INDEX

I. Introducción………………………………………………………………….…..….p 2

II.El graffiti………………………………………………….. ……………..…...…..…p3-4

II.A. Definición de graffiti……………………………………………….………….…p5-7

II.B. Orígen, historia y evolución del graffiti. ...………………… …..…..…p 7

II.B.1.Nueva york en los años sesenta y setenta…………………............p7-10
II.B.2. Después de NY………………………………………….………p10-12
II.B.3. Evolución del estilo……………………………………..….…………p13

II.C. Tipos de graffiti …………………………………..…………………………p13-18

II.C.2 Tres grandes tipos de graffiti ………………………………………p 18
II.B.2.a. El graffiti como arte………………………………………p19
II.B.2.b. El graffiti público…………………………………………..p.20
II.B.2.c. El graffiti callejero…………………………………………p21

III.Artistas que trabajan con grafiti………………………………………………….p22

III.A. Andy warhol…………………………………………………………p22-24
III.A.1. Marilyn Monroe……………………………………………………p25
III.B. Keith Haring…………………………………………..…………….p26-28
III.B.1. Obras de Keith……………………………..………………p28-30
III.C. Jean- Micheal- Basquiat……………………………………………p31-32
III.C.1 obras de ……………………………………………………….p33-34
III.D.Kenny Scharf………………………………………….………………...p35-36
III.D.1 Obras de Kenny………………………………….……………….p37
III.E.Lady Pink………………………………………………………………..…p38
III.E.A. Obras de Lady Pink…………………………….……………p39-40
IV. Visión estética y exploración del grafitti según el contexto social.…….…….p41-42

V. El graffiti en España…………………………………………………………..………p43
V.A. Los grafiteros de España………………………………..…………………p44
V.B. El Graffiti en Lleida……………………………………………..…………p45

VI. Mi Graffiti………………………………………………………….…………………p46
VI. Proceso de elaboración……………………….………………………p47-54
VI.B. Materiales…………………………………………………………………p55
Webgrafía……………………………………………………………………….……p56-57
Conclusión……………………………………………………………………………p58

1
 I.Introducción

Antes de escoger este tema pensé en hacer un trabajo más teórico ya que el graffiti a veces
ha estado criticado y cuestionado.
Pero como me tenía que gustar, motivar y pocas cosas más había que me llamaran
realmente la atención escogí el graffiti.
El graffiti puede ser que no te atraiga si no estás familiarizado con él pero estoy convencida
que me voy a esforzar para
mi intención de hacer este tema fue por mi parte me interesa mucho el graffiti, quiero
explicar y presentar.

Personalmente, me encanta leer libros porque puedo aprender y sentir mucho con ellos, me
enriquecen y me permiten reflexionar sobre muchas cosas.
Creo que para desarrollar un interés, en primer lugar, esas cosas deben hacerte pensar,
hacerte feliz a partir de ellas, para que puedas dedicarte a ellas y sentirte supremamente
feliz cuando progresas.

Albert Einstein dijo una vez: "Creo que para todas las situaciones, sólo el 'amor' es el mejor
maestro".

El interés puede hacer que una persona no tema sufrir; el interés puede hacer que una
persona se olvide de comer y dormir; el interés puede hacer que una persona sea
persistente y esté dispuesta a esforzarse.

2
II. EL GRAFFITI

El grafiti es un arte de diseño de tipo visual. Se practica en la calle y se compone de

muchos elementos visuales, principalmente fuentes, como puede ser el realismo 3D,
realismo de personajes, escenificación y personajes de dibujos animados.

El grafiti engloba expresiones artísticas callejeras y forma parte de muchas culturas de todo
el mundo. Las ciudades que son puntos clave del arte callejero son París, Londres,
Barcelona, Berlín, São Paulo y Toronto, entre otras.

El Grafiti normalmente plasma inquietudes de la sociedad e invita a la reflexión, a veces con

una intención social y otras veces con una intención estética.
Los artistas urbanos, muchas veces, transforman las fachadas grises de los edificios por
otras más coloridas influyendo, de paso, en todo el entorno.

3
Representan una subcultura callejera asociada con la música rap, el breakdance y el
hip-hop. Lejos de ser un arte abiertamente individual, un gran porcentaje de grafiteros
trabajan en equipo. Estos grupos se denominan tripulaciones.

4
 II.A. Definición de graffiti

La palabra "graffiti" proviene del griego graphein, que significa escribir.

La definición del término Graffiti, Graphite o Painted es "pintura libre, notoria por su
ilegalidad, generalmente realizada en espacios urbanos".

La historia moderna del graffiti se remonta a la década de 1960, cuando se originó en

Nueva York, influenciado por la música hip-hop. Los primeros grafiteros tenían muchas
ganas de firmar y vivían y pintaban en Nueva York. Uno de los primeros grafiteros firmó con
TAKI 183 y fue entrevistado por The New York Times en 1971. Su verdadero nombre era
Demetrius, y era un joven griego que trabajaba como mensajero en Nueva York.
Firmaba en todos los lugares donde se entregaban documentos y paquetes.

Se hizo famoso de un plumazo, y muchos jóvenes

comenzaron a seguir su ejemplo, encontrando cada vez
más difíciles y más destacados lugares para poner sus
firmas.
El nombre TAKER utilizado por los grafiteros para los
marcadores gruesos de tinta permanente puede haberse
originado a partir de la primera firma de graffiti
conocida TAKI 183.

Los grafitis aparecieron por primera vez en Estados Unidos en la década de 1960. A lo largo
de los años, la cultura del grafiti callejero se ha extendido a muchos países del
mundo.Como país capitalista, el sistema económico fundamental de Estados Unidos ha
provocado una gran brecha entre los ricos y los pobres de la sociedad estadounidense.
Esto dio lugar a la aparición del baloncesto callejero, el baile callejero, los grafitis, el hip-hop
y las canciones de rap, que fueron la raíz de la cultura de la rebelión callejera
estadounidense.

