BLOQUE A.

Hitos y contemporaneidad de la
fotografía y el audiovisual. Formatos audiovisuales.
CREACIÓN Y EVOLUCIÓN DE
LA FOTOGRAFÍA Y EL
LENGUAJE AUDIOVISUAL.
La imagen en movimiento:
EL CINE.
Pioneros en los avances tecnológicos y en el
establecimiento de las formas lingüísticas.
Athanasius Kircher
(siglo XVII Alemania)
Monje, jesuita, erudito y
creador de la linterna
mágica como precedente
para los proyectores
cinematográficos.
En 1643 escribe el libro Ars
magna lucis et umbrae (“El
gran arte de la luz y la
sombra”).
Uno de los capítulos más destacables de la obra
es el Libro X, denominado Magia Lucis et
Umbrae ("Magia de la luz y las sombras"),
puesto que en él se explica cómo se construye y
cómo se utiliza la linterna mágica.
En este capítulo, Kircher se dedica a hablar de la
magia de la luz y las sombras y lo hace
dividiéndola en tres partes: la magia
"horográfica, la magia "parastática“ y la magia
"catóptrica“.
A lo largo del texto el autor da cuenta de sus
observaciones sobre astronomía y astrología,
así como de fenómenos físicos.
En la última parte del texto describe un
aparato denominado como linterna mágica.
Este invento es la aportación más importante
de Kircher al mundo del cine y la fotografía
puesto que sentó un precedente para la
proyección fílmica.
La linterna mágica.
Kircher logró proyectar con luz imágenes
provenientes de la cámara hacia una superficie
del exterior. A la inversa de como funcionaba la
cámara oscura tradicional, la linterna mágica
usaba dibujos en su interior, iluminados con luz
hacia el orificio de la cámara para que la imagen
de los dibujos saliera por allí y se proyectara en
una superficie oscura del exterior. Otra
innovación de su aparato, con respecto a la
cámara oscura tradicional fue el uso de un
cilindro a modo de lente para direccionar la luz
sobre la superficie en la que se iba a proyectar la
imagen.
Peter Mark Roget
(Londres 1779 -1869)
En 1824, dio los primeros
pasos para la explicación
científica y la realización
técnica del dibujo animado:
mirando a través de las
separaciones verticales de
una persiana veneciana el
paso de las ruedas de un
carro, se sorprendió al ver
que la rueda parecía avanzar
sin girar…
Roget estudió a fondo ese fenómeno que le
pareció tan curioso, calculó y dibujó esquemas.
El 9 de diciembre de 1824, comunicó su trabajo
en la Royal Society, bajo el título de
Explanation of an optical deception in the
appearance of the spokes of a wheel when
seen through vertical apertures (“Explicación
de una ilusión óptica en la apariencia de los
radios de una rueda al ser vista a través de
mirillas verticales”), y esta misma sociedad lo
publicó en 1825.
Aunque su explicación no era demasiado
correcta, su consideración de la ilusión del
movimiento fue un punto importante en la
historia del cine, y probablemente influyó en el
desarrollo del taumatropo, el fenaquistiscopio
y el zoótropo.
Algunos de los principales juguetes ópticos
fueron: el taumatropo (1825), el
fenaquistiscopio (1832), el zoótropo
(ca. 1834-1867), el disco de Newton (1680), el
praxinoscopio, etc.

