columnas de orden gigante, separados por un
entablamento ondulado.
FICHA TÉCNICA
Autor: Francesco Borromini (Bissone, 1599 – Roma,
1667).
Cronología: 1634-1667.
Tipología: iglesia.
Materiales: ladrillo y estuco
Localización: Roma (Italia)
CONTEXTO HISTÓRICO
Esta obra arquitectónica fue realizada entre 1634 y
1667, durante la época del barroco. El barroco es una
continuación de la ideología surgida en la segunda
mitad del siglo XVI, a partir del Concilio de Trento
(1541-1563).
El siglo XVII, se caracterizó por problemas políticos
entre la Europa católica y la Europa protestante, a
raíz de la separación de Holanda de la Corona de
Castilla y su aproximación a Inglaterra.
Las monarquías adecuaron su política y su ideología
a las directrices de la Roma papal.
A pesar de las circunstancias, los Estados Pontificios,
prosperaron políticamente y esto se reflejó en el auge
de las artes. Durante esta época, el arte dejó de
reflejar las ideas humanistas.
ANÁLISIS FORMAL
Borromini diseñó la fachada de la iglesia de San
Carlino en 2 pisos divididos en 3 calles cada uno a
partir de una combinación de columnas menores y
En el nicho central del piso inferior está la imagen del
santo Carlos Borromeo debajo de 2 querubines. En el
piso superior hay un pequeño templete y un medallón
sostenido por los ángeles que sobresale del
entablamento. El medallón y las columnas de orden
gigante potencian la sensación de verticalidad y de
ligereza.
La planta de la iglesia tiene un espacio central
octogonal de lados ondulados y dos elementos
semicirculares añadidos en el eje longitudinal
(vestíbulo y capilla mayor).
La iglesia tiene 16 columnas de orden compuesto
sobre las cuales un entablamento sigue las formas de
la planta y sostiene las 4 bóvedas de cuarto de esfera
que cubren las capillas y el vestíbulo. Entre las
bóvedas, se articulan 4 pechinas amplias que definen
una cúpula ovalada decorada con casetones
geométricos que se hacen más pequeños en la
perspectiva para aumentar la sensación de espacio
interior. La luz blanca entra a través de los
lucernarios de la linterna en la cúpula para reforzar
esta sensación de amplitud.
El pequeño convento de San Carlino está ubicado en
la intersección de las antiguas Strada Pia y Strada
Felice (lugar considerado un punto caudal del
urbanismo romano). En las esquinas de las calles, se
dispuso 4 fuentes que dan nombre al sitio. El
arquitecto italiano supo superar la irregularidad del
terreno y aprovechó las pequeñas dimensiones del
espacio donde se debía ubicar.
ANÁLISIS CONCEPTUAL
San Carlo Alle Quattro Fontane, también conocida
como San Carlino, fue construida por la orden
monástica española de los Trinitarios Descalzos, cuya
dedicación era obtener fondos para liberar a los
cristianos cautivos por los musulmanes.
San Carlino es considerada una de las construcciones
más significativas de la trayectoria de este arquitecto
porque la iglesia y el claustro (1638-1641) fueron la
1ª obra de Borromini en solitario, y la fachada (1665-
1667) la última de su carrera. También es una de las
arquitecturas más singulares del Barroco italiano.
MODELOS E INFLUENCIAS
La iglesia de San Carlino de Borromini está inspirada
en los últimos trabajos de Miguel Ángel y la fachada,
en la del templo romano de El Deir en Petra. También
utiliza el sistema de empequeñecimiento de los
casetones en la cúpula, que fue copiado del Panteón
de Roma.
La artificiosidad y el dinamismo de San Carlino son
un ejemplo magistral de la arquitectura barroca
italiana.
 ANÁLISIS FORMAL