5
 El arte del graffiti fue el primer arte callejero que surgió en la
ciudad en la década de 1950 y se desarrolló oficialmente en
1969, llegando a ser muy común en la década de 1970

El arte del graffiti, al igual que la música hip hop, se originó

en el Bronx, el único barrio de Nueva York conectado con el
continente y el más pobre de la ciudad.

Desde la década de 1960 ha sido invadida por residentes negros y latinos procedentes de
América del Norte y Centra.

Los años 60 y 80 en Nueva York eran una ciudad llena de entusiasmo y ritmo acelerado,
con que el gueto alberga a un grupo de jóvenes hispanos o negros desempleados y sin
estudios que son vistos como un problema social. En las corrientes ideológicas de los
movimientos antirracistas, antibelicistas, contra la represión sexual y contra la represión de
los derechos, tocaron los problemas raciales, la pobreza y las limitaciones laborales
impuestas por sus circunstancias y formaron una ola territorial de comportamiento social
contracultural. Estos actos incluyen baloncesto callejero, grafitis callejeros, danza callejera,

6
hip hop, canciones de rap y otras actividades. La cultura del graffiti, entre otras, se originó
en los márgenes de una sociedad neoyorquina moribunda, donde un grupo de niños que se
atrevió a desafiar a las autoridades estadounidenses reconstruye los fragmentos de la
cultura secular.
La cultura del graffiti comenzó a finales de los 60 y floreció hasta los 80. Desde finales de la
década de 1970 hasta la de 1980, un grupo de entusiastas del grafiti se ganaron la vida con
él, desarrollando su propio arte distintivo de graffiti para expresar sus ideas y
personalidades. En los últimos años, se convirtió menos en un acto puramente antisocial y
más en una forma de arte, haciéndolo más aceptable y legítimo. Se desplazó lentamente
desde el subsuelo hasta el suelo.

II.B.Orígen, historia y evolución del graffiti.

II.B.1.Nueva york en los años sesenta y setenta

Si estuvieras en Nueva York en junio de 1975, en el

momento en que salieras del aeropuerto te recibiría un
folleto de cuatro páginas con una calavera amortajada en la
portada y una línea de eslóganes de encogimiento de
hombros debajo de la calavera:
"Bienvenido a la Ciudad del Miedo: un manual de supervivencia para los visitantes de
Nueva York".

El mejor consejo que podemos darte es que te mantengas lo más lejos posible de Nueva
York hasta que las cosas mejoren.

7
Para demostrar que esta advertencia no es alarmista, en las páginas interiores del folleto se
cuenta la alta incidencia de la delincuencia, los incendios provocados y la violencia en
Nueva York y se aconseja a los visitantes que sigan los siguientes consejos para la
seguridad de sus personas y bienes.

No salgas de casa después de las 6 de la tarde.

No utilice el transporte público bajo ninguna circunstancia.

No deje objetos de valor en las cajas fuertes de los hoteles.

Elija la habitación del hotel más cercana a la escalera de

incendios ......

Los visitantes que reciban este folleto pueden sentirse

confundidos -si no inmediatamente escandalizados-, pero si
supieran que la persona que les entrega el folleto es un
agente de policía de Nueva York vestido de civil, tendrían
que darse la vuelta y comprar un billete de vuelta para el
mismo día.

¿Por qué los policías de Nueva York se ausentan para repartir folletos
a los turistas frente a los aeropuertos, las estaciones de tren, las
paradas de los autobuses de larga distancia y los hoteles?
Porque estaban a punto de perder sus empleos dentro de un mes y
era su última lucha por mantener sus puestos de trabajo y sus medios
de vida.

El 4 de junio de 1975, en un intento de aliviar la grave crisis financiera

de Nueva York y aplacar la ira de sus acreedores, el alcalde Abe Beame, en nombre de la
imposición de la austeridad, anunció que rescindirá los contratos de trabajo de unos 50.000
empleados públicos antes del 1 de julio, el mayor despido de la historia de Nueva York. Los
despidos no sólo enfurecen a los poderosos sindicatos locales de Nueva York, sino que
socavan gravemente la capacidad del gobierno para prestar servicios públicos a sus
ciudadanos. Muchos sindicatos empezaron a organizarse para contraatacar en cuanto se
enteraron de la noticia, incluidos los 24 sindicatos de policías y bomberos de Nueva York y

8
su recién formada coalición, el Comité para la Seguridad Pública (CPS), que, junto con su
La CPS y sus cerca de 80.000 afiliados adoptaron una estrategia contraria sin precedentes
en la historia de los sindicatos estadounidenses, lanzando una enorme campaña mediática:
"Bienvenidos a la Ciudad del Miedo".

La "Ciudad del Miedo" ha creado un impacto que incluso los propios sindicatos pueden no
haber previsto. Desde la década de 1960, la ciudad del miedo ha utilizado las mismas
tácticas de relaciones públicas que el Ayuntamiento de Nueva York, la Asociación de la
Industria de Viajes y las revistas de estilo de vida para crear la imagen de marca de Nueva
York como "capital de los negocios, destino turístico y lugar ideal para vivir". La Ciudad del
Miedo utilizó la misma estrategia de relaciones públicas para crear un caso de libro de texto
de contra-marketing en la historia de Estados Unidos. Ambas campañas se dirigieron a los
residentes de la clase media-alta de Nueva York, a los viajeros de negocios y a los
ejecutivos de las empresas, cuyas residencias, destinos de viaje y sedes corporativas
determinan el flujo de talento y las perspectivas económicas de una ciudad.