Primera Parte De los Juguetes Ópticos a Méliès y Segundo de

Chomón
https://www.youtube.com/watch?v=KUtq3V3bz84
Taumatropo Fenaquistiscopio

Zoótropo Disco de Newton

Émile Reynaud (1844-1918), quien podría ser
considerado como padre de la animación y el
inventor de los dibujos animados.
En 1877 Émile Reynaud crea el praxinoscopio, un
zoótropo con unos mecanismos mejorados que
permitían una mayor calidad de movimiento de
las imágenes. Con este nuevo invento, Reynaud
preparó en París un nuevo espectáculo que
denominó Teatro Óptico, que patentó en 1888,
en el cual proyectaba sus Pantomimas luminosas
entre los años 1892 y 1900.
Reynaud coloreaba unas figuras sobre una
gelatina transparente de 70mm llamada
Cristaloid, que estaba protegida por una película
de goma-laca. Reynaud ideó también la
perforación de la película para el arrastre
mecánico de la misma.
El Teatro Óptico de Reynaud en el que
proyectaba sus Pantomimas luminosas fue un
éxito en París durante casi una década, se
realizaban dobles pases diarios en el Teatro
Grévin de la capital francesa.
Por desgracia, con la aparición del
cinematógrafo de los hermanos Lumière, el
Teatro Óptico de Reynaud dejó de ser la
principal atracción audiovisual del momento.
Reynaud terminó destruyendo su
praxinoscopio y la mayor parte de las obras
que realizó.
Desde 1888, Kodak fabrica carretes de película
enrollable.
En el campo de las investigaciones científicas
efectuadas con la utilización de la fotografía
pueden resaltarse los estudios sobre locomoción
humana y animal de Étienne Jules Marey y
Edward Muybridge. Así, muy interesante fue
poder averiguar la secuencia de movimientos de
las patas de un caballo al galope, que era un tema
de amplio debate entre los pintores de la época.
Cronofotografía Jules Marey
Edward Muybridge
Étienne Jules Marey
nació en Beaune,
Francia en 1830.
Fue un reconocido
médico dedicado a
la investigación y a
la fotografía.
Gracias a él y a su trabajo se produjeron grandes avances
en la ciencia y de la imagen, como la cronofotografía.
Con ella plasmó y pudo congelar los pasos de un hombre
y los de un caballo, también cómo volaban diferentes
insectos y aves.
Creó el "rifle fotográfico" que podía capturar doce
imágenes por segundo. De esta manera podía congelarse
el movimiento de casi cualquier cosa.
En el año 1882 sustituyó su rifle fotográfico por una cámara
de cronofotografía. Ésta era de placa fija y tenía un
obturador con el que podía controlar el tiempo. A lo largo de
los años Jules Marey fue mejorando su técnica y sus inventos.
Sustituyó la placa de cristal por una tira de papel fotosensible
que se movía automáticamente dentro de la cámara a través
de un electroimán. Finalmente, el negativo remplazó al papel
y pudo así obtener infinitas copias de su trabajo.
Jules Marey murió en 1904 habiendo conseguido con su
trabajo inspirar a los hermanos Lumière para inventar el
cinematógrafo.
Eadweard
Muybridge.
Fotógrafo inglés
reconocido por sus
contribuciones al
análisis del
movimiento en
personas y animales.
En 1872 Muybridge es contratado por el gobernador de
California, Leland Strandford, para tratar de dirimir un
debate que estaba muy presente en los círculos de
aficionados a las carreras de equinos: cuando los caballos
corren a máxima velocidad, ¿acaso llega un momento en
el que las cuatro patas dejan de tocar el suelo?
Para tal trabajo, Muybridge inició experimentando con
una serie de cámaras que se accionaban cuando un
caballo pasaba frente a ellas.
Muybridge mejora el proceso para tomar fotos y realiza
una de sus series más famosas titulada The Horse in
Motion.
En 1879 inventa el zoopraxiscopio, dispositivo que deriva
de la conjunción de la linterna mágica con los juguetes
ópticos para la ampliación de imágenes.
Este aparato acompaña a Muybridge tanto en París como
en Inglaterra durante los siguientes años mientras se
dedica a dar conferencias.
En Filadelfia, específicamente en la Universidad de
Pensilvania, Muybridge realiza la que tal vez sea su obra
más importante. Auspiciado en parte por la Universidad y
en parte por suscriptores ajenos a ella, toma miles de
fotografías enfocadas en la locomoción del ser humano
así como de algunos animales. En 1887 se publica la
colección de estas fotografías bajo el título de Animal
Locomotion: an Electro-Photographic Investigation of
Connective Phases of Animal Movements.
Los hermanos Lumière
Hijos del fotógrafo Antoine
Lumière, crearon el
cinematógrafo: este dispositivo
que desarrollaron permitía la
toma, proyección y hasta el
copiado de imágenes en
movimiento.
La primera presentación fue el 28 de diciembre de
1895, en París, y consistió en una serie de
imágenes documentales, de las cuales se
recuerdan aquella en la que aparecen los
trabajadores de una fábrica (propiedad de los
mismos Lumière), y la de un tren (en la estación
de La Ciotat) que parecía abalanzarse sobre los
espectadores. Ante estas imágenes las personas
reaccionaron con un instintivo pavor, creyendo
que el tren los atropellaría.
La función de las primeras "películas" era
mayormente documental, con el agregado del
movimiento.
Louis Aimé Augustin Le Prince (1842- 1890)
Fue un artista e inventor francés, considerado
por muchos historiadores como el verdadero
inventor del cine, realizando sus primeras
imágenes en movimiento en octubre del año
1888, en la obra titulada Roundhay Garden
Scene (La escena del jardín de Roundhay), de
apenas dos segundos de duración, con la
ayuda de una lente única y una película de
papel.
https://www.youtube.com/watch?v=ajnGxYgtq9w
Georges Méliès
Cineasta, ilusionista y mecánico
francés reconocido como el padre de
la cinematografía. Sus contribuciones
a la narrativa cinematográfica son
invaluables, considerado también
como el fundador, entre otras cosas,
del cine de ciencia ficción.
Hacia 1897 el incipiente cineasta manda construir el
que es considerado uno de los primeros estudios
cinematográficos en Montreuil-sous-Bois. Construido
con paredes y techo de cristal, el lugar es adaptado
para aprovechar al máximo la luz solar. La decisión de
grabar a puerta cerrada, con su creciente grupo de
técnicos y actores será no sólo uno de los sellos
característicos del trabajo de Méliès, sino de las
grandes industrias cinematográficas del siguiente siglo.
Así comienza la profesionalización del cine.
Con la Star Film pasa a la historia como
el creador del cine como espectáculo.
Quizá uno de los rasgos más importante de la obra de
Méliès fue que supo conjuntar de manera admirable
elementos del teatro (vestuario, actuaciones,
escenario, maquillaje), con los avances científicos del
siglo XIX que originaron el cine, todo mezclado con la
intuición de una imaginación sorprendente. Con
singular maestría supo llevar los trucos y las ilusiones
del escenario a la pantalla.
Entre las películas que realizó se
encuentran algunas de carácter
fantástico como El viaje a la Luna
(1902), la película más recordada,
Viaje a través de lo imposible,
adaptaciones literarias como El
viaje de Gulliver a Lilliput y al país
de los gigantes.