La capilla Cornaro es una capilla funeraria en la iglesia

de los carmelitas descalzos en Roma. Contiene la
escultura del Éxtasis de Santa Teresa, una de las
obras más conocidas de Bernini.
El espacio arquitectónico que integra el conjunto
adquiere un carácter escenográfico muy evidente.
Este marco teatral, tan típico de la estructura
barroca, potencia el punto de vista único de la
representación.
El espectáculo sagrado tiene lugar sobre un altar
situado en el centro de la capilla. Un ángel retira la
flecha candente que ha clavado en el pecho de Santa
Teresa, quién experimenta una sensación de dolor y
placer que simboliza el amor divino. Para representar
el éxtasis místico de la santa, Bernini esculpió un
rostro con los ojos pesadamente cerrados y la boca
entreabierta después de recibir el fuego divino de
manos de un ángel sonriente.
En las paredes laterales se observan los miembros de
la familia Cornaro, incluidos en relieves de mármol
que representan palcos en perspectiva. De este modo
forman parte de la escena, inmortalizados en el que
se considera el primer retrato de grupo de mármol de
la historia del arte.
Bernini utilizó diversos bloques de mármol para crear
FICHA TÉCNICA
volúmenes y claroscuros dinámicos y optó por una
composición en aspa. La luz cenital del proscenio
Autor: Gian Lorenzo Bernini (Nápoles, 1598-Roma,
ilumina naturalmente el grupo escultórico y se
1680)
convierte en una luz divina gracias a los rayos de
Cronología: 1647-1652
bronce encima del conjunto.
Tipología: escultura exenta
Material: mármol
ANÁLISIS CONCEPTUAL
Medidas: 3,51m
Estilo: barroco
La escena representa la transverberación de la santa,
Tema: religioso
una de las experiencias de éxtasis o unión mística con
Localización: Iglesia de Santa María della Vittoria
Dios narrada en el Libro de la Vida de Santa Teresa
(Roma)
de Jesús, escritora y fundadora del orden de los
carmelitas descalzos.
CONTEXTO
Bernini tradujo en imágenes los escritos dónde la
santa explica detalladamente sus visiones: un ángel
Esta obra arquitectónica fue realizada entre 1634 y
clavando un dardo de oro en el corazón de Santa
1667, durante la época del barroco. El barroco es una
Teresa, causando dolor y suavidad al mismo tiempo.
continuación de la ideología surgida en la segunda
El dolor es espiritual y el cuerpo también participa un
mitad del siglo XVI, a partir del Concilio de Trento
poco. La ternura entre el alma y Dios es tan suave
(1541-1563).
que Santa Teresa suplica a Dios que haga probar esta
El siglo XVII, se caracterizó por problemas políticos
experiencia a otros.
entre la Europa católica y la Europa protestante, a
raíz de la separación de Holanda de la Corona de
MODELOS E INFLUENCIAS
Castilla y su aproximación a Inglaterra.
Las monarquías adecuaron su política y su ideología
Bernini se inspiró en la tela del Éxtasis de Santa
a las directrices de la Roma papal.
Margarita de Cortona de Giovanni Lanfranco para
A pesar de las circunstancias, los Estados Pontificios,
crear la escultura del Éxtasis de Santa Teresa. Esta
prosperaron políticamente y esto se reflejó en el auge
obra ha sido objeto de muchos estudios en el siglo
de las artes. Durante esta época, el arte dejó de
XX, incluyendo el estudio fotográfico de El fenómeno
reflejar las ideas humanistas.
del éxtasis de Salvador Dalí, que se enmarcó en el
Surrealismo.
 ANÁLISIS FORMAL

El cuadro se divide en tres franjas verticales: el

cortinaje a la izquierda, la imagen de la modelo en el
centro, y el pintor a la derecha. Esta individualización
de las figuras y los objetos permite crear una
composición segmentada. El cuadro está unificado
por la luz y el punto de fuga está debajo de la mano
derecha de la modelo, lo que hace que la mirada del
espectador se dirija hacia ella.
La luz es verosímil y proviene de ventana que no se
ve. Vermeer utiliza pinceladas gruesas en los
cortinajes, las sillas y la luz, y más diluidas en el resto
del cuadro.
Los colores utilizados son el color amarillo limón, el
azul, el gris perla, el negro y el blanco, que, crean
una atmosfera intimista. En su conjunto, la escena es
teatral y el espectador se integra en el escenario sin
ser visto.

