Curso de Historia del Arte

3º Año

Quinto Semestre

Clase 7

Expresionismo
 Die Brücke (El Puente) 1905

El grupo Die Brücke (El Puente), hay que situarlo dentro del Expresionismo alemán que surge, a partir de 1905 en concordancia con el
fauvismo francés, como contraposición a los movimientos realistas, se alzan las voces de algunos autores que pretenden mostrar justo lo
contrario: la realidad subjetiva de las cosas, las percepciones profundas de cada uno. Y Alemania es el escenario perfecto por la situación
de posguerra.
El grupo lo aglutinó Ernst Ludwig Kirchner que fue el teórico y líder del mismo, al que se incorporaron Bleyl, Heckel y Schmidt-Rottluff,
todos ellos estudiantes de arquitectura, a los que se unieron más adelante Nolde y Pechstein en 1906 y Otto Müller en 1910.
El fauvista Van Dongen también se unió a ellos e hizo de intermediario con sus compañeros franceses.

Los artistas que formaron parte de este grupo querían romper con el arte que imperaba a finales del siglo XIX. Creían que el panorama
artístico estaba viviendo una época cuadriculada y sin identidad que debía acabar. Hasta 1913 vivieron en una comuna en la que se
creaban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles.
• Romper con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la deformación de la
realidad.

• Emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y
espacios disueltos sin perspectiva.

• Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel grueso, se encuentran
incrustados dentro de un fuerte contorno. Esto concede a los cuadros un carácter vigoroso.

• Trabajaban los contrastes complementarios, consiguiendo que los colores reforzaran su luminosidad mutuamente.

• Usan un colorido apasionado que se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia emocional y composicional
bajo aspectos estéticos únicamente internos, creando obras sólo a base de colores como los fauvistas.

• Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la realidad objetiva, los
integrantes de Die Brücke intentan recuperar métodos "auténticos", directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte
de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes... el arte del Pacífico, Oceanía y África. Tratan de
recuperar los temas y la técnica.
Poster exposición de Die Brucke (1906) de Fritz Bleyl, el cual fue censurado por la policía

Poster exposición en Galería Arnold (1910)

de Ernst Ludwig Kirchner
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938)

Chica bajo sombrilla japonesa (1909)

Autorretrato con modelo (1910)

Ernst Ludwig Kirchner

Cariátide (1909-1910)
madera pintada
Fränzi Fehrmann (fotografía de 1910)

Fränzi delante de silla tallada (1910)

óleo sobre tela 71x49,5 cm.
Museo Thyssen Bornemisza, Madrid
Bailarina
1911
madera pintada
87 x 35,5 x 27,5 cm.
Figura masculina desnuda (1911-12)
 Erna Schilling y Ernst Ludwig Kirchner en su estudio en Berlín, Durlacherstrasse 14 (1912-14)

A pesar de que el artista nunca viajó mucho y pasó la mayor parte de su vida en Alemania y Suiza, fue influenciado en gran medida por las culturas no europeas y
el arte popular. Buscando un estilo de vida alejado de la estética establecida en ese momento, Kirchner creó enclaves exóticos en sus estudios mediante la
decoración de las paredes con pintura y textiles y tallando su propio mobiliario.
Calle de Berlín (1913) óleo sobre tela Museo de Arte Moderno de Nueva York

Dos mujeres en la calle (1914)

Autorretrato como soldado (1915)
Cabeza de hombre enfermo (1918)
Xilografía
Städel Museum, Graphische Sammlung,
Frankfurt am Main.
Cama para Erna Kirchner (1919) Kirchner Museum Davos
Triste chica desnuda
1921
madera de pino suizo pintada
63.5 x 19.5 x 16.5 cm
Städel Museum, Frankfurt am Main.
 Madre e hija (1924)
madera de pino suizo
88 x 27.5 x 30 cm
Städel Museum, Frankfurt am Main.
Erick Heckel (1883-1970)

