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LA MEJOR Solo necesitaras

29 de octubre del 2010, www.fotografíaXXI.com

una cámara
revista sobre lo que
debes de saber de
fotografía

Como crear
grandes Aprende un poco
efectos de su Historia
Poses, luz, Se un gran
maquillaje, fotógrafo
procesos antes de en unos cuan-
tomar fotos tos pasos

Conoce los mejores


$30.00 pesos

Estilos fotograficos
2 www.fotografiaXXI.com
SECCIONES
Historia #4

Retrato #5

Paisaje #9

Still life #13

Efectos fotográficos #18

-congelado #19
-enfoque selectivo #20
-efecto panning #21
Historia...
La Historia de la fotografía es la rama de la historia que estudia todos los aspectos relacionados con
las imágenes fotográficas: procedimientos, inventores, fabricantes, autores de las fotografías, visión artís-
tica y documental, progreso técnico y evolución estética, aplicaciones, comercialización y consumo de im-
ágenes fotográficas, difusión en otros medios de comunicación, conservación en museos y colecciones.
A principios del siglo XIX, en el año 1816, el científico francés Nicé-
phore Niepce obtuvo unas primeras imágenes fin 1839 Louis Daguerre hizo
público su proceso para la obtención de fotografías sobre una superficie de
plata pulida, que denominó daguerrotipo. Resolvía algunos problemas téc-
nicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos necesarios
de exposición. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard
y William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado
por Fox Talbot obtenía negativos sobre un soporte de papel, y a partir de esos negativos positivaba copi-
as positivas, también en papel. El procedimiento negativo-positivo de Talbot se llamó calotipo o talbotipo.
Inicialmente el daguerrotipo era mucho más popular, ya que era muy útil para obtener retratos. Es-
tos “retratos al daguerrotipo” empezaron a divulgarse entre la clase burguesa de la Revolución in-
dustrial, por ser mucho más baratos que los pintados, lo que dio un gran impulso a esta nueva téc

La fotografía en color fue experimentada durante


el siglo XIX, pero no tuvo aplicaciones comerciales,
por su dificultad e imperfección. Los experimen-
tos iniciales no fueron capaces de conseguir que
los colores se quedaran fijados en la fotografía. Una
primera fotografía en color fue obtenida por el físico
James Clerk Maxwell en 1861, realizando tres foto-
grafías sucesivas, con la lente con un filtro diferente:
rojo, verde y azul. Cada una de las tres imágenes se
proyectaba sobre la misma pantalla con la luz del
color del filtro que se había empleado para tomarla.
A lo largo del siglo XIX, y principios del XX, algu-
nas fotografías se coloreasen a mano, con acuarelas,
óleo, anilinas, u otros pigmentos. Pero este colorea-
do manual era artístico y no técnicamente fotográ-
fico. Ya en la época del daguerrotipo se empezaron
a colorear los retratos, pagando un suplemento. En
algunos países, como Japón, se coloreaban muchas
copias a la albúmina, especialmente en los retratos de tipos populares y en las vistas de paisajes y ciudades.
La verdadera primera placa fotográfica en color -Autochrome Lumière- no llegó a los merca-
dos hasta 1907. Esas placas autocromas eran transparencias de vidrio. La primera película fo-
tográfica en color moderna, KodaChrome, fue utilizada por primera vez en 1935. Las más mod-
ernas, a excepción de ésta, han sido basadas en la tecnología desarrollada por Agfacolor en 1936.

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Retrato El retrato fotográfico es un género donde se reúnen
toda una serie de iniciativas artísticas que giran en tor-
no a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales de
las personas que aparecen en las imágenes fotográficas.
Su práctica se encuentra ya en los inicios de la foto-
grafía donde destaca la labor realizada por los fotógra-
fos ambulantes, los fotógrafos comerciales de los es-
tudios parisinos, los primeros retratos psicológicos, el
retrato popular presentado por la fotografía academicis-
ta, así como la obra documental de David Octavius Hill.
Los representantes principales del retrato fotográfico
en sus inicios son Nadar, Disdéri, Julia Margaret Cameron,
Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine
Samuel Salomon, Pierre Petit o Lady Clementine Hawarden.
Con posterioridad el género fue evolucionando de for-
ma paralela al devenir de la historia de la fotografía
razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en
exclusiva a lo que podríamos entender como la forma
más ortodoxa del retrato fotográfico, nos encontra-
mos con fotógrafos adscritos a movimientos concre-
tos que se acercan al retrato fotográfico con el empleo
de las ideas y técnicas propias de estas corrientes.
Figuras de interés en el campo del retrato fotográ-
fico son Richard Avedon, Brassaï, Walker Ev-
ans, August Sander, Annie Leibovitz, entre otros.
Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con
fuerza, durante el siglo XIX y principios del siglo XX,un sub-
género propio conocido como la fotografía de difuntos, en la
que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro.

