Buscar EN CARTELERA COMPUTADORA PORTÁTIL INICIAR SESIÓN

Computadora portátil Característica

Filmando lo invisible: una

Películas relacionadas

introducción a Pierre-Yves
Vandeweerd RAÍCES LEJANAS
Los documentales del belga muestran un enfoque metafísico de lugares remotos y Pierre-Yves Vandeweerd

temas que exploran los efectos psicológicos del trauma.

Andrés Northrop • 15 UNO 2019

LOS DURMIENTES
La retrospectiva de MUBI Vandeweerd: Filming the Invisible se proyecta del 14 de
Pierre-Yves Vandeweerd
enero al 20 de febrero de 2018.

TIERRA PERDIDA
Pierre-Yves Vandeweerd

PARA LOS PERDIDOS

Pierre-Yves Vandeweerd

LOS ETERNOS
Pierre-Yves Vandeweerd

Pierre-Yves Vandeweerd

Cuando los documentales se cruzan con la práctica de la antropología, pueden

surgir cuestiones formales y éticas. ¿Cómo pueden los occidentales representar y
explorar tradiciones complejas y traumas fuera de su ámbito de experiencia sin
reducir sus sujetos cinematográficos a una mera apariencia de cabeza parlante? La
obra del cineasta belga Pierre-Yves Vandeweerd propone una estrategia más
metafísica; con voces en off, textos folclóricos, documentos, música y retratos de
larga duración entretejidos en formas complejas y vívidas. Habiendo filmado en
lugares remotos del Cáucaso, Francia y África, y explorando con frecuencia los
efectos psicológicos de la guerra, el genocidio y la enfermedad mental, el trabajo de
Vandeweerd a menudo se ha denominado "poético" en los circuitos de festivales.
Los elementos y estrategias que entretejen sus películas constituyen un intento de
conectar con “lo invisible,1 , con producciones que duran varios años y que implican
una profunda inmersión e investigación. En las películas de Vandeweerd, el alma
queda al desnudo, creando experiencias visuales que tocan directamente nuestros
registros emocionales. 

*** 

En la era digital, podríamos pensar erróneamente en un texto únicamente como una

secuencia de caracteres tipográficos, sin cuerpo definido. Pero al considerar la
naturaleza táctil de los documentos (entidades poseídas y adaptadas por múltiples
personas en su vida con múltiples instancias existentes, todas con marcas únicas
de uso y viaje), podemos comenzar a comprender la influencia poética del trabajo
de Vandeweerd. Sus tres trabajos más recientes The Eternals (2017), For the Lost
(2014) y Lost Land(2011) se filmaron en formatos de 16 mm y Super 8, con una
metodología en torno a la falta de sincronización de sonido emergente, una
desviación del flujo de trabajo digital anterior del cineasta. Como resultado, voces
en off, entrevistas, textos adaptados y folclores pueblan densamente la banda
sonora de la película; omnipresente y que posee la cualidad de haber sido grabado
a fuego en la fibra de la película. Nunca superfluos, y siempre de gran importancia,
estos componentes buscan extraer las experiencias subjetivas que se encuentran
dentro de los respectivos paisajes de cada película. 

En estos lugares rara vez documentados, como el muro construido por Marruecos
en el Sáhara Occidental, el escenario de Lost Land, las historias y los testimonios
son de gran importancia. La voz es un recipiente para transmitir el trauma del
pueblo saharaui, muchos de los cuales fueron desplazados de sus hogares por la
violencia en los años 70, y ahora viven en las proximidades del vasto muro, marcado
por un alto el fuego a largo plazo entre los Gobierno marroquí y el Frente Polisario.
En una secuencia, una mujer recita una lista de personas que han desaparecido y su
último paradero conocido, recordándonos que los textos tipo catálogo son tan
importantes como los relatos de primera mano. Lo mismo ocurre con For the Lost,
donde se leen de dicho documento los nombres, números de serie, fecha de
fallecimiento y las aflicciones de los ex pacientes del hospital psiquiátrico de Saint
Alban. 