Desnudo (1910)
Escena de estudio (1910-11)
Día de acero (1911)
Xilografías de Erich Heckel (entre 1908 y 1913)
Karl Schmidtt Rottluff (1884-1976)
Autorretrato con monóculo (1910)
Chica ante el espejo (1915)
Karl Schmidtt Rottluff.
Xilografías

Retrato de Mujer (1916)

Paisaje (1919)
Retrato de Emily
1919
óleo sobre tela
Otto Mueller (1874-1930) Bañistas (1912)
Gitanas con girasoles (1927)
 Dos desnudos en un paisaje (1922) temple sobre arpillera 100x138 cm. Museo Thyssen Bornemisza

Müller afirmó que su principal deseo era

expresar con la mayor simplicidad posible
los sentimientos del hombre en la
naturaleza y que para lograrlo se basaba en
el arte del antiguo Egipto. Esta deuda se
hace evidente en su forma de resaltar los
contornos de las figuras y en la sensación
de bidimensionalidad de sus
composiciones. Por otra parte, entre sus
aportaciones al grupo expresionista cabe
destacar la recuperación de la técnica del
temple, que intenta también imitar en este
lienzo a base de una pintura al óleo muy
seca y que, junto a la rugosidad de su
característica arpillera, de calidad muy
basta, confiere a la obra un aspecto de
pintura al fresco.
Emil Nolde (1867-1956).
La última cena (1909)
Danza alrededor del caldero dorado
(1910)
Naturaleza muerta máscaras III (1911)
Retablo de La Vida de Cristo (1911-1912) Políptico. óleo sobre lienzo, 220 x 579 cm
Neukirchen, Fundación Ada y Emil Nolde, Seebüll, Alemania
Crucifixión (1911-1912)

Panel central
 Der Blaue Reiter (1911)

Der Blaue Reiter "El jinete azul". Grupo de pintores formado en 1911 que se unieron en Munich para luchar contra el academicismo y
afirmar la necesidad de expresar la visión interior del artista a través de su obra. Tomaron el nombre del título de un cuadro de Kandinsky.
Formaban parte del grupo el propio Kandinsky, Franz Marc , August Macke, Paul Klee y Gabriele Münter entre otros.

El Jinete Azul tenía una actitud más refinada y espiritual que Die Brücke/El Puente, pretendiendo captar la esencia de la realidad a través de
la purificación de los instintos. En vez de utilizar la deformación física, optan por su total depuración, llegando a la abstracción.
 Los miembros del grupo mostraron su interés por el misticismo, el simbolismo y las formas de arte que consideraban más genuinas: el
primitivo, el popular, el infantil y de los enfermos mentales. El Jinete Azul se destacó por el uso de la acuarela, frente al grabado utilizado
principalmente por Die Brücke/El Puente. También cabe destacar la importancia dada a la música, que se suele asimilar al color, lo que
facilitó la transición de un arte figurativo a uno más abstracto. En sus ensayos teóricos mostraron su predilección por la forma abstracta, en
la que veían un gran contenido simbólico y psicológico, teoría que amplió Kandinsky en su obra De lo espiritual del arte (1912), donde
buscaba una síntesis entre la inteligencia y la emotividad, defendiendo que el arte se comunica con nuestro espíritu interior y que las obras
artísticas pueden ser tan expresivas como la música. Para Kandinsky el arte es un lenguaje universal, accesible a cada ser humano.
Vasili Kandinsky (1866-1944)
Der Blauer Reiter (1903)
Colección E.G. Bührle, Zúrich.
La noche, 1903 (Una de las muchas imágenes fantásticas que popularizaron los cuadros del período de Múnich)
En el bosque (1904)
Pareja cabalgando (1906)
Canción del Volga (1906)
tempera sobre cartón
 La montaña azul, 1908
El azul, según el poeta Novalis, es el color del espíritu, ya que conduce a la materia al nivel de la trascendencia. Los jinetes ascendiendo la montaña azul es una
imagen del claro contenido alegórico. El triangulo azul-rojo amarillo plantea una de las armonías cromáticas clásicas de la pintura de Kandinsky en estos años.

