EL RENACIMIENTO: PRECURSORES

Es el nombre dado en el siglo XIX a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa
Occidental durante los siglos XV y XVI.1 Fue un periodo de transición entre la Edad Media y los
inicios de la Edad Moderna. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque
también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas.

Precursores:
Miguel Ángel:

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de 1564),

conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor, pintor y poeta italiano
renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas
como por sus pinturas y obra arquitectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de
setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia
Médici de Florencia y los diferentes papas romanos. Fue el primer artista occidental del que
se publicaron dos biografías en vida: Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori,
de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo
incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y
discípulo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy
admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino. Triunfó en todas las artes en las
que trabajó, caracterizándose por su perfeccionismo. A La escultura, según había declarado,
era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a continuación, la pintura, casi como una
imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional, la bóveda
de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos. Fue autor
de numerosas obras, de las cuales hoy en día se conservan entre 40 y 50 esculturas, 4 pinturas,
varias decenas de dibujos y los frescos de la Capilla Sixtina y la Capilla Paulina.

Familia: Nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo.
Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simoni y de
Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel
contaba con seis años. La familia Buonarroti Simoni vivía en Florencia desde hacía más de
trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían
ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su
padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de
trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época en que
nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas
procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano, pueblo
donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí
quedó al cuidado de la familia de un picapedrero. El padre le hizo estudiar gramática en
Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando
comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya
que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que
aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de
su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que,
según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero.
De ella comentaba: «Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los
martillos con los cuales después he esculpido mis figuras»

Recorrido artístico: Tras la muerte de Lorenzo el Magnífico, en 1492, Miguel Ángel huyó
de Florencia y pasó por Venecia, instalándose después en Bolonia. Allí esculpió diversas obras
bajo la influencia de la labor de Jacopo della Quercia. Pero en 1496 decidió partir hacia Roma,
ciudad que había de verle triunfar. Allí inició una década de gran intensidad artística, después
de la cual, con treinta años, sería acreditado como un artista de primera línea. Después del
Bacus del Bargello (1496), esculpió la Piedad del Vaticano a los veintitrés años, y
posteriormente realizó el Tondo Pitti. De la misma época es el cartón de La batalla de Cascina,
actualmente perdido, pintado para la Señoría de Florencia, y el David, obra cumbre de la
escultura, de una gran complejidad por la escasa anchura de la pieza de mármol, que fue
colocado delante del palacio del Ayuntamiento de Florencia y se convirtió en la expresión de
los supremos ideales cívicos del Renacimiento. En marzo de 1505, Julio II le encargó la
realización de su monumento fúnebre: Miguel Ángel proyectó un complejo arquitectónico y
escultórico monumental en el cual, más que el prestigio del pontífice, se loaba el triunfo de la
Iglesia. El escultor, entusiasmado con esta obra, permaneció en Carrara durante ocho meses
para ocuparse personalmente de la elección y la dirección de la extracción de los mármoles
necesarios. Al regresar a Roma, el papa había dejado a un lado el proyecto del mausoleo,
absorbido como estaba con la reforma de Bramante en la basílica de San Pedro. Miguel Ángel,
contrariado, abandonó Roma y se dirigió a Florencia, pero a finales de noviembre de 1506,
después de numerosas llamadas del pontífice que hasta le llegó amenazar con la excomunión,
se reunió con él en Bolonia. En mayo de 1508, aceptó dirigir la decoración de la bóveda de la
Capilla Sixtina, cuyos frescos concluyó cuatro años más tarde, después de un trabajo solitario
y tenaz. En esta obra ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada, inspirada en la
forma real de la bóveda. En el tema bíblico general de la bóveda, Miguel Ángel interpuso una
interpretación neoplatónica del Génesis y dio forma a un tipo de interpretación de las imágenes
que conseguirían ser un símbolo del arte del Renacimiento.

Primeras obras: Entre 1490 y 1492, hizo sus primeros dibujos, estudios sobre los frescos
góticos de Masaccio y Giotto; entre las primeras esculturas se cree que hizo una copia de una
Cabeza de fauno, en la actualidad desaparecida. Los primeros relieves fueron la Virgen de la
escalera y La batalla de los centauros, conservados en la Casa Buonarroti de Florencia, en los
que ya hay una clara definición de su estilo. Se muestra como el claro heredero del arte
florentino de los siglos XIV y XV, a la vez que establece una vinculación más directa con el
arte clásico. En el relieve de mármol de La batalla de los centauros se inspiró en el libro XII
de Las metamorfosis de Ovidio y se muestran los cuerpos desnudos en pleno furor del
combate, entrelazados en plena tensión, con una anticipación de los ritmos serpenteantes tan
empleados por Miguel Ángel en sus grupos escultóricos. Después de la muerte en 1492 de
Lorenzo el Magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un Hércules de mármol
en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el siglo xiii, uno de los
patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan
Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de
Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en 1713. Sólo queda
dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti. Después de la muerte en 1492 de
Lorenzo el Magnífico, y por iniciativa propia, realizó la escultura de un Hércules de mármol
en su casa paterna; escogió este tema porque Hércules era, desde el siglo xiii, uno de los
patrones de Florencia. La estatua fue comprada por los Strozzi, que la vendieron a Giovan
Battista Palla, a quien la adquirió el rey de Francia Enrique III y fue colocada en un jardín de
Fontainebleau, donde Rubens hizo un dibujo antes de su desaparición en 1713. Sólo queda
dicho dibujo y un esbozo conservado en la casa Buonarroti.