Ambientada en la región francesa de Lozère, azotada por una tormenta, For the Lost
examina la melancolía que puede surgir en esas duras condiciones climáticas y la
proximidad conjunta del hospital Saint Alban, cuyos antiguos pacientes fueron
enterrados en tumbas anónimas bajo la nieve de la región. Mientras tanto, un texto
folclórico que describe cómo cuidar un rebaño de ovejas es decantado por una voz
suave pero severa, mientras un pastor envuelto en un gran manto —haciéndose eco
de las personificaciones de la Muerte— guía a su rebaño por la región. 2“Cuidarás de
entonar el canto de tu rebaño, por los perdidos”, informa la voz en off, destacando
los lazos simbólicos del pastor con los que han perecido en la región, y el papel que
juegan los cencerros de las ovejas en la dirección de sus almas. Lápidas individuales
a veces marcan la región, en contraste con la nieve. La muerte siempre permanece
bajo la superficie, y las acciones del pastor siempre están vinculadas a los perdidos,
y los pacientes actuales de Saint Alban promulgan un método similar de recuerdo, a
quienes se puede escuchar cantando los nombres de antiguos pacientes en la
extensión de la región. Además, los intertítulos marcan los diferentes accidentes
geológicos y lugares a los que llega el pastor, enumerando a los que podrían haber
perecido allí.

Lost Land también usa intertítulos con información geográfica, delineando la

distancia exacta de cada nueva ubicación desde la pared, quemando su marca
siempre opresiva
PERROS DE RESERVA Directed by QUENTIN TARANTINOde la región en el cuerpo de la película. Mirando hacia atrás a VER AHORA
 Raíces lejanas(2012), un momento anterior en la filmografía de Vandeweerd, queda
claro cómo estos elementos se han desarrollado a partir de una ocupación anterior
con la forma de diario de viaje, con esa película siguiendo su viaje por Mauritania en
busca del árbol baobab visto desde su ventana en Bélgica. Destaca cómo el país
tiene tantos nodos remotos, donde las narrativas espirituales, míticas y
emocionales apreciadas por los nativos pueden desarrollarse y prosperar, al mismo
tiempo que aprovechan temas y objetos universales. Como resultado, la propia
narrativa de Vandeweerd baila entre ellos, y la película finalmente subraya cómo
damos por sentados los árboles en el mundo occidental, razón por la cual el
impetuoso viaje inicial de Vandeweerd puede parecer algo inusual para algunos
espectadores al principio. La película sigue un camino más lineal que los trabajos
posteriores de Vandeweerd en película de calibre pequeño. pero, sin embargo,
subraya la escala de la región: separando cada lugar con tomas tomadas debajo de
los árboles en la noche en un río, con luz que mapea los movimientos del agua en
las ramas. Esa exploración de la escala se manifiesta enFor the Lost and Lost Land a
través de los intertítulos, los fragmentos de un mapa geológico se grabaron a fuego
en el cuerpo de la película. 

*** 

para los perdidos

Si comenzamos a pensar en el resto de las imágenes de la película también como

componentes textuales, el uso de retratos de larga duración por parte de
Vandeweerd puede verse como documentos únicos con bordes deshilachados,
siendo las imperfecciones percibidas los momentos en los que los sujetos podrían
prestar una parte de su alma. al espectador. Al igual que los primeros retratos
fotográficos, donde el tiempo de exposición era de una duración significativa, la
duración de la captura crea lo que algunos podrían denominar imperfecciones;
momentos en los que el sujeto puede romper la mirada, revelar una vulnerabilidad,
una emoción, una adaptación de su postura o un cambio total en su lenguaje
corporal. En el planteamiento de Vandeweerd, los retratos abren un camino hacia la
subjetividad o estado emocional del individuo, amplificado por el resto de hilos
simultáneos de la película. 