Tras varias rondas de batallas judiciales y mediáticas entre el gobierno y los sindicatos, la
"Ciudad del Miedo" fue abortada tras sólo una semana. La velocidad, la escala y la
ferocidad de la campaña contra la Ciudad del Miedo demuestran que, en una crisis fiscal,
las prioridades del gobierno no son los puestos de trabajo y los salarios de los funcionarios,

9
ni los servicios municipales para los neoyorquinos de a pie, ni siquiera el resultado final de
la libertad de expresión, sino cómo mantener la imagen de Nueva York como una ciudad
segura y próspera donde que las grandes empresas inviertan y que los extranjeros visiten.

El 1 de julio, los despidos en los servicios de policía y

bomberos se llevaron a cabo como estaba previsto, dejando el
número total de policías y bomberos que perdieron sus
puestos de trabajo sin cambios, pero el gobierno ha movido la
aguja en su distribución geográfica. A diferencia de la
promesa del alcalde de una "crisis en toda la ciudad", los
cuerpos de policía y de bomberos del distrito financiero y de los barrios de clase media
apenas se vieron afectados, mientras que el Lower East Side, Harlem, Brooklyn y el Bronx,
donde viven los pobres y la clase trabajadora, absorbieron la gran mayoría de los recortes.
"La lección de la Ciudad del Miedo es que el gobierno es ciertamente libre de despedir a los
empleados de la seguridad pública, siempre que no afecte a los centros financieros, los
destinos turísticos y los puntos de interés de los medios de comunicación que se
encuentran en el corazón de la ciudad.

II.B.2. Después de NY

A principios de la década de 1970, cuando la pintura en aerosol estaba disponible

en latas, se podían ver grafitis de todo tipo, colores y personalidades en todas
partes, desde los vagones del metro hasta los andenes, pasando por las paredes de
las calles y los baños. En los primeros tiempos, el grafiti se basaba principalmente

10
en el texto, y quienes lo creaban se llamaban a sí mismos (escritores) en lugar de
(pintores), y a menudo eran anónimos, utilizando números de la calle para
economizar, como TAKI 183, JULIO 204 y FRANK 207, y sus grafitis eran muy
territoriales. La mayoría de los creadores de graffitis no son artistas profesionales y
estudiantes de arte, sino chicos de la calle del Bronx, Brooklyn y Harlem, en Nueva
York.

El acto del graffiti en sí

mismo es una rebelión contra la autoridad, y el grafiti es también una forma de
expresión artística. A través de este acto, desde un punto de vista artístico: el arte
de la performance, que rápidamente atrajo la atención de los círculos sociopolíticos,
los medios de comunicación y la tradición artística del arte y la cultura, el texto del
grafiti se redujo gradualmente a grandes y elaboradas imágenes pintadas de dibujos
animados.
Los artistas académicos siguieron su ejemplo, y empezaron a aparecer grafiteros
profesionales, y surgieron grupos como alianzas y sociedades, tras lo cual el arte
del graffiti empezó a instalarse en las galerías de arte para ser visto, coleccionado,
comprado, vendido e invertido. Desde entonces, la naturaleza de la cultura del
graffiti ha cambiado radicalmente.
Como resultado, se produjo un boom de la cultura del graffiti en todo el mundo. El
arte del grafiti es muy similar a la música rock y rap de la misma época. Al principio,
la gente la utilizaba para rebelarse contra el sistema, expresar su descontento,
descargar sus emociones y quejarse de la sociedad. Más tarde, la naturaleza
original del arte del graffiti fue adoptada por el sistema capitalista y se transformó de
un arte contracultural a una verdadera rama del arte. Se convirtió en un arte de la
misma naturaleza que la pintura tradicional. El carácter original del graffiti fue
desapareciendo de la producción de graffitis de otros países.

11
Entre los años setenta y ochenta, las galerías neoyorquinas empezaron a acoger
diversas exposiciones de la cultura del graffiti, atrayendo a los grafitis callejeros a
sus galerías, y el grafiti se convirtió en una forma refinada de producción artística.
Algunas de las exposiciones más importantes fueron.
- La primera exposición de arte de graffiti se celebró en 1972 en la Blade Gallery, en
el barrio del Soho de Manhattan, Nueva York.
- 1975 United Graffiti Artists expuso en el Artist SPACE de Nueva York.
- En 1980 se inaugura la exposición de Times Square: los grafitis comienzan a
mostrarse en grandes cantidades y atraen la atención del mundo del arte.
- 1983 fue el año cumbre del arte del grafiti, con la primera gran exposición en el
museo Boyman-van Beuningen de Rotterdam.

Blade pintó la pieza para la película Sleepers en los años 90

protagonizada por Robert Deniro, Brad Pitt, Kevin Bacon y Dustin Hoffman.

12
 II.B.3. Evolución del estilo

La primera cultura del graffiti prefería un solo color y utiliza referencias no puntuales, como
el símbolo de la brizna de humo y el hallo.
Entonces, la flecha en forma de palabras se transformó en una corona y se permitió llevarla
en la cabeza como signo de majestad.
Más tarde, con el objetivo de ser deslumbrantes, llamativos y destacados, empezaron a
escribir sus nombres con pintura en aerosol de alto color y a rodearlos de colores
contrastados o de negro en el metro o en las grandes calles, e incluso a decorarlos de
nuevo con inscripciones, rayas diagonales, estrellas, dameros o lunares con la esperanza
de que sus nombres destacaran.
A mediados de la década de 1970, apareció en forma de emblemas de autoimagen
alterada, en su mayoría de personajes heroicos de películas de dibujos animados, la
mayoría de estos personajes aparecen en alguna pose inusual como siendo atacados,
maltratados, etc.
Los fondos de los grafitis se volvieron cada vez más complejos, y la pintura en aerosol se
utilizó para mejorar el dispositivo y llevar al extremo su función y papel, así como el arte y la
individualidad del grafiti. Soles ardientes, estrellas, balas cortando el viento, paisajes
pintados, autorretratos, símbolos abstractos, etc., se combinan y crean otra imagen
interesante

13
 II.C. Tipos de graffiti

Tag

Una de las expresiones del grafiti es el tag, la firma del autor, su identificación
ante los demás escritores, como se hacen llamar. Es su señal de conquista
del espacio, de llegar primero a ese lugar aún libre de aerosol.

