2023

Análisis del modelo

narrativo

JONATHNA MOLINA JIMENEZ

HISTORIA, FORMAS Y MOVIMIENTOS DEL CINE I

UNIVERSIDAD DE CÓRDOBA | 3º Grado en CINE Y CULTURA

 JONATHAN MOLINA JIMENEZ
3º CINE Y CULTURA NO PRESENCIAL
HISTORIA, FORMAS Y MOVIMIENTOS DEL CINE I

Resumen
En este trabajo se va a intentar analizar la forma y estructura de la película Scarface, el
terror del hampa de Howard Hawks en virtud de las múltiples lecturas que se
complementan entre ellas y siempre partiendo desde el punto de mira de la narrativa
propia del cine clásico. Cuáles fueron sus elementos técnicos principales para dotar a la
obra de la integración narrativa y como aborda su director las diferentes técnicas de
montaje para lograr dicho propósito. La película que se encuentra catalogada dentro del
género de gánsteres en incipiente eclosión desde principio de los años 30 es un referente
no solo en lo cinematográfico, sino que a su vez es capaz por si sola de funcionar como
crónica de la historia de E.E.U.U.

Abstract
In this work we will try to analyze the form and structure of the film Scarface, Howard
Hawks' underworld terror by virtue of the multiple readings that complement each other
and always starting from the point of view of the narrative typical of classic cinema. .
What were its main technical elements to provide the work with narrative integration and
how does its director approach the different editing techniques to achieve this purpose.
The film that is cataloged within the gangster genre in incipient hatching since the
beginning of the 30s is a benchmark not only in cinematography, but is also capable of
functioning by itself as a chronicle of the history of the United States.

Palabras clave / Key words

Scarface, narrativa, cine, clásico, cinematográfica, vanguardias, gánsteres, recursos

cinematográficos, trama, directores, traveling

Scarface, narrative, cinema, classic, cinematographic, avant-garde, gangsters,

cinematographic resources, plot, directors, traveling
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Introducción y contextualización

Para contextualizar históricamente el género de gangsters no podemos pasar por alto

algunas cuestiones previas que nos marquen la situación que catapultó este género desde
sus comienzos. Para ello, tenemos que remontarnos a los años 20 donde la sociedad, sobre
todo la estadounidense, comenzaba a capitalizarse de manera voraz. La aprobación de la
ley seca en Estados Unidos provocó una serie de medidas también en el ámbito
cinematográfico para poder ser censurado si este era usado como un medio de critica a
los diferentes gobiernos estableciendo códigos de censura como el código Hays que desde
1922 operaba internamente desde las entrañas de la propia industria estableciendo una
normativa rigurosa e interna de regulación de contenidos para intentar que el gobierno
federal no tomara el control sobre la industria cinematográfica y a su vez como lavado de
cara frente a los escándalos en la industria de Hollywood y también para prevenir los
posibles «problemas derivados de la aparición de los diálogos, que ampliaron
considerablemente los limites expresivos del medio cinematográfico tras la introducción
de la nueva tecnología del sonoro a finales de la década de los años 20» (Pavés, 2003:255).

Precisamente la introducción del sonoro a finales de los años 20 funcionó como motor
narrativo de las obras que comenzaban a producirse y es por ello que vamos a centrar este
estudio precisamente en los conceptos que posibilitaron dentro del cine clásico y en este
caso concreto de Scarface, que mediante el montaje visual y el sonoro las películas
cobraran otra dimensión diferente a lo que se había estado produciendo hasta la época,
pero partiendo de una base técnica que había predominado desde principios de siglo y
que los diferentes movimientos habían estado experimentando.

Según algunos teóricos el cine de gangsters toma como punto de partida el primero de los
años 30 donde se estrenan algunas de los primeros films sobre esta temática entre los que
podemos encontrar The Doorway to Hell de 1930 o Little Caesar de 1931 ambas
centrando sus tramas sobre una línea narrativa propia de la novela negra que reflejaba el
ascenso y la caída de una serie de personajes reales que habían establecido un poder social
en la sociedad de la época incluso por encima de la propia ley. Anteriormente se había
producido algunos títulos del género, pero no tuvieron la misma relevancia que los
producidos por Warner Bross estudios. Pero sin duda las cintas de Hawks entre ellas
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Scarface siempre ha supuesto o una nueva dimensión dentro del género o el colofón de
los mismos, es por ello la importancia de analizar esta obra partiendo desde el punto de
vista de innovadora dentro del género y con varios matices que destacaremos en los
siguientes puntos.

