SERVICIO NACIONAL DE ADIESTRAMIENTO EN TRABAJO INDUSTRIAL

PLAN DE TRABAJO
DEL ESTUDIANTE
1. INFORMACIÓN GENERAL

Apellidos y Nombres: Rosa Elvira Espillco Nimboma ID:001428016

Dirección Zonal/CFP: Independencia

Carrera: Diseño Gráfico Digital Semestre: II

Curso/ Mód. Formativo Fundamentos Visuales
Tema del Trabajo: Elabora una composición utilizando el punto, línea, plano y color

2. PLANIFICACIÓN DEL TRABAJO

N° ACTIVIDADES/ ENTREGABLES CRONOGRAMA/ FECHA DE ENTREGA

01 Buscar Información 04/10
02 Responder preguntas 05/10
03 Planificar mis hechos 06/10
04 Hacer mi boceto 07/10
05 Dibujo Completo 08/10
06 Entrega del trabajo final 12/10

3. PREGUNTAS GUIA
Durante la investigación de estudio, debes obtener las respuestas a las siguientes interrogantes:

Nº PREGUNTAS

1 ¿Cuáles son los fundamentos visuales?

2 ¿Cuáles son los elementos visuales del diseño?

3 ¿Cuál es el Papel de la intuición en una composición visual

4 ¿Cuál es la importancia del Plano?

5 ¿Que comunican las líneas Verticales y Horizontales

6 ¿Cuál es la capacidad expresiva del Punto?

7 ¿Qué es el dibujo Geométrico?

 HOJA DE RESPUESTAS A LAS PREGUNTAS GUÍA

1. ¿Cuáles son los fundamentos visuales?

Es la base de la creación del diseño. Es el significado de las organizaciones visuales. Se enseñan
a los estudiantes como base en cursos como Diseño Básico, Diseño Fundamental, Diseño
Bidimensional, etc, que se refieren a la gramática de este lenguaje visual.

LINK: https://adelossantos.wordpress.com/2009/04/23/fundentos-del-diseno-parte-i/
El Lenguaje Visual:
Es la base de la creación del diseño. Es el significado de las organizaciones visuales. Se
enseñan a los estudiantes como base en cursos como Diseño Básico, Diseño
Fundamental, Diseño Bidimensional, etc, que se refieren a la gramática de este lenguaje
visual.

Interpretando el Lenguaje Visual:

Este carece de leyes obvias. Cada persona tiene su interpretación de este. Puede
entenderse de una forma intuitiva, pero en casi todos los casos el diseñador deberá
confiar en su mente inquisitiva que explora todas las situaciones visuales posibles, dentro
de las exigencias de los problemas específicos.
Elementos de Diseño:
Son los que componentes básicos de los Diseños. Están muy relacionados entre si y no
pueden ser fácilmente separados en nuestra experiencia visual general.
Se distinguen 4 grupos de elementos:
A. Elementos Conceptuales:
Un diseñador de interfaces web debe conocer los elementos conceptuales básicos del
diseño y utilizar un lenguaje común que describa de manera genérica las acciones y los
elementos, incluso antes de que estos sean visibles en la interfaz. Los elementos
conceptuales se utilizan durante las primeras etapas del diseño, cuando aún se está
prototipando. Son efímeros e invisibles, ya que son utilizados únicamente para plasmar
una idea, una posición o una dirección dentro de un determinado espacio visual.

Los elementos conceptuales son el punto, la línea, el plano y el volumen.

El punto:
Cuando se habla de un punto se hace para indicar una posición dentro de un espacio
determinado. Cuando hacemos foco en un punto concreto tenemos que tener en cuenta
los elementos adyacentes y su influencia.

. No posee ninguna dimensión.

. No tiene posición en el espacio.
. Indica una dirección.
. Es el principio y el fin de una línea.
. Es donde dos líneas se encuentran o se cruzan.
 2.
La Línea:
Es un ente invisible, es la traza que deja un punto al moverse. Es, por lo tanto, un
producto que surge del movimiento.

. Posee una sola dimensión, largo.

. Tiene posición y dirección en el espacio.
. Está limitada por puntos y forma los bordes de un plano.

El Plano:
Como elemento icónico, tiene una naturaleza absolutamente espacial. Nos permite
imaginar un contenedor de una sola dimensión con superficie material.
.

