Tema 3. Entre la industria y el arte.

El
retrato. Fotografía y arte. La fotografía
documental.

La fotografía se podía usar para hacer retratos, es algo que demanda la gente. En esta época tenías
que recurrir a alguien para que te hiciese las fotos, no como ahora que todo el mundo se las hace. La
industria pone a tu mano los medios.
La fotografía entra en el campo de la de producción visual, como la pintura, tiene gran impacto.
Hay un antes y después en la invención de la fotografía. Dialogo entre dos dominios que parecen ser
distintos se establezca, el dominio del arte y el domino de la fotografía.
Finalmente la función principal de la fotografía es una máquina que registra las apariencias del
mundo, y que por tanto es introducir la categoría de lo que se llama la documentación visual, la
imagen como documento. La fotografía nace como un registro de la realidad. La fotografía tuvo
como actividad primordial ser un instrumento de registro, de documento de la multiplicidad de la
realidad en sus múltiples y variadas facetas.
El retrato era una función que era lógica que se podía desempeñar, aunque no fue fácil en los
primeros años, pero era todas las posibilidades para convertirla en una actividad remunerable, en un
negocio, en una industria. Eso no elimina, empequeñece que no se considerasen fotógrafos los que
se dedicaban al retrato.
Lo primero que hay que superar es la dificultad de unos procedimiento caros y lentos con resultados
poco prometedores, aunque el daguerrotipo sí tenía muchas papeletas, muchas opciones para cubrir
esa demanda. El problema del daguerrotipo no era la calidad de la imagen. Primero el tiempo de
exposición, que era muy largo, eso obligaba a mantener unas posturas muy rígidas, los fotógrafos
recurrían a algunos artilugios para hacer que el modelo
se mantuviese en la misma postura, como la mesa de
pose. Debía ser una tortura posar para un fotógrafo.
Fue objeto de crítica y burla por parte de otras
personas, como los que hacían caricaturas. H.
Daumier, “Fotografía. Nuevo procedimiento empleado
para conseguir poses graciosas”, Le Charivari, 1856.
El daguerrotipo podía
suponer una mejora en
eso, en cubrir la
demanda social, pero no
era barato, estaba al alcance de gente con posibilidades
económicas, la burguesía. De hecho, si vemos la estampa
del Salón Daguerriano, o el salón del Barón Gros (1850-57), vemos
que las fotos se colocan como cuadros, en interiores muy bien
decorados, lo que muestra que no era una cosa popular.
2
 La presentación del daguerrotipo era similar a lo que vemos en la imagen, lo
habitual es mirando directamente a la cámara, pose rígida, (A. S. Southworth y J.
J. Hawer (atr.) John Brown, 1856). Se muestra la personalidad del retratado. La
presentación con un marco dorado, material noble, terciopelo. Se parece a como
se presentaban las miniaturas. Tenían que tener cuidado, guardarlo bien, no
tocarlo porque se marcan las huellas y se ralla con facilidad. A. S. Southworth y
J. J. Hawes, Lemuel Shaw, c. 1850. Se puede ver la
calidad de la imagen en cuanto a detalle, resolución es
bastante notable. El daguerrotipo como
imagen monocroma, imagen fotográfica tiene
unas características de perfección fotográfica
lograda casi desde los orígenes. J. B.
Sabatier-Blot, Retrato de su mujer e hija,
1850.
Estudios
de
retrato en varias ciudades, en
principio americanas. Se establece
gente con daguerrotipos que
quiere hacer retratos. Es un
campo que tiene objeto de estudio, ha pervivido bastantes
ejemplares. Dentro de sus limitaciones, el primer
retrato viable fue el del daguerrotipo. A. Bon Le Blondel,
Hombre junto al lecho de muerte de su hijo, 1850. Esto se hizo bastante, retratar a los fallecidos (no
se movían). Es más habitual el retrato directo del difunto.
En el calotipo, fotografía en papel, los resultados no eran tan satisfactorios.
Hay quien estableció estudios de en papel, negativo papel. No tuvo tanto
éxito comercial. Un ejemplo que confirma la regla son las fotografías que se
consideran retratos hechas por D. O. Hill y R. Adamson. Realizan Lady
Ruthven, 1845. David Octavio Hill era un pintor, le encargan un retrato de
grupo en una iglesia escocesa. Como era un grupo muy numeroso, y tenía que
hacer muchos retratos individuales, contactó con R. Adamson, que era
fotógrafo, para hacer los retratos, como estudios preparatorios para el
resultado final. Se decantaron por usar el calotipo. Hicieron retratos de estos señores y siguieron
haciendo retratos, de personajes de la ciudad, de los pescadores y sus mujeres.
Se considera una especie de primitiva presentación social, pero no son fotos con
intención social, más bien de tipo pintoresco. Como el calotipo tenía problemas
empezaron a hacer fotos. La luz sirve para que el procedimiento pueda captar
cierto detalle, pero las sombras son muy
problemáticas, no están matizadas (en el
daguerrotipo sí), son contrastes muy fuertes.
entonces aprovecharon las dificultades de la foto
sobre papel. Hicieron fotos en el exterior.
Aprovecharon el fuerte contraste de luces y sombras. También realizan
Retrato de James Linton, junio 1845, uno de los pescadores del puerto.
Lo que está iluminado se ve con detalle, textura, la sombra no son
transparente para dar detalle. Como hay un precedente pictórico de
2
estos recursos, Caravaggio, Rembrandt, encuentra una explicación artística a estos retratos.
Pescadoras de New Haven, 1845. Cuando Adamson muere Hill no vuelve a hacer fotografías. Esto
queda más o menos en el olvido. A finales del XIX se reivindica como un antecedente de la
fotografía artística, hablamos en una dicotomía que se mantiene durante mucho tiempo. El detalle,
realismo, resolución es algo muy mecánico, automático.
Eso unido al papel iluminado, abubilante??, características parecidas al daguerrotipo y la
posibilidad de usar lo positivo y negativo, por lo que se pueden hacer copias. Eso supone un empujo
bastante fuerte, para el mercado del retrato fotográfico. Es a partir de la segunda mitad del XIX
cuando aparece el fotógrafo retratista y el estudio de fotografía dedicado fundamentalmente al
retrato. Comercializado con cierta escala y con precios cada vez más asequibles. Contando con la
ventaja que el colodión permitía tiempo de exposición más reducido. No eran fotografías
instantáneas, pero eran fotografías que se movían en tiempos racionables. Se convierte en un
magnifico negocio. Los fotógrafos empresarios se convirtieron en auténticas celebridades. Es un
fenómeno que se conoce por todo el mundo. El que está estudiado como modelo es el que se da en
el París del II Imperio.
El taller de Nadar es el más conocido, colocado en una de las calles
de moda de París de la época. Félix Nadar, Atelier del 34 Boulevard
des Capuchinos, 1860. Es conocido por la primera exposición
impresionista, que se hace aquí. Era una firma comercial bajo el
nombre del jefe del taller, del fotógrafo. en la parte superior hay un
gran letrero, como la firma, era la firma que ponía en las fotos, era un
letrero luminoso. Era un trabajo que tenía las dos caras, por un lado
presentarse al público como una actividad elevada de tipo artístico, al
mismo tiempo es una actividad comercial.
Discéri, estudio de retratos en el Segundo
Imperio, 1865, imagen de Giuseppe Verdi.
Los
retratos se hacen delante de decorados
teatrales,
Olimpio
Aguado,