Definición:
El retrato fotográfico es un género donde
se reúnen toda una serie de iniciativas artís-
ticas que giran en torno a la idea de mostrar
las cualidades físicas o morales de las perso-
nas que aparecen en las imágenes fotográficas.

El rostro, es la parte más importante de un retrato debiendo basar la


exposición en la cara y no en el fondo. Para ello, hay que acercarse y
verificar que combinación de abertura y velocidad de obturación es la
indicada y después volver a la posición desde donde se va a fotografiar.

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Retrato

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Claves del Retrato
1.- Crear un buen ambiente. El modelo debe encontrarse
cómodo y para ello podemos mantener una conversación
jocosa, incluso gastar alguna broma. Nuestro objetivo debe
ser romper el hielo y que el modelo olvide a la cámara.
2.- Utilizar una óptica idónea. Un objetivo interesante para
el retrato es el 85-135mm, es decir, un teleobjetivo medio.
Cuidado con las longitudes focales grandes (angu-
lares), porque distorsionan los rostros si el sujeto
se encuentra muy cerca o la cámara está inclinada.
3.- No olvidarnos del fondo. El fondo también im-
porta. Procura localizar fondos neutros y, si es posi-
ble, desenfócalos. Nuestro objetivo es evitar los fon-
dos confusos que quiten protagonismo al sujeto.
4.- Maquillaje. Sombras de ojos, rímel en las pestañas,
polvos de base para evitar brillos en la piel y bril-
lo de labios suelen mejorar los retratos femeninos.
5.- La luz. La disposición básica de iluminación en estudio
implica dos luces: una luz principal (a la izquierda de la

cámara a unos 45º) y una luz secundaria menos intensa que


suaviza las sombras (a la derecha a unos 45º de la cámara).
Un esquema con el que se obtienen resultados más glamouro-
sos que con el esquema anterior (45º/45º) es con un reflector
con paragüas sobre la cámara y otro de relleno a la derecha.
No hay que olvidar que con la luz natural podem-
os obtener resultados sorprendentes. La luz propor-
cionada por el Sol al final del día es muy apropiada.
Otra recomendable fuente de iluminación natural son las venta-
nas. Podemos colocar a nuestros sujetos cerca de la ventana,
y utilizar una cartulina blanca como reflector de relleno.
. 6.- La altura de la cámara. Generalmente la mejor altu-
ra a la que debemos obtener los retratos nos la mar-
cará la altura de los ojos de nuestros protagonistas.
Os recomiendo que hagáis una prueba: sacar tres fo-
tos, una con la cámara a nivel de los ojos del sujeto,
otra por encima y otra por debajo. Veréis la diferencia.
7.- El encuadre.
Primerísimo plano. Parte del rostro.
Primer plano. El rostro ocupa la totalidad de la imagen.
Plano medio. Rostro, hombros y pecho, hasta codos.
Plano americano. De la rodilla hacia arriba.
Plano general. Vista completa del sujeto y parte de su en-
torno. Primerísimo plano. Parte del rostro.

