TEMA 1.

LA VANGUARDIA COMO PARADIGMA DE LA MODERNIDAD

1.1 Moderno y contemporáneo

Moderno → el concepto de moderno, recoge aquello que puede adelantarse al gusto
fde su propia época. Aquello que rompe con todo el lenguaje de su tiempo. No obstante,
hay muchas cosas. Además, lo moderno perdura en el tiempo, no se demuele por cosas
que llegan después.

Contemporáneo → lo contemporáneo es aquello que se crea en la actualidad pero no

necesariamente recoge los gustos de la época actual o futura. No ha de romper
precisamente los moldes o gustos de sus tiempos.

1.2. Walter Benjamin

“No hay un solo documento de la cultura que no sea también de la barbarie”

En el arte nunca nos planteamos dónde le gustaría al artista que estuviera su obra. Esto
es la pérdida de aurea, cuando extraemos la obra de su lugar y las ponemos en otro
sitio que las descontextualiza (ejemplo con el arte románico. Estaba pensado para
enseñar a la gente analfabeta que se acercaba a la iglesia).

Ponemos las obras en los museos sin ser conscientes del motivo principal de la obra o
sin tener en cuenta la voluntad del autor.

1.3. Saint - Simon

El concepto de vanguardia proviene de lo militar (los que van delante). Saint-Simon no
era un crítico artístico, sino que él es sociólogo por ello define la vanguardia social y de
ahí deviene la vanguardia artística.

Los movimientos que por lo general están muy politizados, porque se congregan en un
momento histórico muy concreto (Principios del S.XX - Guerras mundiales). Los artistas
ante estos hechos, utilizan el arte a modo de denuncia, protesta e incluso propaganda.

Todo es un momento de lucha y todos los cambios provienen de una lucha que
contrapone lo nuevo y lo antiguo. Uno de los primeros que dice que hay que arrasar con
todo lo conocido es Hölderlin (romanticismo alemán).

Friedrich también es sublime al igual que el resto de romanticismo. En sus cuadros

muestra la sensación de soledad -que no estar solo-. La sensación de sentirse solo ha
aumentado desde el confinamiento.

El arte nunca puede desprenderse del momento histórico en el que se ejecuta

Herencia de Kant → El humano consigue la mayoría de edad cuando anteponemos la
racionalidad. Por eso el romanticismo es absolutamente rompedor, porque pone encima
de la mesa al sujeto, él es el centro de la obra artística.

CLAVES
- Saber concepto de modernidad → modernidad: aquel que se adelanta al gusto
de su propia epok, ejemplo: Charles Baudelaire, las Flores del Mal. todavía es
moderno pq aun es cercano.
- Saber concepto de contemporaneidad → no tiene pq ser moderno
simplemente es aquel que se hace en nuestra misma época.
- Vanguardia → avanzados socialmente y artísticamente porque rompe con lo
establecido tanto en el lenguaje, la perspectiva, los temas. La vanguardia
siempre es moderna porque también se avanza a sus tiempos.

Los predicados de la vanguardia

● La obra de arte como objeto de la ansiedad. Es decir, provoca sensaciones de
rechazo porque no somos capaces de entenderla. El personaje por excelencia de
los primeros vanguardistas es Michel Duchamp (arte dadaísmo - escultura). Una
de las primeras provocaciones que encontramos ante este arte es creer que “se
están riendo de nosotros”.
¿Cómo plasmamos nuestro mundo interior?
Ejemplo: El urinario, lo abstracto, el gran cristal...

● Categoría del rechazo. La categoría del rechazo no tiene nada que ver con los
espectadores. Se rechazan los lenguajes artísticos anteriores y tb con aquellos
que algunas vanguardias. Se rompe con las figuras, lo formal, la perspectiva,
pincelada rápida (como impresionismo). el público ya no tiene nada q ver.

● El vínculo social. Son absolutamente conscientes del momento histórico pq

toman acción en la sociedad. El arte sirve de vehículo de denuncia (pobreza,
política…). Los movimiento vanguardistas no aparecen de la nada, nacen en un
contexto social. A principios del S.XX → 2GMs, fascismo vs. comunismo, economía
bastante jodida, etc.
Ejemplo: Guernica. Abanderados normalmente de movimientos libertarios. Nada
más podrán desarrollarse en movimientos democráticos. Aunque no todos tienen
conciencia de su propio momento histórico en el que se puede (o no) cuestionar
todo (política, historia, religión, género…). Encargado para la exposición de París,
peta la bomba y decide hacerlo.

○ Nueva objetividad → relectura de una situación Autores: Otto Dix hace

una nueva lectura de la IIGM;
■ Kathe Kollwitz muestra la muerte, la pobreza desde finales del XIX
hasta mediados del XX. se da cuenta del dolor de las madres que
 sin poder dar de comer a sus hijos, ven en 1º carne como mueren
sus hijos.

● El mito de la máquina. Pasión por las cosas tecnológicas. Hacen un canto a la

velocidad, a las nuevas ciudades. Adoran la sociedad de Bauman mientras que a
nosotros nos tiene hasta el toto.
Ejemplo: Lámpara. Estudio de la luz. Giacomo Balla. antepone la luz artificial a
la Luna. Admiran esto.
○ El constructivismo ruso. Tatlin. Se convierte en el vehículo de comunicación
entre el estado comunista y los habitantes. Considerado como arte
burgués.
○ En la obra de Duchamp lo que realmente le interesa es ver cómo el
tratamiento o la mirada puede cambiar. Le da una hostia al público
burgués.

Impresionismo
Nace con manet.
En el caso de Monet no hay ni vinculo social ni tecnología. Pinta los nenúfares Trata la
luz natural.

Degas → bailarinas, movimiento.

Mujeres del siglo XIX

Las mujeres impresionistas retratan a otras mujeres o niñas normalmente en espacio
privado pues, lo público no es lugar de las mujeres. Además las retratan en acciones
calificadas como femeninas. Es importante saber que no hay denuncia detrás de esto,
simplemente es la impresión de un momento -conocido-. En la lucha por los derechos de
las mujeres, no se imbolucraron.