14
Tag con Outline

Delinea el exterior de las letras con unas líneas finas de distinto color.

Bubble Letters

Letras más típica en grafitti, con formas de burbujas pueden llevar sombras

15
Throw Ups (t-up)

Una forma de graffiti más completa que el tag ,un tipo de graffiti más rapido
de producir.

16
Block Letters.

mayúscula cada letra claramente

Wild Style..

que se caracteriza por complejidad y por la difícil de entender

https://i.pinimg.com/originals/f0/b3/58/f0b35849b8362c60251dca5bc1c6ca17.jpg

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 Model Pastel

Con la sensación de 3D, y complicado de entender su significado si no estás

familiarizado con este estilo.

II.C.2 Tres grandes tipos de graffiti

podemos separar tres parte en grafiti la primera será más típica que es arte graffiti
la segunda es grafiti en público en ellos normalmente serán grafitis con significados
La tercera es grafiti callejero, son mucho más casual porque todas las grafiteros pueden
pintar aunque es ilegal si no tienes permiso de gobierno

18
II.B.2.a. El graffiti como arte

19
 II.B.2.b. El graffiti público

El arte público tiene tres atributos y elementos básicos reconocidos: público, artístico y local.
Estos son los criterios que distinguen el arte público de otras disciplinas artísticas. El arte
público adopta diversas formas, que se remontan al menos a la escultura pública en las
plazas de la antigua Roma. La escultura es también hoy una importante forma de arte
público, como las estatuas de bronce en las aceras y los monumentos en plazas o parques.
El arte público también puede incluir diversas representaciones artísticas en espacios
públicos, como edificios; u objetos e instalaciones utilizables, como mesas, sillas y farolas. A
medida que el nivel económico de la sociedad y la vida material de las personas mejoraron
y la urbanización avanzaba, el interés artístico y la función social del espacio público urbano
adquirían cada vez más importancia, lo que constituyó una de las fuerzas motrices del
florecimiento del arte público en los últimos tiempos; otra razón fue el movimiento de
democratización del arte contemporáneo, que sacó las obras de arte de los museos y las
introdujo en el espacio y la vida públicos. Aunque los espacios públicos son compartidos por
el público, a menudo están controlados por el gobierno, por lo que el arte público debe
crearse teniendo en cuenta las políticas y normativas locales, a veces en colaboración con
organismos gubernamentales.

20
 II.B.2.c. El graffiti callejero

El graffiti callejero comenzó como una forma de comunicación urbana basada en el texto y
desarrolló su propia red. En lugar de sucumbir a las normas de evaluación defendidas por el
mundo del arte institucionalizado, los primeros escritores de grafitis callejeros desarrollaron
un nuevo mundo artístico independiente basado en sus propios criterios. A finales de la
década de los 70 y principios de los 80 del siglo XX, muchos escritores de grafitis
empezaron a dejar de lado los grafitis literales para realizar obras que incluían imágenes.
Esta estética particular, que en la mayoría de los casos implicaba el uso de colores
llamativos, letras estilizadas y abstractas conocidas como "estilo salvaje", y/o imágenes de
tipo caricaturesco, evolucionó hasta convertirse en el arte callejero que tiene tanta
aceptación hoy en día.

En la década de 1980, el grafiti callejero comenzó a ser reconocido como una forma de arte
legítima y algunas de las primeras exposiciones de arte del grafiti se mostraron en galerías
de la ciudad de Nueva York

21
 III.Artistas que trabajan con grafiti

Echamos una vista al mundo grafitti, hay muchos artistas famosos y tienen unos obras
espectacular

III.A. Andy warhol

(1928-1987)
Andy Warhol influyó en muchos artistas jóvenes y
se le considera el padrino del arte pop
Él nació en Pittsburgh (Pensilvania), era
descendiente de inmigrantes checos y creció en
un barrio pobre. Fue durante la Gran Depresión de
los años 30, cuando la escasez de alimentos era
moneda corriente.
De niño, Warhol sufrió tres crisis nerviosas, un
trastorno neurológico conocido como corea
reumática, que se agudizaron en los veranos de
1936, 1937 y 1938.

Pasaba los veranos en aquellos años encerrado y tumbado en su cama, escuchando la

radio, sujetando muñecas y recortando muñecos de papel. No se sentía bienvenido entre
sus compañeros y nadie hablaba con él de sus problemas. Por suerte, su madre le dio
mucho cariño y atención, trayéndolo de vez en cuando revistas y cómics de colores, lo que
inevitablemente influyó en su trabajo en el futuro. A Warhol le encantaba dibujar y pintar, y
cada vez que terminaba un buen dibujo, su madre le recompensaba con una chocolatina y
le animaba a colorearlo. Estudió en el Instituto Carnegie de Tecnología (antigua Universidad
Carnegie Mellon).

22
 Las obras de Andy Warhol son objetos muy codiciados por
coleccionistas y subastadores en el mercado del arte, y a menudo
se venden por decenas de millones o incluso cientos de millones de
dólares. Es una de las principales figuras del mercado del arte, a la
altura de Picasso. Sus obras encabezaron las listas de subastas de
artistas de 2012, con una recaudación anual de 380 millones de
dólares, destronando a Picasso. Su obra pone de relieve una
sensación de cinismo y calma. Representa las cosas sencillas,
claras y recurrentes que son los símbolos figurativos más
memorables de la sociedad moderna. Warhol rompe las fronteras
entre la intemporalidad y la grandeza; entre la artesanía y la producción en serie, entre el
dadaísmo y el arte minimalista, entre la pintura y la fotografía, entre el lienzo y la película.
Añadió tragedia a la mediocridad y convirtió la tragedia en banal. Destruyó la jerarquía de la
imagen del "arte" y abolió los límites que la definían.