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¡Lafoto
Retrato

más Per-
sonal!
Aunque genéricamente hab-
lamos del retrato como si se
tratase invariablemente de
la fotografía del rostro de
una persona, su esencia va
mucho más lejos. Un retra-
to implica la participación
de muchos elementos y la
perfecta armonía de todos
ellos. Desde el equipo a em-
plear hasta la complicidad
del modelo -profesional u
Si lo que se persigue con el un problema clave: la ocasional-, debemos tener
retrato es subrayar la belleza colocación de las manos. en cuenta que todos los de-
o resaltar la personalidad, la Con los jóvenes se pu- talles son esenciales y que
pose que adopta el modelo eden buscar poses menos el fallo de uno solo puede
es decisiva. La edad, la con- estáticas y convencionales echar por tierra el resultado
textura física, el sexo, son aprovechando actitudes final. Y es que una imagen
factores importantes en el espontáneas y naturales. que transmita un sentimien-
momento de elegir la pose. to, esa es un retrato. si hay
Ante todo, hay que evitar los
primeros planos de frente,
si no existe una razón es-
pecial, ya que favorecen
sólo a unos pocos rostros.
La toma de perfil puede
parecer excesivamente po-
sada, sin embargo pued e
resultar sorprendente e in-
formal si realzamos el ca-
bello echando la cabeza hacia
atrás y mostrando la grácil
y esbelta curva del cuello.
El retrato de busto o me
Otra cuestión a tener en
cuenta es asegurarse de que
el modelo se encuentra a
gusto, sobre todo si se trata
de una persona mayor. Sen-
tados en su silla favorita, él
o ella adoptarán una postura
relajada. La silla ofrece tam-

LA POSE:
bién un punto de apoyo para
los brazos y ayuda a resolver

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Paisaje
U na de las modalidades de foto-
grafía más complicadas es pro-
bablemente la fotografía de paisajes.
Sin embargo, también se trata de la
primera línea de trabajo en la que
uno se adentra en fotografía, proba-
blemente porque es la más fácil de
probar. En este artículo te queremos
dar una serie de consejos para que
mejores tus fotografías de paisajes.

1. Utiliza la mayor profundi-


dad de campo que puedas
Mientras que en otro tipo de fo-
tos se juega con la profundidad de
campo, utilizando esta faceta como
un elemento compositivo más, la
fotografía paisajista se caracteriza
por aplicar, por regla general, la ma-
yor profundidad de campo posible, En caso de no disponer de uno, También acuérdate de situarlo bien
manteniendo nítida toda la foto. puedes probar a abrir algo más dentro de la fotografía. Para ello
el diafragma o a subir la sensibi- puedes aplicar la regla de los tercios.
Recuerda que para conseguir una lidad ISO, aunque recuerda que
gran profundidad de campo debes haciendo esto último aumentarás
cerrar todo lo que puedas el dia- la relación de ruido en la imagen. 4. Piensa en el fondo
Al contrario que en otras mu-
chas temáticas, en paisajes el fon-
3.
fragma del objetivo de tu cámara. Identifica un centro de interés do importa mucho. Estará nítido y
Recuerda que toda buena foto
2. Utiliza un tripie debe tener un centro de interés. forma parte de la composición por
Como vas a cerrar mucho el dia- completo. Por tanto, tendremos que
fragma, tendrás que utilizar tiempos Identifica uno dentro de tu paisaje. analizarlo con detenimiento, vien-
de exposición largos. Así que, ne- Puede ser el pico de una monta- do donde situamos los puntos de
cesitarás un buen tripie si no quie- ña, una roca, un árbol, una silueta, interés, si utilizamos líneas rectas
res que te salgan movidas las fotos. o curvas para conducir la atención
en la foto, ver de que manera vamos
a crear sensación de profundidad.

5. Ten en cuenta el
El cielo es otro de los
tos a considerar a la
cielo
pun-
hora
de componer nuestra foto.

En la mayoría de fotografías de
paisajes hay un elemento predo-
minante: el cielo o la tierra (vale,
o el mar). Si vemos que el cielo no
aporta demasiado a la foto, lo suyo
es dejar un solo tercio de la fotogra-
fía para el cielo, mientras que si el
tipo de cielo que estamos sacando
es el elemento predominante, por
la forma de sus nubes, por el co-
lor en función de la hora del día.