Simbolismo
El simbolismo no tiene un condicionamiento sicologico ni una denuncia social. Es un
movimiento en el que se encuentra las bases del movimiento surrealista.

Traslada a las obras de arte símbolos religiosos. A final del siglo XIX es el momento en el
que las mujeres pivotamos entre la virgen maria y la feme fatale.

Historia de Salomé: se enamoró de San Juan Bautista, pero la rechazó (era un santo
barón). En la boda de la Madre de Salomé con Herodes, Herodes se enamoró de
Salomé, le pidió que bailase para él a cambio de lo que quisiera. Ella pidió la cabeza de
San Juan Bautista.
La obra del simbolismo no recoge a la Virgen María, sino que recoge a aquellos
arquetipos misteriosos.

Las mujeres simbolistas no tratan a los personajes como malas

Camille Claudel es una artista de provincias francesas (escultura) mientras su padre

vivió todo bien, le apoyó. Estudió con Rodin, se enamoraron (el casado y 20 veces mas
mayor). Muere su padre y su madre y su hermano la deciden ingresar. OBRA: la edad
madura.

fin de los movimientos de prevanguardia

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EXPRESIONISMO - movimiento de vanguardia x excelencia
el inicio de la Vanguardia. La conciencia expresionista.
La conciencia expresionista es un movimiento que dura mucho (finales del lXIX a
mediados del siglo XX). Casi que es un mov solo alemán. Lo veremos dividido en 3
subgrupos:

Hay una conciencia del propio yo (como en el romanticismo aleman) y bastante

pesimista. En el expresionismo si vamos a ver connotaciones sociales, como
psicológicas, como denuncias… Juegan con los colores. Hay una sensación o
idealización en la que arrastran el cadáver del padre (ellos acaban teniendo una vida
muy corta).

Muestran en las pinturas en las que denuncian su propia situación (sociedad alemana).
Subgrupos.
● El puente: homenaje a la ciudad en la que nació y creció y además pq ellos
mismo se consideran el puente entre el romanticismo y el nuevo arte. con el
puente se cumple la idea como característica del rechazo ante el romanticismo.
No emplean colores locales, y como lenguaje emplean los colores a través de la
deslocalización. Los colores son ácidos.

Se remarcan los rostros, los objetos y los personajes con una raya negra para q
el color no se pierda.

Se va perdiendo la técnica. No importa lo mejor de ellos como pintores, trasladan

historias, expresiones.. No importa la forma sino el contenido. Mejor contenido
que continente.

● El jinete azul: (se despojan de la realidad q ven, no se encuntra critica) paralelo al

puente) connotación psicológica. No son muy extensos en el tiempo. Los padres
principales del jinete azul Franz Marc. Nace el nombre por la obsesión de
kandinsky y marx por los jinetes y caballos y por el color azul.
Kandinsky era profe de color en la Bahaus y hizo una analogia entre color y formas.
Aqui si q si deslocalización de color. No hay denuncia social ni politica, pero es mistico pq
kandinsky decia q queria plasmar aquello que sentía del mundo pero no lo normal en
plan feo o no sino que quería plasmar su mundo a trav´s de la SINESTESIA.

Todos los movimientos son estancos en lugar y fecha aunque, todos los artistas se van
mirando unos a otros y son permeables a aquello que se hace en otros países. cada vez
mas se va geometrizando el espacio y se va perdiendo la pasion por el color, siendo asi
que predominan los colores marrones, negros, ocres… (Marc) En este mismo grupo se
critica al impresionismo y al romanticismo alemán (igual q el puente, los une esto). La
diferencia entre los propios artistas.

Los rostros comienzan a desnaturalizarse, se elimina el rostro. Se traslada a la pintura lo

que se siente no lo que se ve pq para eso ya está el realismo. SINESTESIA. Kandinsky
pasa de eso a una pintura totalmente abstracta en la que vamos a ver emociones
simplemente con la pincelada y el color. Las obras del autor son biomórficas (con
formas). Es una abstracción lírica pq es musical, pq hay colores que resaltan
-RETUMBAN- sobre otros.

Las mujeres que se van acercando al jinete azul, tb tienen características. Pinceladas
rápidas como en el impresionismo (Gabrielle Münter) va pasando de los autorretratos y
las formas a la abstracción.

Kathe se casa con un medico aleman q trabaja en un barrio obrero y comienza a ser
consciente de la situacuon de las mujeres y de sus hijos en estas situaciones (en blanco
y negro).

Denuncian la situación paupérrima de x clases sociales. Es un arte grotesco. No hay una

exaltación del ser.

Muestra la esencia del SSHH, las conciencias desgarradas, el sufrimiento, denuncian por
otra parte como la 1ºGM jodió el futuro de la juventud alemana. La mayoría de ellos
fueron perseguidos.

Uno de los precedentes de este movimiento expresionista fue Munch pq traslada a los
cuadros sus angustias, tristezas, obsesiones, rechazo… A través de los colores

“No podemos pensar en un color en abstracto” Siempre hay connotaciones.

● La nueva objetividad: denuncia más política absolutamente clara. ejemplo de

Kathe Kollwitz, Otto Dix... Se queja de la situación de la clase obrera alemana y de
la situación de las mujeres de la misma. Hitler comienza las persecuciones con
estos, se cierra la Bauhaus (escuela de arte) sencillamente pq nos retratan estos
 artistas la desesperación, una conciencia desgarrada, grotescas y por ello se
rechaza pq en realidad no había en la pintura ese esencialismo por el ser alemán.

Lo que termina sucediendo es lo mismo q en la italia de Mussolini en la URSS de Stalin y

en la España de Franco, Estas figuras (dictadoras) consideran que enseñan lo peor del
ser humana (lo que nos lleva la 1GM o las consecuencias de esta dsp: borrachos,
precariedad…). Saldría en el examen “La Mujer con Niño Muerto”. Los rostros se
deforman por eso se considera grotesca.