De adolescente, Warhol ya era un estudiante de arte en ciernes y sus mentores le animaron

a aventurarse en el crisol artístico de Nueva York. Al principio sólo trabajaba como ilustrador
para libros, pero pronto se hizo un nombre en la escena del arte pop neoyorquino, sobre
todo mediante el uso de la serigrafía y la repetición constante de imágenes para transformar
personajes en mercancías visuales, como Marilyn Monroe, las latas de sopa Campbell, las
botellas de cola, los accidentes de coche y La silla eléctrica, todos ellos producidos en The
Factory de Nueva York, de la que Warhol era propietario.

Producida en serie y reproducida por varios ayudantes aficionados, la producción en serie

fue siempre un indicador indispensable de la visión que Warhol tenía del arte popular. En
1961, Warhol había sido aclamado como el siguiente artista de vanguardia después de Dalí
(o Salvador Dalí) y Picasso, y se puso de moda un rollo de papel higiénico o un panel de
váter con su sello.
En 1949, Andy se marchó de Pittsburgh a Nueva York para perseguir su sueño de ser
artista, pero la realidad era que primero tenía que convertirse en ilustrador comercial para
ganarse la vida. Para ahorrar dinero, se
mudaba mucho, vivía con diferentes
compañeros de piso y, en un momento dado, en
un sótano con otras 17 personas. En aquellos
días, las cucarachas causaron una profunda
impresión en Warhol, y cada piso en el que
vivía tenía un montón de ellas. Una vez llevó su
cartera a la oficina de la revista Harper 's
Bazaar, pero cuando la abrió, salieron las
cucarachas. La experiencia fue humillante
para Warhol. Se dio cuenta de que para
triunfar en las artes visuales estadounidenses tenía que ser visto y conocido, y los medios
de comunicación de masas le sirvieron de inspiración.
En 1952, Andy se dio a conocer como diseñador comercial tras su éxito inicial con las
pinturas de publicidad comercial en Nueva York, diseñando tarjetas de felicitación,
escaparates e ilustraciones de publicidad comercial, experiencias que definieron su obra en
un estilo de orientación comercial. Su obra cobró relevancia en Nueva York ese año, cuando

23
contrató a un equipo en su famoso estudio, Factory, y abandonó el arte clásico en favor de
conceptos subversivos. Uno de esos trabajos fue la "reproducción en masa" de los rostros
de personajes famosos contemporáneos, y la transformación de latas de sopa y botellas de
Coca-Cola en obras de arte se hizo ampliamente conocida.

24
III.A.1. Marilyn Monroe

1962
51x41cm
Adoptó la técnica de serigrafía en placa
fotográfica para que la imagen pareciera una
prueba inacabada que acababa de salir de la
imprenta, y está Marilyn Monroe es un
excelente ejemplo. La reproducción a gran
escala de Warhol de imágenes de la estrella
del pop Monroe refleja el auge de la cultura
popular en la década de 1960. La obra de
Andy Warhol es una de las más hilarantes
del arte pop de los años sesenta, como
sátira bonachona de la sociedad
estadounidense impregnada de negocios.
Tomó todos los iconos y modas que se
habían convertido en culto de la sociedad
-celebridades mundiales, estrellas de cine, dinero estadounidense, la silla eléctrica, ramos
de flores, el alboroto en las carreras, la sesión fotográfica de la "Mona Lisa", etc.- y los
imprimió 50 veces en una sola imagen, utilizando técnicas de serigrafía u otros métodos,
como objeto de propaganda repetida. La proliferación de fotografías de la estrella de cine
Marilyn Monroe, al igual que la proliferación de anuncios de Coca-Cola, es un signo del
interés general de la sociedad estadounidense. El pintor utiliza esta técnica para ilustrar que
los gustos populares, como su cuadro, se producen en grandes cantidades hasta aburrir.
Warhol dijo: "Si la pintura es verdad, y con eso basta".
De las obras Pop, subrayó además: "Estas pinturas están llenas de sus propios elementos
existenciales". Warhol realizó una única muestra del retrato de Marilyn Monroe en acrílico
como preparación para su obra.

25
III.B. Keith Haring(1958-1990)

Nacido en Reading, Pennsylvania, en 1958, Keith Haring creció en la cercana Kutztown y

estudió en la School of Visual Arts de Nueva York. Sus obras, en las
que predominan las líneas de contorno gruesas, monocromas,
huecas y abstractas, con personas, animales y otros motivos, se
asemejan a menudo a una especie de intrincado estampado floral,
con diversos motivos que llenan toda la composición, a menudo sin
perspectiva ni textura, pero con muchos sentimientos simbólicos,
como perros ladrando, pequeñas personas arrodilladas, etc.
Pronto la obra de Keith Haring se hizo famosa en el mundo del arte
neoyorquino, y en 1983 fue entrevistado en Columbia TV sobre sus
graffitis en una estación de metro y su detención, lo que le convirtió
instantáneamente en un nombre muy conocido. En 1985, el Musée
National d'Art Contemporain de Francia y el Musée National d'Art de
los Países Bajos organizaron exposiciones especiales para él. En
1986, abrió una tienda de comestibles en el SoHo de Nueva York en
la que vendía sus obras. Se llamaba "Pop Shop". Las camisetas de
la tienda están cubiertas de símbolos "Keith Haring-esque": Hollow
Man, Three-Eyed Monster,
Overlapping Man, Red Heart …

Keith Haring llegó a Nueva York en 1978 y recuerda: "Llegué a la ciudad cuando tenía 20
años y los coches, los trenes, las paredes, la ciudad estaba cubierta de graffitis bonitos. Le
inspiraban especialmente los grafitis de las calles de Nueva York, que representaban un
mundo de moda, inteligencia callejera, creatividad, espontaneidad y underground, todo lo
cual admiraba y a lo que aspiraba.

