Tema Iconografía Wuolah

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Iconografía
1º Grado en Historia del Arte
Facultad de Letras
Universidad de Murcia
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Iconografía
1. El lenguaje de las imágenes:
funciones fundamentales para comprender una imagen, estas representan una
comunicación fundamental, de hecho, las imágenes pueden llegar a significar más
que las palabras, como en las redes sociales. Por lo tanto se crea un lenguaje
visual, este es tan complicado o más que el oral o el escrito, aunque es más
directo que los anteriores, “una imagen vale más que mil palabras”, cuando
vemos una foto podemos entender lo que está pasado, sufrimiento… En cambio,
en alguna de las fotografías como la de la revista Harper's Bazaar con la famosa

actriz con una camisa que representa el olvido de las mujeres artistas, con el
lema de “por qué no ha habido mujeres artistas”, por lo tanto un mensaje de
publicidad nos puede llevar a un tema muy reivindicativo. La imagen es
fundamental en el día de hoy, muchos de los niños actuales aprenden más con las
imágenes que con las propias palabras, creando así un desinterés por la lectura.
La imagen que más representa a la palabra o incluso la resume son los Emojis, que
se centran en los puntos más característicos de la palabra, de hecho a día de hoy
estos emojis pueden ser personificados.
La semántica analiza y relaciona la morfología y la función de la obra, es decir la
relación de la forma y su significado, entre el valor estético la forma, la
morfología y el significado. La jerarquización se ha utilizado durante mucho
tiempo en el arte antiguo, como en los papiros egipcios, o incluso si nos fijamos
en el Pantocrator destaca edio sobre los apóstoles, o incluso en el Laocoonte que
este destaca por encima de la serpiente y de sus hijos. Para transmitir terror,
horror y temor en los cuadros como el Grito de Munch utilizamos las manos la
cara e incluso el trazo, la paleta de colores, predominando así este.
A la hora de analizar el lenguaje de las imágenes conviene distinguir como ocurre

con el lenguaje escrito, tres aspectos sobre los que se articula el sistema de
signos: el léxico, la gramática y el estilo, es decir gracias a las formas y el
estilo encontramos un significado en las imágenes, de hecho estas pueden tener
diversos significados, según el tiempo y el lugar donde sea interpretado, aunque
el significado más importante es el significado inicial, es decir el significado que
le da el autor.
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El significado inicial de tiziano de Adonis y Venus, es muy diferente a la inicial
La gramática en el arte figurativo son las líneas, los colores que complementan la
obra de una manera ordenada.
El estilo según las distintas época, va evolucionando a través del tiempo, en cada
una de estas épocas el arte va evolucionando por lo tanto tienen diferentes
estilos, creando cada artista su propio estilo, este no inventa imágenes si ni que
recurre al patrimonio de su cultura o de los anteriores y crea nuevos estilos,
inspirados en los anteriores o en los del alrededor, creando nuevos estilos según
su gusto, su intención y o sus mecenas.
Cuestiones a tener en cuenta para abordar el análisis de las imágenes:

1. El estudio de los temas y los motivos
2. Estudio de los elementos figurativos para expresar una idea
3. Estudio de los modos de expresar el contenido, las herramientas

1.1 Estudio de los temas y los motivos:
● Los temas:
El tema es la acción o lo que está pasando en la obra, muchas veces estos temas
se relacionan con el título de la obra
● El motivo:
El motivo es el subtema del cuadro u obra, este acompaña al tema, aunque este
no siempre aparece en las obras
2.1 Estudio de los elementos figurativos:

Las figuras, personificaciones o atributos que se utilizar para expresar una idea:
● Figura:
Se entiende como figura la representación de un ser vivo, humano, animal o
incluso centauro, para la personificación nos fijamos en los atributos de las
figuras, según el ropaje podemos conocer su posición social… Cuando hay más de
una figura podemos hablar de Grupo, si las figuras que forman parte de este
grupo desarrollan una acción hablamos de escena, según esta pueden haber
diferentes escenas, religiosa, mitológica…
● Personificación:
Cuando queremos representar un concepto abstracto, se recurre a la
personificación, como en la representación de la avaricia, encarnando una idea.
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● Atributo:
En relación con la personificación se crea el atributo que se caracteriza por la
personificación del algún significado convencional, realizando un objeto con un
personaje, como los atributos de los dioses griegos/romanos o la relación de
María Magdalena con el bote de ungüento
● Símbolo:
representación de un signo o una imagen entendida como significante que hace
referencia a una realidad,, por lo tanto se identifican el significado y el
significante, identificando una imagen con un concepto, esto lo encontramos en
los jeroglíficos egipcios pero también en los emojis actuales, estos representan
ideas abstractas a través de símbolos que son utilizados para transmitir una idea
● Alegoría:
término de origen griego que significa una sucesión de metáforas pero en el

lenguaje artístico es la representación simbólica de ideas abstractas mediante
grupos de figuras y/o grupo de atributos, es decir un atributo no es una alegoría
pero una sucesión de estas sí
3.1 Modos de expresar el contenido:

● Imagen descriptiva:
Protagonista, sirve para describir lo que no sea una narración, se puede utilizar
para representar un retrato, un paisaje… representan de una manera muy fácil
un tema, no hay un contexto narrativo.
● Imagen narrativa:
Se unen grandes figuras para contar un hecho o una sucesión de hechos, pero
siempre en un contexto histórico, haciendo referencia a un periodo histórico
● Tipos de imagen descriptiva:

(según la representación)
1. Descripción topográfica: representa escenas, es decir un paisaje,
mapamundi
2. Descripción prosopográfica: representa a un personaje
3. Descripción etopéyica: representa los rasgos morales de un
personaje, es decir es la descripción con trasfondo moral