En la pintura de Otto Dix veremos tullidos pq él participa en la 1GM y queda marcado

por la trinchera. Lo que define es que es muy grotesca (por los rostros) no solo por las
deformidades sino por los rasgos de los mismos. Retrata la conciencia desgarrada. El
autor tiene toda una serie sobre las trincheras. Pero también tiene el Tríptico de
Metrópolis (es un prostíbulo). Por un lado muestra la calle, las mujeres que se
prostituyen y el tullido, en el medio vemos los años 20, fin de la guerra con una clase
social q obvia lo q sucede en los laterales, la misma clase social que se corta las faldas,
el pelo, empiezan a fumar y beber, salen de noche y se despreocupan de to lo q pasa y
esto hace que Hitler llegue al poder. EL PUEBLO SE HA VENDIDO.

Los siete pecados capitales caricaturiza a Hitler a través de rostros deformes en el que
incluye figuras que representan los 7 pecados capitales.

George Grosz retrata suicidas, borrachos, prostitutas. Recuerda al futurismo. Predomina

el rojo en su obra. Los rostros son desgarradores, muestran lujuria, maldad… Además tal
y como pinta las líneas se van confundiendo dando movimiento (ciudades que no
duermen y no acaban).

El entierro de Oscar Paniza. Paniza es un escritor considerado como pederasta, etc. no

Esta muerto cuando lo pintant pero está encerrado. La sensacion de esta obra es una
masa informe de colores y da la sensación de esa ciudad moviéndose, pinta la iglesia, el
eercito y los politicos, es decir los 3 estamentos q llevan a Oscar Paniza a ser encerrado.
Este cadro tiene similitudes con El entierro del anarquista Gali.

Max Beckman suele autorretratarse. En el cuadro La noche, se muestra un asalto, un

ataque a todo aquello que es diferente a ellos. de eso pasa al Embarcadero de Hierro

El resultado de los 3 es q hay un rechazo al impresionismo y al romanticismo pq

consideran que se encuentran en una nueva situación y tienen q usar el lienzo como
vehículo de comunicación de maneras diferentes
● en el 1º hay conciencia de lo que sucede por ello hay conciencia social. A través
de colores ácidos (EL SOLDADO MANCO DE KIRCHNER), con rostros puntiagudos.
Simbólicamente se retrata la capacidad de lo que ese momento histórico ha
podido romper para con la juventud europea.
EL MOVIMIENTO FAUVE

La joven de la perla caba en Tous, en Doux, en Lexus.

La lechera ha pasado a Nestle
Koons ha mirado a la publi (Naf-Naf)
Piet mondrian acaba en Kamel, Loreal,

-Esto son ejemplos para ver q en publi se utiliza mucho arte contemporáneo (y no tanto)-

El movimiento Fauve se denomina locura salvaje. Se acerca al expresionismo (el puente)

por la deslocalización del color. En este caso no hay denuncia por nada ni crítica, ni
condicionamiento psicológico.

La realidad se plasma en los cuadros tal y como ellos lo sienten. En estos casos no
prima la luz, por lo tanto no hay perspectiva. Los objetos los contenemos con grandes
líneas negras para evitar que se queden en una mancha plana. Los motivos que
predominan son los paisajes. El color será el protagonista del cuadro que captará las
sensaciones y emociones, no la realidad.

La habitación roja (Henry Matisse) cumple con todas estas características. Lujo, calma
y voluptuosidad introduce a Matisse al Fauvismo. Recoge la tradición de esas escenas
cotidianas y tranquilas, con pinceladas rapidísimas y el color predomina sobre la escena
y la forma.

EL CUBISMO
El cubismo nace con las Señoritas de Avignon. La escena es similar a las bañistas pero
comienza a descomponerse las figuras en CUBOS, figuras geométricas. Este movimiento
NO ES ABSTRACTO, aunque lo parece pero, el objeto siempre está dentro del cuadro por
lo que es figurativo aunque esté muy descompuesto. Saldrá Monmatre.

Dos autores brillantes: Picasso y George Braque

Este estilo se divide en dos:

● Cubismo analítico: lo que les interesa es analizar un mismo objeto y mostrarlo al
espectador desde todos los puntos de vista a través de la descomposición de la
figura en planos. La lectura para el espectador es tortuosa porque en ocasiones
no será posible ver el objeto. Los colores empleados en este campo: marron,
negro, ocre, blanco (para dar profundidad)... los temas serán: bodegones,
estructuras, retratos y cuando picasso y braque se den cuenta de q no han
conseguido llegar al espectador, entenderán que no han conseguido lo q querian
por lo tanto van hacia →

● Cubismo sintético: vuelven a los colores locales, objetos, se emplea la técnica del
collage pq en ocasiones no somos capaces de encontrar el color local entonces,
 coges el propio objeto y lo pegas. Vuelven aquí tras darse cuenta de que su
cometido (mostrar al espectador diferentes puntos de vista) no ha funcionado
mediante las técnicas empleadas.

LA ABSTRACCIÓN es un lenguaje que nos permite bucear y volvernos locos. Nada nos
está guiando, no hay figuras que entorpezcan la lectura.

La abstracción tiene dos maneras: (primera diapositiva)

● Abstracción lírica: exaltación de los estados de ánimo y del propio pensamiento
del pintor, es musical, suele ser curvilínea. Es una exaltación del mundo interior.

Kandinsky (no es nada caótico).

Al llegar a la abstracción absoluta autodenomina su obra como composiciones.
Él nunca dirá lo que es o lo que no. Al ser biomórfica podemos ver formas ocultas
de la naturaleza ocultas.

● Abstracción geométrica: mondrian. Tachada de fría. Pintura pura alejada de las

formas de la naturaleza basada en planos y colores primarios + byn. Se puede
trasladar perfectamente a la arquitectura y al diseño industrial. Mondrian.