autorretratándose en el estudio, 1855. Son unas

fotos que necesitan bastante aparato,
preparación. Cumplen la función aunque sigue habiendo bastante
oposición. Marcelin “A bas la photographie!!!”, Journal Amusant, 6
sep 1856. Todo esto aparece en torno a una serie de características,
primero los estudios de retratos son empresas, firmas de moda, su
importancia se mide por los modelos, los modelos célebres, famosos,
porque obviamente, primero el retratista que hace estos retratos es una
gran publicidad, la gente importante se retrata en su estudio. Se pueden
hacer copias, se exponen en los estudios, como publicidad. Los retratos
tienen un tratamiento diferente. Si el personaje es importante, el fotógrafo tiene cierta familiaridad,
pertenecen al mismo grupo social.

2
 Estos retratos siguen siendo caros. Son caros
porque tienen grandes cámaras, con placas de
vidrio de gran tamaño. Luego está el tratamiento
del retrato, hay dos tipos, uno por ejemplo donde
Nadar es un maestro es el retrato más simple, el
modelo se coloca delante de un fondo negro, por
ejemplo Nadar, Sarah Bernhardt, 1860, cubierta
con paños, columna, imagen de la antigüedad
clásica, otro ejemplo es el de Eugène Pelletan,
1855-59, donde aparece simplemente en un
fondo neutro.
Algunas de las fotografías con luz artificial, como la que realiza en las
Alcantarillas de París. A él se deben las primeras fotografías aéreas,
se sube a un globo, y realiza vistas de París. Caricatura donde aparece
Nadar elevando la fotografía, Daumier.

Empieza a arruinarse, alquila los bajos del estudio. Luego dejo la fotografía, y fue representante de
Kodak.

