Lic.

LIGIA RINCÓN GÓMEZ 7°

TEATRO GRIEGO

La tragedia y la comedia nacen del Ditirambo. En las fiestas

dionisiacas, cantaba el Ditirambo. Ésta comenzaba con una
procesión en la que se traía la estatua de Dionisio.

El elemento característico del Ditirambo solía ser un ritornello

lanzado como un grito por el coro. Con estos gritos alternaba
el canto del guía del coro (exacorte ó corifeo). En ellos se solía
implorar la llegada de Dionisio.

El drama satírico se origina en las procesiones en honor a

Fales (Dios de la Fecundidad).

La tragedia: Obras solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas entre personajes intercaladas por
intervenciones del coro en forma de canción. En su temática encontramos antiguos relatos y mitos.

Estructura:
- Prólogo: secuencia inicial que anticipa la historia. Puede aparecer como un dialogo entre personajes o
como monólogo.
- Parodos: canto de entrada del coro.
- Episodios: equivalentes a los actos del teatro moderno.
- Estásimos: cantos del coro que se alternan entre los episodios.
- Éxodo: canto de salida del coro.

Según La Poética de Aristóteles la finalidad de la tragedia es la CATARSIS. La tragedia implica unos

personajes en acción, movidos por pasiones y temores. Esto provoca en el espectador una purificación
(catharsis) por la empatía de los estados emotivos representados.

Los griegos pensaban que al representar las más terribles circunstancias y emociones, la compasión y el
temor que sentía el público les purificaba y los dioses les “curaban” de sentir tales emociones.

La comedia: Se desarrolló a mediados del siglo V A.C. Las más antiguas que se conserva son las de
Aristófanes. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del
momento, atrevidos chistes escatológicos y sacrílegas parodias de los dioses.

El drama satírico: Atrevidas parodias sobre los dioses y sus mitos. Parecida a la tragedia en su forma y
temática, se diferencia de ella en el tono de la representación.
El coro estaba compuesto por sátiros vestidos con pieles, cuernos, pezuñas, etc. Los sátiros representan las
fuerzas pasionales de la naturaleza.

Función social: La obra dramática siempre representa un conflicto humano, más o menos universal (afecta a
todos de una u otra forma). Dicho conflicto es representado por dos fuerzas que luchan entre sí.

En la tragedia, por ejemplo, se mostraba el límite de la condición humana y las leyes que regulaban tal
condición en el contexto cívico donde se fomentaba y posibilitaba la unidad de los ciudadanos.

La tragedia educaba al pueblo, ya que creaba una identidad social, sobretodo en Atenas.

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Los actores:

Los actores fueron cobrando importancia a mediada

que la acción fue ganándole terreno a la narración y
fue un proceso gradual. Un solo actor podía
representar varios personajes en la misma obra.
Conforme aumentan los actores se incrementa el
número de personajes presentes en la misma escena.
Los actores, todos hombres, iban vestidos con túnicas
cortas, medias y manto. Usaban coturnos que les
daban mayor altura y portaban mascaras que
permitían gran visibilidad y ayudaban al espectador a
reconocer las características de los personajes. El énfasis de la interpretación se ponía en la voz.

El coro:

El coro fue perdiendo sus funciones en pro de las del actor. Sus funciones eran las siguientes:
- Plegarias: invocaciones y oraciones de acción de gracias, en las que se pide la aparición de un héroe
muerto, cantos de victoria, etc.
- Participación de carácter ritual: ofrendas, procesiones, etc.
- Funciones narrativas: predicen o preparan la escena, explican los acontecimientos que el espectador no ve.
- Elementos de unificación o enlace entre los episodios
- Elemento mediador entre la acción y el espectador. Se convierte en ocasiones en conciencia colectiva.
- Hacer preguntas, al público, a los dioses, a ellos mismos… Se encargan así de hacer al publico reflexionar
sobre lo acontecido en la función