26
Keith Haring nunca se inició en el graffiti hasta que un día de 1980 vio en una estación de
metro un tablón negro que debía ser publicitario, pero que inesperadamente estaba vacío:
"Inmediatamente me di cuenta de que era el lugar perfecto para dibujar y volví a una
juguetería a ras de suelo, compré una caja de tizas blancas y bajé a dibujar en él de nuevo".
Cada vez que más tarde se topaba con uno de estos espacios negros, los aprovechaba; al
fin y al cabo, eran espacios publicitarios que utilizaban los expertos en marketing para
promocionar sus productos. Al igual que en la escuela le gusta colgar sus obras en el pasillo
para que todos las vean, a Keith Haring le gusta pintar en público y que la gente le vea
pintar, para él es un experimento filosófico y sociológico, está aprendiendo a observar cómo
reacciona la gente e interactúa con sus cuadros.

Fue una figura destacada de la Escuela de Nueva York durante la década de 1980. Sentía
una clara aversión por el arte conceptual y minimalista que era popular en los años 80 y un
gran interés por los grafitis que podían verse por todas las calles y por la obra de algunos de
los antiguos artistas pop. Le influyó mucho la jovialidad de los personajes de dibujos
animados de la obra del artista pop estadounidense
Tom Otterness, The Dodo.
La obra de Haring está llena de personajes muy
alegres, pero también de un gran simbolismo sexual,
representado de forma muy fluida pero sencilla, clara,
lúdica y divertida. Muchas de sus obras se han llamado
(sin título). Sus imágenes (villanas) se utilizan ahora
también ampliamente en la ropa, la decoración de interiores y el diseño publicitario. Se le
puede considerar un maestro de la cultura del graffiti

27
 Obra de Tom Otterness

III.B.1. Obras de Keith

Andy Mouse (1986)

En esta obra Keith Haring ha reunido los
características de Mickey de Disney con Andy
Warhol ,en la obra él lleva una peluca rosa y
gafas de sol con tamaño grande , también
tiene orejas de Mickey Mouse y zapatos
Mickey en los pies. El símbolo del dinero en la
imagen es una referencia irónica al culto
capitalista del dinero.

28
CRACK IS WACK (1986)

La obra de arte más legendaria y el mural más emblemático de Nueva York. Situado en la
calle 128 de Manhattan, justo al lado del paso
constante de coches en Harlem River Drive, el
mural de doble cara puede haber contribuido
enormemente a recoger diariamente más
visitas que ningún otro mural de la ciudad.
En el verano de 1986, sin ningún permiso legal
para pintar un mural, Haring se subió
audazmente a una escalera y completó el
cuadro en un solo día. Sorprendentemente, no
fue detenido ni interrogado por la policía
mientras pintaba, llegando a pensar que
"cuando tienes una furgoneta, una escalera y
pintura, la policía ni se plantea preguntarte si tienes permiso, simplemente dan por hecho
que lo tienes".

Pero cuando Haring y su equipo empezaban a terminar su trabajo, un agente de policía

detuvo al equipo y arrestó a Haring al enterarse de que estaba pintando ilegalmente en la
pared, por lo que el artista tuvo que pagar una cuantiosa multa y posiblemente ir a la cárcel.

Afortunadamente, la sorprendente popularidad del mural acabó por salvarlo. En aquella

época, el resquebrajamiento era
un importante problema nacional
y el mensaje del mural caló en
mucha gente, sobre todo en los
medios de comunicación, donde
solía mostrarse cuando se
hablaba del tema. Esta
publicidad positiva redujo la
multa de Haring a 100 dólares y
no le supuso ninguna pena de
cárcel.
La libertad de Haring se salvó,
pero no su fresco. Los vándalos
destruyeron la pintura,
convirtiéndola en un mural
agrietado. El mural fue pintado de gris por "una abeja ocupada del departamento de
parques", dice Haring.

29
El Comisario del Departamento de Parques pidió inmediatamente a Haring que pintara el
nuevo mural, con la ayuda de su departamento.

Esto hizo que fueran "CRACK IS WACK"que hoy conocemos. Aparte de los trabajos de
restauración de 2007, el cuadro ha permanecido prácticamente intacto. El parque también
pasó a llamarse oficialmente "Crack is Wacky Playground" tras la prematura muerte de
Haring a causa de una enfermedad relacionada con el sida.

30
III.C. Jean- Micheal- Basquiat(1960-1988)

Basquiat nació el 22 de diciembre de 1960 en Brooklyn, Nueva York, de madre

puertorriqueña y padre haitiano. Era el segundo de cuatro hermanos, con dos hermanas y
un hermano que murieron antes de que él naciera.

Su madre vio su talento y le animó a estudiar arte

haciéndose socio del Museo de Brooklyn. A los 11 años ya
hablaba con fluidez francés, español e inglés.

Cuando tenía seis años, Basquiat sufrió un accidente de

coche, se rompió un brazo y fue sometido a varias
operaciones. Durante su recuperación, su madre le compró
un libro de medicina del siglo XIX, Gray's Anatomy, que
influyó profundamente en su obra posterior, en particular en
la serie Dutch Colonists, que superpone texto con imágenes
de partes del cuerpo humano.

Cuando Basquiat tenía trece años, su madre Matilde fue

ingresada en un hospital psiquiátrico para recibir
tratamiento, del que siguió volviendo durante muchos años.
Basquiat asistió a City-as-School, un instituto alternativo de
Manhattan con una mezcla
de estudiantes talentosos y rebeldes, donde Basquiat se
hizo famoso por lanzar tartas a la cara del director. Más
tarde, empezó a frecuentar la Escuela de Artes Visuales de
Nueva York, donde se hizo muy amigo de Keith Haring y
Kenny Scharf, que asistían a la escuela.