https://www.youtube.com/watch?v=5_xcB0-y10E
El sistema de Méliès fue perfeccionado por Charles Pathé,
coetáneo suyo y fundador de unas entidades industriales
-estudios, talleres de revelado, locales públicos de proyección-
que contribuyeron a que la producción francesa dominara el
mercado europeo y lograra un verdadero poderío económico.

En 1902, Pathé adquirió las patentes de los Hermanos Lumière,

y luego se dedicó a diseñar una cámara de estudio.
Avanzó con nuevos equipos, nuevas instalaciones de
procesamiento y una comercialización agresiva combinada con
sistemas de distribución eficientes, que les permitió hacerse
con una parte enorme del mercado internacional.
Antes del estallido de la
Primera Guerra Mundial, Pathé
dominó el mercado de Europa
en cámaras de cine y
proyectores.
Otro de los pioneros del cine francés fue Léon Gaumont, gran
competidor de Pathé en el campo de la producción, que
comenzó su andadura haciendo noticiarios -Actualités- y
terminó por producir filmes estéticos.
La compañía originalmente comerciaba con aparatos
fotográficos y en 1897 empezó a producir cortos para
promocionar su proyector de cámara. Desde 1905 hasta 1914,
sus estudios "Cité Elgé" fueron los más grandes en el mundo.
Segundo de Chomón (1871-1929) fue un cineasta
español. Destacó como director pionero del cine
mudo y técnico de trucajes. Frecuentemente
comparado con Méliès por su gran calidad técnica
y creatividad, fue considerado uno de los grandes
hombres del cine de su tiempo, siendo
contratado por las más importantes empresas
cinematográficas de la época, como la Pathé
Frères o la Itala Films.
A él se atribuye el desarrollo del paso de manivela (más
conocido actualmente como stop-motion), cuyo uso culmina
en El Hotel eléctrico de 1908 para la Pathé, y la utilización en
decorados interiores, de modo absolutamente consciente, del
travelling sobre una plataforma habilitada especialmente para
este movimiento. Fue un genio de los trucajes, desde el
coloreado de películas, pasando por todo tipo de efectos de la
época, cuyo repertorio incluye la utilización de maquetas,
efectos schüfftan, doble exposición, sobreimpresiones,
pirotecnia, escamoteos y el ya comentado uso de la velocidad
de paso de manivela.
También contribuyó a la creación de una industria nacional
española de cinematografía, con sus etapas barcelonesas y
sus películas de alcance popular: melodramas, zarzuelas,
dramas históricos y comedias.
Es uno de los más importantes cineastas internacionales
por su contribución al desarrollo del arte cinematográfico
en la etapa muda, que trabajó para los más importantes
directores y productores de aquella época en Francia, Italia
y España.
El hotel eléctrico (1908).
Con 140 metros de longitud, supone la
cumbre del procedimiento del paso de
manivela, con el que se consigue dotar a
los objetos de vida propia. En el mundo
del progreso tecnológico, todo está
automatizado en un hotel a la última,
donde los cepillos peinan solos, los
zapatos se atan sus cordones y todos los
electrodomésticos de la suite trabajan
por sí solos.

https://www.youtube.com/watch?v=DFKUyZSPddU
Alice Guy-Blaché.
Cineasta, productora y guionista francesa, hoy en día se le
identifica en la historia del cine como la primera mujer directora
y una de las pioneras del cine narrativo.
En 1884 es contratada como secretaria por León Gaumont (quien
por ese entonces trabajaba en La Sucursal General de Fotografía).
El 22 de marzo de 1895 presenció junto a Gaumont una
demostración realizada por los Hermanos Lumiére, que les
mostraba cómo funcionaba el nuevo invento que habían
construido.
A Alice le fascinó.
Gaumont perfeccionó posteriormente la cámara de 60 mm. de
Lumière sin saber muy bien que era lo que iba a hacer con su
nuevo aparato. Alice, de 23 años, pensó que se podría animar con
historias los resultados del cinematógrafo, y manifestó a
Gaumont que lo que había que hacer con el cine era contar
pequeñas historias, y que ella estaba dispuesta a demostrarlo,
realizándolas para divertir a los potenciales compradores del
aparato.
Gaumont accedió a prestarle una de las cámaras que su empresa
fabricaba, siempre y cuando, enfatizó, no abandonara sus labores
de secretaria.
Alrededor de mayo de 1896, Alice filma su primera película La Fee
aux Choux (El hada de los repollos). En este primer film la incipiente
cineasta, además de dirigir la película, escribió el guion y produjo el
proyecto, tres de las actividades en las que se involucró
incansablemente durante las siguientes décadas a partir de su
debut en el cine. Alice Guy es considerada por algunos críticos
como una de las primeras exponentes del cine narrativo.
El invento de Alice tuvo tanto éxito que los equipos de la empresa de
Gaumont comenzaron a venderse estupendamente. Así que Gaumont
tuvo que eximir a Alice Guy de sus tareas de secretaria.