(según la estructura)
1. directa: se entiende el significado solo con mirarlo
2. indirecta: la descripción de es de tipo simbólico/conceptual, es de
decir, no se entiende a simple vista
(según el modo empleado)
1. Inductiva: directas, siempre se puede conocer fácilmente, puede
transmitir un mensaje de realidad general
2. Eufótica: representa una imagen de impacto, como la
representación de la lujuria
● Tipos de imagen narrativa:

1. Ficción: hechos inventados, STORY (mitología)
2. Reales: hechos reales, HISTORY

Método iconográfico:
Pasos del método iconográfico:
1. Nivel preiconográfico: no conocimientos previos específicos
● Significación primaria o natural, descripción de lo representado
● Datos fácticos, hechos o casas que estamos viendo representadas
● Datos expresivos, actitudes o expresiones, aunque no hace falta
centrarse de manera iconográficamente en ello.
● Principio correctivo, la historia del estilo: debemos saber de qué manera
determinados motivos fueron creados en un tiempo y un lugar

2. Nivel iconográfico: sin conocimientos previos
● Significado secundario o convencional
● identificación de las imágenes, historias, alegorías, símbolos… a través de
dos fuentes, las iconográficas y las documentales
● Fuentes iconográficas (nos permite identificar el tema, relacionándolo
con otras representaciones de este personaje, fuentes visuales que
podamos relacionar con el tema)
● Fuentes documentales (la historia o documento donde aparece ese tema
en concreto, muchas veces no está)
● Principio correctivo, historia de los tipos: como ha variado
históricamente la representación de los temas iconográficos,
3. Nivel iconológico: muchos conocimientos específicos

● Significación intrínseca, explicar la dimensión profunda del arte, es decir
conocer lo que va más allá del tema, quién la encarga, a donde iba
dedicada, cuando se encarga, el contexto histórico…
Bloque 1: El método iconográfico, Del formalismo al contexto
cultural en el estudio de la obra de arte.
Tema 1: De la historia de los estilos
Cuando Erwin Panofsky empezó a escribir sobre el arte, la disciplina de esta era
muy distinta, en ese momento estaba dominada por la preocupación obsesiva de
las formas artísticas, denominado formalismo, este buscana las propiedades
estéticas, el valor de la obra de arte, aislando deliberadamente el objeto
artístico de su contexto histórico y cultual, ya que estaban interesados el genio
del artista en la medida en la que se expresaba, todo lo externo a la obra no les
importaba, se trataba según Heinrich Wölffin, la historia de la pura visibilidad,
es decir el tema de la obra es solo un pretexto, excusa que utiliza el artista para
construir una forma, una composición… más o menos sugerente, es decir el tema
no se entendía como un objeto en sí mismo y tampoco se que pudiera entender la
obra en consecuencia de un contexto, es decir tanto el contenido como el
contexto, se trataba de un impedimento para la apreciación de las complicidades

estéticas de la obra de arte, es decir solo les interesa la formas artísticas.
En esta época el arte estaba muy condicionado por la evolución del museo, los
cuales tenían varias necesidades, las más importantes eran poder atribuir las
obras, quien es el autor, para así clasificarlas, a principios del siglo XX, sólo se
clasificaban por autor y fecha, obviando otra información relativa la experiencia
del arte en sí misma, ya eun necesitamos saber má información, incluso algunas
veces se obviaba el nombre la de obra, los materiales… Aparece la figura del
coleccionista.
En la clasificación del alas obras destacó Giovanni Morielli, creando el método

morelliano, este se da cuenta como crítico que en los museos habían muchos
cuadros que estaban mal atribuidos y era
fundamental atribuirse correctamente, por lo
tanto para distinguir entre los originales y las
copias, el decía que no había que basarse en las
características generales, si no que hay que
fijarse en rasgos menos evidentes, este
propone fijarse en orejas, pies, dedos… ya que
cree que son menos observados y cada autor

tiene una manera de representarlas, esto hizo que pudiera atribuir las obras a
sus autores reales.
Por lo tanto estos formalistas creen que es más importante la técnica que el
tema, por ejemplo Velazquez es bueno por la técnica de la obra, no por su tema,
por lo tanto estos no creían en la idea de la iconografía.
Pansonfsky dice que un buen estudio del contenido no solo es útil para el
contexto de la obra, sino que enriquece y clarifica la experiencia estética de una
forma peculiar, es decir cuando estudiamos el contenido estamos contribuyendo
tanto a la forma de la obra como al tema de la misma.
Influenicias de Panofsky:
Gracias a Hegel, podemos comprender como en su obra introducido un concepto,

el espíritu de la época o Zeitgeist, en alemán, el cual nos acerca a su
pensamiento,m este le dan un gran valor al arte en la historia de la cultura, ya
que el hombre se sirve del arte como medio para tener conciencia de las ideas

más sublimes del espíritu, pero para hegel cada civilización posee su propio
Zeitgeist, el cual está marcado por las coordenadas concretas del tiempo y el
espacio concreto en el que se sitúa, es decir un artista que trabaje en un tiempo
y lugar determinado tiene que hacer la obra conforme al espíritu de su época,
por lo tanto las obras representan los pueblos, ya que representan el tiempo y el
lugar determinado.
● ¿Cómo influyó Hegel en Panofsky?
Hegel le influyó su idea de la comprensión histórica deriva del estudio del
contexto, aunque también como su concepción de la obra como un ente, todo en
el que forma y contenido suponen una unidad, un todo
En el caso de Jacob Burckhardt, este era heredero del pensamiento de Hegel,

su obra más significativa es la de la cultura del renacimiento en Italia, en el
cual estudia los aspectos del renacimiento, en la poesía, en la política… con la
idea de que existe una unidad temporal y espacial claramente delimitada,
diciendo cómo una puede ser expresada según el contexto, por lo tanto este
principio es delimitar o definir cuales son los principios básicos que revelan las
actitudes básicas de una nación, periodo o un momento determinado y que
definen a una clase social determinada con una creencia religiosa, política o
social específica… es decir la clase social asume de manera involuntaria esas
creencias propias de su época. En el caso del artistas se ve inducido por esas