Los retratos de Lost Land transmiten algo más que la subjetividad del individuo
filmado, gracias al formato Super 8 en el que está rodada la película. Debido a que
las cámaras son portátiles, compactas y bastante livianas, y debido a que el área de
superficie de la impresión es tan pequeña, los carretes de película Super 8 son más
susceptibles a los movimientos menores del operador, con Vandeweerd
comentando en una entrevista anterior que estas vibraciones tienen una identidad
secundaria. “que emana de la sensibilidad y el subconsciente del cineasta”,
particularmente porque puedes sostener las cámaras como una extensión de tu
propio brazo 3 . En la interconexión entre el sujeto, el cineasta, el aparato de cámara,
el proyector y el espectador que Vivian Sobchack esbozó una vez 4, estos
momentos se cargan de energía fenomenológica, una forma de transmitir y
compartir experiencias vividas entre múltiples personas. En los contextos de dicho
anteproyecto, los retratos de los pacientes de Saint Alban en For the Lost generan
una sensación de malestar que posee la capacidad de emitir una sensación
compartida de tristeza a los espectadores que han sufrido o tienen seres queridos
con problemas psicológicos y mentales. condiciones de salud de cualquier grado.
Estos ejercicios buscan, ya menudo lo consiguen, extraer emociones imperceptibles
de las registradas, lo invisible hecho tangible.  

***

El diseño de sonido elevado de Vandeweerd, regido por el cambio a la

cinematografía analógica, ha ocurrido simultáneamente con su implementación de
la música de Richard Skelton, desde Lost Land en adelante. Fluyendo en medio de
las palpitaciones de las tormentas, los latidos del corazón y las voces, la música de
Skelton ahora está cómodamente integrada en el trabajo de Vandeweerd. “Muchas
de mis grabaciones están directamente inspiradas en paisajes específicos que he
visitado y, por lo tanto, puedo proteger bastante su uso en otros contextos”, dice
Skelton, refiriéndose a su práctica de componer con frecuencia en lugares remotos
e incluir restos de ellos. en lanzamientos físicos de su música. Pero después de que
la música preexistente se combinara tan bien con los contextos de Vandeweerd, se
contactó a Skelton para colaborar más directamente en la última película del
primero.Los Eternos . 

“Yo confiaba en él lo suficiente para no estar ansioso por tratar de escribir para un
paisaje que no había visto”, dice. “Pierre-Yves sugirió enviarme música armenia que
resonaba con él mientras filmaba en Karabaj. Luego usé esta música como
representación del paisaje de la película, que quizás no sea tan inusual como
parece. A menudo pienso en el proceso de composición, no como un intento de
'capturar' un paisaje, lo cual es imposible, sino como un acto de resonancia
simpática. Es mi propia voz, armonizando con otra.” El concepto de una voz que
armoniza con otra también se aplica al enfoque de Vandeweerd. Su forma de
trabajar está tan arraigada que evita la sensación de voyerismo en la que caen
muchos antropólogos, y los momentos más emotivos de su trabajo se sienten
ganados. emergente del más profundo nivel de comprensión y respeto por sus
súbditos. Si hay una forma rápida de cuantificar el trabajo de Vandeweerd, esa es
una voz armonizando con otra. 

*** 

PERROS DE RESERVA Directed by QUENTIN TARANTINO VER AHORA

 los eternos

en los eternos, Vandeweerd dirige su lente hacia la disputada región de Nagorno-

Karabaj, un área en gran parte vacía que reside en la frontera entre Armenia y
Azerbaiyán. Mientras los soldados armenios que custodian el enclave describen el
impacto que la guerra ha tenido en su psique, Vandeweerd analiza simultáneamente
los impactos psicológicos del genocidio armenio; un exterminio sistémico de 1,5
millones de armenios cometido por el Imperio Otomano a principios del siglo XX.
Mientras la disputa política actual entre Armenia y Azerbaiyán mantiene a los
militares en la región en un estado de alerta constante, varios armenios deambulan
por la zona en un estado de profunda melancolía, evocando el genocidio en una
aflicción del alma expresada por la palabra “ tsnorq”, que significa “El canto
profundo del dolor… la melancolía de la eternidad.  