Piet mondrian árbol rojo. Este cuadro no es abstracto pero es el representante

de la abstracción geométrica. No va a haber nada que entorpezca la lectura,
todo es medible, ángulo recto, colores primarios + byn. Hay que representar las
formas geométricas y medibles, las formas de la naturaleza hay que eliminarlas.

Estudio del árbol → comienza con un árbol que se va difuminando y volviéndose

más cubista hasta que lo (des)compone hasta formar un estudio completo. SI
SALE DE MONDRIAN SALE LA COMPOSICIÓN DE 1930.

Poco antes de su muerte, no vio cómo termina la 2GM y entonces antes de morir
hace una obra “Broadway Boogie-Woogie” en honor a los aliados que pensaba
que iban a ganar.

FUTURISMO
El movimiento FUTURISTA aparece en 1909 en Italia. Los vestidos de las mujeres largos,
primeras luces eléctricas, primeros coches en las ciudades… Italia ha mirado más a su
parado que a su propio presente siempre. Rompen con todo ello. Quieren acabar con la
idea tradicional de “ROMA”.

El futurismo está caracterizado por lo dinámico, el movimiento, pasión por la fuerza en

la propia pintura y la escultura. Quiere romper con todo el movimiento romántico y
realismo italiano porque es violento. Hacen una exaltación de la guerra como limpieza
del mundo mientras que el movimiento romántico es una exaltación del mundo interior
del propio ser humano en el que se muestran los sentimientos.
Se rechaza todo aquello que implique debilidad y se exaltará la juventud. Su mirada está
dirigida hacia el futuro. En ningún momento tuvieron la intención de que esa obra
perdurará vg
en el tiempo, lo que les apasionaba era el frenesí, el futuro de la juventud de su época, la
juventud está en constante movimiento.

En arquitectura (fue una utopía, no lo pudieron materializar) pensaron en ciudades más

pensadas para los vehículos que para las personas, con rascacielos.

El movimiento se traslada en forma de

Umberto Boccioni
Ciudad que asciende. Ciudad que se levanta después de la noche, que está viva. El
caballo simboliza juventud, pasión y fuerza.

Tumulto en la Galería. Corriendo a la cafetería.

Dinamismo de una bicicleta. Trataba de captar el momento de cómo se movería

nuestro cuerpo cuando está en movimiento. Estudio del dinamismo (no de los puntos de
vista).

Dinamismo de un jugador de fútbol. descompone en plano como el cubismo analítico

pero la voluntad real es mostrar el dinamismo.

Formas únicas de continuidad en el espacio (ESCULTURA).

Carlo Carrà
El entierro del anarquista Galli. Traslada al cuadro el funeral de Galli como la gente
esperaba el ataúd moviendo banderas y tratando de tocarlo. La pasión con la que la
gente quería acercarse al féretro.

Giacomo Balla.
Dinamismo de perro con correa.

Lámpara. Estudio de la luz. Pone a la luna en segundo plano (no tan bonita) mientras
exalta la tecnología de una bombilla. No se descompone el movimiento pero sí que
muestra con fuerza el reflejo de la luz. TODO ESTÁ VOLVIENDO.

Benedetta Cappa
Síntesi de la comunicación.
- Comunicación marítima. No hay diferencia entre hym en cuanto técnica o tema.
El movimiento DADA rompe con la idea de lo que por todo el mundo había entendido
ARTE. Nace del desencanto de un grupo de jóvenes durante la primera guerra mundial
y salen de sus países y se encuentran en Suiza (país neutral en las guerras). Dura poco
en el tiempo pero no se entendería el arte del siglo XX sin este movimiento (entre ellos el
pop art). Es un movimiento anarquista.

Han colocado a Tristan Zara como padre del movimiento. Aglutina escultura,
performance, literatura, pintura… Es uno de los primeros movimientos con expansión
internacional, de repente hay movimiento DADA en todos los países del mundo, no solo
se conocen sino que hay artistas de este estilo. Gran movimiento con el estilo del humor.

Primer movimiento en el que seremos conscientes de la pregunta ¿ESO ES ARTE?.

Mueren de éxito porque en su base hay provocación y ruptura y un intento brutal de
sorprender al público y la adrenalina solo sucede una vez en el espectador.

Es uno de los primeros movimientos en los que uno vive, piensa, respira, toca… Dadá.

Sophie Taeuber-Arp
Muñeca dadaísta
Sophie suele ser muy tranquila y geométrica. Suele hacer caras y marionetas. Todo su
trabajo es sosegado.

Hans Arp
Relieve dada.
Forma biomórfica pero no es nada. Es un estudio de la naturaleza. Le interesa
ensamblar piezas de madera, colocadas en un lugar neutro y con ese concepto de
escultura o de pintura.

Kurt Schwitters
Construcción Merz 1 A o El alienista.
Eleva a obras de arte objetos de deshecho. Recoge objetos (carretes, cremalleras rotas,
tapones…) y los ensambla. Los denomina MERZ hasta que los cuadros se le convierten
en cosas abstractas.

Duchamp
La fuente. Ruptura del objeto artístico entendido como tal. Cualquier objeto tiene la
capacidad de ser obra de arte por el simple hecho de pensarlo el artista.

Elle a chaud au cul.

Coge una obra de arte y la “ridiculiza” para demostrar que la obra de arte no es la obra
en si, sino lo q el artista. Es la declaración de guerra con lo que se estaba realizando
hasta el momento.
Man Ray
Regalo
Es una serie en las que son una plancha en la que lo único que cambia es el número de
pincho. La plancha pierde su utilidad por el pincho y además por el título.

El movimiento SURREAL es una pasión y exaltación del mundo onírico interior de los
artistas. Está lleno de simbología y es uno de los movimientos artísticos más increíbles
del siglo XX. Es el último movimiento de vanguardia histórica
● 1922 cuando André Breton rompe el movimiento dado - Texto Abandonadlo todo.
El autor forma parte del movimiento dadá pero en
● 1924 escribe el primer manifiesto (escrito que guía las pautas del movimiento) del
movimiento surreal).
● 1945 pq la IIGM dinamita todo y la mayoría de artistas salen al exilio y supone
que Europa deja de ser el centro artístico. Aunque es un movimiento que nunca
muere, se data hasta aquí.

