Iria Rodríguez Gutiérrez .

Introducción al cine

Historia del cine: Una odisea. Capítulo 2

1.- ¿Qué periodo abarca la primera parte del capítulo?
Abarca del 1918 al 1928.
2.- ¿Qué decía el manifiesto surrealista?
El manifiesto surrealista decía, en resumen, que el arte debía plasmar los
sueños
3.- ¿De dónde procedía el dinero para los proyectos cinematográficos?
El dinero solía venir de los barcos de la costa oeste, en la costa este el
dinero lo administraban jefes de producción en su mayoría judíos de clase
obrera.
4.- ¿Quién fundó Paramont y cómo se llamó en un principio? ¿Y Warner
Brothers? ¿Y la Metro?
Paramount es fundada por Adolph Zukor y en un principio es llamada
famous players.
Warner Brothers la fundaron 4 hermanos canadienses.
Metro Goldwyn Mayer lo fundó el ruso Luís B. Meyer.
5.- ¿Cómo es el uso de la luz en la secuencia de Ciudadano Kane?
En la escena de Ciudadano Kane los focos hacen que la biblioteca parezca
un sepulcro.
6.- ¿Cómo funcionaba la producción en cadena en Hollywood?
La producción en cadena funcionaba algo parecido a las fábricas de Ford.
Los jefes de producción se encargaban de la producción, los escritores
creaban historias, los cazatalentos buscaban estrellas en revistas o
cafeterías, los escenógrafos inventaban grandiosas construcciones en feos
edificios y los diseñadores de vestuario eran creadores de estilo, los
maquilladores creaban nuevas bases pestañas y looks, los ingenieros
diseñan nuevas tecnologías como luces para iluminar el pelo, plataformas
rodantes para que la imagen se desplazase, cámaras nuevas.
7.- ¿Por qué se cita a William Cameron Menzies?
Se cita a Menzies para hacer referencia de como este se imaginaba a
Bagdad.
8.- ¿Qué innovaciones lumínicas se citan y en qué película se aplicaron?
Luces para iluminar el pelo y las pestañas como en la película “Deseo” se
ven reflejadas las pestañas de la actriz en su rostro.
9.- ¿Cómo eran los cines y quiénes los controlaban?
Los cines eran grandiosos palacios y los controlaban los empresarios con
el único fin de estandarizar y controlar.
10.- ¿Qué ejemplos se ponen de condiciones leoninas en los contratos?
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En el contrato de Joan Crawford, especificaba sus horas de sueño y Johnny

Weiss Müller en Tarzán, lo penalizaba por cada 500 gramos que
sobrepasará de 86kg.
Henrry Miller decía que Hollywood era una dictadura, pero se dice que
había verdaderos genios.
11.- ¿Cómo eran las películas de la Metro Goldwyn Mayer? ¿Y las de la
Warner? ¿Y las de la Paramount?
Las películas de Goldwyn Mayer eran opulentas y optimistas incluso sus
sombras emanaban luz, sin embargo, Warner era más de a pie, sus
estrellas eran ángeles de cara sucia, sus luces y sobras eran acentuadas,
trajes de gánster y escenas nocturnas, asesinatos, melodrama, periodismo
cinematográfico. Las de Paramount eran burbujeantes y achampañadas
ostentoso en sus trajes, femenino, romántico, sarcástico, enamorado de
los velos y de oriente.
12.- ¿De qué trataba El ladrón de Bagdag y por qué fue importante?
¿Quién fue su protagonista y productor?
El ladrón de Bagdad trataba sobre un sabio que decía que la felicidad hay
que ganársela haciendo un guiño al sueño Americano , en la escena que se
nos muestra en el documental aparecía un hombre dormido , pero en
realidad era una estrategia para robar una cartera , nuestro hombre lo
consigue y llega al palacio donde se encuentra con la princesa de la que
rápidamente se enamora y ese amor pone en marcha el resto de la trama ,
este tipo de cine se llama clásico pero es puro romántico y fue lo que llevó
a Hollywood a la fama en los años 20.
Su protagonista y productor fue Douglas Fairbanks.
13.- ¿Cómo era el cine de Keaton?.
Keaton era un obsesionado con las cámaras, como muestra en una escena
de la película “Cameraman” 1928 y pensaba como un arquitecto como nos
muestra en el cortometraje One Week 1920 donde aparecen en una casa
de juguete que se les cae encima, su cine era cómico y se convirtió en el
mayor cómico del momento, también ayudó a definir el cine mudo, tenía
un don, sabía que el cine era para mirar y sabía lo que vendía el riesgo.
14.- ¿Cómo son los planos de Las tres edades? ¿Cómo acabó esa
secuencia?
En la película “Las tres edades” la escena empieza con un plano picado
para acentuar la altura , tiene que saltar de un edificio a otro , fue grabado
desde el túnel de Los Ángeles desde la parte alta pero la posición de la
cámara hace que parezca que está mucho más alto, la secuencia acabo
con nuestro personaje magullado porque no consigue saltar los edificios.
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15.- ¿De qué trata y cómo es El maquinista de la General? ¿Cuál es la