creencia de manera involuntaria y es capaz de expresarlas en una obra de arte,
es decir el ser humano desarrolla unas nociones básicas como sujeto que vive en
un periodo determinado y de esta manera que queda inducido por las corrientes
filosóficas, creencias, pensamientos…
Por lo tanto este piensa que el pensamiento de la época solo se transmite a

través de la obra, desde su punto de vista se hace de una manera inconsciente,
por lo tanto al ser de manera inconsciente es el más fiable, ya que no busca nada
a cambio, por lo tanto muestra el poder que este le da al inconsciente, ubicado en
el tercer nivel de la obra de arte, para Burkhart el arte fueron concebidas como
un esla vpn en la historia de la cultura de los pueblos, su principal aportación es
muy ingeniosa, ya que nos habla de un interés mutuo entre arte y cultura, este
dice que la cultura es la suma de una serie de elementos que cuando se ponen en
conexión creando una realidad histórica, dentro de esta hay tres factores, el
estados, la religión y el hecho cultural, entre estos tres Burkhart establece toda

una gama de relaciones infinita entre sí sin jerarquía, el arte por un lado es
capaz de mostrarnos los intereses ajenos, pero también es un testimonio cultural
de primera magnitud, por lo tanto para este es único para crear las imágenes del
lenguaje universal, lo que hace que se cree una manera de concebir el arte como
historia de la cultura, la historia habla a través del arte por que e s co
responsable del desarrollo de la propia historia. Su tesis principal, contrata la
mentalidad del renacimiento con la de la edad media, ya que en la EM la
conciencia humana permanecía dormida, por la fe, el engaño y la dependencia, es
decir el hombre estaba sumido, el hombre sólo adquiere conciencia de sí mismo a
través de determinados categorías, el gremio, la familia… Estas hacen que el
hombre del renacimiento despliegue su individualidad y sea capaz de reconocerse
en ella, por lo tanto se trata de una evolución del espíritu crítico.
El objeto artístico cumple la función testimonial, es decir recoge imágenes del

mundo, de la naturaleza… y es exponente de una época, pero simultáneamente
este responde a una exigencia estética, es decir el arte existe en gran medida
por el arte mismo(el arte por el arte), tiene la capacidad de trascender el tiempo
y el lugar: autonomía del arte.

Wilheim Dilthey, crea el concepto de Weltanschauung (welt= “mundo” y
Anschauung= “visión”, la visión del mundo, la cual está condicionada por el
espacio temporal del cual te encuentres, es decir según donde y según el
contexto en el que te encuentres), según Dilthey la experiencia vital estaba
fundada en el conjunto de principios de la sociedad y de la cultura en la que se
había formado, Las relaciones, sensaciones y emociones producidas por la
experiencia peculiar del mundo en el seno de un ambiente determinado
contribuirían a conformar una cosmovisión individual, es decir el weltanschauung,
es decir que todos los productos culturales o artísticos serían a su vez
expresiones de la cosmovisión que los crease

Hay Que destacar un movimiento fomentado por el alemán Ferdinand de
Saussure en el siglo XIX, el cual consistía en dividir entre palabra y lenguaje , la
lengua era el contexto o trama de relaciones que determina el significado de una
palabra, llegando a la conclusión de que la evolución de las palabras y de su
significado debía estudiarse en relación con su contexto cultural y sociológico,
este entendía la obra artística como un contenedor de significados que estaban
constituidos en torno a una serie de relaciones internas (obra en sí) y externas
(contexto).
Método formalista:
Adolf Riegl y Heinrich Wólfflin, aunque son formalistas, coinciden con Hegel en
el hecho de asumir que cada tiempo o periodo hace que los artistas vean e
interpretan los temas de manera diferente. Entienden que la historia del arte
como una ciencia que establece una serie de paralelismos sociales y culturales,
con unos
● Lineal/pictórico.
● Superficie/profundidad.
● Forma cerrada/forma abierta
● Pluralidad/unidad.
● Claridad absoluta/relativa
Estos conceptos elaborados en principio para dar respuesta al paso de la forma

de representación renacentista a la barroca, son también para WÖlfflin
principios universales del arte
Son conceptos irreversibles, es decir, que la evolución para Wölfflin, se da
siempre en un sentido de lo lineal a o pictórico, puesto que llevan en sí una idea
de progreso
Compara lo Barroco, con el Renacimiento, así como el arte del norte con el del
sur.
Críticas que recibe Wolfflin, y a todo el formalismo: que enfatiza demasiado en
las formas y deja de lado otras cosas como son los temas, el qué se representa;
tampoco dan importancia a la materialidad, es decir, la materialidad, también la
intención del artista, o el contexto histórico.
Los formalistas se centran en estudiar una ley que puede justificar todas las
obras de arte, ley que es un problema pues no consigue ese objetivo, no puede
analizar todas las obras de arte.

Panofsky, reconoce a Wolfflin como el primer estudioso en plantear que la obra
de arte está dominada por una norma; mientras a Panofsky se le critica que no
atiende a la forma para centrarse en el tema.
De tal forma, vemos que no hay un estilo que sea el correcto, sino que todos son
complementarios.
El concepto de Kunstwollen
Voluntad artística
Riegl acude a este término para denominar la fuerza superior al propio artista
pero que sin embargo es inherente al artista, esto viene a ser algo como la
fuerza motriz que configura cada uno de los periodos artísticos que van
sucediendo en el tiempo, forma parte del artista y nada puede hacer ante esto,
es una fuerza que le domina y se ve reflejado en su arte, a través de esta se
expresa el modo y la manera en la que el hombre o artista querer ver compuesto
y coloreado la obra, es decir cómo quiere crear su obra, por eso R cree que cada
forma artística siente un impulso irresistible productor de nuevas formas, esto
genere una voluntad artística que va produciendo los cambios artísticos de una
etapa a otra, por eso dice que cada fenómeno artística tiene que ser estudiado
como un proceso evolutivo, regido por lo que R considera KUNSTWOLLEN.
10