Características del movimiento surreal: más onírico, fantástico, simbólico, mágico, va

más allá de la realidad. Es el resumen y el epígono de todas las vanguardias históricas.
Recoge a más artistas masculinos y femeninos. Hay diferencias considerables entre los
temas que tratan los varones y las mujeres.

Se traslada perfectamente a la publicidad (Dalí - Chupa Chups). Casi todos los anuncios
de la lotería de Navidad tienen una base surrealista.

RENÉ MAGRITTE → lo que tiene es un juego en la obra, pq apela a q los sentidos nos
engañan. TRES DIMENSIONES en La condición humana:
1. Al ver los cuadros es que se está pintando un cuadro de ese paisaje pero ambos
son cuadros.
2. El cuadro.
3. El espectador, que se siente engañado porque cree que se está pintando un
paisaje pero, todo está pintado.

SALVADOR DALÍ → Gala fue su pareja y tuvieron una relación turbia. La mayoría de los
traumas infantiles, sexuales y psicológicos aparecen en su obra a través de hormigas, la
muleta, etc. “El surrealismo era el”.

Aplica el automatismo psíquico: sin que haya un razonamiento previo de lo que quieras
hacer, se plasma en la obra. En pintura es muy difícil que eso ocurra pq para llegar al
final de la obra, hay que hacer bocetos. Sus propios sentimientos se plasman en sus
cuadros. Se supone que no hay una consciencia que explique la simbología de algo.
También hace decoración y objetos surrealistas. En este aspecto si se parece al dadá
(teléfono langosta).
El movimiento de las mujeres surrealistas va sobre las propias mujeres. se caracterizan
por ser un surrealismo más íntimos. Las imágenes de los hombres contrastan y
responden a los hombres. Los hombres cosifican y sexualizan el cuerpo femenino
pensando en que el espectador es masculino. Mientras que, las mujeres se representan
a sí mismas (autorretratos) o compañeras alejadas de ser un objeto sexual, de forma
más íntima y con esto, se reconocen a ellas mismas.

MERET OPPENHEIM → ella monta ciertos objetos con la piel para callar a Picasso.
Provoca cierto disgusto y en realidad no es lo que parece (los guantes de piel, o la mesa
pájaro).

REMEDIOS VARO (española) → realiza muchos bocetos antes de pasar al lienzo. Se

pueden leer objetos del bosco. Además realiza carteles para publicitar ciertos
medicamentos (Dolor reumático II,h) para BAYERN. Firma estas obras con su segundo
apellido porque considera que son diferentes a su propio estilo.

LEONORA CARRINGTON → también es escritora. En arte es casi imposible ver una

relación íntima de amistad y trabajo. Sin embargo, Remedios y Leonora se conocen en
México, y es una de las pocas relaciones que se destacan de esta manera. En la letanía
de los filósofos tiene una lectura similar a *el cuadro del sastre* .

Pinta Mujeres Conciencia, parte del movimiento feminista de los años 70 en Mejico.

----- AQUÍ ACABA JUNCAL Y COMIENZA JOSÉ -----

¿QUÉ ES UNA OBRA DE ARTE?
● Artificialidad → ha tenido que intervenir el ser humano.
● Unidad → Única. en el sentido que se pueda controlar la producción. (aunque
sean iguales). La unicidad muere cuando el artista muere, todo lo que se haga
sobre el artista después de su muerte, no es arte, son copias (que no son lo
mismo que plagios).

ORIGINAL -- COPIA -- PLAGIO

autor -- herederos de derechos -- estafa

● Artisticidad → cuando se completa la comunicación del arte (arte - receptor).

Cuando suceden estas tres, ya es una obra de arte. Por esta razón, ni siquiera lo
son siempre.

Durante las primeras vanguardias se exploran muchas habilidades artísticas (desde el

cubismo hasta el realismo) que permiten tener una visión diferente de la realidad.
Después de la IIGM hay una sensación de que el mundo se va a la mierda y la
humanidad es un asco, somos lo peor. Muchas de las teorías que se plantearon
acabaron derivando en totalitarismos que casi acaban con el mundo.

Aparece un tipo de expresión, de derivaciones del surrealismo para plasmar la

sensacion de desesperanza y cada vez es mas informal (sin forma). Abstracción con
grna impacto visual, solo de este modo es capaz de crear esta inestabilidad.

Jean Fautrier
Hace una línea (sobre tablas de madera pq pesa mucho) “Cabezas de rehén”. Empasta
materiales a la tabla, con el fin de crear esa sensación de visibilizar los horrores de la
IIGM.

Promueve al grupo cobra (de Copenhague, Bruselas, Amsterdam). Trata de seguir el

estilo de Jean. Comienzan a plantearse la esencia del ser humano y se plantean que
esté en lo más primitivo (pintura rupestre).

Si el hombre es el causante de la destrucción del propio hombre, la evolución de esto

será desaparecer. A menos que nos fijemos en aquello menos corrompido por la
sociedad (los niños y los “locos”). Iban a los colegios y manicomios a fijarse en las obras
de estos con la única esperanza de que el ser humano vuelva a sus inicios.

A partir de aquí aparecen artistas (sobre todo en España) que muestran sentimientos
universales. Algunos de los españoles se plantean que esa expresividad ha de servir
para cambiar las cosas y aquí aparece Deu al set (Diez al siete). No es un grupo
establecido de artistas sino que es una tertulia. Se reúnen habitualmente en el café Deu
al Set pero nunca se conformaron como grupo, ni manifiestos ni nada.