Otras obras escultóricas: Una nueva versión del Cristo de la Minerva, realizado para Metello
Vari, es consecuencia de la que empezó durante 1514, y que fue abandonada a causa de los
defectos del mármol; en el contrato de la escultura se precisa que será «una estatua de mármol
de un Cristo, de medida natural, desnudo, con una cruz entre los brazos y los símbolos de la
pasión, en la posición que Miguel Ángel juzgue más adecuada». La obra se envió a Roma en
1521, donde fue acabada por su ayudante Pietro Urbano, el cual cambió la línea y le dio una
terminación muy diferente de la que solía hacer Miguel Ángel, que inicialmente la había
tratado como un joven atleta adolescente y que acostumbraba a dejar sus esculturas con planos
voluntariamente inacabados. Fue colocada en la iglesia de Santa Maria sopra Minerva en
Roma.

Obra pictórica:

❖ Santo Entierro: Hasta el reciente hallazgo de Las tentaciones de san Antonio, eran el
Santo Entierro y la Madonna de Mánchester las primeras pinturas atribuidas a Miguel
Ángel. El Santo Entierro se trata de una tabla al temple inacabada, datada hacia 1500-
1501, que se encuentra en la National Gallery de Londres. Gracias a unos documentos
publicados en 1980, se sabe que durante su estancia en Roma recibió el encargo de
hacer un retablo para la iglesia de Sant'Agostino de esa ciudad y que el artista devolvió
el pago recibido a cuenta, ya que no había podido acabarlo debido a su retorno a
Florencia en 1501
❖ Tondo Doni: El Tondo Doni, conocido también como la Sagrada Familia (1504-
1505), se encuentra hoy en la Galería Uffizi, Florencia. Esta pintura al temple, la pintó
para Agnolo Doni, como regalo de bodas a su esposa Maddalena Strozzi. En primer
plano está la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y
dinámicamente articulado; llaman la atención las imágenes tratadas como esculturas
dentro de una disposición circular de 120 cm de diámetro y con una composición en
forma piramidal de las figuras principales. La base de la línea triangular es la marcada
por las piernas de la Virgen colocada de rodillas, con la cabeza girada hacia la derecha,
donde se encuentra el Niño sostenido por san José, con el cuerpo inclinado hacia la
izquierda; esta parte superior de la pintura junto con la línea que marcan los brazos,
denota un movimiento en forma de espiral. Separados por una balaustrada, se
encuentran Juan el Bautista y un grupo de ignudi. Esta pintura puede verse como la
sucesión de las diversas épocas en la historia del hombre: los ignudi representarían la
civilización pagana, san Juan y san José la era mosaica y la Virgen con el Niño la era
de la Redención, a través de la encarnación de Jesús. Esta interpretación está sostenida,
incluso en las cabezas esculpidas sobre la cornisa original: dos sibilas (representa la
edad pagana), dos profetas (representa la edad mosaica) y la cabeza de Cristo
(representa la era de la redención), con frisos intermedios de animales, máscaras de
sátiros y el emblema de los Strozzi.
 ❖ Bóveda de la Capilla Sixtina: Entre marzo y abril de 1508, el artista recibió de Julio
II el encargo de decorar la bóveda de la Capilla Sixtina; en mayo aceptó y concluyó
los frescos cuatro años más tarde, tras un solitario y tenaz trabajo. El proyecto del papa
era la representación de los doce apóstoles, que Miguel Ángel cambió por uno mucho
más amplio y complejo. Ideó una grandiosa estructura arquitectónica pintada,
inspirada en la forma real de la bóveda. Al tema bíblico general de la bóveda, Miguel
Ángel interpuso una interpretación neoplatónica con la representación de nueve
escenas del Génesis, cada una rodeada por cuatro jóvenes desnudos (ignudi), junto con
doce profetas y las sibilas. Un poco más abajo se encuentran los antepasados de Cristo.
Todas estas escenas están diferenciadas magistralmente por medio de la imitación de
arquitecturas. Estas imágenes se convirtieron en el símbolo mismo del arte del
Renacimiento.

❖ Juicio Final: El tema se basa en el Apocalipsis de san Juan. La parte central está
ocupada por un Cristo con gesto enérgico, que separa los justos de los pecadores, y a
su lado tiene a su madre María, temerosa por el gesto tan violento de su Hijo. A su
alrededor están los santos, fácilmente reconocibles ya que la mayoría muestran los
atributos de su martirio, entre los que se encuentra san Bartolomé, que en su martirio
fue despellejado; este santo lleva colgada en su mano su propia piel, donde se reconoce
el autorretrato de Miguel Ángel. Justo debajo hay un grupo con ángeles con trompetas,
anunciadores del Juicio. Todas las escenas están rodeadas por una multitud de
personajes, unos al lado derecho de Cristo, los que ascienden al cielo, y a la izquierda
los condenados que bajan a las tinieblas, algunos de los cuales se encuentran encima
de la barca de Caronte, presente en la Divina Comedia de Dante. En los semicírculos
de la parte superior del mural aparecen unos ángeles con los símbolos de la Pasión de
Cristo, en un lado la cruz donde murió y en el otro la columna donde fue flagelado.