BLOQUE 2: ICONOGRAFÍA E ICONOLOGÍA
T.1. De Ripa y la arqueología del s.XIX a los estudios iconográficos

franceses de Mâle y Grabar
1. RIPA- Cesare Ripa
Populariza un significado distinto de iconografía, con este le da título a una
obra/tratado que se trata de una recopilación de símbolos, alegorías y
personificaciones que le puede servir de modelo a los artistas, esto con el
tiempo se ha denominado teoría de las imágenes, esta es una fuente literaria
fundamental para acercarnos a buena parte de la producción del arte moderno,
esto era fundamental ya que sirve de fuente fundamental para infinidad de
artistas para representar los temas, es decir si un artista quería representar la
lujuria, lee como se representan mediante atributos, estados del alma humana,
vicios... y con su propia imaginación le da forma

2. Émile Mâle
En el s.XIX se da la publicación de repertorios iconográficos muy abundantes a
los que los artistas acudían para interpretar sus propios temas, tienen mucho
éxito en el ámbito francés, una de las personas más representativas es Émile
Mâle, establece en qué consiste la tarea del iconógrafo, este dice que consiste
en buscar textos literario y sus paralelos figurativos, con el fin de poder
identificar los temas que se representan en las obras de arte, estas son fuentes
a las que hay que acudir con mucha precaución ya que no solo nos van a dar unas
pistas para interpretar el tema concreto.
11

ÉM, estudia sobretodo la edad media y contrarreforma, analiza la incidencia
que la literatura tuvo en el génesis y en desarrollo de las formas artísticas, por
otra parte otra de sus aportaciones es su interés en señalar que la iconografía
no es únicamente una descripción de las formas artísticas, ya que vana tener una
correspondencia fundamental con el espacio y con el tiempo en el que fueron
creadas, es decir hay que estudiar la forma artística en su contexto.
Su obra fundamental es el arte religioso de la contrarreforma, supone una
continuación a sus estudios desde la edad media, en este libro señala en la
introducción del libro que ÉM afirma que uno de sus objetivos es analizar la
expresión de la iglesia en el arte, es decir como en pensamiento de la iglesia
católica en un momento específico son actuaciones que tienen constancia en el
arte, por lo tanto crea una aporta una historia de la iconografía religiosa en la
época de la contrarreforma y en los dos siglos posteriores a esta.

ÉM piensa que “querer estudiar cada uno de los grandes artistas de este tiempo,
como si se tratara de individuos aislados, sin preguntarse lo que debían al
pensamiento de la iglesia, sería querer estudiar los planetas sin saber que giran
alrededor del sol”, es decir, si estudias a un artista en concreto para conocerlo
bien has de estudiar también es el contexto.
3. André Grabar
La obra paradigmática es las vías de la creación en la iconografía cristiana,
centrándose en la antigüedad y en la edad media, ayq el cree que fueron las
etapas más representativas para explicar los temas de la religión, propone un
enfoque renovador que de alguna manera desmonta el hecho iconográfico, ya que
su obra no es ni un tratado ni un ensayo, es una serie de reflexiones sobre la
iconografía católica y su desarrollo inmediato hacia su primer tiempo del gótico,
nos dice que la labor del iconógrafo es identificar y definir lo términos
iconográficos, que cuando los asumimo tiene un significado distinto, estos son el
equivalente e a las palabras en una frase, cada una tienen un sentido y un valor
que fuera de esa frase puede ser diferente al de la frase, comparándola con la
polisemia, por lo tanto la labor de un iconógrafo es definir los términos
iconográficos y tener claro el significado de las formas visuales, en su caso lo
delimita a un contexto concreto
12

Tema 2: Warburg, Saxl y los orígenes de la iconografía
1. Aby Warburg
Creó el instituto Warburg en Londres destinado a las investigaciones de la
historia del arte, también Panofsky, Gombrich, Saxl y Wind, se declaran
discípulos suyos aunque mantienen diferencias entre sí.
AW, siguiendo la estela de Burkhart, va a propugnar como objeto de su
investigación una particular antropología histórica, que tiene como premisa la
supresión de las barreras entre las disciplinas académicas, es decir, para
estudiar un tema en concreto hay que recurrir a muchas más ciencias que me
puedan ayudar, todo es útil, esto tienen como consecuencia las mentalidades el

ambiente social, las corrientes del pensamiento, los movimientos religiosos… por
lo tanto con toda la información va a poder colocar la obra de arte en su propio
contexto histórico, permitiéndoles adquirir un bagaje impresionante.
Crea una investigación interdisciplinar a la historia del arte, en su contexto

social y cultural, aprendiendo que el temrino analisis hisccionologócio lo
establece AW, cuanod establece una descripción de una obra, con el objetivo de
interpretar una imagen dentro del contexto social y cultural
AW,nació en un seno de banquero, es decir una familia bien posicionada, muere

en Hamburgo, en sus primeros años de formación recibe una fuerte influencia de
Karl Lamprecht, el cual consideraba que el arte era un indicador del atlante
psicológico de la época, el arte, según su teoría proporcionaba las claves para
entender los rasgos esenciales de una época, ya que la mentalidad de estas
actividades son las misma que subyace sobre la interpretación acrítica por lo
tanto si estudiamos el arte encontraremos las características esenciales par
entender un contexto histórico,
KL consideraba el arte como expresión de una época la igual que Hegel, además
elegía ejemplo del gran arte como ejemplo de las artes marginales, que según el
explicada con mayor intensidad los contenidos de su época, por lo tanto este no
aporta nada nuevo, sino que sigue con la filosofía del arte de Hegel y de
Butchart que nos habla con la importancia del arte en la representación del arte.
13
Otra figura importante en el trabajo de AW, se encontraban August
Schmarsow, este se centrará en elaborar estudios de talante psicológico acerca
de la perfección del espacio y de las tendencias hacia la empatía en la
apreciación artística así como los aspectos relativos a la expresión y al gesto, es
acercarnos a la obra con una empatía hacia el tema representado mediante
gestos, es muy importante para AS que prestemos atención a esos gestos,
Gombrich dice que el interés por el movimiento, los gestos… que propugna AS se
convirtió en un tema fundamental a para AW, el acula delimita que el problema
no es otro que el papel de la antigüedad clásica en la cultura occidental y los
avatares de supervivencia a lo largo del tiempo, es decir como la antigüedad
clásica a pervivido a los largo del tiempo.
Empezó a estudiar las obras mitológicas de Botticelli
Tras unos años de estudio regresó a Alemania y se dedicó exclusivamente a su