Desde aquel momento ella estuvo al cargo de la nueva productora.

Todas las películas que hizo en esta época de su vida fueron
proyectos muy ambiciosos: desde escenas de óperas a militares. Llegó
a producir dos cortos semanales hasta que en 1905 fue nombrada
supervisora de los demás directores de la compañía.
Fue la primera persona en dirigir una película de ficción. Fue
pionera en los efectos especiales, la ciencia ficción fílmica, el
lenguaje cinematográfico (planos, iluminación, attrezzo, montaje,
caracterización...) y fundadora de lo que más tarde se ha
considerado la profesión de productor o productor ejecutivo.

https://www.youtube.com/watch?v=c_xvf-ZEH7I
Alice Guy incursionó prácticamente en todos los géneros
cinematográficos, el melodrama, la comedia, la acción y el
western, entre otros. Algunos de sus filmes, cuyas
protagonistas eran mujeres, critican los roles de género, es
decir, los papeles asignados culturalmente tanto a hombres
como a mujeres.
En una industria que estaba compuesta prácticamente por
hombres, la figura y obra de Alice Guy nos da la oportunidad
de apreciar desde una perspectiva distinta el desarrollo del
arte cinematográfico.
Algunas de las películas
más importantes del
catálogo de Alice, de
gran importancia y valor
artístico son: Dick
Whittington y su gato;
Hojas caídas; La
esmeralda, La mujer
misteriosa ,Vampiro, La
vida de Cristo.
Rodó más de 1000
películas a lo largo de
su vida, fundó varias
productoras en
Francia y en Estados
Unidos y luchó por
ser reconocida
internacionalmente
como directora, actriz
y productora.
https://youtu.be/-_cYhqVblLc
La Escuela de Brighton.
Fue un grupo de cineastas y fotógrafos ingleses que sentaron
las bases para el lenguaje cinematográfico en la ciudad de
Brighton.
Este movimiento tiene dos grandes precursores:
• William Friese-Greene que patentó un aparato "destinado
a tomar fotografías en series rápidas",
• Robert William Paul que construyó en 1894 una imitación
del kinestocopio de Edison, aprovechando que no estaba
patentado en Inglaterra. Al año siguiente, construye una
cámara portátil con la que puede producir sus propias
películas.
William Friese-Greene Cámara portátil de Robert William Paul
Estos realizadores, la mayoría provenientes del mundo
de la fotografía, permitieron la invención de una nueva
sintaxis, que alejó progresivamente al cine de las
representaciones teatrales, para ir construyendo poco a
poco un lenguaje propiamente cinematográfico, que
culminará con las realizaciones de D. W. Griffith.
Algunas de sus aportaciones:
• Primer Plano.
• Montaje como elemento narrativo (fragmentación de una escena
en diferentes planos).
• Sobreimpresión.
• Montaje paralelo.
• Invención del Kinemakolor, primer sistema de cine cromático.
• Movimientos de cámara que captura los diferentes puntos de
vista.
• Travellings.
• Plano – contraplano.
• Persecuciones y asuntos realistas.
• Escenarios realistas (calles, playas, jardín).
• El Chroma Key.
Thomas Alva Edison
Inventor y empresario estadounidense, considerado una de
las figuras fundamentales en la revolución tecnológica de
mediados del siglo XIX.
Cartel de 1896 publicitando el Vitascope.
Edison también ostenta el título de ser uno de los
primeros impulsores del cine y del desarrollo de la
industria cinematográfica de su país.
Después de conocer a Muybridge en y observar el
funcionamiento de su zoopraxinoscopio, Edison decide
ponerse a trabajar en su nuevo laboratorio.
El quinetoscopio, por otra parte, resultó mucho
más rentable en su comercialización. Este era, a
grandes rasgos, una máquina en forma de caja
que contenía, en su interior, un mecanismo que
movilizaba una cinta que pasaba encima de una
luz eléctrica. Popular en ferias y parques de
atracciones, pronto se volvería una atracción
menor al competir con el invento de los Lumière:
el quinetoscopio, a diferencia del cinematógrafo,
sólo daba la posibilidad de ser visualizado por
una persona.
En asociación con William K. L. Dickson, construyó dos
dispositivos: el kinetógrafo y el quinetoscopio. El primero
de ellos es considerado por algunos historiadores del cine
como el precedente de la cámara cinematográfica.
Poseía la habilidad de grabar pero no estaba capacitado
para reproducir las imágenes.
Edwin Santon Porter
Fue un pionero del cine estadounidense, más conocido como
productor, director, gerente y director de fotografía de la
empresa manufacturera de Thomas Alva Edison.
Trabajó en los estudios de Thomas Edison, primero como
ayudante de cámara y luego como jefe de su estudio desde
1902 a 1909. Con Porter se consolida la técnica narrativa de
ese nuevo invento que era el cine a principios del siglo xx.
Fascinado por el trabajo de Méliès, Porter quiso hacer
también un cine narrativo. En 1902, rodó Life of an American
Fireman (Vida de un bombero americano) con escenas
documentales auténticas. Ha sido considerada como una
película pionera en el montaje paralelo.