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Paisaje

6. Captura el movimiento
La mayoría de nosotros aso-
ciamos la idea de paisaje al sen-
7. La climatología
Una escena puede variar
dramáticamente en función del
fotos de paisajes,
estar esperando
cámara cogiendo
en lugar de
con nuestra
polvo a que
timiento de calma, paz y tran- clima que se da en el momento de llegue el próximo día soleado.
quilidad. Lo cierto es que muy hacer la foto. Por lo tanto, elegir
pocas veces encontramos esa
calma total en la escena que
estamos viendo en un momento
bien el momento en el que hacer
la foto va a resultar determinante
para obtener un buen resultado.
8. La hora del día
Aunque ciertamente ten-
go pocas oportunidades de
determinado. El movimiento que hacerlo, me gusta madru-
se pueda producir a nuestro al- Cuando empezamos en el mun- gar para hacer fotos de pai-
rededor puede añadir a la ima- do de la fotografía, asociamos el sajes al amanecer o esperar
gen sentimiento o drama, y crear buen tiempo y los días soleados al al atardecer para hacerlas.
en si mismo un centro de interés. mejor momento para hacer fotos.
Con el tiempo nos iremos dando El amanecer y el atardecer son
El viento que mueve los ar- cuenta de la infinidad de posibili- los dos mejores momentos para
boles, las olas en el mar o la dades que ofrecen los días nubla- hacer fotos de este tipo. La posi-
corriente de un río son ejem- dos, lluviosos, la niebla o la nieve. ción del sol hace que la luz incida
plos de movimiento que en- sobre los objetos con un ángulo
contramos continuamente Los días soleados, en las horas especifico en el que se crean tex-
en la naturaleza y que pode- centrales del día, generan una luz turas y patrones con las sombras.
mos recoger en nuestras fotos. dura, con sombras muy acusadas
y fuertes contrastes entre las luces
Para capturar ese movimiento y las sombras. Por el contrario, los
tendremos que utilizar veloci- días nublados dan una luz más
dades de obturación bajas, lo suave, reduciendo ese contraste.
que nos obligara a cerrar más
el diafragma para contrarrestar No debemos dejar de buscar días
la cantidad de luz que entra a de tormenta, niebla, viento, cielos
través del objetivo y puede que especialmente nublados, o nieve.
algún tipo de filtro para reducir Empezaremos a generar diversi-
la luz, salvo que esperemos a un dad en nuestras imágenes, rom-
momento del día con menos luz. piendo la monotonía de nuestras

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Paisaje

9. Acuérdate del horizonte


Posiblemente es la re-
gla más básica de la foto-
El segundo, en cuanto a su resultante transmite siempre
composición. Recuerda la re- la misma sensación. Es lo
gla de los tercios. No pongas que vemos habitualmente.
grafía. Debemos mante- el horizonte partiendo la foto,
ner en mente siempre el salvo que esté justificado. En
horizonte en dos aspectos. la inmensa mayoría de los
casos es preferible ajustarlo
El primero, manteniéndo- al tercio inferior o al superior.
lo recto. Antes de disparar,
asegúrate de que el horizon-
te esta bien nivelado. Re- 10 . Cambia el pun-
to de vista
cuerda que siempre puedes Normalmente hacemos las
corregir la inclinación poste- fotos desde el mismo punto
riormente en la edición de de vista. De pie, con la cá-
la foto, aunque te obliga- mara a la altura de nuestros
ra a recortar la fotografía. ojos. De este modo la foto

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Still life
Still life es una composición artística de distintos objetos sobre fondos arti-
ficiales o superficies naturales, con el fin de crear distintas formas y luces.
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra
de arte que representa
objetos inanimados, ge-
neralmente extraídos de
la vida cotidiana, que
pueden ser naturales
(animales, frutas, flores,
comida, plantas, rocas
o conchas) o hechos
por el hombre (utensilios
de cocina, de mesa o
de casa, antigüedades,
libros, joyas, monedas,
pipas, etc.) En un espa-
cio determinado.
Naturaleza muerta debe
expresar claramente
una cierta idea. Puede
estar compuesto por ob-
jetos juntos de acuerdo
a su función práctica o
de cosas que pueden
parecer diferentes a su
punto de destino de vis-
ta, y en este caso de-
ben estar unidos por una
idea clara y distinta.

Un poco de historia
Tuvo especial influencia en el siglo XVI en Flan-
des. Este género era llamado naturaleza muer-
ta, que era un tipo de arte simbólica. Se solía
hacer en interiores y se le llamaba bodegón
porque representaba elementos que estaban
en las cocinas, en las bodegas o en las despen-
sas (pan, botellas de vino, frutas,...).