Lugar de la acción: Los teatros permanentes de piedra no se construyeron hasta el siglo IV a.C. Hasta ese
momento los coros ditirámbicos actuaban al aire libre rodeados por el público.El primer teatro que se
construyó fue en honor a Dionisio. Se colocaron asientos de piedra. Se creó la orquesta donde se colocaba el
coro. El proskenion era el escenario donde se situaban a los actores. El skené era una caseta detrás del
proskenion donde los actores se cambiaban de máscara. El parador es la escalera que permite el acceso del
proskenion a la orquesta. La zona de los asientos de construía aprovechando la colina y entorno a la
orquesta. Tenían un aforo de 15.000 a 20.000 espectadores. A medida que aumentó la importancia de los
actores el proskenion se elevó y tomó parte del espacio de la orquesta.

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El vestuario: El vestuario de una representación griega está compuesta por:

Máscaras: Los actores griegos utilizaban las máscaras o, en su defecto,

ocultaban su rostro con barro o azafrán. El ocultar la cara simboliza el
vestirse con elementos nuevos y no comunes, necesarios para realizar el
rito, era también un ritual. Más tarde, cuando el teatro fue teatro y no un
acto religioso, la máscara era aquel elemento que transformaba al actor
en personaje, había máscaras de viejos, de jóvenes, mujeres, etc. Con el
tiempo, los artesanos consiguieron verdadero realismo en las caretas.

Además la máscara poseía unas enormes dimensiones para que fuera

mucho más visible al público y para, junto con los coturnos (zancos),
guardar la proporción entre las diferentes filas de asientos. Por otra parte,
las máscaras podían servir de "megáfono" aumentando la voz del actor. Y
por último, permitía al actor interpretar varios personajes

Coturnos: Son una especie de zapatos de madera con alza que servían
para dar altura al actor. Conseguían que los personajes nobles destacasen
sobre el coro y dar proporción al actor con la gran máscara. Así el actor era
enorme, con lo que el público podía verlo con facilidad. Generalmente
solo eran usados en la tragedia.

Ropas: Por lo general, los trajes usados eran túnicas, cortas o

medias y mantos. Según los colores de las ropas el personaje
tenía más o menos importancia, así, los colores oscuros eran para
los personajes tristes, los alegres para los importantes o los
colores normales para la gente del pueblo. Los actores usaban
unas almohadillas para abultarse, de modo que se siguiese
guardando la proporción con el coturno y la máscara. Además
podían usar otros elementos como corona en el caso de los reyes.

Autores: Se considera a Tespis como el padre del teatro. Tespis viajaba en un carro donde montaba su
teatro y representaba obras con temas diferentes al culto de Dionisio. Su innovación principal consiste en
añadir un personaje que dialogaba y éste era el protagonista.

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Tragedia:

- Esquilo: Introdujo un segundo actor, con lo cual se redujo las partes corales.

- Sófocles: Introdujo un tercer actor, relegó el coro y perfeccionó la técnica dramática. Hizo más movida la
acción en escena.

- Eurípides: Creaba verdaderos dramas de intriga. Aumentó considerablemente el número de autores.

Comedia:

- Aristófanes: Trató los problemas más notables de la vida pública de su tiempo.

- Menandro: El más destacado de la nueva comedia de caracteres. El amor era s tema principal.

GLOSARIO:

- Ditirambo: Composición lírica griega dedicada al dios Dionisio.

- Dionisio: Dios del vino, inspirador de la locura ritual y el éxtasis.

- Fales: Dios de la fecundación.

- Ritornello: En términos musicales, repetición de una sección o fragmento de obra.

- Escatológico: Referente a lo sucio.

- Hybris: Soberbia del héroe que cree poder desafiar el destino.

Webgrafía:

http://es.wikipedia.org/wiki/Dioniso

http://elcallejondelgato4.wordpress.com/2012/12/18/teatro-griego

http://es.wikipedia.org/wiki/Teatro_de_la_Antigua_Grecia