❖ Capilla Paulina: Terminado el Juicio Final, el papa Paulo III le encargó para la
Capilla Paulina (que había sido construida por Antonio da Sangallo el Joven), la
pintura de dos grandes frescos en los que Miguel Ángel trabajó desde 1542 hasta 1550:
La conversión de san Pablo y El Martirio de San Pedro. Fueron diversos los motivos
que alargaron la ejecución de estas obras, entre ellos el incendio de 1544, una
enfermedad del artista que retardó el segundo fresco hasta 1546, así como los
fallecimientos de sus amigos Luigi del Riccio en 1546 y más tarde el de Vittoria
Colonna en 1549. Parece que el primer fresco que terminó fue La conversión de san
Pablo, que es el que más se parece en estilo al Juicio Final, sobre todo por la imagen
del san Pablo, cabeza abajo con los brazos que apuntan uno a la tierra y otro hacia las
nubes, que recuerdan el remolino de los escogidos y los condenados alrededor de Jesús
en el Juicio. En este fresco también se aprecia la partición entre el mundo celestial y
el terrenal, con el contraste entre el objeto principal de la parte inferior: el caballo que
mira hacia la derecha, y la parte superior: Jesucristo mirando hacia el lado contrario.
Obra arquitectónica:
❖ La fachada de San Lorenzo: La familia Médici había financiado la construcción de
la basílica de San Lorenzo de Florencia, según diseño de Brunelleschi. Empezada en
1420, durante la visita en 1515 del papa León X la fachada estaba aún sin realizar con
solo un cerramiento a base de obra vista de piedra picada, y para la ocasión, se recubrió
 la inacabada fachada de la iglesia, con una construcción efímera realizada por Jacopo
Sansovino y Andrea del Sarto. El pontífice decidió entonces realizar un concurso para
dicha fachada, patrocinado siempre por los Médici. Miguel Ángel triunfó en el
concurso frente a diseños de Raffaello Sanzio, Jacopo Sansovino y Giuliano da
Sangallo. Proyectó realizar un frente en el que se representara toda la arquitectura y
toda la escultura de Italia, ideando una fachada semejante a un retablo
contrarreformista pero que en realidad estaba inspirado por los modelos de la
arquitectura profana, realzada con numerosas estatuas de mármol, bronce y relieves.
Realizó una maqueta en madera hecha por Baccio d'Agnolo; como no fue de su gusto,
se realizó una segunda maqueta con veinticuatro figuras de cera, sobre la base de la
cual se firmó el contrato para su construcción el 19 de enero de 1518.

❖ Sacristía Nueva: Empezada por encargo de León X en 1520, fue bajo el mandato de
Clemente VII cuando se dio un nuevo impulso a la construcción de la «Sacristía
Nueva» en 1523, situada en la basílica de San Lorenzo de Florencia, destinada a acoger
el conjunto escultórico formado por las tumbas de los capitanes Juliano, duque de
Nemours y Lorenzo, duque de Urbino, muertos hacía poco, y la de los Magníficos,
Lorenzo y su hermano Juliano de Médici, y la Madonna Medici, que según el autor
Anthony Betram es la primera obra Manierista de Miguel Ángel. En el lado contrario
del crucero donde se encontraba la antigua sacristía construida por Brunelleschi y
decorada por Donatello. La nueva construcción se había de adecuar a la planta de la
precedente, que consistía en dos cuadrados de diferente anchura comunicados a través
de un arco y con una cúpula; los paramentos eran lisos, enmarcados por pilastras y
molduras hechas en pietra serena, la piedra gris de la región. Miguel Ángel agrandó la
parte central, para poder dar más espacio a los sepulcros y altar. En el diseño vertical
cambió la arquitectura del Quattrocento y colocó ventanas ciegas sobre las puertas; las
ventanas junto a la cúpula las hizo en forma de trapecio para conseguir una óptica de
ascensión más grande. La cúpula está realizada con un artesonado de casetones
radiales.86 Estos casetones se distribuyen en cinco hileras de medida decreciente, que
imitan, incluso en el número, a las del Panteón de Roma; acaban en una corona radiada,
donde se inicia la linterna, de delicada forma y perfecta belleza; es la contribución más
importante en el exterior de la capilla. Vista desde el exterior, la reforma de la sacristía
de San Lorenzo realizada por Miguel Ángel presenta una gran cúpula con cubierta de
tejas, un conjunto de molduras y de grandes ventanales que favorecen los juegos de
luz y sombra en el interior. Descartado el primer proyecto, donde el artista destinaba
el espacio central para los monumentos funerarios, estos acabaron, en los siguientes
diseños, desplazados a los muros, donde quedaron completamente integrados en la
arquitectura.