secuencia más impresionante de esa película?
“El Maquinista de la General” era una comedia épica sobre un tren,
durante la guerra de secesión , Baxter es un maquinista del sur excéntrico
obsesionado con los detalles, en la primera mitad de la película va hacia el
norte donde están los prisioneros para salvar a su amada, y cada
secuencia de la primera itad se repite amplificada en la segunda, pero en
orden inverso.
La secuencia más importante es cuando el enemigo del norte avanza y
keaton prende fuego a un puente, el tren no cruza y la estructura cae, esta
secuencia fue grabada sin trucos la locomotora y el puente eran de
verdad, los restos permanecieron allí varios años.
16.- ¿Cómo acabó Keaton? ¿Sobre quién influyó?
Los sueños de Keaton superaban las ventas en taquillas, acabó siendo
despedido por Metro Goldwen Mayer, se dio a la bebida y se instaló en
una caravana junto a su antiguo estudio, fue olvidado durante años, pero
él bromeó hasta el final. En el festival de cine de Venecia el público lo
ovacionó en pie y al año siguiente murió.
Keaton influyó al palestino Elia Suleiman el cual como Keaton tenía un
humor muy seco y el mal genio le parece divertido.
17.- ¿En qué película coincidieron Keaton y Chaplin?
En la película “Limelight” (Candilejas) 1952
18.- ¿Con quién se compara a Chaplin? ¿Cómo fue su infancia, dónde
nació, como era su familia? ¿En qué película plasma esas vivencias de la
infancia, qué logró esa película? ¿Con qué escritor se le compara?
A Chaplin se le compara con Alfred Hitchcock quién no nació muy lejos de
él en Londres tenía una familia de clase media. A diferencia de Chaplin
quien se crió en la pobreza extrema su madre se pasó la vida entrando y
saliendo de un manicomio y su padre era alcohólico, él y su medio
hermano solían robar fruta podrida para tener algo de comer, su infancia
fue horrible y se ve reflejada en su cine, sobre todo con su primera
película “El niño” la cual recreaba el ambiente de su infancia, mañanas
frías, mantas raídas, la vida en una buhardilla de Londres, Chaplin encarna
una versión de su famoso personaje. Un vagabundo sin un céntimo con
aires de “gentleman” que encuentra un huérfano y lo acoge en su casa.
El niño rompe ventanas para que éste pueda arreglarlas, pero entonces se
llevan al niño a un orfanato. Chaplin consigue una gran actuación de Jackie
Coogan cuando lo cogen, esta película humanizó el cine cómico, mostró la
empatía de Chaplin hacia la gente pobre y fue un éxito mundial.
Se le compara con el escritor Charles Dickens.
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19.- ¿Cómo era el estudio que creó Chaplin?