ANÁLISIS CONCEPTUAL

La figura femenina del fondo del cuadro se ha

identificado como a Clío, musa de la Historia.
Vermeer sigue la descripción de Cesare Ripa en su
tratado Iconología. A partir de esta identificación
iconográfica, se ha sugerido que el significado del
cuadro es el deseo del pintor de alcanzar la fama y la
FICHA TÉCNICA
gloria y de perpetuarse en el libro de la Historia.
No obstante, hace falta tener en cuenta el mapa de
Autor: Jan Vermeer (Delft, 1632-1675)
los Países Bajos en el fondo de la escena, la luz del
Cronología: 1666-1668
techo coronado con el águila bicéfala de los
Técnica: óleo sobre tela
Habsburgos, y los vestidos de pintor a la moda
Medidas: 120 x 100 cm
borgoñona, también puede concluir que el pintor hace
Estilo: barroco
un homenaje a la monarquía, en su deseo de ser
Tema: alegórico
pintor de un rey.
Localización: Kunsthistorisches Museum (Viena)
Sobre la mesa hay una máscara y un libro abierto,
que pueden ser interpretados de maneras distintas:
CONTEXTO
la máscara como símbolo de la imitación (pintura o
escultura), o bien como mascara teatral de la musa
Fue realizada por Vermeer entre los años 1666-1668.
de la Comedia, Talia, o como pintura musical. Así, el
Finalizada la guerra de los 80 años/Flandes, en la que
significado del cuadro puede ser visto como a
se enfrentaron las 17 provincias de los Países Bajos
competición entre la pintura i las otras artes, o bien
contra su soberano, el rey de España, Felipe IV con
como un homenaje a las Bellas Artes.
el fin de conseguir la independencia. Posteriormente
Finalmente, se podría afirmar que el cuadro crea una
los Países Bajos quedaron divididos en las 7
nueva realidad entre el espacio físico (taller del
provincias del norte y el resto de territorios se
pintor) y el espacio metafísico (el cuadro).
quedaron fieles al monarca español. Las provincias
unidas emergieron de la guerra como una nueva
MODELOS E INFLUENCIAS
potencia mundial y experimentaron un importante
auge económico y cultural. En cuanto a la cuestión
El tema del estudio del pintor ha sido tratado por
religiosa, la ideología que predomina es la
varios artistas a lo largo de la historia, como
protestante, por eso se elimina el tema religioso y el
Rembrandt, Velázquez, Goya, Courbet y Picasso.
arte refleja el poder de la burguesía holandesa.
Estos artistas se han retratado a sí mismos o han
representado la figura del pintor en sus cuadros. El
cuadro de Vermeer es diferente porque utiliza una
figura alegórica en lugar de representar la realidad.
Sin embargo, todos estos cuadros tienen en común la
defensa y la exaltación de la pintura y del artista.
 una estructura tradicional y el paisaje idílico del fondo
es típico de la pintura flamenca.
El pintor flamenco da una importancia especial a la
relación entre las figuras que están conectadas tanto
físicamente (brazos y velo que las rodea), como por
la mirada (refuerza la unidad del grupo).
Otro aspecto relevante del cuadro es el gran
dinamismo que consigue proyectar la escena, gracias
a la interacción que muestran los personajes entre sí,
a su movimiento corporal y al predominio de las
líneas curvas y sinuosas. Este último aspecto,
además, ayuda al pintor a reforzar la sensualidad de
la escena, complementándola con el tenue foco de luz
que rodea las figuras con un juego de claroscuros que
consigue remarcar la blancura de los cuerpos.
El cromatismo se basa en tonos pálidos tanto en las
figuras como en el fondo (ocres y los verdes).