. Posee dos dimensiones, largo y ancho.

. Tiene posición y dirección en el espacio.
. Está limitado por líneas.
. Define los límites extremos de un volumen.

El Volumen:
Este concepto facilita la representación más realista de los elementos del diseño. Nos
permite fragmentar el espacio plástico de la imagen sugiriendo una tercera dimensión a
partir de la articulación de planos bidimensionales superpuestos.

Link: https://www.eniun.com/elementos-conceptuales-punto-linea-plano-
volumen/#:~:text=Los%20elementos%20conceptuales%20son%20el,el%20plano%20y%
20el%20volumen.

. Posee tres 3 dimensiones, largo, ancho y profundidad.

. Tiene posición en el espacio.
. No tiene dirección.
. Está limitado por planos.

Link: https://www.eniun.com/elementos-conceptuales-punto-linea-plano-
volumen/#:~:text=Los%20elementos%20conceptuales%20son%20el,el%20plano%20y%
20el%20volumen.

B. Elementos Visuales:
La línea:
La línea es el elemento visual básico de todo grafismo, que no deja de ser una sucesión
de puntos, conectando la trayectoria de un punto a otro. Cuando trabajamos con líneas
debemos prestar atención a cualidades como el grosor, el color, la textura y el estilo.
Estas cualidades pueden tener un gran impacto en cómo se percibe tu diseño, así que
debemos tenerlas bien controladas.

Una línea casi siempre expresa dinamismo, movimiento y dirección. Gracias a las líneas
podemos crear tensión, separar el espacio gráfico o estructurar una composición. Las
líneas pueden encontrarse también de forma no visible en los textos y párrafos alineados.
Y es que gracias al uso de las líneas podemos enfatizar conceptos, dividirlos o incluso
ayudar al espectador guiando su lectura.

Eso sí, ten en cuenta, que una línea puede estar formada por algo más que un mero trazo.
Aquí podéis ver unos cuantos ejemplos de lo que comento.

Link: https://imborrable.com/blog/elementos-visuales-diseno-grafico/
La Forma:

Una forma es un espacio cerrado y plano, limitado a dos dimensiones, que se mide por
anchura y altura.
Podemos hablar de dos grupos diferentes de formas de la imagen:
Dentro de las formas Geométricas podemos englobar todas las figuras que aprendimos
en nuestras clases de matemáticas y que pueden dibujarse con ayuda de una regla o un
compás: triángulos, cuadrados, círculos, etc.
Y luego estarían las formas Orgánicas: que son formas más libres, y que se asemejan a
las que podemos encontrar en la naturaleza, como puede ser la forma de una hoja. Las
formas orgánicas son formas que se dibujan mejor a mano alzada.

Las formas pueden estar delimitadas por líneas, color y también por el espacio negativo,
que comentaremos ahora, un poco más adelante en este mismo artículo.

En diseño gráfico, cuando colocamos dos formas juntas se crea una relación entre ellas.
Gracias a esta relación entre las formas podemos generar emociones, comunicar
mensajes, empatizar con una audiencia, realizar énfasis en una parte de la composición o
incluso evocar movimiento. Pero esto lo veremos con más detalle en el artículo de
Principios del diseño gráfico.

Las formas son muy importantes para lograr comunicar conceptos visualmente. Ya que
nos ayudan a dar peso a nuestras ideas, haciéndolas más reconocibles. Gracias a las
formas podemos entender las señales de tráfico, la simbología y hasta el arte abstracto.
Un ejemplo perfecto para mostraros el poder que tienen las formas a la hora de
comunicar conceptos son los logos. Gracias al uso de las formas en los logos, las
empresas pueden asociar su marca con ciertos valores y emociones.

Y es que cada forma cuenta con evocaciones concretas. Por ejemplo, las formas
geométricas se caracterizan también por producir un sentimiento de orden y control, y
más concretamente el cuadrado es una forma muy estable y de carácter permanente,
asociada a conceptos como estabilidad, permanencia, honestidad, rectitud y hasta
equilibrio.

El Objetivo:
Cuando una forma adquiere propiedades tridimensionales, pasamos a denominarla
Objeto. Para poder crear la ilusión de profundidad y realzar el volumen de un objeto,
hacemos uso de la luz, la sombra y la perspectiva. Básicamente son los equivalentes de
las formas pero con características tridimensionales. Los objetos se miden por su
anchura, altura y profundidad.