Hay otros más que pensaba cómo expandir el invento y

abaratarlo. Se les ocurrió aprovechar la placa al
máximo, se inventó una cámara llamada Cámara
tarjeta de visita, se llama así porque al dividir la placa
en cuatro porciones se
reducía el tamaño y tenía
tamaño de tarjeta de visita.
En vez de una lente coloca
cuatro, el chasis era deslizante, metía primero media placa, lo movía y
metía la otra media. Se podían hacer cuatro fotos, se hacia una copia en
papel, se revelaba y se cortaban. Se hacían poses diferentes, invento del
tebeo de este fotógrafo llamado Disdéri, se
dice que arruinó a los demás fotógrafos. El
formato era muy pequeño. Panel de tarjeras de visita y ferrotipo, 1861-
65. El tamaño era reducido, aparecían de cuerpo entero. Se abusa más
del atrezo. La gente iba a hacerse un retrato, iba a actuar.

2
 Los retratos se hacen dentro de
estudios, se recrean espacios con
los escenarios, aparecen en
distintos espacios. Es raro hacer
retratos al aire libre. Era
complicado trasladar todo fuera
del estudio. Sociológicamente,
además del valor fotográfico,
tienen históricamente un valor
muy notable. Por muchas razones,
primero porque son un ejemplo
para conocer a los personajes de la
época, por ejemplo el retrato de Baudelaire, por E. Carjat, 1861-62. Fotografías más de actuación,
performance, como la Condesa de Castiglione y su hijo, de L. Pierson, 1864. La señora actúa
haciendo cosas. Retratos de los mismos fotógrafos, como el autorretrato de Adam-Salomon como
artista, 1860.

El retrato comercial, realizado por fotógrafos profesionales, retratistas. Lo que no se puede aprender
es el sentido de la luz, cómo captar la personalidad, la fotografía introduce entra las clases elevados
un fenómeno que se hace importante, es la fotografía amateur. Fotografía que no es consciente de
sus propias posibilidades. No es técnicamente perfecta, no tiene un buen grado de capacitación
técnica. Se pueden dar los dos casos. La capacitación puede ser obviada si tienes algo de tipo
artístico. La fotografía no requiere una capacidad muy grande, como puede ser la pintura, esto
desemboca en lo siguiente, en fotógrafos que no tiene como actividad como medio de vida el
retrato, no están sometidos a los modelos establecidos, y son capaces de arriesgar más en cuanto
expresividad, etc. Se mueven en diferentes medios pero que tienen en el retrato un medio
privilegiado, hay algunos casos conocidos del XIX que forman parte del canon de la fotografía.

2
 Un ejemplo es Julia Margaret
Cameron, J. F. W. Herschel, 1867.
Hace un trabajo fotográfico como
corresponde en cuanto corresponde
a los roles de genero de la época,
limitado al ámbito familiar, sin
embargo sus fotos se venden en el
Londres de la época. Dos tipos de
fotografía, o bien son retratos o bien
son escenas compuestas con figuras,
personajes de contenido más bien
alegórico o de recreación de temas
literarios. Lo más apreciado son los retratos. Forma parte de esa línea de
fotografía que se etiquetó como antifotográfica, siendo el canon el
detalle y realismo extremo. Tiene una peculiaridad, usando lo más
moderno, el colodión, sin en embargo rechaza conscientemente sus
posibilidades. Se dice que se hace sin cuidado, con placas arañadas, sin
colodión, no quiere potenciar la resolución, la nitidez, más bien lo
contrario. Desmaterializar el medio, dar un tono espiritualista. Utilizaba
unos tiempos de exposición muy prolongados, acercaba la cámara
mucho al retratado, y usaba conscientemente un efecto de desenfocado.
Junto a una iluminación muy contrastada, donde las sombras son
profundas y densas, con la consecución de efectos similares a lo que él
llamaba de Rembrandt, claroscuros. Ella después se traslada a la India. La foto favorita de toda mi
obra, mi sobrina Julia, abril 1867. Fe, 1865. Dos fotos muy significativas. Efecto de desenfocado,
para dar importancia al centro.
Lewis Carrol desde un punto de vista amateur, realiza Alice Liddell
como mendiga, 1860. Tuvo entre sus aficiones la fotografía. Sus
fotografías tienen características que lo acercan y lo separan de Cameron.
Muy amigo de Emerson, quiso aprovechar las posibilidades que las
tecnologías fotográficas le daban. Los modelos posan para la ocasión,
estudio de personalidad a través de
las niñas. Representación de la
pureza de las niñas, o el aspecto
perturbador, cercano a lo pedófilo.
Forman parte de cómo la fotografía
de retrato pudo hacerse esta parte
importante a través de la visión
particular hecha sin limitaciones, por parte de fotógrafos
aficionados.