Chaplin construyó un estudio en Los Ángeles a el estilo inglés.
20.- ¿Cómo es la secuencia de El gran dictador? ¿Qué director francés se
inspiró en Chaplin? ¿Qué diferencias hay entre ellos? ¿Y en Italia? ¿Y en la
India? ¿Cómo influyó en Billy Wilder?
En “El Gran Dictador "aparecía un dictador dándole una patada a un globo
terráqueo lo que nos muestra una gran metáfora: Hitler hacía del mundo
su juguete.
El director francés que se inspiró en Chaplin era Jacques Tati. Tati se
echaba para adelante y el pantalón le quedaba corto , Chaplin se echaba
para atrás y el pantalón le sobraba. En Italia Tati triunfó con un bombín
como el de Chaplin y sus maneras desgarbadas.
En el cine indio Raj Kapoor creó uno de sus personajes basándose en
Chaplin , avispado, valiente, saludando con el sombrero mientras robaba a
los ricos.
Billy Wildler veía a Chaplin como su maestro y lo encarna en “El
crepúsculo de los dioses”, y reinterpretó una escena de “El Gran Dictador”
de Chaplin en su película “Con Faldas y a lo Loco”.
21.- ¿Cómo se llamaba el estudio de Chaplin? ¿Por qué lo expulsaron en
los años 50?
El estudio de Chaplin se llamaba United Artist.
Para vergüenza del país lo expulsaron en los años 50 por ser de izquierdas.
22.- ¿A quién se parecía en sus comienzos Harold Lloyd? ¿Cómo
evolucionó su aspecto?
En sus comienzos se parecía a Chaplin, se encoge de hombros y lleva
levita y bigote, Después él y su productor le pusieron unas gafas de
pardillo, pero la forma física del oído, el coraje que aquí demuestra le
convertían en un osado soñador agresivo y lírico.
23.- ¿Cuál fue la película más importante de Lloyd y de qué trata? ¿Cómo
es la secuencia final?, descríbela.
La película más importante de Lloyd fue “El hombre mosca”
Lloyd interpreta a un paleto que finge ser el encargado de la tienda ante
su novia, Lloyd escala el edificio a pesar de su vértigo y de la falta de dos
dedos en una mano. La última secuencia es una carrera de obstáculos en
vertical; un pájaro, una red, un tablón, un reloj, una cuerda, un perro... Se
interponen en su camino. En lo alto del edificio la acción alcanza su
apogeo y el balanceo lo arroja en los brazos de su amada.
24.- ¿Cómo influyó Lloyd sobre Ozu?
En su obra “He suspendido, pero...” los personajes tienen la misma
confianza que Lloys, su misma hombría aniñada
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25.- ¿Cuál es la más importante película de no ficción de la época? ¿Quién

la rodó ¿De qué trata? ¿Muestra la realidad o las escenas estaban
preparadas? ¿Cómo acabó el protagonista?
“Nanuck el esquimal” de Rober J. Flaherly . Cuenta la historia de un
esquimal de Groenlandia y su lucha contra los elementos. Se parece más a
la realidad porque no usa actores y el público puede verlo de una forma
más ética, a un hombre real. Muchas escenas, sin embargo, estaban
preparadas.
El protagonista murió por inanición, dos años más tarde de rodarse la
película.
26.- ¿De qué trata La cas es negra y por qué es importante? ¿Y Sans Soleil?
¿Y The Not Died? ¿Y Cinco condiciones?
La Casa es negra es importante porque Farrokzad usa los movimientos de
cámara para crear un poema de un hogar de leprosos.
En Sans Soleil, Chris Marker escribe un texto de ficción en que una mujer
cita cartas inventadas del director, sobre imágenes reales de Japón.
En The Nit Died, Bryan Hill y Simón Armitage entrevistan a un
superviviente de guerra y convierten sus palabras en un poema, que él va
diciendo, convirtiendo así sus recuerdos en algo mágico.
En “cinco condiciones”, Lars Von Trier, propone a Jorgen Leth
reinterpretar su obra “ El ser humano perfecto” cinco veces con cinco
condiciones.

