las
variaciones del habla en los distintos idiomas. Cada uno de
estos tiene un acento distinto, y en la música descubrimos los
diversos tonos, timbres, y ritmos que se podrían acoplar a los
diferentes idiomas.46 ​

Véase también
Portal:Música. Contenido relacionado con Música.
Mujeres en la música
Música surrealista
Solfeo
Cultura de Europa#Música
Historia de la ópera

Notas y referencias
Notas

a. Véase Historia de la notación en la música occidental.

b. Antes de la invención de la imprenta, toda la música
anotada se copiaba a mano.
c. El contrapunto era importante en la música vocal de la
época medieval.
d. La música del período clásico no debe confundirse con la
música clásica en general, un término que se refiere a la
 música de arte occidental desde el siglo v hasta la década
de 2000, que incluye el período clásico como uno de
varios períodos.
e. Un ejemplo es la figura distintiva de cuatro notas utilizada
en su Quinta Sinfonía.

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