Llegamos a la complicada relación entre fotografía y arte. Cuando la fotografía irrumpe en el

panorama artístico de la época. Se puede ver la postura de Delacroix que la fotografía no competía
con la pintura, era una práctica que podía tener utilidad con la pintura, como un estudio. Es falsa a
costa de ser tan verdadera. Este planteamiento fue bastante persistente, en algunos casos se pudo
llegar a una virulencia de las posturas. Cómo integrar la fotografía en el campo de las artes. Pecado

2
porque era un medio mecánico. ¿Cómo se integra? Cómo se muestran las fotografías en general. La
fotografía impresa. Se fundan sociedades, clubes, como el Club Del Calotipo, la Sociedad Francesa
de Fotografía, etc. Apreciación de intelectuales, como Baudelaire. Todo ello fue un trabajo, una
cuestión que fue planteándose a lo largo del siglo XIX.
Odalisca, 1840. Estudio de desnudo
masculino, E. Durier, en calotipo.
Estudios de Durier. Estudios de
Villenueve,
estudio de
desnudo
femenino.
A. Braun, El
castillo de Chillon, el
cuadro de Courbet.
Fotografía imita a la pintura. De qué
forma la fotografía influye sobre la
pintura, proporciona datos visuales
que el artista debe conocer y plantear,
elaborar. Unos lo reconocían otros lo
ocultaban.

2
Otra cuestión es ver como la fotografía puede utilizarse de forma
consciente pero aprovechando sus posibilidades, sus propios recursos,
en este caso es un tipo de visión fotográfica que depende del
procedimiento usado, tiene relación con la pintura coetánea. Influye
sobre la pintura coetánea. Por ejemplo, el calotipo es un procedimiento
tosco, primitivo, donde las
sombras son opacas, contraste
fuerte, detalle solo en zonas
iluminadas, pero se puede usar
conscientemente eso. Hay una
escuela de calotipistas franceses que fueron conscientes
de estas posibilidades, y jugaron con ellas. El calotipo no
puede ser un espejo de la naturaleza, sino que depende de
decisiones que toma el fotógrafo (encuadre, luz…), el
detalle tiende a ser eliminado. Se presenta una visión de
la naturaleza que tiene esa posibilidad que tiene de ser una
visión directa de la naturaleza. G. Le Gray, Roble y
rocas, bosque de Fontainebleau. Le Gray, La gran ola,
Sète, 1856-59. Las placas no podían detectar el
movimiento. Fotos como esta donde vemos las olas
rompiendo en la orilla, nubes con luces, era impensable al
principio, pero Le Gray lo consiguió. Reveló que era una
especie de truco, una copia combinada, dos tomas
diferentes, una para la parte de arriba y otra de abajo, un
fotomontaje. Coincidía con la imagen romántica de los
nocturnos, marinas. Finalmente hay un aspecto que lo so
fotógrafos fueron consiguiendo. Fue conseguir dar una impresión de movimiento, captación del
momento. Posar durante tiempo en una postura que parecía natural, tiene cierto carácter de
espontaneidad. Lo consigue Louis Adolph Humbert de Molard (Los cazadores, 1851) y Charles
Nègre, Los deshollinadores, 1852. Inspirado en las estampas de tipo costumbrista. Efecto resultante
de instantánea. La instantánea no se conseguirá hasta muy finales del XIX.