Marco teórico

Scarface fue rodada a principios de los años 30 y ya con la introducción del sonoro como
he dicho anteriormente, pero hay que definir de que periodo veníamos antes de la cinta
para comprender algunos recursos que el propio director empleara a la hora de crear sus
escenas. Hawks que ya tenía experiencias previas en el cine de gangster, estaba sin duda
influenciado por tanto por el propio cine de atracciones como de las corrientes
expresionistas que predominaron en las casi tres primeras décadas del siglo XX. Pero el
cine que estaba por entonces en una progresión meteórica en cuanto a nuevos avances,
técnicas, y dispositivos, no era capaz de llenar el vacío argumental o narrativo al que a
duras penas llegaban las cintas solo con el impacto visual. Pero todos los avances que se
iban produciendo iban llenando poco a poco a ese vacío hasta encontrar un modelo
narrativo que hoy conocemos por cine clásico.

En la cinta de Hawks vamos a encontrar una serie de conceptos propios que hacen de la
cinta diferente a sus coetáneas, pues si bien el modelo narrativo que se iba imponiendo
estaba sujeto mayormente a las influencias de sus autores por algunas corrientes
vanguardistas, el género de gangster y más concretamente el de esta obra, estaba más
influenciados por otros dos elementos como eran el montaje y la propia censura del
código Hays. Durante los primeros años de la aplicación del código aparecieron una serie
de movimientos sociales de la moral cinematográfica que se oponían a películas que
trataran temas discriminatorios de sexo, violencia o el mismo género de gangster por su
implantación social como lacra. Y la cinta de Scarface no iba a ser menos para la censura
de la propia industria quedando patente en algunos aspectos del film. Esta se vio
censurada o modificada en tanto en cuanto aspectos como el cambio de título, obligando
a incorporarle la muletilla, el final alternativo para des glorificar al malvado, los planos
impuestos donde se potenciaba la imagen de lo democrático y la ley, el aviso inicial del
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film con las advertencias o la propia imagen denostada de la figura de gangster entre otras
fueron las censuras a las que fue sometida la cinta.

Análisis de modelo narrativo en Scarface

Pese a la censura y demás problemas que tuvo la cinta para ver luz, si en algo hay que
prestar atención en Scarface es precisamente en su magistral dirección a la hora de aplicar
las técnicas y recursos cinematográficos para establecer una línea narrativa que marcará
una época en el cine. Dentro de la película encontraremos principalmente una serie de
conceptos llevados hasta la maestría por el director y que vamos a definir a continuación:

- El movimiento de la cámara, es el principal recurso y más característico de la

cinta, ya que podemos considerar que ésta está en movimiento durante cada plano
o secuencia de la película. Este recurso no lo utiliza como un mero movimiento
para diferenciarse de los planos fijos, sino que es utilizada como dice Casas
«Dicho movimiento va ligado a la utilización de la violencia de manera que la
cámara se erige en motor de decisiones y sentimientos» (Casas,1998:127). Es por
eso que el recurso es utilizado como motor narrativo y nexo a voluntad por el
propio director, pero siempre en función de la trama o para reflejar ideas dentro
del propia narración. Un ejemplo claro de la utilización de este recurso lo
encontramos en la sensación frenética que nos provoca Camonte en sus rápidos
movimientos acompañado siempre del travelling de la propia cámara en las
secuencias y que nos proporciona siempre el foco desde el propio personaje como
central. O como nos refleja M.Pérez «la violencia siempre va precedida del
movimiento»(Miguel Angel Pérez Gómez, 2015)