El más interesante de este “grupo” es Antoni Tàpies pq va a plantear que esa

expresividad sin formas, debería de tener una finalidad política y social o al menos para
protestar por ello. Comienza a crear una serie de obras en las que incluye signos,
materiales particulares para manifestar una visión distinta de la oficialidad de la España
del momento.

La artisticidad (relación espectador-obra) de Tàpies, es compleja. Es una obra

coyuntural, hay cosas que tienen la importancia que tienen pq la tienen para quien la
tiene: comienzan a perder el significado con el público mayoritario. En el año 74 se
promueve una exposición de los nuevos artistas catalanes en el museo de bellas artes
de Bcn en la que la inauguró Franco. En ella se expone obra del gusto de la España del
momento. Durante toda la dictadura solo hubo un museo de arte contemporáneo (II
Republica con obra muy vanguardista). A principios de los 80, se cierra y con ella se
crea la casa de Sorolla, el museo del Romanticismo. No eran malos, eran del gusto. todo
lo que no era del gusto de la oficialidad, no se expone. Con la democracia fueron
ninguneados pero sin razón (no tienen culpa). Solo en espacios casposos y oficiales
seguían permaneciendo.

Tàpies, colocó un cuadro que se llama Tres Cartones. Llegó franco a la inauguración
(pagesos y paisajes). Franco dijo algo que justificó la razón de la desaparición de
algunos autores. Pero el hecho de que Tàpies hiciera algo en contra del franquismo, y de
todo lo que está bien. España se había acomodado a la falta de libertad cuando el autor
se propuso ejercer protesta política (por ello muchos desaparecen). Muchas de las
obras de Tapies se volvieron a usar como imagen ante la protesta en el movimiento
independentista catañán. Querían resignificar eso.

El grupo el paso se crea en el 57 y se disuelve 3 años después. quería despertar la

conciencia española, obras muy serias, dramáticas, profundas para que el pueblo se
diera cuenta de que aunque hubiera pasado 20 años, seguía estando bajo la dictadura
y querían que la gente no tomase la falta de libertad como algo normal.

Se disuelve tan pronto porque fracasan. No logran despertar la conciencia de la

sociedad unos artistas que viven en Francia, ni con unos niveles educativos bajos del
receptor. Cada uno tiró hacia un lado, diferentes trayectorias. Los movimientos artísticos
no son sucesivos, coexisten.

El más coherente del grupo era Saura. Pero aún así no se entiende. Monocromía,
brochazo, gestualidad, chorreo (de pintura). Dar la sensación de que ha sido algo hecho
en un momento de pasión).

Abstracción
Como terapia personal.
ME FALTA LO DEL DIA 10 DE NOVIEMBRE DE 2021

Arte pop - POP ART

Nace de manera casi a la vez que con artistas europeos. El pop europeo no tiene tanta
importancia y evoluciona rápido a otras tendencias mientras que el americano se queda
unos años con importancia que va a influir al resto del mudo. El parecido está en los
orígenes. Hay una avanzadilla (primera puesta) en esta idea de arte popular desde
Duchamp (urinario). No es algo absolutamente novedoso. Ya hay un poso. Pero es cierto
que hay un cansancio respecto al informalismo (Europa) y al expresionismo abstracto
(en EEUU). Por eso aparece el pop art.

El pop art europeo estaba pensando en un arte popular en el que interviniera el pueblo,
hecho por él. Rescatar el arte de lo que hacía el pueblo investigando sobre la artesanía
popular. Se buscan aspectos artísticos sobre la ciudadanía.
Con el informalismo y expresionismo abstracto el artista intenta cambiar la sociedad y
transmitir expresiones, sensaciones, vivencias (EEUU→ individualistas // Europa→ más
sociales)

Mientras que el pop art acompaña el devenir de la sociedad. Hace lo que la sociedad
quiere ver. No busca reacciones sociales. Sencillamente acompaña al día a día del
espectador y la sociedad. Sin modificarla.

En EEUU, hay artistas que ven el cansancio de la sociedad del expresionismo abstracto.
Los nuevos expresionistas abstractos que surgen tienen muy poco que contar
personalmente y lo que hacen es subirse al carro de la moda solo para conseguir
dinero. Si Pollok ya no es original ni interesante (ya no vende), es pq hay otros que si
venden entonces ya pierde el sentido a contar lo que sienten por lo que el
expresionismo abstracto son “farsantes” y eso no se corresponde con lo que la sociedad
quiere. No puedes influir en la manera de pensar de la sociedad pq solo te interesa la
fama y el dinero (pq sigues las modas, no muestras tus feelings).

A partir de aquí interesa lo que realmente es popular en EEUU: productos comerciales

que funcionan muy bien a través de la publicidad. Comienza a ser interesante el diseño
de una lata de sopa o imágenes de los grandes iconos de la cultura estadounidense
(actores, actrices, celebrities, presidentes). En definitiva mostrar lo que a la gente le
gusta. Esto permite alcanzar la fama al ser revolucionario (nadie lo había hecho).
Además permite una producción masiva y barata pq al principio Warhol, Lingestein
pintan a mano pero aparece la serigrafía. Es difícil tener una obra de Warhol, en un
espacio público que no esté autenticada porque gran parte del negocio está en las
autenticaciones de manera que se firman y se serían todas. Están perfectamente
contabilizadas y además se venden con el certificado de autenticidad (que tb se cobra).

El pop art es un negocio que busca vender y en esa venta está lo que a la gente le gusta
tener. Las referencias son importantes para la gente y así para el pop art. No se plantea
ninguna crítica sobre nada. Hay toda una estrategia comercial detrás del pop art. Es
insustancial. Más allá de esa búsqueda de conectar con lo que gusta al pueblo, no hay
ninguna crítica social ni sentimientos.