2
Había otra forma de darle la vuelta a la fotografía para darle un aspecto artístico. Es la más
artificiosa, pero que de alguna manera tienen una característica que es la siguiente, igual que ocurría
con Cameron es una forma de desmaquinizar la fotografía, por medio de manipular mucho la
fotografía. En cierto modo tomar como modelo directo la gran pintura académica, la pintura
tradicional. La fotografía purgaba su pecado original, ser una forma puramente mecánica. Hay una
corriente que sobre todo es conocida en su práctica, en su modelo, en Inglaterra, alrededor del siglo
XIX, décadas centrales, encabezada por el fotógrafo sueco llamado O. G. Rejlander, que presentó
una exposición en Manchester, esta fotografía, The Two Ways of Life, 1857, que tuvo gran
repercusión, captó la atención de la reina Victoria y el rey Alberto, gran aficionado a la fotografía.
Era una foto que presentaba una escena muy elaborada donde un anciano aparece en la parte
central, entre dos hijos que van a seguir cada uno su camino en la vida. Modelo de la pintura
académica, atiende a los cantos de cisnes de la vida del vicio y diversión, mientras que el otro
atiende al camino de la virtud. Las figuras aparecen delante de un escenario, llama la atención la
cantidad de figuras, algunos desnudos femeninos que provocaron escándalo. En la pintura no estaba
tan mal visto, pero aquí sí. Se parece a la Escuela de Atenas de Rafael. Se parece también a las
imágenes que se hacían en los salones pictóricos académicos, como Los romanos de la decadencia.
Podemos observar que teniendo en cuenta las posibilidades de la fotografía, podemos pensar que el
fotógrafo ha actuado como sin pensar, colocando figuras, pero hay una composición, una
elaboración muy minuciosa, con gran cantidad de elaboraciones parciales y complementarias, igual
que un pintor académico.
Como dijeron los juristas de la fotografía, la fotografía se toma y la pintura se compone. Aquí la
fotografía se compone, en el sentido más estricto del término. Es una escena literaria que tiene un
contenido de tipo moral. Es una imagen que responde a la imaginación del autor. Él tiene que dar
forma visual. Los pintores llevaban tiempo haciendo eso, dar forma visual a un contenido historio,
alegórico, de tipo moral. Las referencias que busca eran de esa tradición. Tenía similitudes con las
obras que presentaban los pintores en los salones académicos. La habilidad artística contenía en el
dominio de la composición. Esto lo hacen a través de un proceso de imágenes combinadas, una
técnica de laboratorio, imágenes fotomontadas. Se habla de imágenes combinadas, no de
fotomontaje. Igual que los grandes academicistas, aquí se hacía lo mismo, pero fotográficamente.

2
Este fue el tipo de fotografía que tuvo mucho predicamento durante el XIX como fotografía
artística. No en todos los sitios, es algo típicamente inglés, también tuvo su repercusión a lo largo
del tiempo. A diferencia de otras propuestas fotográficas con intención artística, como los calotipos
o del no aprovechamiento de las posibilidades del colodión con la nitidez, aquí sí son fotos hechas
con todas las ventajas que proporciona la tecnología fotográfica. La diferencia es que esas
características están ligadas a una idea literaria o alegórica. La crítica de esta fotografía procedente
del purismo fotográfico. Los purismos tienen menos interés, luego son reivindicados. Tuvieron un
papel muy importante en los intentos de dignificar la práctica de la fotografía como actividad
artística. En algunos casos usando procedimientos que tienen que ver con el montaje, pero que son
más puristamente fotográficos, por ejemplo, en la foto Tiempos difíciles, 1860, de Rejlander. Doble
exposición, más de una exposición en la misma placa sensible. Se puede jugar con expresar
fotográficamente algo así como el paso del tiempo o la superposición de diferentes estados. Se
puede hacer también colocando dos negativos
distintos, revelándolos al mismo tiempo.
H. P.

Robinson fue otro fotógrafo importante de la época

de Rejlander. Seguía unos criterios similares. El último suspiro, 1858. Con contenido moralizante,
un interior con tres mujeres y un hombre asomado a la ventana. Combinación de imágenes. Este
recurso lo usa Robinson para hacer fotografías que representan escenas al aire libre. Al mismo
tiempo en que los pintores pintabas a plein air, los fotógrafos reproducían la naturaleza en el
estudio. En los retratos a base de decorados y atrezos. Fiesta en el bosque, junio 1860.
Reconstruían basándose en negativos fotográficos que recomponían. Para comprobar que es un
artificio nos fijamos en como las figuras están
recortadas, colocadas en la escena. Estudios para una
composición, 1860. Se ve como el dibujo se mezcla
con las fotos. Fotos
recortadas y llevadas al
papel positivo. El
fotógrafo elabora una
imagen.
La fotografía se plantea
la dicotomía en gran
medida falsa entre arte
y documento. Se entiende que la fotografía tiene un carácter documental, una característica
utilitaria, es distinta a los fines independientes, autónomos, del arte. La mayor parte de los
fotógrafos veían la fotografía como documento, un increíble instrumento para dar registro de todo
lo visible. Dar cuenta de un hecho, un lugar, para mostrarlo al mundo. El daguerrotipo, un medio
muy fidedigno, parecía que tenía esa competencia como una de sus competencias mas notable.
Colocar la cámara desde un punto de vista y desde ahí hacer una foto con todo lo que la cámara

2
podía abarcar. Aquellos calotipos y daguerrotipos son muestra de una costumbre habitual en los
primeros años de la fotografía.
F. Von Martens, Panorámica de París, El Sena, la orilla izquierda y la Île de la Cité, 1845. aquí
se intenta ampliar esto, posibilidad de hacer un panorama lo más amplio posible, una panorámica,
casi 180º. Esto se podía hacer colocando la cámara y haciendo varias

tomas y luego enlazándola. O bien como hizo Von Martens, con una cámara panorámica, que tenía
un radio de acción, se movía por un ángulo. La fotografía tenía como competencia dar un punto de
vista amplio, o bien podía también centrarse en lo pequeño de manera profundamente óptica, con
saturación de lo real. Imagen de una mano, no he copiado el nombre.
Southworth y J. J. Hawes. Marca en la mano del capitán J.W. Walker, 1845
G. N. Barnard, incendio en los molinos Ames, Oswego, 1853.
Es un daguerrotipo coloreado, para que se vea el incendio.