27.- ¿Qué director se enfrentó al statu quo hollywoodiense y en qué

película?
Eric Von Stroehim en “Corazón Olvidado”.
28.- ¿De qué trata Avaricia? ¿Qué importancia tiene el color amarillo en
esa película? ¿Por qué se le puede considerar como colosal, cómo fue el
rodaje? ¿Con qué escritores se le compara? ¿Cómo acabó?
Es la historia de un hombre, cuya mujer gana en la lotería. En su avaricia,
el protagonista bebe, malgasta el dinero, pega a su mujer y acaba
matándola.
El amarillo es, para Stroehim el color del dinero.
En el rodaje rodó todas las escenas de la novela en que se basaba. Nueve
meses enteros de rodaje, a veces, con mucho calor y llevando al límite a
los actores.
Es colosal porque dura nada menos que siete horas y tuvo un presupuesto
de más de millón y medio de dólares.
Se le compara con Emile Zola o Dostoievski.
Su hiperrealismo lo estigmatizó en Hollywood y no rodó muchas más
películas.
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29.- ¿De qué trata Aelita? ¿Qué directores rusos se citan y qué películas,
son películas optimistas o pesimistas? ¿Qué innovaciones introduce
Bauer?
Aelita es la reina de Marte, ella ve por primera vez La Tierra y quiere
poseerla.
Se cita a los directores del cine soviético de los años 20, como Tuskub en
“Hora de volver”, también a Potasanov y a Yeugeni Bauer en la película
“Tras la muerte” es una película pesimista sobre el dolor y la añoranza .
Por ejemplo utiliza una puerta para crear un hueco en la pantalla y por
primera vez la fuente principal de luz aparece en la imagen,en primer
plano, generando una naturalidad brutal. En las últimas escenas pasa del
azul al blanco y negro para separar lo real con lo imaginario.
30.- ¿Qué director danés se cita, y cómo era su cine? Di qué película se
cita y de qué trata. Describe qué características tiene esa película, por qué
pintaron las paredes de rosa, cómo era el maquillaje y el peinado de
Falconetti, la actriz protagonista. Explica la biografía del director.
Carl Theodor Dreyer
Su cine era tan profundamente realista que parecía determinado a
compensar la emotividad del cine convencional a base de sobriedad
espiritual.
“La pasión de Juana de Arco”, una joven católica francesa del siglo 15, es
acusada de brujería y firma una declaración negando a dios para salvar su
vida.
La actriz siempre está en primer plano, apenas lleva maquillaje, se cortó el
pelo poco antes de rodar y se rodó en silencio con un ambiente que
incluso los electricistas lloraron, la iluminación y el enfoque no tienen
profundidad, el fondo está vacío sin decorados, pintaron las paredes de
rosa para que no brillaran y no nos distrajeran de la cara de falconetti.
Dreyer nació fuera del matrimonio, fue adoptado y creció en una familia
luterana, iba a iglesias, aunque él no creía en dios, pero la pureza y
sobriedad de las iglesias parece construir su mundo interior.
31.- ¿En qué consiste la simplificación a la que somete este director a su
teatro? ¿Cómo se relaciona esa purificación con su religión? ¿Qué color
usa en sus películas y por qué? ¿Cómo acabó su vida profesional?
Trata de comprender la realidad primero, para luego simplificarla y ya
desde la primera obra “El Presidente” trata de purificar las imágenes al
estilo protestante; con decorados nada sobrecargados, rodajes en días de
niebla, generando planos blancos .
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En los años 50, al no poder rodar sus películas, porque no estaban de

moda e iban en dirección contraria al cine de evasión de Holliwood,
quedó a cargo de un cine danés.
32.- ¿Qué secuencias se citan de Vampyr y por qué?
Se cita su final cuando el cómplice del vampiro muere ahogado en harina
blanca, así como escenas en que se ven sombras en una pared blanca que
tienen vida propia.
Se citan para resaltar la blanca sobriedad de Dreyer, como elemento de
rebeldía frente a un cine de su época que destacaba por el exceso de
ornamentación.