biblioteca durante 20 años, su producción escrita no es muy extensa pero tuvo
una gran influencia en los estudios posteriores, hay que estudió uno á nueva
forma de abordar las obras pictóricas, ya que buscaba el contenido a partir de
los artistas y promotor (el que la encarga) que estuviera implicado en la obra, la
propuesta de etse es promover o hacer una nueva historia de la cultura. Fue una
figura seminal, es decir sus estudios e investigaciones creando investigaciones
posteriores, inició una nueva forma de estudiar las obras pictóricas, es decir una
nueva forma para estudiar la historia del arte.
Se dedicó a estudiar las personas que encargaban las obras, es decir a los
mecenas o productores, ya que el artista nunca hacía los cuadros por el amor al
arte, sino por un encargo, lo que hace que el mecenas se convierta en una parte
muy importante.
AW se centra en estudiar cómo los modelos clásicos perviven a lo largo del

tiempo, adem´ñas estaba muy interesado en cómo el patón y el artista elegían las
imágenes, las cuales revelaban la psicología del periodo, por lo tanto cuando
estudia la pintura renacentista de roma, investiga los hilos que conectan las
obras de arte de este periodo y la sociedad de la que formaba parte, esto lo
hace ya que lo que buscaba eran las relacione s que s e establecen entre artistas
14

y comitentes y al mismo tiempo investigaba la razón por la que se hacían los
objetos.
Las obras de arte eran muy importantes para contarnos la psicología humana de
la época, cuando estudió las obras de Boticelli se dió cuenta que se separaba
mucho de la serenidad de la mitología, lo que él buscaba era lo apasionado y el
movimiento. AW también estudió quién estaba detrás de estas obras, de echo
pensaba que la obra dependía más del gusto del comitente que del gusto del
artista, con esto se intenta acercar a la sociedad de la época,
creado la iconología, esta era la interaction entre forma y contenido,

entendiendo que el estilo, la forma es también, desde el punto de vista que es
una lección, es también un reflejo de la mentalidad de la época, por lo tanto
formula un estudio global de la obra.

La pervivencia de los símbolos a través de la historia, son muy importantes,
es decir hay unos símbolos que se van utilizara través de los siglo con diferentes
significados, el lo estudia en referencia a los dioses paganos de la edad media
Lo que más le llamaba la atención de AW eran los contenido oscuros, es decir,

los contenidos que a veces nos pasan por desapercibido, según este cree que lo
importante de la imagen está en los detalles.
Atlas Mnemosyne, fue su proyecto principal, en este AW concentró sus energías

sus últimos años
aunque este quedó
incompleto, este
trataba de unos
paneles con
fotografías de obras
de arte, fragmentos…
que iba reuniendo
conforme a un criterio
de analogías internas,
es decir por una serie
de conexiones y puntos de unión entre las obras, cada conjunto se iniciaba con un
15

epígrafe. Quería rastrear y cartografiar de manera visual la genealogía de la
vida en movimiento y para eso estas imágenes están contextualizadas en la
cultura occidental, para hacer este rastreo AW recorrió todo tipo de
documentos de todos los periodos artísticos, su forma material para plasmar
estas redes eran unos grandes paneles mnegros en los que AW iba pinchando
reproducciones de obras de arte, todo lo que para el tuviera un uso o significado
dentro de las obras, este era un trabajo muy complicado. Intentaba encontrar el
significado de algunos símbolos a través del tiempo, este trabajo se compone de
60 tablas reuniendo más de 2000 imágenes, en estas nos propone una red de
relaciones abiertas que nos hacen reflexionar sobre el significado de las
imágenes. El dijo que se trataba de una máquina para hacer saltar las
correspondencia, para que veamos las similitudes, es decir una máquina para
poder pensar las imágenes, para evocar analogías.
Cuando muere AW, el proyecto se queda apartado, los temas más tratados eran

las vicisitudes, las dificultades de los dioses olímpicos en la tradición astrológica
y el papel que jugó la representación del Pazos en el arte antiguo y el arte
medieval.
Criticó el espíritu de la época y la cosmovisión , porque para él en cada época hay

más de una tendencia, más de un espíritu, en cuanto a la cosmovisión dice que
como hay más de una tendencia, los artistas eligen, muchos de ellos se rebelan
contra lo establecido.
La biblioteca y el instituto AW
AW empezó a coleccionar libros con la intención d e crear una biblioteca para
generaciones futuras, para hacerlo contó con la ayuda de sus padres que le
ayudarían en los años sucesivos.
Para crearlas, creó un sistema de ordenación bibliotecaria, el la decifip como ley

de la buena defindad, consistió en ordenar los libros de maner aunque tuvieran
información suficiente para comprender la obra, mediante los títulos podría
ayudar a percibir el contenido con sus similares (los libros de teología estaban
junto a los de arte religioso)
16