https://www.youtube.com/watch?v=p4C0gJ7BnLc
En 1903 estrena Asalto y robo de un tren, película que
inició el género del wéstern. Puede ser considerada
como la primera obra importante, con argumento de
ficción, del cine estadounidense.
Su última escena, un primer plano de un pistolero
disparando sus armas hacia el espectador, causó una
impresión parecida a la que pudo hacer en su día el tren
de los hermanos Lumière. La película fue un gran éxito.
David W. Griffith.
El punto de partida para el cine estadounidense fue Griffith con
The Birth of a Nation (El nacimiento de una nación) en 1915.
Es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque
David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos
narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese
momento. La forma en que se establece el salto de eje, el uso de
los primeros planos, la alternancia entre planos generales que
permiten que el espectador comprenda y organice mentalmente
el espacio donde transcurre la acción y planos cortos donde se
aprecia el detalle constituyen la base del modelo.
Aportaciones de Griffith al mundo de la cinematografía.
Aportaciones de Griffith al mundo de la cinematografía.
• Punto de vista de la cámara: Griffith cambia la cámara de
lugar y, por tanto, de punto de vista, dentro de una misma
escena.
• Primer plano: como lenguaje fílmico, no como efecto
escénico o truco. Acercamiento del punto de vista de la
cámara a la acción.
• Planos generales de gran alcance: la cámara toma planos
generales de gran alcance para recoger extensas
panorámicas. Griffith dará, en adelante, a estas
perspectivas un gran valor espectacular y dramático, sobre
todo en El nacimiento de una nación.
• Utilización la iluminación con fines dramáticos. Iluminación
lateral y claroscuro. Sustituye la iluminación uniforme por la
lateral y se lanza a efectos de claroscuro.
• Diafragma y cortinas. Fragmenta la imagen con recursos
técnicos, como el iris que la abre o cierra en redondeo para
destacar lo que le interesa o dar un efecto dramático; cortinas y
catchs (recortes en negro dentro del plano) que dividen la
pantalla y van descubriéndola en emocional suspense y los
desenfoques creativos. Fundidos, Flou, sobreimpresiones.
• Variadas formas de Raccord a través de objetos, miradas y
gestos.
• Flash-back.
• Variadas formas de Raccord a través de objetos, miradas
y gestos.
• Flash-back.
• La importancia de los intérpretes: la cámara se convierte
en un instrumento para analizar el gesto y sondear el
alma de los personajes. La pantomima y la cabriola
desaparecen y quedan las actitudes íntimas, que
traslucen el leve destello de una mirada, un temblor de
labios, un rictus, un movimiento de manos.
• Montaje.
Su aportación fundamental, de enorme trascendencia, es el
montaje, Parte de las acciones paralelas, simultaneidad de
tiempo y espacio.
- La técnica del montaje paralelo, dos o más escenas que
ocurren en escenarios o momentos distintos, se desarrollan
simultáneamente sin necesidad de suceder al mismo tiempo.
- El montaje alterno, yuxtaposición de acciones que suceden
en un mismo momento, es decir, que guardan una
correspondencia temporal, pero que se muestran
alternadamente.

https://www.youtube.com/watch?v=iW5bSVdGHzs
HITOS TÉCNICOS DEL MUDO AL SONORO
Thomas A. Edison y otros inventores de la época, como Eadweard
Muybridge, trabajaron en adaptar el gramófono y otros aparatos
para incorporar sonido a las imágenes en movimiento, sin gran
éxito.
Los principales problemas del sonido en el cine eran dos:
-mantener la sincronía
-amplificar el sonido para que pudiera oírse en una sala

Otra limitación era que el tiempo máximo por disco de gramófono

solía ser de unos 5 minutos.
 De aquella época quedan inventos como el zoopraxiscopio, el
kinetófono o el Fonocineteatro
El kinetófono fue un dispositivo inventado por Thomas
Alva Edison y William Kennedy Laurie Dickson, a
finales del siglo XIX, con el objetivo de unificar la imagen
con el sonido. El dispositivo consistía en proyectar la
película del quinetoscopio sincronizada con el sonido
del fonógrafo.