Se pueden diferenciar dos tipos:

• Bodegón seco. Son los que tienen más


en común con los que se realizaban en pintura
(naturaleza muerta). Admiten sombras, textu- que del resto.
ras y el color suele ser cálido: cuerda, made- • Bodegón húmedo. Es más luminoso, brillante.
ra, cereales, barro, frutos y flores secas, pasta, No admite sombras y las texturas son suaves: frutas y
botellas de vino,... En el caso de que quedara verduras, cristal, cubiertos de acero inoxidable, por-
una composición muy monótona en cuanto a celana,...
color, se puede poner un elemento que desta-

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Aplicaciones de Still Life
La principal aplicación del bodegón es la foto-
grafía publicitaria, donde el objetivo es vender
un objeto, por lo que se trata de una fotografía
muy cuidada y preparada. Los equipos son de
gran calidad y se trabaja en estudios.
Se deben tener en cuenta tres aspectos:
• La composición. Es importante respetar la
ley de los tercios: las grandes masas estarán en
el centro y los pequeños detalles alrededor. Un
bodegón cuenta con varios planos de compo-
sición, lo que obliga a trabajar con diafragmas
cerrados para conseguir mayor profundidad.
• La toma. Es importante la posición de la
cámara y los objetivos con los que se va a tra-
bajar. Por ejemplo, si el objeto es muy plano, se
deberá hacer una toma cenital (desde arriba).
La toma que más se utiliza es la toma frontal lige-
ramente picada. En cuanto a los objetivos, con
ellos se pueden crear diferentes efectos:
o Teleobjetivo. Enfoca muy bien el bode-

gón, pero el fondo queda desenfocado.


o Gran angular. Se puede deformar el bode-
gón por los extremos.
El objetivo que más se utiliza es el teleobjetivo cor-
to (70-100) ya que respeta la profundidad de cam-
po lo suficiente y no deforma el objeto, ni llega a
pegar la perspectiva. En publicidad se trabaja con
negativo de 9x12.
• La luz. Es muy importante, más que en otros
géneros. Dependerá del tipo de bodegón:
o Bodegón húmedo. Al no pedir sombras, se
deberán evitar éstas y controlar los brillos (deben
aparecer en los bordes de los objetos). Los fon-
dos son lisos y con colores vivos. Lo ideal es que
no haya demasiados objetos y procurar, además,
que éstos queden ligeramente sobreexpuestos (de
luz). Debe haber profundidad de foco (o campo).
Se trabaja con luz difusa. Si se utiliza un foco direc-
to, se hará frontal o cenitalmente.
o Bodegón seco. Todo lo contrario. Admite
sombras, por lo que se utiliza luz directa frontal o
lateral. Los fondos son de colores cálidos, fogosos,
con texturas,... Quedará mejor cuando los objetos
queden ligeramente subexpuestos. A este tipo de
bodegones les va bien el fondo desenfocado, por
lo que se utilizan objetivos largos.

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Si se utilizan líquidos, se iluminarán de mane-
ra especial, con un foco dirigido hacia él. Hay
que tratar de alejar los elementos más claros
de la fuente de luz.
Pasos para la toma de un bodegón:
• Componer. Una vez compuesto no se debe
mover nada. Hay que juntar los elementos.
• Situación de la cámara. Se debe colocar en
un trípode. Una vez colocada la cámara no
hay que moverse.
• Elegir el objetivo.
• Elegir el diafragma y la obturación.
• Iluminación.

Es uno de los temas fotográficos más exigen- encuentra al alcance de cualquiera, vamos a
tes de la fotografía profesional, pues requiere verlo.
equipo y preparación técnica de alto nivel: Es difícil que los aficionados, incluso con cono-
sistemas sofisticados de iluminación, cámaras cimientos se atrevan con los bodegones. Esto
de medio y gran formato, un amplio abanico se debe principalmente a que en ellos el fotó-
de accesorios como fondos, elementos de grafo no se encuentra con nada hecho y debe
atrezzo.., Por no hablar de los conocimien- construir por completo la totalidad de la ima-
tos necesarios para obtener el máximo ren- gen. En un paisaje, la iluminación o los elemen-
dimiento de tanto utillaje. Todo esto acaba tos del mismo no dependen exclusivamente de
por disuadir al aficionado, que raras veces nosotros, al igual que en el reportaje donde se
se atreve a adentrarse en este mundo apa- trabaja con sujetos “fuera de control” bajo una
rentemente reservado a los profesionales. Sin iluminación dada.
embargo, conseguir un buen bodegón se