❖ Biblioteca Laurenciana: También de Clemente VII fue la idea de construir en

Florencia una biblioteca para conservar toda la colección de còdex de la familia
Médici, y contó para este proyecto con Buonarroti; el edificio acabaría siendo
conocido como la Biblioteca Laurenciana, ya que había tenido una gran ampliación de
su fondo bibliográfico por parte de Lorenzo el Magnífico a fines del siglo xv d. C
 ❖ Basílica de San Pedro: Miguel Ángel fue nombrado arquitecto de la basílica de San
Pedro en 1546 a los setenta y dos años de edad, a la muerte de Antonio da Sangallo el
Joven. La construcción de la basílica había sido empezada sobre la anterior
paleocristiana, por mandato del papa Julio II y bajo la dirección del arquitecto
Bramante; a partir del fallecimiento de este último, se hizo cargo Rafael Sanzio, que
modificó la planta y la transformó en una cruz latina. Cuando Miguel Ángel recibió el
encargo de las obras, modificó de nuevo la planta y volvió, con ligeras variaciones, a
la idea original de Bramante de cruz griega, pero redujo las cuatro esquinas del
cuadrado para que las áreas más pequeñas pudieran tener luz directa. Le corresponde
en particular la modificación de la cúpula central respecto al proyecto de Bramante:
suprimió el anillo con columnas y le dio un perfil más elevado. Al suprimir las torres,
la cúpula se convirtió en el elemento predominante. Obtuvo permiso del papa, ante la
vista de sus maquetas, para demoler parte de la construcción de Sangallo y, sin alterar
de forma sustancial el interior, consiguió imponer su estilo personal y aportar una gran
unidad al conjunto. La mayor parte de las obras se realizaron entre 1549 y 1558.