Esta biblioteca está situada en el insituto W en Londres, el instituto es el
producto final de todo su trabajo, es el núcleo de los discípulos más brillante que
trabajaron con Pansonsky
El Instituto, entorno en el cual se han encontrado las grandes mentes e

investigadores vinculados al mundo de la iconografía. Era un lugar muy útil para
estudiar e investigar. Fritz Saxl, uno de sus discípulos más tempranos y leales,
siendo una figura muy cercana a Warburg, llevó a cabo la narración escrita del
proceso de creación de la biblioteca, que acabó convirtiéndose en instituto, y
además, fue bibliotecario allí. Según Saxl la importancia de la biblioteca de
Warburg, recae en la idea de que responde de una manera fiel a su método para

estudiar una obra de arte, siendo una manera de estudio interdisciplinar. Saxl en
1911, cuando conoce por primera vez la biblioteca, esta contaba con 5.000
volúmenes publicados principalmente en Alemania e italia, y las colecciones de
esta biblioteca estaban cuidadosamente interrelacionadas y los libros eran
agrupados y reagrupados constantemente en función del ritmo de las
investigaciones, siendo una biblioteca viva
Poco antes de la IGM, la biblioteca tenía un volumen ya considerable, de manera

que se plantea la posibilidad de convertirlo en un instituto (ya que de hecho, ya
era un lugar abierto para los estudiantes); además, la ciudad de Augsburgo no
tenia universidad, por lo que no era un centro intelectual, por eso pensó que
quizás sí el fundaba allí un centro de investigación, la situación de la ciudad
cambiaría. Sin embargo la guerra interrumpió este proyecto y después de esta,
en 1920, el ayuntamiento de Augsburgo decide financiar la creación de una
universidad, siendo el momento idóneo para la creación del instituto.
En este momento, Warburg es recluido en el hospital mental. Poniendo un punto y
aparte a su proyecto.
De manera que el proyecto continúo en mano de los siguientes investigadores
● Ernst Cassirer (filosofía)

● Erwin Panofsky (Ho del arte)
● K. Reinhardt (estudios clásicos)
● R. Salomon (historia bizantina)
● H. Ritter (lenguas orientales)
17
Estos 5 investigadores, van a ser los responsables, junto a Warburg, de la
creación de este instituto. El instituto, además de tener una biblioteca,
realizaban investigaciones, publicaciones en volúmenes anuales, seminarios,
sistemas de becas para la investigación, etc.
En el año 1924, Warburg, vuelve a hacerse cargo de la institución, que en ese

momento contaba con más de 120.000 volúmenes, y reunía una gran cantidad de
investigadores. En estos años, aparece la necesidad de ampliar el edificio. En
1929, muere Warburg, su familia continúa con el soporte económico.
En el año 1931, surge un nuevo proyecto que pretende realizar un estudio

bibliográfico sobre la pervivencia de la antigüedad clásica, este estudio pretende
contar con la ayuda y participación de otros investigadores de distintas
procedencias y que también estuvieran estudiando el mismo tema. Sin embargo,
este momento coincide con el alzamiento nazi por lo que el fomento de la cultura

era escaso. En el año 1933, se inician los trámites para trasladar el instituto
desde Alemania hasta la ciudad de Londres. Para poder llevar a cabo el traslado,
era necesario un gran soporte económico importante, el cual era en parte dado
por los familiares de Warburg y por Lord Lee of Fareham , Este último, aseguró
un espacio físico, una gran casa en el centro de Londres. Samuel Korlak, inglés
adinerado y humanista, que apoyó el proyecto económicamente.
En 1944, el instituto Warburg se incorpora a la universidad de londres,

comenzando una nueva etapa, con nuevos directores y nuevos proyectos, de la
mano de Ernst Gombrich.
En conclusión, la obra escrita es escasa, pero su influencia ha perdurado gracias

a su biblioteca / instituto, que se convirtió en un punto de referencia para
numerosos investigadores de diferentes ramas, ayq eue al contuirla con laidea de
ser una biblioteca interfuncional, aucuden diferentes estudiosos. Sin embargo, la
interpretación warburiana de las imágenes, no sería desarrollada y sistematizada
en un método analitico hasta años después de la muerte de su creador, de la
mano de Panosky
18

Saxl a lo largo del tiempo fue
desarrollando algunos artículos de
investigación donde exploraba la
persistencia de los símbolos a lo
largo del tiempo, es decir,
continuaba, de alguna manera, el
proyecto del Atlas Mnemosyne. En
sus primeros años de
investigación, realizó algunas
investigaciones junto con
Panofsky, especialmente con temas relacionados a warburg, como la pervivencia
de la mitología de la antigüedad clásica en la cultura occidental.
En la producción del círculo de Warburg, aparecen una serie de figuras

relacionadas con el Instituto y la iconografía

El primero, es Saxl, persona muy cercana a warburg
y que incluso fue responsable de la biblioteca, estudió sobre la pervivencia de los

signos a lo largo del tiempo y también estuvo muy presente en el proyecto
Mnemosyne. Es el verdadero artífice de la Biblioteca y el responsable de
convertirla en uno de los principales centros de investigación. Vivió su juventud
en Alemania, donde estudió historia del arte, pero tras el triunfo del nazismo se
exilió a Inglaterra durante muchos años. Fue un personaje decisivo en la
orientación y concepción del instituto Warburg y fue el director de este durante
más de veinte años. Importante destacar su figura en el traslado del instituto.
Su primera formación fue de tipo iconológico y como ocurrió con Panofsky,
siempre estuvo muy interesado por la estética y la historia de las ideas.
Durante mucho tiempo, centró su investigación en el problema de las relaciones

entre las ciencias esotéricas (astrología) y la tradición de las imágenes en el
Renacimiento.
Saxl se encuentra ligado a una obra fundamental conjunta con Panofsky, Saturno
y la melancolía, obra centrada en la obra la melancolía de Alberto Durero. Junto
con su extensa producción encontramos la historia de las imágenes y lecturas
(esta última es una obra póstuma). Si tuviéramos que quedarnos con ideas
fundamentales, uno de los personajes cercanos a warburg, asume la dirección del
19

instituto durante el tiempo que Warburg está enfermo, siendo un personaje
clave, muy interesado en las ciencias esotéricas y relacionado con las imágenes
clásicas.
Otro de los historiadores es Rudolf Wittkower