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Still life

En un bodegón, sin embargo, todo lo pone


la imaginación de su autor, resulta de su ca-
pacidad para producir y crear la escena:
primero con la acertada elección de sus
objetos, prestando especial atención a sus
formas, volúmenes, tamaños, colores y tex-
turas; segundo con un perfecto dominio de
la iluminación que cree la atmósfera ade-
cuada y proporcione un toque especial a lo
fotografiado, resaltando con fuerza sus ca-
racterísticas. Tercero, con una composición y
encuadre elegantes fruto de una colocación
armónica de los elementos y de un fondo
acorde con ellos.
Estos tres factores (tema, luz y composición)
resultan determinantes a la hora de conse-
guir una foto de bodegón que merezca la
pena, pero no es cierto que debamos partir
de planteamientos complejos y elaborados
o que hagan falta equipos especializados.
Los bodegones sencillos apenas son exigen-
tes en este sentido; vale cualquier cámara
analógica o digital equipada con una óptica
zoom estándar que permita intervenir al fotó-
grafo en los controles básicos de exposición,
diafragma y enfoque. La iluminación puede
ser sólo natural, con lo que eliminamos la ne-
cesidad de saber iluminar, aunque algún es-
quema sencillo también explicaremos con el
propósito de ayudar a quienes quieran hacer
sus “pinitos” en el estudio.
Los requerimientos, sin embargo, en estos bo-
degones minimalistas de creatividad y saber
hacer son máximos: no vale cualquier tema,
iluminación ni fondo o composición, algo co-
mún a toda fotografía, pero que en el bode-
gón resulta todavía más evidente, en el sen-
tido de que en este caso sí que tales factores
se deben sólo al fotógrafo.
En otra clase de tomas el azar o la luz am-
biente nos pueden echar una mano, en el
bodegón los posibles fallos dejan al desnu-
do sin más nuestras carencias fotográficas.
Lo que no es nada malo, muy al contrario,
el bodegón es una escuela excelente para
aprender y practicar la fotografía porque
ayuda a resolver sus aspectos esenciales de
forma y contenido, simplemente al plantear-
los desde el principio como la única forma
de construir la imagen fotográfica, esa mez-
cla de composición, luz y tema.

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Still life
Hay muchas formas de tomar una fotogra-
fía, el más mínimo efecto, hace que nues-
tra composición tome otro sentido. Los
efectos fotográficos nos ayudan a darles
una vista diferente a nuestra imágenes.

En esta ocasión veremos

> Panning

> Enfoque selectivo

> Movimiento congelado


Efectos fotograficos

Movimiento congelado
Una de las características mas fascinantes de la fotografía es su capacidad de detener el
tiempo. Capturar momentos en una fracción de segundo. Mostrar la belleza del “movimiento
congelado”.

Para lograr esto tenemos que jugar con la velocidad de obturación de la cámara.

La capacidad de congelar (o de representar) el Disponer de una luz ambiente de cierta intensidad


movimiento de un motivo en una fotografía reside (trabajar a pleno sol, por ejemplo), permite ob-
en el obturador. Velocidades altas (1/250, 1/500 y tener una combinación de velocidad/diafragma
1/1000) corresponden a tiempos muy breves de que facilita congelar el movimiento de un motivo.
obturación. Esta situación te permitirá, al mismo tiempo, que
Si trabajas en modo automático, para obtener la la cámara ajuste un diafragma relativamente
velocidad de obturación lo más alta posible de- cerrado, lo que comporta una profundidad de
berás seleccionar la posición “S”. Con este ajuste campo aceptable. En condiciones de poca luz,
podrás escoger una velocidad alta y la cámara necesitarás abrir el diafragma al máximo para
seleccionará el diafragma que le corresponda poder ajustar una velocidad de obturación alta.
para una exposición correcta. Si la velocidad es- Una abertura máxima de diafragma comporta
cogida es muy alta, puede que en algunas situa- poca profundidad de campo. Presta mucha at-
ciones la cámara no pueda seleccionar la ab- ención a la operación de enfoque. Recuerda la
ertura máxima de diafragma necesaria. En este
caso deberás reducir la velocidad. Que te sea
posible ajustar una velocidad de obturación alta
está en función de:

■ Luz ambiente intensa


■ Posibilidad de abrir al máximo la abertura de
diafragma
■ Sensibilidad del CCD técnica de enfocar el motivo protagonista, blo-
quear el enfoque y, si es necesario, reencuadrar
la escena.