- El fuera de campo, otro de los recursos en los

que destaca la cinta precisamente es en este,
ya que Hawks utiliza el fuera de campo de
forma que los elementos más violentos de la
cinta siempre se dan a entender o se centran
en distintos puntos de vista o de línea temporal mediante este recurso. Este recurso
lo podemos observar precisamente en el primer asesinato cometido al inicio de la
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película donde los fuera de campo junto con el travelling dan lugar a un asesinato
en el que como espectadores podemos perfectamente interpretar sin estar
presentes en la escena.
- La caracterización de los personajes, es otro de los puntos fuertes junto al montaje
de la película, es la ejecución de una planificación argumental dotada de una serie
de connotaciones según el tipo de personaje que aparece en cada momento. Cada
personaje según su estatus social tiene predefinidos una serie de comportamientos,
los gangster como rebeldes sin causa, la policía como rectos e imperturbables, los
personajes secundarios siempre ligados a su propia profesión y aparece un punto
importante en cuanto al desarrollo de los cánones establecidos que es
precisamente el papel de la mujer en la cinta que representa precisamente el
complemento que define a los hombres en la trama, cuanto más dependencia de
la mujer tiene el personaje menor es su papel como hombre en la sociedad.
- La fotografía y los encuadres, son otro elemento
diferencial de la película, siempre muy
influenciados en el expresionismo como
vanguardia y jugando constantemente con las
luces y sombras de la película. Siempre se nos
muestran como contrastes que nos proporcionan
la idea del momento que atraviesa la sociedad, oscuro, precario, relacionando la
mayoría de los momentos cumbres de la cinta con iluminaciones premeditadas
para establecer atmosferas propias de novela negra. El juego de oscuros para las
escenas de gangsters mientras las escenas de la policía siempre tienen más
claridad e iluminación son mera metáfora dentro de la propia cinta para establecer
una narración que nos posiciona en el eje bien-mal constantemente.
- Otro elemento importante dentro de la
cinta es la propia simbología y la
hipertextualidad que nos ofrece la cinta, a
lo largo del largometraje no paran de
sucederse y mostrarse una serie de
símbolos en forma de cartelería, de símbolos como la propia X, los planos
subjetivos, todo ello para intentar salvar a su forma la censura sufrida por la
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industria en la época a la que pertenece el film, pero que nos otorga otra línea
narrativa que está sujeta a la interpretación del propio espectador.

Conclusiones

Nos encontramos ante una obra que rompe con los modelos establecidos por el cine
clásico de la época, donde su director Hawks es capaz mediante un modelo narrativo
propio basado en sus propias experiencias como director y con varios matices
influenciados precisamente por los movimientos expresionistas precedentes, una cinta
que marca un antes y un después a la hora de establecer una línea narrativa diferencial
con el resto de obras dentro de su género. Scarface es considerada por muchos como la
gran obra de Hawks y esto lo consigue precisamente rompiendo con la línea que había
seguido en anteriores obras suyas, estableciendo un lenguaje cinematográfico propio que
sería pauta necesaria para muchos de las siguientes producciones en la industria del cine.

El genuino movimiento de la cámara como hilo narrativo nos proporciona un aspecto

visual inaudito hasta el momento, donde las secuencias son movidas con maestria para
conseguir que la atención del espectador no se centre únicamente en los diálogos como
hilo conductor de la trama sino que se evidencia sobre la capacidad subjetiva del propio
espectador suscitando en el la interpretación individual del propio sujeto, o lo que es lo
mismo la historia es entendida por el espectador de una forma concreta gracias la
habilidad para montar la secuencia del propio director.

Se trata de una historia propia de la época pero que ha soportado el paso del tiempo para
los públicos venideros gracias precisamente a la intencionalidad narrativa del director,
consiguiendo un impacto visual e interpretativo intemporal gracias a su gran ejecución.
El aprovechamiento de los nuevos avances como supuso el sonoro o los estudios sobre
iluminación del expresionismo aportaron a la cinta de Hawks una serie de elementos
propios a los que el director supo sacar provecho y plasmar sus ideas, elaborando un
modelo narrativo que te implica en la película y te inmiscuye como si de un ciudadano
grabando un documental en los años 20 fueses.
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BIBLIOGRAFÍA

CASAS, Quim (1998): Howard Hawks: La comedia de la vida. Barcelona.

PAVÉS, Gonzalo M. (2003): El cine negro de la RKO : en el corazón de las tinieblas.

Madrid, T & B Editores.

PERALES, Francisco (2004): Howard Hawks. Madrid, Cátedra.

Pérez Gómez, M.Angel (2015). SCARFACE (TFM (ed.); p. 33). consultado el

18/01/2023

Enlaces web

 https://www.encadenados.org/rdc/el-resplandor/5765-scarface-el-terror-del-
hampa-scarface-1932-de-howard-hawks
 https://habladecine.com/scarface-el-terror-del-hampa-1932-la-vida-de-un-
grotesco-criminal/
 https://elgabinetedeldoctormabuse.com/2019/05/07/especial-decimo-
aniversario-scarface-el-terror-del-hampa-scarface-1932-de-howard-hawks/
 https://www.cinemaficionados.com/2022/07/cara-cortada-1932.html