Zoopraxiscopio Fonocineteatro
Los primeros experimentos para añadir sonido a las películas se
centraban en dos métodos:
-grabar el sonido directamente en la película
-grabar en discos que se reproducían a la vez que la película

Photo-kinema
Inventado por Orlando Kellum. Se utilizó alrededor del 1921.
Grababa el sonido en un disco similar a un vinilo, que se reproducía
a la vez que la película.
El proceso fue utilizado por D. W. Griffith para grabar las
secuencias de canto y efectos de sonido para su película La calle
de los sueños (1921)
Tri-Ergon
Inventado por tres alemanes en 1919.
Incorporaba el sonido como una banda en el lateral de la propia
película fotográfica. Esto simplificaba el asunto de la
sincronización.

Grabación de película de audio exterior con el

equipo transportable de Tri-Ergon.
El amplificador a la izquierda, la cámara de
imagen y sonido en el medio y el micrófono a
la derecha
 Película de demostración
de Tri-Ergon de la
primavera de 1921.

Grabación de Tri-Ergon del

discurso de Gustav
Stresemann en la
inauguración de Kipho, 1925
Proyector de película (Berlín).
sonora grabada con La copia de la película tiene
tecnología Tri-Ergon. 42 mm de ancho y la pista
está fuera de la perforación.
Phonofilm
Creado y patentado por el
norteamericano Lee de Forest en 1920
Es un sistema que permite inscribir
el sonido en la misma película en la
que se encuentra la imagen.
Vitaphone
El sistema consistía en grabar
por separado la banda
sonora en discos que se
ponían sincronizadamente
con la película proyectada.
Muchas películas, como El
cantante de jazz (1927) y Don
Juan (1926), utilizan este
sistema.
https://www.youtube.com/watch?v=fgUNTVE
nnfE
Movietone
Fue uno de los primeros sistemas de sonido
grabado en una película. Se utilizó en los
primeros largometrajes y en algunos
informativos desde 1926 hasta 1939.
Eliminaba los problemas de sincronización
más frecuentes en el sistema Vitaphone pero
requería un sistema nuevo de proyección.
Se usó en películas de la Fox como El Precio
de la gloria (1927).
Supuso la modernización de todas sus salas.
La época mono
Entre la segunda mitad de la década de los 20 y la década de los 30,
todas las películas tenían sonido “mono”, es decir, sólo recogía la
información de un único canal de audio.

Fantasound (multicanal o estéreo)

Este sistema se creó para la película
de Dysney Fantasía (1940), pero
sólo se utilizó en 14 cines de
Estados Unidos como consecuencia
del coste del sistema y de la
atención y recursos dedicados a la
Segunda Guerra Mundial.
Cinerama
Sistema que ofrecía ya en
1952 un total de 7 canales.
Cinemascope
En lugar de pistas
ópticas, representaba la
banda sonora en bandas
magnéticas para crear
cuatro canales de
sonido. Así se hizo La
túnica sagrada (1953).
Dolby
El sistema de reducción de ruido Dolby se inventó en 1966, y debutó
con La naranja mecánica (1971).

Sensurround
Este sistema amplificaba los sonidos de
baja frecuencia.
Una película idónea para tener este
sistema sonoro fue Terremoto (1974).
Dolby Stereo
Este sistema codificaba cuatro canales de sonido en dos canales
grabados en la película, y posteriormente se descodificaban en los
cuatro canales permitidos para el estéreo en el espacio limitado de un
rollo de película.
Ha nacido una estrella (1976) ya usaba el Dolby Stereo y 4 canales;
cuando se usó en Star Wars (1977) supuso su punto de madurez.

Sonido 5.1
Sonido totalmente envolvente que se consigue al aplicar las técnicas
de reducción de ruido de Dolby a las pistas magnéticas de películas de
70mm. Apocalypse now (1979).
La certificación THX llegó en 1983

Dolby Digital
Ofrecía una banda sonora digital 5.1 y una pista analógica de
seguridad, aunque la información seguía yendo impresa en la película
fotográfica. Batman Returns (1992)

Dolby DTS
No coloca la banda sonora en la película, sino en un CD-Rom por
separado. Parque Jurásico (1993).
Dolby SDDS
Permitía hasta ocho canales de sonido: cinco en la parte frontal del
cine, dos canales surround en los laterales y un canal de graves. El
último gran héroe (1993).

Dolby Surround 7.1

Utiliza el ancho de banda disponible de la transición al cine digital
para añadir dos canales surround individuales en la parte trasera
de la sala. La primera película que usó este sistema fue Toy Story 3
(2010).
Barco Auro 11.1
En 2012, añade una capa de cinco canales de altura al 5.1 tradicional
para disfrutar de una sensación aún más inmersiva, como ocurrió
con Red Tails.