Traducción realizada con la versión gratuita del traductor

www.DeepL.com/Translator
Es un artista no académico. Se puede decir que su uso de
la imaginería africana y de los colores vivos, que trata el
tema de la gente de color en la sociedad estadounidense,
es un ejemplo típico de la gente de color que hace
preguntas en la sociedad estadounidense.
Otro rey del arte contemporáneo, Andy Warhol, fue sin duda la persona más importante en
la vida de Basquiat. Ambos empezaron a trabajar juntos a través del agente suizo Bruno
Bischofberger. Warhol creó grandes cuadros en su estilo Pop, que Basquiat emborronó
después, pintando diversos rostros ,dibujos y escribiendo inscripciones significativas. La
cuestión de "quién influyó más en quién" es un tema de debate interminable, pero nunca
tiene respuesta. Basquiat, de quien se dice que pintó en la puerta de la casa de Warhol, se

31
enorgullece de decir que fue él quien convenció a Warhol para que se dedicara a la pintura,
y que Warhol había sido una presencia inspiradora hasta entonces.

Pero Warhol no sólo fue el mentor artístico de Basquiat, sino también una figura paterna.
Marie Boone declaró que "Jean-Michel sólo escuchaba a Andy ...... y sólo a instancias de
Andy estuvo dispuesto a acudir a una clínica de rehabilitación para desintoxicarse". En
1987, Warhol falleció. Esto afectó mucho a Basquiat, que se lamentó de que "nunca podría
encontrar a otro hombre sabio con quien hablar". Boone discrepa de los críticos que
consideraban la obra posterior de Basquiat menos emocionante que sus primeros años,
escribiéndola como "hueca y triste y desgarradora".

Basquiat murió de una sobredosis de drogas en su piso el 12 de agosto de 1988

32
 III.C.1 obras de Basquiat

Untitled
1982
(183.2 x 173 cm.)
Gruesos óleos, acrílicos y pintura en aerosol añaden capas al
lienzo, y la vibrante y salpicada paleta demuestra la maestría y
el ingenio de Basquiat en el uso del color. El ímpetu y la energía
que emanan de la obra reflejan los primeros intentos de
Basquiat con el graffiti. Las imágenes están llenas de la imaginería clásica que solía utilizar
Basquiat: estructuras de cráneos intrincadamente detalladas, coronas de triskelion y texto
garabateado por toda la pantalla.

33
Untitled (1982)
205.7 × 175.9 cm
materiales:El lienzo
https://img.itch.zone/aW1nLzE2Mjk2NDUucG5n/original/4ytbpO.png

Dos cabezas (1982)

Materiales: El lienzo
152.5×152.5 cm

34
III.D.Kenny Scharf (1958)

Kenny Scharf nació en 1958 en Hollywood (California) y ha vivido y trabajado en Los

Ángeles.
Su práctica interdisciplinar incluye diseño,

escultura, instalación, performance, vídeo y

pintura. Siempre ha aspirado a atraer a un público amplio y ha producido una gran variedad
de obras de arte a través de colaboraciones comerciales, marketing y obras públicas. A lo
largo de sus 30 años de práctica, ha roto los límites de las bellas artes acercando el arte a
un público más amplio a través de una conexión intrínseca con la cultura popular.

35
 Se le puede ver habitualmente mezclando
imágenes de la publicidad, los dibujos animados
y la pintura clásica americana en obras con un
filo potencialmente subversivo.
Los críticos de principios de los 80 comentaron
su estética del desastre: "La estética
apocalíptica del superviviente del día del juicio
final ha surgido con las divisiones culturales
creadas por las realidades materiales y
tecnológicas actuales"

36
 III.D.1. Obras de kenny Scharf

Hannah Barbaric Paradise (1981)

Inner space (1987)

Check Fest (1998)

37
III.E. Lady Pink (1964)

Cuyo nombre de nacimiento Sandra Fabara

Nació en Ambato (Ecuador) en 1964 y se trasladó a Queens (Nueva York) cuando tenía
siete años.
Perdió a su novio a los quince años en 1979,también es el año en que comenzó su
andadura en el graffiti. Ahuyentó su pena pintando el nombre de su novio en las calles de
Nueva York.
Su obra consiste principalmente en graffitis y murales, sobre todo de temas como la
autoexpresión, la rebelión y los derechos de la mujer.
Se la conoce como la Primera Dama del Graffiti porque fue una de las primeras mujeres
activas en la cultura underground de Nueva York a principios de los 80.

38
III.E.1 Obras de Lady Pink

Team work (2018)

Butterfly in a bubble (1981)

39
Violette
(2007)

A lovely entrapment
(2008)

40
 IV. Visión estética y exploración del grafitti según el contexto social

Cuando se trata de la cultura del graffiti, suele darse una visión polarizada; la
mayoría de la gente lo ve como algo malo, desfigurador, loco, invasivo, intimidatorio;
pero otros ven el grafiti como un producto verdaderamente estético, un monólogo de
la individualidad de los reprimidos o de los que no tienen voz. Suzi Gablik sostiene
que los niños de la calle fueron descubiertos por un mercado del arte sediento de
frescura.