(Berlín, 22 de junio de 1901 - Nueva York, 11 de
octubre de 1971) fue un historiador del arte
alemán radicado en Inglaterra. Historiador del
arte especializado en arte y arquitectura del
Renacimiento y del Barroco, fue profesor del
instituto del 1934 al 1956, más de veinte años.
Más tarde, se mudó de inglaterra a EEUU, donde
fue profesor en la universidad de Columbia y
terminó siendo jefe de departamento de esta
universidad. A lo largo de su trayectoria como
investigador publicó varias monografías de

autores tan representativos como David, Miguel Ángel, etc. Su obra más
característica es la arquitectura en la edad del humanismo, a través de la cual
realiza un análisis exhaustivo de la arquitectura veneciana y del arquitecto
Andrea Palladio, poniéndolo en relación con la música del siglo XVI. Todo lo hace
con un fondo-contexto basado en las ideas neoplatónicas de la música antigua y
el concepto de canon musical.
El último de los personajes es Meyer Schapiro,

otro historiador del arte cuya concepción
metodológica coincide con la iconología. Sus
principales aportaciones en este ámbito quedan
condensadas en un estudio que se llama estilo,
donde intenta describir el propio concepto de
estilo. Lo define de manera que abarca los
aspectos formales, pero también aspectos de
carácter expresivos, individuales, y sociales, etc.
Esa forma también es capaz de transmitir valores
de carácter social y de carácter moral. El estilo es
todo, dando información contextual. Pasó la mayor
parte de su vida en Nueva York, aunque nació en Lituania. En sus últimas décadas
pronunció numerosas conferencias a las que asistían numerosos artistas
20

contemporáneos, quienes aprendieron de su concepción artística, ya que él
defendía el arte contemporáneo. Fue ante todo un intelectual, un maestro muy
apreciado en el universo de los artistas. Sus ideas estaban muy influenciadas por
Hegel. Estudio mucho sobre la escultura románica.
Schapiro dice que todo arte debe ser apreciado dentro de un contexto
específico y que está vinculado a la época, sociedad… por eso pertenece al
círculo de Abby W, S ta,bién estudia el arte moderno considerado el arte
antiguo como influencias de esta, lo que hace entonces es considerar la
importancia del arte clásico
21
T.4. Panofsky y la sistematización del método iconográfico
La figura más relevante de la iconología es Panofsky, nacido en Alemania en

1892, estudió historia del arte y filosofía y conoció a Warburg en un congreso en
Roma en 1912, y desde ese momento se convirtió en un seguidor de las ideas de
Warburg sobre la historia del arte y sobre su interpretación. Surge su primera
tesis, Idea. En el instituto warburg comienza a relacionarse con los estudiosos
que componen el círculo del instituto. Se convierte en profesor de la universidad
de Hamburgo y a partir de 1931 acuerda con su universidad el poder alternar sus
clases en Alemania con otras en Nueva York, por eso en 1933, cuando los nazis
expulsaron a todos los profesores judíos de la universidad, él se encontraba en
NY, volvió a Augsburgo a por sus cosas ya volvió definitivamente a Nueva York.
Tiene como estudio principal la edad media y el renacimiento, para él descubrir

las analogías entre temas aparentemente distintos pero que está de algún modo
relacionados, fue su objetivo principal, lo fundamental era ser capaz de recurrir

a herramientas que son hermanas para poder analizar las obras (literatura,
cultura…)
Las bases conceptuales de su obra: no se puede entender a Panosky sin conocer

el ambiente intelectual en el que se formó. Como heredero de la tradición
cultural alemana. P estuvo influido por filósofos como Hegel, Dilthey y Cassier, y
en su condición de historiador del arte tuvo como puntos de referencia (por
similitud o disimilitud) los escritos de Wölfflin, Riegl y Warburg
Obras:
● Su trabajo teórico: a partir del análisis de sus obras, acercándonos a

ellas, una de sus primeras obras fue la perspectiva como forma
simbólica, nos dice que esta “debe servir a la Hda como una de aquellas
formas simbólicas mediante las cuales un particular contenido espiritual
se une a un signo concreto y se identifica íntimamente con él”, es decir
que la perspectiva no es solo una perspectiva visual, si no que para P la
perspectiva es un forma simbólica que deriva de la concepción del mundo.
Continúa el trabajo de Warburg.
● En la Arquitectura gótica y el pensamiento escolástico: estudia las
relaciones entre el arte gótico clásico y el pensamiento escolástico, ya que
ambos responden al mismo “hábito mental”, es decir, responden a unas
22

ideas rectoras de la cultura que impregnan todas sus manifestaciones, es
decir que ambos son el resultado del pensamiento de la edad media que se
impregnan en todas las manifestaciones culturales.
● En Idea: estudia una relación entre pensamiento e imagen, entre las
teorías estéticas y las representaciones sensibles, para P cree que el
artista a través de su fantasía y creatividad es capaz de superar la
representación bási, es decir es capaz de representar lo que vemos y
además representar lo que no se vé, lo imperceptible
● En El significado de las artes visuales<: desarrolla las fases del método
iconológico
● En los estudios sobre iconología, fue fundamental sentar las bases del
método iconológico, el fin es definir los estudios artísticos y ser capaz de
vislumbrar las características de cada uno. Esta obra nos explica que lo
que pretende es impulsar la interpretación del significado y las imágenes
en su contexto cultural, para hacerlo recurrimos a este contexto, es decir

tienen un nuevo sistema para acercarse a las obras de arte.
Entonces entiende como método iconológico el estudio de la forma y del