2
La cuestión de que la fotografía va realizando lo que puede hacer de acuerdo a las posibilidades que
tiene. Hablamos de la primera mitad del XIX, una demanda que tiene su origen en el XVIII, es
conocer los grandes monumentos y grandes obras de arte de la antigüedad o mundo clásico. El viaje
de formación. Son los artistas los primeros que viajan para su
formación artística, luego entra dentro de la formación del
caballero ilustrado. Se llama Grand Tour. Los que lo hacían
se traían como recuerdo grabados, dibujos, pinturas. Eso era
algo que la fotografía podía cubrir, siempre que se
solventasen problemas. Podía hacerlo como lo hacía la pintura,
como una imagen única, o como el grabado, con una imagen
reproducida. El
daguerrotipo tenía el
problema que podía hacer imagen única, no múltiple. De
todas formas se intentó. Las
excursiones daguerrianas,
emprendidas por Lerebours, que
junto con otros fotógrafos
hicieron fotos de monumentos
destacados, sobre todo
de la cuenca
mediterránea. El
problema es que el daguerrotipo no se puede reproducir. N.
P. Lerebours, San Pedro y Castel Sant Angelo, Roma,
1841. También vemos lo que se vendía como imagen que
originalmente era una fotografía. Grabados que se hacían
basándose en fotografía. Esta demanda que existía, que intentó cubrirla
el propio Talbot, siguió en estas décadas del XIX, fotografías tomadas en papel. Hablamos de la
época del historicismo romántico, necesidad de documentar los grandes monumentos del pasado,
que ya no son solo los clásicos, sino los medievales, documentos históricos. Misión heliográfica.
esto estaba organizado por la comisión de monumentos históricos. Comisionaron a una serie de
fotógrafos a recorrerá Francia haciendo fotos de monumentos notables. Eran fotos en papel,
fotoquímico, no foto impresa. Con esto, muchas cosas, por medio de reproducción fotografía se
ponía al alcance de más gente. Viaje al mundo desde el sillón. Por ejemplo E. Baldus, Maison
Carrée en Nimes, 1855. El cielo sale como una superficie plana, ayuda para dar imagen abstracta,
como un dibujo de la luz. G. Le Gray, A. Mestral, Las murallas de Carcassonne, 1851. La
fotografía tiene una función. Esa función se extiende a lugares más lejanos. Algunos considerados
arqueólogos, oscila entre la documentación científica, y una visión pintoresca, romántica, a veces
dramática, muy imaginativa. Incluso esas fotos más románticas, imaginativas, tienen su valor
documental. En la década de 1850 aparece el descubrimiento por parte de la fotografía del Oriente.
Expediciones fotográficas que recorren Egipto, Siria y Palestina. Reproducción de los monumentos
del Antiguo Egipto, no se conocían en Europa salvo descripciones griegas de la antigüedad hasta la
expedición de Bonaparte. En principio era en grabado, pero la fotografía va a dar un carácter más
real, más documental. Hay una serie de fotógrafos que trabajan en esta zona. Dejan algunas
muestras notables de carácter pionero de este tipo de fotografía. Uno de ellos es Maxime du Camp.
Coloso del templo de Ramsés II en Abu Simbel, 29 marzo 1850. El procediendo exigía tomar las
fotos a pleno sol, también la luz de Egipto ayudaba a que las fotos tuvieran mas calidad.
Encontramos fotos como la del coloso. Se coloca un nativo para ver el tamaño.