ANÁLISIS CONCEPTUAL

En la mitología grecorromana, las tres Gracias eran

la personificación de la belleza. Según Hesíodo, las 3
Gracias (Aglae, Eufrosine y Talía) eran las hijas de
Zeus y de la ninfa Eurinome, y presidían fiestas y
banquetes en el cual danzaban al servicio de los
dioses.
Rubens utilizó esta temática para mostrar el ideal de
belleza femenina de la época. Algunos críticos han
FICHA TÉCNICA
sugerido que los rostros de las mujeres del cuadro
corresponden a las esposas del pintor: Isabella
Autor: Peter Paulus Rubens (Siegen, 1577 – Anvers,
Brandt (derecha) y Hélène Fourment, (izquierda),
1640)
mientras que otros opinan que se trata de variaciones
Cronología:1639
de esta última.
Técnica: óleo sobre madera
La obra fue comprada por el rey Felipe IV y se guardó
Medidas: 2.21 x 1.81 m
durante gran parte del siglo XVIII junto a otros
Estilo: barroco
cuadros de desnudos en una galería secreta de la
Tema: mitológico
Academia de Bellas Artes de Madrid debido a que
Localización: Museo del Prado (Madrid)
eran considerados pecaminosos por Carlos III.

CONTEXTO HISTÓRICO
MODELOS E INFLUENCIAS
En 1639 los países bajos estaban inmersos en la
Rubens creó un estilo propio que recogía alguna de
guerra de los 80 años o guerra de Flandes, en la que
las propuestas más importantes de la pintura del siglo
se enfrentaron las 17 provincias de los países bajos
XVI y XVII europeo: la fuerza cromática de la pintura
contra su rey soberano de España, Felipe IV con el fin
veneciana de Ticiano, Il Veronese y Il Tintoretto, la
de conseguir su independencia. Las provincias unidas
lección anatómica y la fuerza compositiva de los
emergieron de la guerra como una nueva potencia
trabajos romanos de Miguel Ángel y de Carracci, y la
mundial y experimentaron un importante auge
luz de Caravaggio. Rubens también fue admirador y
económico y cultural. En cuanto a la cuestión
coleccionista de la escultura grecorromana.
religiosa, la ideología predominante es la protestante,
Es considerado el artista paradigmático del Barroco y
por lo que se elimina el tema religioso y el arte refleja
su arte tuvo una gran influencia en el siglo XVII,
el poder económico de la burguesía holandesa.
especialmente en Flandes. Su estilo colorista y
dinámico también tuvo influencia en los siglos
ANÁLISIS FORMAL
posteriores, especialmente en Francia, donde artistas
como Watteau, Delacroix y Renoir demostraron su
Rubens sitúa a las tres Gracias formando un círculo
admiración por la obra de Rubens.
compacto y encima de las cabezas hay una frondosa
guirnalda de flores y un angelito que aboca agua con
un cuerno de la abundancia. La composición sigue