tema, ya que cree que es fundamental para interpretar correctamente el
significado, por lo tanto cree que tiene que ser investigada en torno a tres
niveles
Método iconográfico:
1. Pre Iconográfico es el reconocimiento de la obra que estamos viendo en

su sentido más elemental, es decir, tenemos que señalar su significado
fáctico o expresivo. Basada siempre en la experiencia práctica o sensorial.
Es una interpretación natural o primaria de lo que vemos. El siempre aplica
un principio corrector: hay que dominar los principìos del lenguaje
artístico de cada estilo, es decir conocer las diferencias entre cada estilo
(historia de los estilos), para un correcto análisis preiconográfico.
2. En el nivel iconográfico se aborda el significado convencional, es el

significado secundario. Se trata de adivinar o descifrar los contenidos
temáticos y descifrar quién es cada uno de los personajes que aparecen.
No es un estudio sensible que se pueda descubrir a través de la
23

experiencia sensible, sino que hay que recurrir a nuestros conocimientos y
a la tradición cultural, es decir al dominio de los tipos iconográficos,
tenemos que identificar los mitos, los símbolos, las alegorías, las
personificaciones, etc. qué nos ayudaran a resolver el tema. Cuando
hablamos de la tradición, puede ser una tradición per se de la propia obra
(grandes temas como la crucifixión) o de los elementos o alegorías.
Por otro lado, las fuentes literarias, nos van a ayudar a delimitar e
interpretar con claridad el tema qué se está abordando, aunque no
siempre vamos a encontrar una fuente literaria que se adapte a nuestra
obra. Gracias a esta etapa, podemos descifrar e interpretar el tema
mediante códigos.
3. iconológico o iconografía en sentido profundo -> Consiste en

interpretar el significado o el contenido de una obra, no es lo mismo el

tema que el significado de una obra. En el 2o nivel desciframos el tema y
en la 3o interpretamos el significado, mediante una serie de argumentos
que den peso a nuestra explicación. Una interpretación bien argumentada
siempre será aceptada, independientemente de si este bien o mal.
Pretende a través de este nivel descifrar/llegar al fondo de la obra y
llegar al inconsciente qué se esconde detrás de la intención del artista
cuando este hace la obra. Por eso, en esta fase se tienen en cuenta
muchos factores (circunstancias, condicionamiento cultural, contexto, el
comitente, etc) para poder desentrañar los principios de fondo que
revelan la actitud de una nación, un periodo, una clase, una creencia
religiosa o filosófica, etc. cualificados inconscientemente por una
personalidad y condensados en una obra.
Pretende a través del análisis de la obra desentrañar procesos complejos
y dispares entre sí pero que al interrelacionarse nos permiten llegar al
fondo de la obra.
La obra se convierte en un síntoma cultural y para poder interpretarla de manera

correcta hay que familiarizarse con el contexto en el que se genera esa obra.
Normalmente lo que el espectador conoce es el tema.
24

Este método supone toda una revolución en la Hda, cuando se la expone, se
encuentran dos manera de entender el arte;
● Historia del arte formalista: que intenta explicar las obras atendiendo
su forma, a sus propiedades estéticas, para ellos las propiedades formales
son imprescindibles, pretende establecer una serie de características
formales que se pueden distinguir al ver las imágenes.
Es decir, la historia que habla de lo lineal frente a lo pictórico, es decir,

se crean las características propias de cada momento artístico
● Historia del arte conceptualista, intenta profundizar en la obra de arte,

adentrarse, explicando como producto de algo más que lo meramente
formal, es decir algo más que la destreza del autor de carácter manual es
decir más allá de la técnica del autor.
Atendiendo también al momento en el que el autor realiza la obra, es decir

si lo hace en un buen momento de su vida o en un mal momento.
El artista y el promotor se convierten en la clave del análisis, aunque a veces nos

e sabe quien es ninguno de los dos
25

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iconografia-1.

1º Grado en Historia del Arte

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A la hora de analizar el lenguaje de las imágenes conviene distinguir como ocurre

Cuestiones a tener en cuenta para abordar el análisis de las imágenes:

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2.1 Estudio de los elementos figurativos:

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3.1 Modos de expresar el contenido:

● Tipos de imagen descriptiva:

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● Tipos de imagen narrativa:

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3. Nivel iconológico: muchos conocimientos específicos

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En la clasificación del alas obras destacó Giovanni Morielli, creando el método

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Gracias a Hegel, podemos comprender como en su obra introducido un concepto,

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En el caso de Jacob Burckhardt, este era heredero del pensamiento de Hegel,

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Por lo tanto este piensa que el pensamiento de la época solo se transmite a

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El objeto artístico cumple la función testimonial, es decir recoge imágenes del

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Estos conceptos elaborados en principio para dar respuesta al paso de la forma

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T.1. De Ripa y la arqueología del s.XIX a los estudios iconográficos

1. RIPA- Cesare Ripa

Populariza un significado distinto de iconografía, con este le da título a una

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Crea una investigación interdisciplinar a la historia del arte, en su contexto

AW,nació en un seno de banquero, es decir una familia bien posicionada, muere

Empezó a estudiar las obras mitológicas de Botticelli

Tras unos años de estudio regresó a Alemania y se dedicó exclusivamente a su

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AW se centra en estudiar cómo los modelos clásicos perviven a lo largo del

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creado la iconología, esta era la interaction entre forma y contenido,

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Lo que más le llamaba la atención de AW eran los contenido oscuros, es decir,

Atlas Mnemosyne, fue su proyecto principal, en este AW concentró sus energías

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Criticó el espíritu de la época y la cosmovisión , porque para él en cada época hay

Para crearlas, creó un sistema de ordenación bibliotecaria, el la decifip como ley

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El Instituto, entorno en el cual se han encontrado las grandes mentes e

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Poco antes de la IGM, la biblioteca tenía un volumen ya considerable, de manera

De manera que el proyecto continúo en mano de los siguientes investigadores

● Ernst Cassirer (filosofía)