La sensibilidad del CCD, combinada con la luz


ambiente, es la que determina la exposición
necesaria (velocidad/diafragma). La cámara te
permite realizar diversos ajustes de sensibilidad,
pero ya sabes que sensibilidades superiores a la
normal (equivalente a 100 ISO) comportan un
cierto nivel de “ruido” en la imagen. En la posición
“Auto” la cámara trabaja a 100 ISO, salvo cuan-
do las condiciones de luz son precarias, que la
sensibilidad se ajusta, de forma automática, a un
nivel suficiente que permita captar la fotografía.
Cada vez que se dobla la sensibilidad ISO, se pu-
ede doblar la velocidad de obturación (1/125,
1/250, 1/500, por ejemplo) y mantener el mismo

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Efectos fotograficos

Enfoque selectivo
El enfoque selectivo significa dar nitidez sola-
mente a lo que interesa, lo que permite un mayor
control sobre el contenido y la interpretación final
de la fotografía. La operación de enfoque está
desvinculado del encuadre, es decir, una cosa
es lo que se encuadra y otra muy distinta es lo
que se enfoca dentro del encuadre. El fotógrafo
decide primero el encuadre y después enfoca
aquello que te parece más conveniente, lo cual
no ha de coincidir forzosamente con el centro del
encuadre.
Para mejorar resultados, el fotógrafo debe edu-
car su manera de mirar el entorno e incorporar
a sus reflejos la mirada selectiva e instintiva ante
cualquier situación. Un buen ejercicio para con-
seguirlo es mirar repetidamente por el visor de la
cámara y analizar lo que se ve a través de él con
ojos críticos, como serán los del observador de la
fotografía.

Dejar nítida sólo una parte de la imagen, mien-


tras el resto queda desenfocado, es una buena
fórmula para destacar el centro de interés. Esta
opción se llama enfoque selectivo.
Destacar, acentuar determinados aspectos o cu-
alidades del motivo y transmitir emociones son las
metas que se han de conseguir. Éstas son, en de-
finitiva, las diferencias que determinan que una
fotografía sea, además de correcta, interesante.

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Efectos fotograficos

Panning
El efecto panning es el efecto creado cuando fotografiamos algún objeto
en movimiento de manera que conseguimos que dicho objeto esté enfo-
cado y congelado mientras que el fondo está movido. Lo que debemos
hacer es:

Si utilizáramos un tiempo de exposición corto, con-


gelaríamos tanto el motivo fotográfico como el
fondo, y perderíamos por completo la sensación
de velocidad.

■Utilizar un tiempo de exposición largo. Podemos


empezar por 1/30, por ejemplo.
■En el momento en el que disparamos la foto-
grafía, deberemos seguir el objeto fotografiado
con nuestro objetivo, normalmente girando sobre
nuestro eje o desplazándonos sobre la horizontal.
■Un tripié o estabilizador de imágen casero nos
vendrá de mucha ayuda.

El panning, también conocido como barrido, es


eso, una técnica fotográfica a través de la cuál
5 consejos breves para un barrido exitoso:
captas un sujeto en movimiento siguiéndolo con
tu cámara, de esta forma el objeto a fotografiar
1. Pon las manos firmes y una velocidad de
parece estar estático en tanto que la zona que
obturación relativamente baja.
lo rodea es la que brinda la sensación de mov-
imiento.
2. Baja la velocidad de obturación a medida
La dificultad principal es conseguir que el objeto que aumenta tu experiencia con la técni-
de la foto esté bien enfocado. Deberemos val- ca, comienza con una velocidad mediana-
orar si utilizar el autofocus, el autofocus en modo mente rápida.
contínuo o enfocar de manera manual en la zona
donde por la os que pasará el objeto a fotogra- 3. Asegúrate que el sujeto permanece en la
fiar. Esto dependerá de la cámara que tengas y misma porción de la imagen durante toda la
tu habilidad para hacerlo. exposición.

4. Comienza con sujetos en movimientos más


lentos para ir aumentando el desafío a me-
dida que vas alcanzando tus primeros logros.

5. ¡Diviértete! Y si al principio no resulta, tran-


quilo; arriba el ánimo, espera un poco y
vuelve a intentarlo una y otra vez.

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