OBRAS DE POP ART

Robert Rauschenberg
Primero de los europeos. Busca encontrar la creatividad del pueblo pero se pasa a la
concepción del pop art americano. Cuando está en Europa le gusta coger objetos de
artesanía e incluirlos en las obras (pegarlos) incluso objetos publicitarios, imágenes…
Crea como collage medio pintado medio transferido. Cuando se vincula al pop art
americano y participa en las primeras exposiciones (aprox año 62), esa búsqueda de la
creatividad del pueblo europeo se va. ya está en la línea de buscar imágenes populares
de la cultura. Su aportación es la transferencia de imágenes: recorta revistas, posters… y
las empasta mezcladas con dibujos propios y hace toda una composición que intenta
reflejar toda una época. Estos son collages y como tal son obras únicas, no
serigrafiadas. La idea de transferir imágenes es el punto de partida hacia la serigrafía.
Los mecanismos de impresión no eran demasiado avanzadas, se veían mucho los
píxeles de colores (Robert no hace).

Oldenburg
También se traslada a EEUU y cambia ahí su forma. Es un caso extraño pq el comienza
en europa de la misma manera que Robert (buscando el arte popular) y en EEUU,
comienza a interesarse por imágenes populares de objetos populares pero que él
modifica. De los pocos que trabaja escultura pq es más difícil de producir en serie. Sí se
aprecia cierta fascinación por la cultura más underground. Es uno de los que influye a
Basckyard. busca mucha inspiración en los vertederos (la sociedad que tanto tira y no
recicla). Aquí si hay algo de base crítica, refleja aquello que no es representativo de la
sociedad pero sin embargo si es una cultura que no refleja el sueño americano sino de
los barrios urbanos. Tiene algunas obras que reflejan esos objetos abandonados pero
envejecidos, blandos, arrugados… (La máquina de escribir). Idea del consumismo que le
fascinaba representar.

George Segal
Comenzó como pintor pero se pasó a la escultura cuando comenzó el pop art. Él refleja
escenas cotidianas, no hay tampoco una crítica social. son esculturas a tamaño natural
que incorpora elementos reales (la cama) y lo demás es escayola. Segal pedía a sus
amigos que posaran en escenas cotidianas y los escayolaba enteros. Sacaba los moldes
y volvía a pegarlos y sellarlos. No entra dentro del circuito comercial ni la fama excesiva
pero es una variante más en el juego de reflejar la cotidianidad.

Liechtenstein
Pintor prácticamente autodidacta y se dedicaba al diseño industrial. En el año 62 (gran
exposición de pop art), se apunta y aparece así en su 1º expo de arte. A través del
conocimiento de industria, desarrolla su obra. todo a mano, pinturas que reflejan viñetas
de ilustraciones o de cómic americanos. Al hacerlo en grande pinta en puntillismo, por la
gran magnitud de las obras. Incluía el pantone en la obra para que se pudiera
serigrafiar, es aquí cuando se reduce el tamaño. Introduce modificaciones a la viñeta
original, pero todas son referencias directas a las historias gráficas del momento. No
tiene ningún tipo de crítica social.

James Rosenkist
Europeo también. Llega a EEUU a finales de los 50. Trabaja como pintor de vallas
publicitarias. Se acostumbra a pintar en gigantescos formatos. Piensa que aquello que
gusta tanto a la gente pq ofrecen productos que la sociedad demanda, sería interesante
hacer obras de tamaños grandes que reflejaran esa publicidad en las vayas. Lo que
hace son cuadros que son composiciones de fragmentos de vallas publicitarias. Cuando
pinta este gran tamaño, hay que pintar basto. Si se pinta algo de muy cerca a la
perfección para que sea visto a 15/16 metros de distancia, no se va a ver. Hay que
hacerlo grueso para que distinga a largas distancias. Requiere de mucha pericia.
Comienza a jugar con la óptica, hace que el espectador entre en un juego óptico y eso
es un gran avance hacia el OP ART. sin crítica social. Obliga al espectador a alejarse
para apreciar esos juegos ópticos.

Andy Warhol
Tenía gran personalidad, era multidisciplinar. Tenía una verdadera pasión por la
popularidad y el famoseo. El pop aún hoy en día es conocido por él. Se convirtió en una
celebridad internacional.

HIPERREALISMO
Desde la nueva teoría del pop art: reflejar aspectos de la cultura popular, aparece un
nuevo movimiento en el que se diferencian por no ser partidarios de la producción
masiva de la producción. se basan en la calidad técnica. No quieren vender por ser una
marca sino que se quieren diferenciar por la calidad técnica para demostrar la
diferenciación entre los artistas y la fotografía o la serigrafía. En los inicios del
hiperrealismo, es un tipo de pop art pero sin la idea de distribuirlo masivamente.

El realismo fotográfico es cuando un artista pinta o esculpe absolutamente igual que la

realidad un objeto pero lo inserta en una composición que no es real, este realismo
fotográfico, tiene una composición más onírica o surreal. Mientras que el hiperrealismo
trata de mostrar la realidad tal y como si fuera una realidad fija y la composición es la
composición que estás o puedes estar viendo. Muchos utilizan la diapositiva como
boceto y pintan sobre la diapositiva proyectada. La intención es hacer un alarde técnico.
Los objetos que emplean tratan de que sean difíciles para poder demostrar las
habilidades técnicas de la pintura.

Don Eddy
Especializado en aparcamientos y coches. Cansado de esto, busca nuevos retos y busca
temáticas más complicadas. Se lanza a pintar escaparates con la complejidad de tener
que retratar los reflejos del cristal y lo que hay detrás de él. Es insustancial también.

Aparecen otros artistas dentro de esta línea (avanzados los 70), en los que exploran
nuevos temas y es entonces cuando se despega por completo del pop art.

Denis Peterson
Es uno de los pintores hiperrealistas más conocidos hoy en día. Su especialidad fue la
pintura de homeless. Comienza a tomar fotos de la gente sin techo en EEUU y comienza
a pintarlas a un tamaño muy grande. Aquí vuelve la crítica social. Se muestra la cara B
del consumismo, lo que produce el sueño americano visto en el pop art y q tiene unos
efectos colaterales: el abandono de los menos favorecidos.
Eddy tiene un 50% pop por la insustancialidad pero, Denis Peterson se sale por completo
por la temática de sus obras.