2
 J. B. Green, Orillas del Nilo en Tebas, 1854. Punto de vista paisajístico, la
fotografía en papel contribuye a la visión solada, con arena.
F. Teynard, Tumba de Amenemhat,
Beni Hasan, 1851-52. Fuertes
contrastes de luz y sombra producido
por el calotipo. Las sombras eran
muy oscuras, no se ve el detalle, lo que importaba era la
posibilidad de hacer fotos.
A. Salzmann, Jerusalén, escalera
antigua tallada en la roca, 1854. Es
más arqueológico. No es gran
monumento, se fijan en texturas,
detalles constructivos. Tenía una especie
de orientación, de tipo arqueológico
científico. Obviamente esto, en seguida se
convierte en fotografía de vistas y de
monumentos para consumo turístico.
F. Frith, Las pirámides de Dahshur desde
el este, 1858.
Hay empresas que se dedican a fotografiar monumentos, obras de arte
que luego publican en forma de libros fotográficos, o venden las fotos
de forma individual. No solo por el turismo, sino para el estudio, como
la HDA. Ejemplo Frith, que tiene una empresa que se dedica a esto.
Imágenes documentales, con toque turístico. Fratelli Alinari, el
pórtico de los Uffizi y el Palazzo Vechio. Tiene su origen en unas
expediciones más o menos heroicas a lugares lejanos, y que luego se va
normalizando. Esta será una función de la fotografía, que va a ser cada
vez más demandada. Hermanos Bisson, Ascensión al Mont Blanc.
Hermanos franceses en un glaciar. Lo más típico de la fotografía como
instrumento que acompaña a la expansión colonial europea. Ferrocarril,
trazar aminos ferroviarios, para la explotación de territorios, la
fotografía acompaña esto. Puede ser primitivista, de
salvajes como se decía en la época, o de civilizaciones
exótica.
Samuel Bourne, paisaje del Himalaya, 1863,
fotógrafo inglés.

J. Thomson, La calle de la Física en

Cantón, 1870, en China. Imagen de una
tienda laboratorio, un atienda de campaña
con el laboratorio fotográfico, un fotógrafo
en el exterior con su cámara. Estaban

2
obligados a llevar esto, lo cual dice mucho a favor de las condiciones tan
difíciles en que realizaron ese trabajo, en algunos casos peligrosas y
heroicas. El fotógrafo tenía que ir con el laboratorio. Una de las cosas que
podía hacer era cubrir un acontecimiento. Esto con el tiempo a partir de los
años 20 del siglo XX, un fotógrafo acuña el término fotoperiodismo, esto no
es fotoperiodismo, pero es su antecedente, el
fotógrafo cubre una noticia, da testimonio
de ello con imágenes. Hay antecedentes
desde los comienzos de la fotografía de
fotógrafos que van a cubrir estos
acontecimientos, fundamentalmente los
conflictos bélicos, o los acontecimientos
extremos de tipo revolucionario, barricadas
en la revolución del 48 en París. R. Fenton,
El valle de la sombra de la muerte, 1855.
Con Fenton se da la circunstancia de un
encargo de un editor de estampas, que lo
envía a Crimea, a la guerra. La guerra estaba
siendo cubierta por William Russell, corresponsal de The Times, 1855. Por
el telégrafo enviaba crónicas. El periodismo como lo conocemos depende
del acontecimiento que no pase mucho tiempo, el telégrafo lo permite,
cierta cercanía, instantaneidad, la fotografía lo permite desde un punto de
vista, de otro no. Por un lado, el fotógrafo está ahí, lo ha visto de cerca.
Usando la albumina, se podían hacer copias, pero llegaron tarde, y no
tuvieron éxito. Luego estaban las limitaciones del procedimiento. Había
que hacer fotos del después, del momento posterior, no plena batalla. En El
valle de la sombra de la muerte se ven bolas de cañón, imagen de
desolación. Imágenes de la retaguardia, como el Puerto de Balaclava, de
Fenton. O bien retratos de grupos de oficiales, como el retrato de Willian H. Russel, de Fenton
también.
Felice Beato, interior del Fuerte
Taku inmediatamente después de
su captura, 1860. Consecuencia
de después de la guerra, se ven
los muertos, composición
fotográfica con cadáveres, se
sabe que a veces los colocaban
para crear la composición.
Empieza una trayectoria que
comienza con esto, fotografiando cadáveres en la guerra, y termina
con noseque. Mathew Brady, El presidente Lincoln en Shapsburg,
1862. Brady organizo una empresa cuya competencia era seguir la
campaña bélica, no tuvo éxito. Es una guerra más sistemáticamente fotografiada. Las fotos son
difíciles de dar autoría, en principio Brady empleaba una serie de fotógrafos, estas otros se venden
en libros también.

2
 Timothy O’Sullivan,
Cosecha de muerte,
Gettysburg, 1863.
Composición muy pensada.
El punto de vista bajo y el
fondo hacia arriba, neblina
al fondo, ayuda a crear la
sensación que quiere dar el
fotógrafo. George Barnard, Ruinas de Charleston, 1865-66.
Gardner, ruinas de los molinos de harina Gallego Richmond,
1865.
Anónimo, Soldados en una
barricada, 1871. Conflicto bélico
muy fotografiado fue la Comuna de París. Los fotógrafos no se tienen
que trasladar tanto. Vemos varias cosas.
Fotos de muerte en sí, con Disdéri,
Communards, fotos de cadáveres.
Fotografías impresas como
tarjetas, y manipuladas,
como Asesinato de
rehenes en la prisión de la
Roquete, de E. Appert.