FICHA TÉCNICA
Autor: Rembrandt (Leiden, 1606 – Ámsterdam,
1669)
Cronología: 1632
Técnica: óleo sobre tela
Medidas: 1.69 x 2.16m
Estilo: barroco
Tema: retrato colectivo
Localización: Mauritshuismuseum (La Haya)
CONTEXTO
En 1632 los países bajos estaban inmersos en la
guerra de los 80 años o guerra de Flandes, en la que
se enfrentaron las 17 provincias de los países bajos
contra su rey soberano de España, Felipe IV con el fin
de conseguir su independencia. Las provincias unidas
emergieron de la guerra como una nueva potencia
mundial y experimentaron un importante auge
económico y cultural. En cuanto a la cuestión
religiosa, la ideología predominante es la protestante,
por lo que se elimina el tema religioso y el arte refleja
el poder económico de la burguesía holandesa.
ANÁLISIS FORMAL
Los retratos gremiales fueron uno de los géneros más
importantes de la Holanda del Barroco y se
caracterizaban por mostrar a los personajes en un
orden jerárquico, colocados en fila.
Rembrandt, sin embargo, rechazó este esquema y
mostró a las figuras apiñadas en forma piramidal
alrededor del cadáver, lo que dinamizó la
composición y dio una sensación más intensa de
realismo. Este realismo también se observa en los
retratos individualizados de cada figura, en los que
Rembrandt logró representar con habilidad
expresiones de sorpresa, entusiasmo y atención en
los rostros. Por eso, cada personaje habla con la
mirada, y este detalle favorece que el espectador
sienta que también forma parte de la escena.
Además, utilizó el claroscuro para perfilar con nitidez
los contornos de las figuras a partir de un haz de luz
potente y artificial que iluminaba el centro de la
escena (cadáver) desde la izquierda, dejando el resto
en la penumbra. El negro se convirtió en el color
principal de la escena, contrastado por los puntos
iluminados y la blancura de los cuellos de los vestidos
de los personajes.
ANÁLISIS CONCEPTUAL
"La lección de anatomía del profesor Tulp" de
Rembrandt fue uno de los primeros encargos públicos
importantes que recibió el pintor en Ámsterdam. La
obra retrata una lección de anatomía impartida por el
doctor Tulp ante 7 alumnos, durante la cual muestra
la disección del brazo izquierdo de un criminal. Uno
de los asistentes sostiene una hoja con los nombres
de los presentes y hay un libro abierto a los pies del
cadáver, que se ha relacionado con un manual de
Andreas Vesal, considerado el padre de la anatomía
moderna.
MODELOS E INFLUENCIAS
Rembrandt fue un seguidor fiel del naturalismo de
Caravaggio y adoptó su tratamiento tenebrista de la
luz, su dramatismo escénico y su uso de personas
comunes como modelos para sus personajes. Aun
así, supo asimilar perfectamente los modelos del arte
barroco europeo.
Aunque la relación de Rembrandt con Caravaggio no
fue directa, se produjo a través de otros pintores
holandeses que estuvieron en Roma en los primeros
años del siglo XVII, como Honthorst y Terbruggen.
Después de la muerte de Rembrandt, su pintura y sus
garabatos tuvieron un gran éxito durante el siglo
XVIII y su prestigio se consolidó durante el
Romanticismo, influyendo en artistas como Goya y
Delacroix.