3D Dolby Atmos,
En la actualidad, los esfuerzos de Dolby se centran en este sistema,
utilizado en películas como Gravity (2013), El hobbit (2012-2014) y La
vida de Pi (2012).

¿El futuro? La televisión japonesa NHK ya cuenta con una sala de

pruebas en las que se proyectan películas de definición 8K con sonido
surround 22.1
CINE EN COLOR
Si la invención del cine fue toda una revolución,
no se quedó atrás el cine a color. Fue en 1909,
en el teatro Palace-Varieté de Londres, donde
se proyectaron por primera vez películas en
color, gracias al empleo del sistema
cinemacolor, inventado por George A. Smith.
Este sistema utilizaba tan sólo dos colores, el
verde y el rojo, que se mezclaban de forma
aditiva.
Más tarde llegaría el technicolor, concretamente en
1916, y fue mejorada a lo largo de varias décadas.
Desarrolló el procedimiento tricromático (verde, rojo,
azul), cuyo uso exigía una triple impresión fotográfica,
incorporación de filtros cromáticos y unas cámaras de
enormes dimensiones. Curiosamente, se considera la
primera película filmada completa con este nuevo
sistema un corto de animación de Walt Disney, Flowers
and Trees, dirigida por Burt Gillert en 1932.
Aunque no es hasta 1935, tres años después, cuando
se estrena el primer largometraje rodado con este
sistema, La feria de las vanidades (1935), de Rouben
Mamoulian.
A partir de aquí, el uso del Technicolor se generalizó,
popularizándose en musicales como El mago de
Oz o Cantando bajo la lluvia, películas de época
como Las aventuras de Robin Hood, o de animación,
como Blancanieves y los siete enanitos. También se
usó para películas como en Que el cielo la
juzgue o Niágara.
LA INDUSTRIA CINEMATOGRÁFICA
El cine, que comenzó como un
entretenimiento de barraca de feria,
pasó a convertirse rápidamente en
una industria floreciente, ya desde
los hermanos Lumière.

Lo caro que resulta producir una

película y lo complejo de su
realización obligan a la creación de
una infraestructura industrial. Un quinetoscopio con la tapa abierta, mostrando la
película: una cinta sin fin; y el visor superior abierto.
Thomas Harper Ince fue un actor, guionista, productor
y director de cine estadounidense. Se destacó por un
estilo riguroso de producción basado en la planificación
y supervisión.
Es el primero que funda unos estudios como se
entienden hoy en día, los Inceville.
Aplica a su estructura de funcionamiento la misma
organización que Henry Ford a la industria
automovilística.

A partir de ahí se generaliza el Sistema de estudios,

vigente hasta la última década del siglo XX.
El modelo productivo del cine se apoya en tres pilares:
La producción se encarga de poner en marcha los proyectos, de las
actividades relacionadas con la planificación, organización y
administración de recursos financieros y materiales necesarios.
Coordina profesionales, empresas de servicios y equipos técnicos.

La distribución se ocupa de conseguir que el producto audiovisual se

vea por el mayor número de salas, de la promoción, publicidad,
marketing y administración de los subproductos que produce la
película.

La exhibición decide lo que se estrena y lo que no.

Esto ha cambiado radicalmente con la llegada de You Tube y otros
fenómenos similares en el mundo audiovisual.
En los inicios de la industria cinematográfica estadounidense, Nueva
York fue el epicentro de los cineastas. El estudio de grabación de
Kaufman-Astoria en Queens, construido durante la etapa muda del
cine, fue usado por los hermanos Marx.

El mejor clima de
Hollywood durante todo
el año lo convirtió en una
mejor opción para rodar.
Son muchas las empresas
que comienzan a llevar allí
sus estudios.
En los años 20, Hollywood, se había convertido en poco tiempo el
centro industrial cinematográfico de los EE.UU. Grandes empresas
han levantando sus estudios donde, además de hacerse películas, se
"fabrican" las estrellas para interpretarlas.

Ha nacido el Star System, era el sistema de contratación de

actores en exclusividad y a largo plazo utilizado por los estudios en
la denominada época dorada de Hollywood para asegurarse el éxito
de sus películas.
Se basaba en la popularidad de dichos actores y mediante la
publicidad los convierte en mitos.
 Greta Garbo

John Gilbert.

Gloria Swanson Douglas Fairbanks

El famoso y poderoso productor Adolph Zukor crea un sistema

de clasificación de las películas en función de la fama y el
sueldo de los actores que las protagonizaban (A, B y C).
El mismo Zucor, en un intento de controlar todo el proceso, de
rodaje a proyección, empieza a poner de moda la
concentración de empresas productoras, distribuidoras y
exhibidoras.