Vandeweerd se abstiene de simplemente observar este estado y, en cambio, toma

una decisión activa para impartir sus condiciones al cuerpo y la psique. El diseño de
sonido destaca regularmente la respiración, reconociendo cómo el trauma se
apodera de nuestra corporeidad, no solo de nuestro subconsciente. Uno de los
hombres se frota excesivamente las manos como una extensión de su estado
postraumático, con la cámara enfocando esos movimientos y el diseño de sonido
amplificando el ruido de la piel. Estos momentos contienen una cualidad háptica en
la que podemos estar inclinados a sentir fricción en nuestras propias manos
mientras lo vemos aplicar presión sobre ellas y su bastón. En otros lugares, la
cámara misma se posiciona como un infligidor de su condición mental; rastreando y
persiguiendo a los vagabundos por el entorno.5 , entonces esta encarnación forzada
del espectador como un punto de vista como un componente operativo del trauma
forjado por el genocidio militarizado es particularmente inquietante. 

La cámara gira frenéticamente alrededor de los hombres en algunos casos, una

señal visual que refleja sus actividades afligidas de dibujar marcas circulares con
tiza en los edificios e iglesias en ruinas de la región. El círculo es explicado por una
de las voces en off; destacando su simbolismo y vínculos con el concepto de
eternidad. De hecho, la noción de eternidad se revisa regularmente; con uno de los
hombres recitando la historia del “último hombre”, una figura que repetidamente
vive su vida hasta los 100 años de edad antes de renacer. Esto solo aumenta las
exploraciones del tiempo de la película y la dependencia de los armenios de los
minutos que pasan hasta su eventual y tan esperada muerte. Al explorar dos
eventos traumáticos que han definido la región uno al lado del otro, la película de
Vandeweerd crea un flujo dinámico y exhaustivo de temporalidad,

***

Cuando nos referimos a la película de ensayo, a menudo pasamos por alto cuán
variada puede ser esa forma. Los cineastas de ensayo han lidiado durante mucho
tiempo con una variedad de enfoques estilísticos; incorporando y absorbiendo
metraje encontrado, documentos, textos, imágenes, escuelas de pensamiento,
investigaciones filosóficas y más, creando nuevas formas que a menudo son
complejas, dialécticas y multifacéticas, al igual que sus equivalentes en papel.
Aunque el trabajo de Vandeweerd encaja claramente dentro de la vena del cine de
ensayo, muy bien podría apuntar a un nuevo modo debajo de ese paraguas; uno
donde el trauma tácito se imparte a través de medios menos tradicionales y se
complementa con otros textos, que incluyen ejercicios formales, diseño de sonido y
música, un aparato en constante cambio y evolución que busca impartir el
funcionamiento a menudo invisible del alma.

1. Citado en Andrew Northrop. "Encuentros poéticos: una discusión con Pierre-Yves Vandeweerd".
MUBI. 05 de septiembre de 2017. Consultado el 13 de enero de 2019.
https://mubi.com/notebook/posts/poetic-encounters-a-discussion-with-pierre-yves-vandeweerd .

2. El rebaño de ovejas que se ve en la película fue propiedad del mismo Vandeweerd durante la
filmación. Se trasladó a la región de Lozère durante tres años para vivirla plenamente, ibíd.

3. ibíd.

4. Vivian Sobchack. La dirección del ojo: una fenomenología de la experiencia cinematográfica

. Princeton, Nueva Jersey: Universidad de Princeton. Prensa, 2009.

5. Virilio, Pablo. Guerra y cine: la logística de la percepción. Londres: Verso, 1989.

Etiquetas
Pierre-Yves Vandeweerd / Exhibiendo

Ningún comentario... hasta ahora

regístrate para añadir un comentario nuevo.

CARACTERÍSTICAS ANTERIORES

PERROS DE RESERVA Directed by QUENTIN TARANTINO VER AHORA