Rafael:
Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483-Roma, 6 de abril de 1520), también conocido
como Rafael de Urbino o simplemente como Rafael. fue un pintor y arquitecto italiano del
Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos,
realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades, se interesó
en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos. Hijo de un pintor de modesta
relevancia, fue considerado un niño prodigio por su precoz habilidad y al quedar huérfano
se formó en los talleres de varios artistas de prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo
oficial, la decoración de las Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La
escuela de Atenas, considerada una de sus obras cumbre. Es célebre por la perfección y
gracia de sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico. Junto con
Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del período. Nació
en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplía 37 años. Fue un
artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller conformado por numerosos
colaboradores, y, a pesar de su muerte prematura, dejó una extensa obra que en gran parte
aún se conserva. La mayor parte de su trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que
decoró con frescos las habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal
encargo de su carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por
ayudantes. Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de haber
sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable pérdida de calidad.
Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su obra fue conocida sobre todo
a través de la producción que hicieron los talleres de grabado que colaboraban con él.
Después de su muerte, la influencia de su principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta
los siglos XVIII y XIX, cuando las cualidades más serenas y armoniosas de Rafael fueron
consideradas de nuevo como un modelo superior. Su carrera se dividió de manera natural en
tres fases y tres estilos, descritos así por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el
periodo posterior de cuatro años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones
artísticas de la ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma,
trabajando para los papas y su corte.
Arquitectura
Tras la muerte de Bramante, en 1514, fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro.
La mayor parte de sus obras arquitectónicas han sido derrumbadas o modificadas después
de su muerte y a raíz de la aceptación de los diseños de Miguel Ángel, pero, sobreviven unos
pocos diseños. Para el análisis de estos, se llevó a cabo el examen de un templo que se
encontraba muy oscuro, con grandes pilares a lo largo, «como un callejón» según un análisis
crítico y póstumo de Antonio da Sangallo el Joven. Existe también la hipótesis de que el
templo tiene un parecido con el santuario de La expulsión de Heliodoro del templo. Rafael
diseñó otros edificios, y durante un corto tiempo se le consideró el arquitecto más importante
de Roma y el preferido del círculo social del papa. Julio había hecho cambios en la
disposición urbanística de la ciudad, creando varias vías públicas, las cuales aparentaban
esplendorosos palacios. Un importante edificio, el Palazzo Branconio dell'Aquila del
chambelán de León X, fue completamente derrumbado para hacer lugar a la plaza diseñada
por Bernini para San Pedro, obra que jamás se realizó, pero se han conservado dibujos de la
fachada y del patio. La fachada gozaba de una abigarrada decoración, inusual para la época,
incluyendo tanto paneles pintados en el piso superior (de tres) como profusión de esculturas
en el piso intermedio.61 El diseño básico de la Villa Farnesina no fue de Rafael, pero él
diseñó y pintó la Capilla Chigi para el propietario, Agostino Chigi, tesorero del papa. Otro
edificio, para el doctor del papa León, el Palazzo di Jacobo da Brescia, el cual fue trasladado
en la década de 1930, y actualmente se mantiene en pie; dicho edificio fue diseñado como
complemento de un palacio de la misma calle, obra de Bramante, donde el mismo Rafael
residió durante un tiempo. La Villa Madama, una espléndida residencia de recreo del
cardenal Julio de Médicis, posteriormente del papa Clemente VII, nunca fue terminada, pero
sus planos revelan su propósito. Se hizo un diseño a partir de los planos constructivos por
Antonio da Sangallo el Joven y aunque incompleta, era la villa más sofisticada diseñada
hasta el momento en Italia. De este modo, influyó de manera importante en los diseños
posteriores de este tipo de edificio. (este parece ser el único edificio moderno de Roma del
cual Palladio hizo un dibujo medido). Solo quedan los planos de la planta baja de un gran
palacio diseñado por él mismo a la nueva «Via Giulia», en el Borgo, para el cual estuvo
acumulando el terreno en sus últimos años. Se encontraba en una manzana irregular cerca
del río Tíber. Parece que las fachadas debían incluir una orden gigante de pilastrasn.
elevándose al menos dos plantas hasta la altura completa de la planta noble, «un estilo
grandilocuente sin precedentes en un palacio de carácter privado». En 1515, le fueron
otorgados poderes como "Prefecto" sobre todas las antigüedades que se desenterraran en la
ciudad y hasta una milla alrededor de esta. Rafael escribió una carta al papa León sugiriendo
medidas para impedir la destrucción de los monumentos antiguos, y propuso una inspección
visual de la ciudad para registrar las antigüedades de manera organizada. La opinión del
Papa era diferente, quería seguir reutilizando las antiguas fábricas para la construcción de
San Pedro, pero quería que todas las inscripciones antiguas quedaran documentadas, así
como también conservar las esculturas, antes de dar permiso para el uso de la piedra.
Obras
✓ La escuela de Atenas
✓ La transfiguración
✓ Madonna Sixtina
✓ Los desposorios de la virgen
 ✓ Autorretrato
✓ El triunfo de Galatea
✓ Las Gracias
✓ La bella Jardinera
✓ Retrato de Baltasar Castiglione
✓ la velada
Dibujos
Bosquejo preparatorio para la obra de La resurrección de Cristo, la cual es quizá su primera
obra oficial.Se le considera uno de los dibujantes más finos en la historia del arte occidental y
uno de los que usó ampliamente el dibujo para planear sus composiciones. Según Armerina,