La Paramount es el resultado
de la primera gran fusión en
1912.
Se convierte en la más
poderosa de Hollywood.
Sistema de los MAJORS en la década de los 30 se produce un
proceso de concentración que da lugar a un número reducido de
macroestudios que dominan la industria cinematográfica
estadounidense.

En la época dorada de Hollywood (entre 1930 y 1940) empezó la

trayectoria de las BIG SIX MAJORS.
Durante los años 40, los productores independientes comenzaron a
hacerse notar debido al aumento del público en las salas. Cada vez
eran menos los actores que firmaban contratos en exclusiva con
algún estudio, y llegados a 1950 casi todas las primeras figuras del
cine contaban con su propia productora.
El sistema de estudios de Hollywood sucumbió a dos fuerzas a
finales de los años 40:

.1948 Sentencia del Tribunal Supremo contra ocho productoras

por violar la Ley Antimonopolio que obliga a los estudios a
separar la producción de películas de su exhibición en salas.
Actores y cuerpo técnico fueron liberándose gradualmente de
sus contratos con las productoras.
. La invención de la televisión.
Supone una conmoción fuerte para la industria de la gran pantalla.
El cine trata de defenderse con novedades tecnológicas:
- Se perfecciona el cine en color. El Sistema Technicolor incorpora
la tricromía.
- Sonido estereofónico. Disney usa el
Fantasound en Fantasía.

https://www.youtube.com/watch?v=2DX2yVucz24

- El formato. Se busca la espectacularidad

con formatos panorámicos (Vistavision,
Todd-AO, Scope), luego llega El Cinerama
(unía tres películas en la misma
proyección) hasta llegar al cine digital.
Dada la progresiva pérdida de espectadores del cine, muchos
técnicos cinematográficos se pasaron al mundo de la televisión.
La industria comenzó a realizar telefilmes con el fin de adecuarse
económicamente a los cambios y a vender para la televisión las
películas antiguas. En la década de los 60 la mayoría de las series
de televisión se producen en Hollywood.
https://www.youtube.com/watch?v=bnMv_Rz4MgI
En los años 70 se produce el Renacimiento de Hollywood. Es un
término utilizado para describir la aparición de una nueva
generación de directores educados en escuelas de cine y que han
absorbido las técnicas creadas en Europa en la década de los 60.

Directores como Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian de

Palma, Martin Scorsese y Steven Spielberg llegaron para crear
productos que rindiesen homenaje a la historia del cine e innovar
sobre los géneros y técnicas ya existentes.
El enorme éxito cosechado por Coppola, Spielberg y Lucas con El
padrino, Tiburón, y La guerra de las Galaxias, respectivamente
ayudaron a establecer el concepto moderno de "cine comercial" o
mainstream, y llevaron a los estudios a enfocar más seriamente sus
esfuerzos en intentar producir grandes éxitos.
A finales de los años 80 y principios de los años 90 fue revitalizado
el cine independiente estadounidense cuando otra nueva
generación de cineastas, incluyendo a Spike Lee, Steven
Soderbergh, Kevin Smith, y Quentin Tarantino rodaron títulos
como Haz lo que debas, Sexo, mentiras y cintas de vídeo, Clerks y
Reservoir Dogs, respectivamente.
Con el pasar de los años el cine sigue siendo el mismo: una fábrica
de sueños. Lo único que ha cambiado son las herramientas, los
efectos que se utilizan para lograrlo.
En la creación de películas como La guerra de las galaxias de
Georges Lucas (1977) los ordenadores alcanzaron un gran
desarrollo y una amplia aplicación.
En 1993 Jurassic Park causa un gran impacto entre el público por sus
efectos digitales.
La tecnología se desarrolló mucho más y se crean producciones tan
impresionantes como Titanic, Matix, Pearl Harbor o El señor de los
anillos y más recientemente Avatar.
Otro avance tecnológico que ha contribuido significativamente son
las producciones en 3D.
Aparece el término blockbuster
(taquillazo).
George Lucas con La guerra de las
galaxias, hizo un trato con la Fox,
que los ejecutivos del estudio
consideraron muy ventajoso, por
el cual la Fox se llevaba las
ganancias por la película, y Lucas
el merchandising.
El cine digital (Cine D)
Es una tecnología de proyección para la industria cinematográfica,
que tiene la particularidad de reemplazar al proyector tradicional
por uno digital para proyectar en la pantalla una versión
computarizada de la película.
Utiliza la tecnología digital para grabar, distribuir y proyectar
películas.
Se caracteriza por la alta resolución de las imágenes, se graba
utilizando una representación digital del brillo y el color en cada
pixel de la imagen, en lugar de quedar fijada por emulsión química
en película de celuloide tradicional.
Los comienzos del cine digital datan de los años 80. Se le conoció
durante años como “Cine Electrónico”. Fue Sony la empresa que
comenzó a comercializar el concepto de ‘Cine Digital’, a finales de
los 80, usando cámaras HDTV analógicas.
LINEA TEMPORAL DESARROLLO TECNOLÓGICO
DEL CINE