A principios de los años 70, ambiciosos grafiteros pintaron todos los vagones del
metro con sus propios diseños. Añadieron frenéticamente decoraciones y pinturas
informales a los lugares públicos, especialmente a las vallas publicitarias de las
estaciones de metro y a los exteriores de los vagones del metro. Jugaron al
escondite con la policía, armados con pistolas de pintura. La pintura suele ser
robada y, por tanto, los grafiteros infringen la ley. Para evitar que hagan garabatos,el
Departamento de Transporte de Nueva York puso una vez en alto voltaje todos los
metros aparcados, lo que provocó una trágica muerte cuando un chico que hacía
grafitis se electrocutó mientras pintaba en una estación de metro. El incidente
provocó un prolongado debate entre los que apoyan y simpatizan con el arte del

41
grafiti y los que se oponen a él, argumentando que están infringiendo la ley. Los
defensores argumentaron que la pintura de graffiti era una nueva y emocionante
forma de expresión que se presentaba a la gente del Nueva York creativo, un
registro del estado de ánimo y la experiencia psicológica de una época. Al final, el
debate terminó con la renuncia de las autoridades de tráfico. Hubo acuerdo sobre la
idea de que se pueden tolerar pequeñas infracciones de la ley con fines artísticos. El
rostro del arte del graffiti se dio a conocer al mundo del arte y al público.

42
V. graffiti en España

A finales del siglo XV y principios del XVI, España se unifica como potencia marítima
europea y comienza la era del Renacimiento. Desde mediados del siglo XVI hasta mediados
del XVII, el principal representante de la escena artística fue Diego Velázquez, y desde la
segunda mitad del siglo XVII hasta la segunda mitad del siglo XVIII, el arte español estuvo
deslucido hasta la década de 1890, cuando irrumpió Francisco de Goya, que lo devolvió a la
atención europea. Los siglos XIX y XX fueron una época turbulenta y compleja para el arte
español, y varios artistas famosos surgieron bajo la influencia francesa, como Pablo
Picasso, Joan Miró, Juan Gris,y Salvador Dalí, entre otros.
Al igual que otras ciudades artísticas europeas, Madrid se ha convertido en un "lienzo
gigante", con grafiteros de todo el mundo creando coloridos dibujos que cubren la ciudad de
forma humanista y artística. Muchos visitantes de todas partes se interesan también por el
arte callejero, que no sólo refleja fielmente la pasión y creatividad de los artistas locales,
sino que también representa en cierto modo el carácter de la ciudad.

La ciudad de Lleida alberga numerosos monumentos y edificios medievales, representados

por la catedral gótica románica (Seu Vella), construida en 1203. El imponente campanario
de la iglesia alberga dos antiguas campanas góticas del siglo XV, una de las cuales toca a la
hora en punto y la otra a intervalos de 15 minutos.
Construida en 1915, la Galería Gáuma Morea es una de las más antiguas de España y
expone las obras del paisajista realista Gáuma Morea, así como obras de artistas modernos
leridanos.

43
V.A. Grafiteros de españa

- Dase (Marc Álvarez nacido 1991 en barcelona)

44
V.B. Graffiti en lleida

La ciudad de Lleida alberga numerosos monumentos y edificios medievales, representados

por la catedral gótica románica (Seu Vella), construida en 1203. El imponente campanario
de la iglesia alberga dos antiguas campanas góticas del siglo XV, una de las cuales toca a la
hora en punto y la otra a intervalos de 15 minutos.
Construida en 1915, la Galería Gáuma Morea es una de las más antiguas de España y
expone las obras del paisajista realista Gáuma Morea, así como obras de artistas modernos
leridanos.

(Seu Vella)

(Graffiti de Lily (2022))

45
VI. Mi graffiti

Me gustaría llamar a esta pieza "Especial" porque pregunté a unas treinta y ocho personas
cuál era su primera impresión de Lérida, y el sesenta y cinco por ciento de ellas respondió
"caracoles" y el treinta y cinco por ciento contestó otra cosa, pero como me gusta tanto SEU
VELLA, también añadido a la lista. Así que esta pieza es una idea que creo que nació de
una combinación de las características de la ciudad.
Los colores son todos los que creo que les pertenecen, como la concha verde del caracol, el
cuerpo azul del caracol, etc.

46
IV.A. Procesos

47
48
49
50
51
52
53
54
IV.B.Materiales

55
 Webgrafía

- Graffiti - Concepto, historia y tipos de graffiti

-
- HISTORIA DEL GRAFFITI. Para entender la historia de los… | by Kari Domic |
Graffitiago | Medium

- Tipos de Graffitis

- Tipos de graffiti - Clases, categorías y clasificación

- Warhol Gallery offering Andy Warhol Lithographs

- Jean-Michel Basquiat - 157 obras de arte - pintura (wikiart.org)

- kennyscharf

- Kenny Scharf - 15 obras de arte - pintura (wikiart.org)

- LadyPinkNYC

- Los graffitis más espectaculares del mundo (lasexta.com)

- Los 18 grafitis de España que optan a ser el mejor del mundo (esquire.com)

- http://www.pearltrees.com/randiier/graffiti/id11490915/item112253085
- https://assets.ozy.com/ozy-prod/2021/07/gffit.jpg?w=1200&h=630

- https://www.taki183.net/
- https://urbanario.es/web/wp-content/uploads/2015/02/taki-183.jpg
- https://i.pinimg.com/originals/4d/1c/9b/4d1c9b2ef21e010ca6492e2c91f1bc11.jpg

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- https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/19/Mural_xl_fachada_dase.jpg/330px-Mural_xl_fac
hada_dase

57
Conclusión

Para finalizar
biografía de cada artista con sus obras de arte.
El graffiti empezó en los años 60 en Nueva York.
las críticas sobre graffiti,
Y las bellas artes en España, todo es tan interesante.

Mi idea inicial de TDR era bastante sencilla, simplemente pensé en mi afición, así que hice
un tema sobre graffitis. Pero a medida que escribía, descubrí muchas cosas que
desconocía y me interesé cada vez más por el graffiti.
Estoy satisfecho sobre mi graffiti con tantas informaciones,si algún día ya no me interesa el
graffiti también será un buen recuerdo de mi vida adolecente.

58