experta en la vida del artista, cuenta, que cuando este empezaba a planear una composición,
extendía en el suelo un gran número de dibujos que conservaba archivados, y comenzaba
rápidamente a dibujar, utilizando figuras de «aquí y de allá». Han sobrevivido unos cuarenta
bocetos de la Disputa de las Estancias y probablemente haya más entre las cuatrocientas hojas
que se tienen actualmente de sus pre-diseños; bien solo constituyen una parte mínima de los
que realizó el artista o hizo realizar por su taller bajo su supervisión. Hizo muchos dibujos
para perfilar las posturas y las composiciones, aparentemente en cantidad superior a la de otros
pintores, a juzgar por la gran cantidad de variantes que han sobrevivido: «... Es así como el
mismo Rafael, que tenía tanta riqueza inventiva, solía trabajar, siempre partiendo de cuatro o
seis maneras diferentes de exponer la escena, cada una de ellas diferente al resto, y todas ellas
llenas de gracia y finura» escribió un autor tras la muerte de este. Para John Shearman, el arte
de Rafael marca «un desplazamiento de los recursos desde la producción hacia la
investigación y el desarrollo».Su obra está acompañada de un inmenso corpus de dibujos, que
constituyen un fundamental documento de apoyo de las obras pintadas, pero que deben ser
entendidos e interpretados como un ámbito de investigación autónomo y original. Han sido
catalogados por Fischer como una estancia romana. Ciertamente, desde el período umbro, el
dibujo constituía una parte fundamental de su método de trabajo: se trata de esbozos o estudios
principalmente al natural, útiles para enfocar un detalle de la composición, aunque debe
reconocerse que los motivos del dibujo nunca son transferidos a la obra definitiva sin
modificaciones ni variaciones. Cuando estaba satisfecho con una composición a menudo la
trasladaba a cartón a escala real, que posteriormente perforaba con un punzón, dejando
agujeros por donde dejaba pasar un poco de hollín, de modo que quedaban líneas en la
superficie final como guía. También hizo un uso exhaustivo y poco habitual, tanto en papel
como en yeso, de una «aguja ciega», marcando líneas que dejaban solo una hendidura, pero
ninguna marca. Estas pueden ser vistas en el muro de La escuela de Atenas y en muchos otros
dibujos. Los Cartones de Rafael, como diseños para tapices que eran, fueron completamente
coloreados con pintura al temple, y fueron enviados a Bruselas para ser tejidos. En las últimas
obras pintadas por el taller, los dibujos son a menudo mucho mejores que la pintura. La mayor
parte de sus dibujos son bastante detallados, incluso los bocetos iniciales con figuras desnudas
están cuidadosamente hechos, y los posteriores dibujos de preparación tienen un alto nivel de
acabado, con sombreados y, a veces, zonas iluminadas en blanco. Carecían de la libertad y la
energía de algunos de los bocetos de Leonardo o de Miguel Ángel, pero siempre muy
satisfactorios desde el punto de vista estético. Fue uno de los últimos artistas en utilizar de
manera habitual un dispositivo metálico, aunque también supo hacer un soberbio uso de la
técnica más libre del carbón rojo o negro. En sus últimos años fue uno de los primeros artistas
en usar modelos femeninos para dibujos preparatorios, aunque cabe mencionar que
habitualmente se usaban hombres para estudio de ambos sexos.
Leonardo:
Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) (Vinci, 15 de abril de 14522-Amboise,
2 de mayo de 1519) fue una polímata florentina del Renacimiento italiano. Fue a la vez
pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo, botánico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero,
inventor, músico, poeta y urbanista. Murió acompañado de Francesco Melzi, a quien legó
sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió
con el pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron
creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma,
Bolonia y Venecia, y pasó sus últimos años en Francia, por invitación del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del Renacimiento, genio
universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable
a su capacidad inventiva Leonardo da Vinci es considerado uno de los más grandes pintores
de todos los tiempos y, probablemente, la persona con el mayor número de talentos en
múltiples disciplinas que jamás ha existido. Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló
ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de combate, el
submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a construirse (entre ellos la
máquina para medir el límite elástico de un cable), puesto que la mayoría no eran realizables
en esa época. Como científico, Leonardo da Vinci hizo descubrimientos sustanciales en las
áreas de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica, pero puesto que no
publicó jamás sus hallazgos estos tuvieron escasa influencia, si es que alguna, en la ciencia
posterior. Su asociación histórica más famosa es la pintura. Dos de sus obras más conocidas,
La Gioconda y La Última Cena, han sido copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual
que su dibujo del Hombre de Vitruvio. No obstante, únicamente se conocen alrededor de 20
obras suyas, debido principalmente a sus reiterados (y a veces desastrosos) experimentos
con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica. Este reducido número de creaciones, junto
con sus cuadernos con dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la
pintura, constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas.
Infancia: Nació el sábado 15 de abril de 1452 «en la tercera hora de la noche», es decir, tres
horas después del Ave María: a las diez y media. Se ha discutido si el nacimiento tuvo lugar
en el castillo de Vinci, ciudad a unos 25 km en línea recta de Florencia, o bien en la casa
materna de Anchiano, una pedanía a unos dos kilómetros de Vinci.Nota 4 Leonardo,
descendiente de una rica familia de nobles italianos, fue hijo ilegítimo: su padre, messer
Piero Fruosino di Antonio (notario, canciller y embajador de la República de Florencia) dejó
embarazada a Caterina, una joven de familia campesina, de quien se ha sospechado que
pudiera ser una esclava de Oriente Medio. Martin Kemp, catedrático emérito de Historia del
Arte en la Universidad de Oxford, tras investigar en los archivos toscanos, descubrió