Antonio López García

Es el Español más reconocido del hiperrealismo. Es un absoluto perfeccionista y en sus
paisajes, es tan meticuloso y tan lento que no aparecen personas ni coches porque son
móviles y no le da tiempo a captarlas. No tiene tampoco ninguna voluntad de crítica
social. El sol de membrillo es un documental de Victor Erice en el que se graba a Antonio
López García.

Rom Mueck
Es un escultor que modela resinas con la idea de hacer en escultura el máximo parecido
a la realidad. En su obra, para demostrar la crudeza de la realidad opta por formatos
gigantescos. En este sentido con la temática, Mueck muestra la dureza de la vida
cotidiana. No hay crítica simplemente muestra la vida como es, con los momentos más
cotidianos aunque desagradables.

MINIMALISMO
Con lo mínimo te hablan de las realidades que cuestan de entender estudiando, o sea
que más en obras de arte austeras. Pero son obras que no quieren incidir en el devenir
de la sociedad pero si quieren ser muestra de un pensamiento muy elevado y complejo.
Pero, es muy complicado, ¿cómo se representa la teoría de Schrodinger en arte? Se
puede representar el vacío con algo que no haya nada y ofrecer a la visión del
espectador con volumen?

Son incógnitas que los autores minimal tratan de desarrollar. Cuesta entenderlos y es
dificil apreciar todo el contenido que puede tener una obra q tan solo es un “cubo liso
negro y detrás de ella hay algo muy desarrollado sobre filosofia, teorias, existencialismo,
etc. Artistas tremendamente cultos.

Lo minimalista es conceptual y lo conceptual es minimalista.

El body art, tiene como característica la utilización del cuerpo y la pintura. Tanto como si
el cuerpo es el lienzo como si la herramienta para pintar el lienzo. Se desarrolla en los
años 70 y 80. (Yves Klein). Se relaciona con el expresionismo abstracto americano
(Pollock) que se nota como se ha pintado, el instante de cómo se ha pintado. Pintura de
acción, que hacemos directamente la acción. Son efímeras y se hacen con público
delante. El público paga por ver la actuación de cómo se pinta la obra. La exposición
dura el acto de pintar. Acción participativa. se requiere de la participación con el que
hayas contactado y ensayado.
Happening, en un happening es más improvisado aunque tb se involucre gente. Por otro
lado, la acción participativa se practica.

En el happening tb se colocan cosas y el público interactúa con ellas. Eran casi fiestas.

Otro tipo de arte, que viene de la literatura (poetas), hacían poemas visuales, que se
representaban y se convertían en performance. En la performance el protagonista
(movimientos, acción, presencia) es el cuerpo del artista y el espectador es sólo
espectador, no colabora en la creación. Es de corta duración, lo que dure la acción.

Bartolomé Ferrando es catedrático en la UPV sobre performance y hacia poemas

visuales (empezó siendo poeta). Hay toda una variante (más en VLC) que meten los
sonidos.

La mayoría de los artistas hacen de todo. La palabra performance lo define todo

aunque no todo lo sea. La gran artista de performance es Marina Abramovic. Gran
difusora de la performance. En sus inicios hace performance arriesgadas para provocar
reacciones pero en la mayoría de los casos son happenings sin ensayo previo y con
participación del público.

Abel Azcona. Es un gran profesional en las performance, aunque hace de todo:

happening, acciones participativas, performance… En este caso no hay grabaciones, “no
produce obra”. No lo permite. Solo fotos si eso. Sus obras son muy comprometías y
eficientes pero, son monotematcas (prostitución y abuso a menores).

E.S.O.C (Fumadores de alcachofa). Se juntan y la lian q flipas con las performance más
rocambolescas. OBJETIVO: Reventar la cabeza a todo el mundo.

Las realizadas por mujeres, tienen mucho que ver con la igualdad de género. si nos
vamos a los datos, si vemos los discursos positivos, a veces no es posible. Solo
encontramos “grandes” volúmenes de arte en arte contemporáneo. Las mujeres están
más en ferias pequeñas (60%). en las grandes exposiciones y tal, nada.

Se está forzando el cambio de discurso en los museos porque no hay muchas, las
“pocas” que hay, se han de exponer 100% para que haya 50% 50%.

La historia siempre está contada por hombres, por lo tanto, en los relatos que nos
llegan, no hay presencia de mujeres, no porque no hubiera sino porque no querían
incluirlas en el relato. Es un poco lo que pasa con los programas tipo la Isla de las
Tentaciones, es mal, pero así cuentan cómo se desenvuelve la sociedad. Deberíamos
hacer mucha revisión de la historia para saber 100% cuando como y cuantas mujeres
hay en la historia.
La historia se cuenta en base a lo que es más vendible en la sociedad. Si la sociedad es
machista, pos vendo machismo y encima lo puedo aumentar para ser yo mas puto
amo, pos mejor.

El mercado se mezcla con el arte. Muchas mujeres acaban la carrera con buenos
expedientes, sólo el 7% de lxs graduadxs pueden vivir de las bellas artes. Antes había
mucho intrusismo, ahora no tanto. El mercado laboral en este sector, los mejores
expedientes no se plantean dedicar a abrir un taller a ver si cuela. Los mejores
expedientes consiguen trabajo de diseñador gráfico, de lo que tenga que ver un poco
con el arte pero que no sea tal. Cómo estás empleada, pues ya no tienes tiempo de ser
artista, pq se necesita un mecenas los primeros años. Justo que las mujeres sean las
mejores estudiantes, se van a trabajos que no hay mucho arte y entonces es un daño
colateral el que no haya mujeres artistas.

Las mujeres que empiezan siendo las mejores apuestas, las galerías no las quieren
llevar a grandes ferias pq en la mayoría de los casos, van a tener un parón en la carrera
(hijos, cuidado de mayores…). Las temporadas en las que no tienen el mismo ritmo de
producción que los onvres.