2
T. O’Sullivan, Antiguas

ruinas en el cañón de Chelly, 1873.

Otro episodio bastante estudiado fue
el de las expediciones fotográficas con fines científicos. Al oeste
americano. Grupos fotográficos. Expediciones oficiales de tipo
geográfico. Con el colodión, paisajes de zonas poco conocidas,
inexploradas. Son una parte importante, basada en una especie de culto
a los monumentos naturales. A consecuencia de estas expediciones de
fundan los primeros parques naturales. A estas expediciones tenían
como finalidad control y dominio del territorio. Una idea muy
romántica en casi todos estos fotógrafos, enfrentarse a la grandeza de la naturaleza, en la estela del
sublime romántico, ello lleva aparejado el uso de cámaras de gran formato por lo general. En una
época en la que no era corriente lo que llamamos la ampliación fotográfica, las copias se hacían por
contacto, por lo que tenían el tamaño de la placa. Usan también cámaras esteroscopicas, que luego
se vendían para ser vistas por los esteroscopicos. Estas cámaras eran más pequeñas y manejables,
más rápidas. William Henry Jackson, Parque Nacional Yellowstone. W.H.Jackson con su cámara
de 50x60cm fotografiando Pueblo Zuñi, Laguna. W.H.Jackson, La garganta de la cascada, 1890.
Las fotografías más conocidas son las que responden a la grandeza, lo sublime. Yo-wi-ye o
cataratas nevada, C. Watkins, 1869. Responde a este prototipo de lo sublime romántico.
Muybridge, Cataratas en el Yosemite, 1872, coloca una pequeña figura contemplando el paisaje,
como en los paisajes románticos.
Asociado al trazado del ferrocarril transcontinental. Gardner,
vista cerca de Fort Harker, Kansas. O Russell, El encuentro de
los raíles en Promontory Point.

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Charles Marville, Impasse des Bourdonnais, 1860. La fotografía,
la ciudad y las nuevas tecnologías de construcción. Lo que se llama
las nuevas tecnologías de construcción. Tiempos del
establecimiento de la genealogía, el movimiento moderno, el
hierro, cristal, hormigón armado, todo eso está muy documentado.
Visión que los fotógrafos
hicieron. De este fenómeno. Se
suele hablar de la existencia de
una sintonía bastante estrecha
entre los dos campos. Se basa
en que hablamos de dos
tecnologías modernas y esa
sintonía se basa también en que
la construcción en hierro y
cristal de materiales crea unos
espacios de carácter inmaterial,
donde la luz tiene un papel
importante, forma como la
fotografía hace la imagen,
construye la imagen. Se aplica a
modelos franceses. Uno está
relacionado con la transformación
de París por Napoleón
III, con Haussmann.
Tiene como
consecuencia el derribo de una gran parte de la
ciudad antigua. La fotografía registra ese proceso de
cambio en la ciudad. Destrucción de la ciudad
antigua, y que ahora es un obstáculo y debe ser
demolida. Por criterios de higienización, las aguas
residuales van por fuera, etc. En realidad esas
reformas se
financian sobre
la base de una
revalorización de los
terrenos. Estas
fotografías permiten
confrontar el antes y el
después. Por un lado una imagen muy romántica, sugerente,
misteriosa, y junto a ello el registro de transformación de la
ciudad. Vemos el trazado en Panteón antes y después de la
remodelación, C. Marville, en Rue Soufflot, 1860. Junto a
ello tenemos la arquitectura de los ingenieros, estableciendo
cierta dicotomía. Dan registro de edificio dedicado a la
exposición de productos, que tenían a veces carácter efímero, como la Galería superior del Crystal
Palace, Philip Henry Delamotte, 1853. Capacidad de enfatizar los prodigios estructurales, como se
ve en la Galería de máquinas de la Exposición Universal de Paris, 1889, Louis Emile Durandelle
y Chevojon. Consecuencia fotográfica de la construcción de la Torre Eiffel, de los mismos
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fotógrafos. Se registraron los trazados de ferrocarril. Los puentes y viaductos, como el de Auguste
Collard (fotógrafo). La fotografía era importante para documentar todo esto. Construcción del
Great Eastern, 1855, Robert Howlett, el barco de vapor más grande de la época.