documentos que confirmarían la fecha del nacimiento, que tuvo lugar en la casa de campo
paterna, a poco más de un kilómetro de Vinci, y que su madre era una campesina local de
quince años, Caterina di Meo Lippi. Piero ya estaba prometido en matrimonio y el niño fue
entregado al abuelo paterno, Antonio da Vinci que, probablemente, entregó una cierta
cantidad a la madre como dote para que pudiera casarse. En declaraciones de impuestos de
1457, Antonio declaró que su nieto vivía con él y Caterina aparece casada con un campesino,
Antonio di Piero Buti. Leonardo, o Lionardo según su acta bautismal, fue bautizado y pasó
sus cinco primeros años en la casa de su padre en Vinci, donde fue tratado como un hijo
legítimo. Tuvo cinco madrinas y cinco padrinos, todos ellos habitantes del pueblo. Aprendió
a leer y a escribir y adquirió conocimientos de aritmética, sin embargo, prácticamente no
aprendió latín, base de la enseñanza tradicional. El hecho de que tuviese una ortografía
caótica muestra que su instrucción no estuvo exenta de lagunas; en todo caso no fue la de un
universitario. En aquella época, las convenciones modernas en los nombres de personas no
se habían desarrollado todavía en Europa, por lo que únicamente las grandes familias hacían
uso del apellido patronímico. La gente de pueblo solía ser designada por su nombre, al que
se le adjuntan todo tipo de precisiones: el nombre del padre, el lugar de origen, un apodo, el
nombre del maestro en el caso de los artesanos, etc. Por consiguiente, el nombre del artista
sería Leonardo di ser Piero da Vinci, cuyo significado es «Leonardo, hijo del maestro Piero
de Vinci»; el término «da» no lleva mayúscula porque no se trata de un apellido. El propio
Leonardo firmaba simplemente sus obras como «Leonardo» o «Io, Leonardo» («Yo,
Leonardo»), así que la mayoría de las autoridades atribuyen sus obras a «Leonardo» sin el
«da Vinci». Es verosímil que se abstuviera de emplear el apellido de su padre porque era un
hijo ilegítimo. «Vinci» proviene de «vinchi», denominación que reciben unas plantas
similares a los juncos, que crecen en el entorno del arroyo Vincio y que eran utilizadas por
los artesanos toscanos. En 1457, cuando Leonardo tenía cinco años, su madre se casó con
Antonio di Piero Buti del Vacca da Vinci, un campesino de la localidad, con el que tuvo
cinco hijos.9 Fue acogido entonces en la casa de la familia de su padre en el pueblo de Vinci.
Entretanto, el padre se había casado con una joven de dieciséis años proveniente de una
familia rica de Florencia, Albiera degli Amadori. Esta, al no tener hijos, volcó su afecto en
Leonardo, pero murió siendo muy joven debido a complicaciones de parto, en 1464. Aunque
era considerado plenamente desde su nacimiento como hijo de su padre, Leonardo nunca fue
reconocido formalmente como hijo legítimo. Su padre se casó hasta cuatro veces, y tuvo diez
hijos y dos hijas legítimos. De estas relaciones, el pequeño Leonardo tuvo un muy buen
vínculo con la última mujer de su padre, Lucrezia Guglielmo Cortigiani, afecto que se
evidencia en una nota en donde se dirige a ella como «querida y dulce madre».
Pintura: A pesar de la relativa toma de conciencia y la admiración que Leonardo despertó
como científico e inventor en los últimos años, su fama ha descansado sobre sus creaciones
como pintor de varias obras, autentificadas o que se le atribuyen, y que están consideradas
grandes obras maestras del patrimonio universal. Sus pinturas son célebres. Por un lado, han
sido copiadas e imitadas por los estudiantes, y por otro han sido el centro de debate y
controversia entre los especialistas. Entre las cualidades, cabe destacar las técnicas pictóricas
innovadoras que empleó, el sentido de la composición y el uso sutil de los esfumados de
colores, el conocimiento profundo de la anatomía humana y animal, de la botánica y la
geología, la utilización que hacía de la luz, el interés por la fisonomía, la capacidad de reflejar
la forma en que los humanos utilizan el registro de las emociones y las expresiones gestuales.
Dominaba sobre todo la técnica del esfumado y la combinación de sombras y luces. Todas
estas cualidades aparecen reunidas en obras como La Gioconda, La Última Cena y La Virgen
de las rocas.
Primeras obras: El primer trabajo de Leonardo que se conoce es una parte del Bautismo de
Cristo de Verrocchio y sus alumnos. Otra pintura que parece datar de este periodo, es La
Anunciación. Uno de ellos es pequeño, de 59 centímetros de largo y 14 centímetros de alto.
Se trata de una predela para ir en la base de una gran composición, en este caso un cuadro
de Lorenzo di Credi del cual se ha separado. El otro es un trabajo mucho más grande, 217
centímetros de largo. En estas dos Anunciaciones, Leonardo ha representado a la Virgen
María sentada o de rodillas a la derecha de la imagen, y un ángel de perfil que se acerca a
ella desde la izquierda. Gran parte del trabajo es realizado en el movimiento de la ropa y las
alas del ángel. Aunque anteriormente dicho trabajo fue atribuido a Domenico Ghirlandaio,
el trabajo es ahora casi universalmente atribuido a Leonardo. Entre 1478 y 1482, pintó
Madona Benois, una obra que le ha sido atribuida, pero es muy debatida en cuanto a su fecha
de ejecución. Fechada hacia 1474-1476, otra pintura que ha sido atribuida al pintor florentino
es un pequeño retrato, Ginebra de Benci. La Virgen del clavel, cuya fecha de ejecución se
presume entre 1478 y 1480, es otra de sus obras de este periodo.
Dibujos: Leonardo no fue un pintor prolífico, pero en cambio, fue un dibujante muy
productivo; llegó a llenar sus diarios de pequeños croquis y dibujos muy detallados para
dejar constancia de todo lo que había atraído su atención. Además de sus notas, existen
numerosos estudios de sus pinturas, del que algunas son bocetos preparatorios de obras como
Adoración de los Magos, La Virgen de las Rocas y La Santa Cena. Su primer dibujo fechado
fue Paisaje del valle del Arno de 1473, donde se puede observar el río, las montañas, el
castillo Montelupo y, más allá, las explotaciones agrícolas hechas con gran detalle.1776
Entre los dibujos más célebres está el Hombre de Vitruvio, un estudio de las proporciones
del cuerpo humano, el Jefe del ángel, La Virgen de las Rocas y La Virgen, el Niño Jesús con