Iglesia de Murnau (1908) El contenido narrativo retrocede a favor de la pura combinación de colores
Composición n. 2 (1910)
La confusión de figuras sin
aparente conexión en una
vorágine de color, es la
muestra del momento crítico
de la evolución del pintor, a
punto de romper con la
figuración.
Primera acuarela abstracta (1910-11)
Impresión III. Concierto (1911)
óleo sobre tela100.5x78.5 cm.
En 1911 se publica De lo Espiritual en el Arte

Un discurso estético que desembocaría en la práctica de la abstracción no figurativa.

En este sentido, el libro se propone esencialmente despertar la capacidad de captar
lo espiritual en las cosas materiales y abstractas, capacidad que Kandinsky intuía
básica para la pintura del futuro y con posibilidades de hacer realidad innumerables
experiencias. Pero no se trata, como podría pensarse, de un libro programático,
pues no pretende en absoluto apelar a la razón y al cerebro. Aunque Kandinsky se
expresa en un lenguaje de claras resonancias orientales, lleno de analogías, y suele
resolver las dificultades de la expresión escrita por medio de asociaciones
sensoriales y lingüísticas, el texto ostenta un estilo impecable y ha acabado
ejerciendo, gracias a su gran poder comunicativo, una influencia profunda e
indiscutible.
Almanaque Der Blaue Reiter (1911)

"Tengo un nuevo proyecto -escribía Kandinsky a Marc en junio de 1911 - El editor será Piper
y nosotros dos los redactores. Una especie de almanaque con reproducciones, artículos... y
una crónica. Es decir, críticas de exposiciones hechas únicamente por artistas... Un lazo con
el pasado y una luz que ilumine el futuro deben dar vida a este espejo. Pondremos una obra
egipcia al lado de un pequeño Zeh, nombre de un niño que dibuja bien, una obra china al
lado de Rousseau el Aduanero, un dibujo popular al lado de un Picasso y así sucesivamente.
Poco a poca atraeremos a escritores y músicos...".

Según palabras de Marc el almanaque recogía:

«Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña sus finos
hilos de conexión con el Gótico y con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte
originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los
movimientos musicales y de los escenarios más modernos de la Europa de nuestro tiempo».
 Franz Marc (1880-1916)
Vaca amarilla (1911) Marc formuló teorías complejas que otorgaban a los colores atributos psicológicos y los distinguían por géneros: masculino y femenino
(azul=principio espiritual y masculino) (amarillo=cualidades terrenas y femenino)
Los grandes caballos azules (1911) Walker Art Center, Minneapolis.
El caballo azul (1911)
El Tigre (1912)
El sueño (1912)
Museo Thyssen Bornemisza.
 Gabriele Münter (1877-1962) pintora alemana
Retrato de Kandinsky (1906)
que perteneció al grupo Der Blaue Reiter.
Xilografía 25.9x19 cm.
Confidente y amante de Kandinsky, su trabajo
Autorretrato (1908)
pictórico no es tan reconocido como el de sus
óleo sobre cartón 49x33,6 cm
colegas.
Gracias a ella gran parte de las obras de este
grupo sobrevivieron a la segunda Guerra
Mundial. Su estilo pictórico va desde el Fauvismo
inicial hasta una suerte de abstracción muy
colorida.
Iglesia de la aldea (1908)
La escuela de Murnau (1908)
 Gabriele Münter. Desde la ventana de Griesbau (1908) óleo sobre cartón 33x40,1 cm.
Kandinsky. Iglesia de Murnau (1908) El contenido narrativo retrocede a favor de la pura combinación de colores
Atardecer sobre Staffelsee (1908-1911) óleo sobre cartón, 33 x 40.6 cm.
Retrato de Maranne Von Werefkin (1909) óleo sobre cartón 51x84,5 cm.
August Macke.
Mujer con abrigo verde (1913)
Ballets Rusos (1912) Tienda de sombreros (1913)