FICHA TÉCNICA
Autor: Diego Velázquez
(Sevilla, 1599–Madrid,
1660)
Cronología:1656
Técnica: óleo sobre tela
Medidas: 3.18 x 2.76m
Estilo: barroco
Tema: retrato
Localización: Museo
del Prado (Madrid)
CONTEXTO
Durante el siglo XVII, los reinos hispánicos
experimentaron una decadencia política, pero no se
reflejó en el desarrollo cultural, ya que la corona
financió el arte y las letras para mejorar la imagen
del país. Es por esta razón que se conoce como siglo
de oro este período de la historia de España. Además,
España y Portugal consolidaron la colonización del
nuevo mundo y continuaron dominando Flandes,
Nápoles y Lombardía. La religión católica era
dominante en España, aunque también había
elementos de realismo propios del barroco.
ANÁLISIS FORMAL
El cuadro de Velázquez "Las Meninas" es una obra
que destaca por su composición y su técnica pictórica.
La infanta Margarita se establece como punto central
de las diferentes diagonales compositivas que dibujan
los otros personajes y que se proyectan desde la
infanta hasta el espejo y la puerta del fondo, que
proporcionan una gran profundidad escénica y
amplían el espacio visual.
La gran modernidad del corte de alguna de las figuras
y los objetos al margen de la tela, aporta una gran
dosis de espontaneidad a la escena.
Velázquez utiliza una pincelada larga y fluida con otra
corta y precisa, capaz de transmitir diferentes
texturas con realismo (dureza de la madera, rigidez
de los vestidos o la blandura del pelaje del perro).
En la obra hay 2 focos lumínicos: uno artificial que
irradia sobre las figuras situadas en 1r plano, y otro
que entra en la habitación a través de la puerta
abierta al fondo, mientras que el resto de la
composición queda en la penumbra. Velázquez
también domina la técnica de la perspectiva aérea.
Esto refuerza el sentido de la profundidad escénica.
La paleta cromática es rica y destacan los matices
tonales del blanco y el negro y el contraste con el rojo
de los detalles ornamentales de los vestidos.
ANÁLISIS CONCEPTUAL
El cuadro se llamaba El cuadro de la familia; pero, en
el 1843, el pintor Madrazo le dio el nombre de Las
Meninas (dama de honor en portugués).
La escena se sitúa en una estancia del Alcázar de
Madrid. La infanta Margarita se encuentra en el
centro, rodeada por sus damas de honor (Agustina de
Sarmiento e Isabel de Velasco) y los enanos Mari
Bárbola y Nicolasito Pertusato y un mastín. En 2ndo
plano hay 2 figuras de pie: Marcela de Ulloa, sirvienta
de las damas de la reina, y Diego Ruiz de Azcona, un
guardadamas. Al fondo, en la puerta, está José Nieto
Velázquez, aposentador de palacio y pariente del
pintor y reflejados en el espejo, se ve al rey Felipe IV
y la reina Marianna de Austria. A la izquierda está el
autorretrato del pintor con el pincel y la paleta en las
manos, que lleva una cruz de la orden de San Jaime.
Colgadas en la pared hay dos escenas mitológicas,
copiadas de Rubens y de Jordaens.
Existen numerosas interpretaciones de la obra. La
más aceptada es la que considera que el cuadro
muestra a la infanta y su séquito interrumpiendo al
pintor mientras trabaja en un retrato de la pareja
real. También es posible que el espejo refleje la tela
que está siendo pintada por Velázquez. En este caso,
podría plantearse quién está mirando al pintor, la
infanta y los demás personajes de la escena. Algunos
estudiosos han interpretado la pintura como un
alegado del artista sevillano a favor de la nobleza de
la pintura, considerándola como arte.
En esta línea se entendería el autorretrato del pintor,
luciendo la cruz de la orden de San Jaime, conseguida
3 años después (1659), y que se cree que fue pintada
por Felipe IV después de la muerte del pintor, como
señal de reconocimiento de la nobleza del artista.
El cuadro fue colgado en el despacho privado de
verano de Felipe VI, hecho que indica el valor privado
y familiar para el monarca.
MODELOS E INFLUENCIAS
Diego Velázquez fue un pintor español del siglo XVII
que destacó por su técnica y estilo personal,
influenciado por artistas como Ticiano, Caravaggio,
Rubens y Van Eyck (figuras importantes del Barroco).
Velázquez fue poco conocido fuera de España hasta
después de las guerras napoleónicas, cuando su
pintura se convirtió en una fuente de inspiración para
los artistas progresistas, sobre todo para los
impresionistas (Manet que calificó al genio sevillano
como “pintor de los pintores”).
En España, Velázquez también tuvo un gran
admirador y seguidor, Goya, que se inspiró en Las
Meninas para pintar La familia de Carlos IV.
En el siglo XX, su obra fue valorada por artistas como
Francis Bacon, Picasso y el Equipo Crónica.
La Meninas fue reinterpretada por varios artistas,
como Picasso y el Equipo Crónica, que proyectaron
sus propios conceptos y estéticas en la obra.