santa Ana y san Juan Bautista, que fue un gran dibujo (160 x 100 cm) en yeso blanco y negro
sobre un papel de color; en él utiliza la técnica del esfumado. Este tema de Santa Ana, junto
con el de la Sagrada Familia, predominaría en la obra de Leonardo de 1500 a 1517.37 No
parece que Leonardo hubiera hecho ninguna pintura a partir de este dibujo, pero un cuadro
bastante próximo es La Virgen, el Niño Jesús y santa Ana. Entre otros dibujos de interés
cabe destacar numerosos estudios «caricaturescos» que, aunque exagerados, parecen estar
basados en la observación de modelos vivos. Vasari refiere que cuando Leonardo veía una
persona que tenía una cara interesante, la seguía durante todo el día para poder observarla y
dibujar con detenimiento. También existen numerosos estudios de jóvenes de gran belleza,
con una cara poco habitual, característica del llamado «perfil griego», perfil característico
de muchas estatuas griegas; las cuales se han asociado con Salai. Leonardo había pintado a
Salai llevando diferentes trajes y disfraces, hay que recordar que Leonardo era famoso por
haber creado decoraciones y vestimentas para procesiones tradicionales. Otros dibujos, a
menudo minuciosos, muestran estudios sobre ropas. Otro ejemplo de la curiosidad de
Leonardo es un dibujo de Bernardo di Bandino, uno de los asesinos de Juliano de Médici en
la conspiración de los Pazzi, después de ser colgado en una de las ventanas del Palazzo del
Capitano di Giustizia de Florencia, el 29 de diciembre de 1479.
Escultura: No se conserva ninguna de sus esculturas. El proyecto escultórico de Leonardo
del que más se sabe es el de una estatua ecuestre que representara a Francisco Sforza, padre
de Ludovico el Moro. Sobrepasaba en tamaño las otras dos estatuas ecuestres de bronce del
Renacimiento: Gattamelata de Donatello en Padua y Bartolomeo Colleoni de Verrocchio en
Venecia. Leonardo ejecutó en arcilla el modelo, conocido como el "Gran Caballo". Estaba
previsto que fuera una estatua en bronce, de ocho metros de altura, y se alzaría en Milán. Se
prepararon 70 toneladas de metal para moldearla. El monumento quedó sin acabar durante
varios años, lo que no era inusual en Leonardo. En 1495 el bronce se usó para fabricar
cañones para el duque en un intento de salvar Milán de los franceses bajo el reinado de
Carlos VIII de Francia en 1495. Por iniciativa privada, se construyó en 1999 en Nueva York
una estatua construida según sus planos que fue donada a la ciudad de Milán, donde se erigió.
 Donatello:
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, (Florencia, Italia, 1386-ibidem,
13 de diciembre de 1466) fue un artista, pintor y escultor italiano de principios del
Renacimiento, uno de los padres del periodo junto con Leon Battista Alberti, Filippo
Brunelleschi y Masaccio. Donatello se convirtió en una fuerza innovadora en el campo de la
escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran
profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es
decir «relieve aplanado o aplastado». Una de las primeras obras de Donatello fue una
escultura que representa a David, realizada en mármol en torno al año 1409 y que
actualmente se conserva en el Museo del Bargello. En los años sucesivos realizó numerosas
obras en mármol, terracota, bronce y madera para diversos mecenas y ciudades. Regresó a
Florencia en 1459 con el encargo de modelar unas placas en bronce para la basílica de San
Lorenzo y durante su elaboración falleció en diciembre de 1466. Entre sus obras más
importantes se encuentran el David de bronce en el museo del Bargello, el Púlpito exterior
de la catedral de Prato, la estatua ecuestre de Gattamelata en Padua, la María Magdalena
penitente en el museo dell'Opera del Duomo en Florencia y Judith y Holofernes en el Palacio
Vecchio.
Formación:
El artista, según Giorgio Vasari, fue educado en la casa de la familia Martelli; y que recibió
su primera formación en un taller de orfebrería. Entre 1402 y 1404 viajó a Roma con
Brunelleschi, para estudiar el arte de la Antigüedad. Vieron gran cantidad de ruinas antiguas
que pudieron estudiar y copiar para posteriormente inspirarse en ellas. Vasari afirma que
hacían excavaciones en busca de «trozos de capiteles, columnas, entablamentos y restos de
edificios». Su estancia en Roma fue decisiva para el completo desarrollo del arte italiano en
el siglo XV, fue durante ese periodo que Brunelleschi estudió las medidas de la cúpula del
Panteón y de otras construcciones romanas. Las construcciones de Brunelleschi y los
monumentos de Donatello fueron la expresión suprema del espíritu en la era en que la
arquitectura y la escultura ejercieron una potente influencia en los pintores de esta época. En
1404, Donatello regresó a Florencia, solo para trabajar en el taller de Lorenzo Ghiberti,
donde ayudó en la realización de la cera para la fundición de los modelos de la puerta norte
del baptisterio de San Juan, hasta 1407. Esta actividad le permitió adquirir los conocimientos
fundamentales de joyería y orfebrería. De hecho, en 1412 existe una nota en el registro de la
corporación de pintores que lo nombra como orfebre.
Primeros trabajos:
Pequeños profetas (1406-1408), Puerta de la Mandorla en catedral de Santa Maria del Fiore, Florencia. El
Pequeño profeta de la izquierda es el atribuido a Donatello. El Pequeño profeta realizado para el exterior de la
Puerta de la Mandorla en la catedral de Santa María del Fiore en Florencia, está considerado como uno de los
primeros trabajos producidos por Donatello. Sin embargo, hay una controversia sobre su atribución, al margen
de las diferencias estilísticas entre las dos figuras de los pequeños profetas, que pueden ser debidas a la
inexperiencia por la juventud del artista, también por la semblanza con obras similares de Nanni di Banco. En
la actualidad, el profeta de la izquierda se atribuye, en mayoría, a Donatello, sobre la base de comparaciones
con otras obras de la misma época, como el David en mármol. El hecho que la otra estatua es probablemente
obra de Nanni di Banco, no es incompatible con los documentos de la catedral, donde consta que Donatello
recibió en 1406 y 1408 unos pagos, en recompensa por su trabajo en dos estatuas de profetas (que no son
descritas con detalle); en aquel momento los dos escultores estaban asociados y participaban en la decoración
de la Puerta de la Mandorla de la catedral.