Como las formas, los objetos también pueden dividirse en objetos geométricos y objetos
orgánicos. Los objetos geométricos son aquellos que parecen realizados por la mano del
hombre, una vez más evocando orden y control. Los orgánicos, en cambio, son objetos
que se asemejan más a los realizados de forma natural.

Link:
https://imborrable.com/blog/elementos-visuales-diseno-grafico/
El Espacio:
El espacio es la distancia o área alrededor o entre los elementos de nuestro diseño. Al
trabajar en un diseño, considera no sólo los elementos visuales que vas a incorporar
(como las imágenes, tipografías, formas…), sino también cómo vas ordenarlos y
agruparlos dentro la composición.

Podemos encontrar dos tipos de espacio: Espacio Positivo y Espacio Negativo.

Dentro del espacio positivo, se incluyen las formas de los objetos, o donde recaiga
principalmente la atención del diseño.

El espacio negativo, en cambio, es la parte del diseño que no está ahí, el resto del espacio
que está entre los elementos. El espacio negativo puede llegar a ser igual de crucial para
un diseño que el espacio positivo, porque enmarca y contiene la composición.

Gracias al espacio podemos crear la esencia visual y el dinamismo de una composición.

Puede que te resulte muy tentador rellenar todo el lienzo digital con otros recursos, pero
es importante que dejemos respirar a los elementos de nuestra composiciones.

En este ejemplo, podemos comprobar como el cambio de espacio y agrupación de los

elementos crea una sensación completamente diferente de la composición. La imagen de
la izquierda nos evoca orden, armonía y seguridad, mientras que la de la derecha, nos
transmite más caos y confusión.
LINK: https://imborrable.com/blog/elementos-visuales-diseno-grafico/
La Tipografía:
La tipografía es uno de los elementos visuales más usados en diseño gráfico. Es una de
las formas más directas de comunicar visualmente, con titulares o párrafos.

Si analizamos un carácter tipográfico comprobaremos que está formado por la

combinación de formas geométricas y orgánicas, que resultan en una nueva forma.
Todas las características de las tipografías pueden descomponerse y sintetizarse en lo que
se conoce como anatomía tipográfica. El tipo de formas que se incluyen en la anatomía
de los caracteres es lo que otorga a la tipografía su propio estilo y aspecto. Pueden ser
rudas y rectas, como las que encontraríamos en una tipografía SLAB SERIF, o más
orgánicas y armoniosas, como las que podemos encontrar en una SERIF.

La tipografía no sólo es importante porque pueda comunicar palabras, su estilo y

disposición en el diseño también pueden ayudarnos a otorgar más significado a nuestras
composiciones. Algunas tipografías forman parte de una gran familia tipográfica con
distintos grosores, y esto nos puede ayudar cuando necesitemos enfatizar ideas o generar
una jerarquía dentro nuestra composición.

La Textura:
La textura es la cualidad física de una superficie y hace referencia al tacto de un objeto.
Ahora, en diseño gráfico está claro que no podemos realmente sentir un objeto, pero a
través de la textura sí podemos plasmar la ilusión del tacto.

Las texturas pueden crearse mediante el uso de patrones o repetición de imágenes y a

través de la textura podemos conseguir que objetos planos luzcan realistas y
tridimensionales. Las texturas pueden estar presentes en muchísimos recursos, como en
tipografías o pinceles, además de contribuir a dar profundidad a nuestras formas. Pero un
consejo, procura no abusar de este recurso, ya que mucha textura puede sobrecargar tu
diseño con facilidad.

Link: https://imborrable.com/blog/elementos-visuales-diseno-grafico/
 El Color:
El color juega uno de los mayores papeles en diseño gráfico, ya que el ojo humano puede
distinguir hasta 1000 colores aproximadamente. El color es la cantidad de luz que se
refleja sobre un objeto, por lo que la luz toma una relevancia muy importante cuando
hablamos del color.

Gracias al uso del color crear énfasis, generar más armonía en nuestras composiciones e
incluso alterar la percepción del tamaño de los objetos.

Además, cada color puede evocarnos un significado diferente. Se hace de forma

inconsciente, y a veces de forma algo personal, pero podemos llegar a asociar cada color
con una serie de conceptos o sensaciones. A esto se le conoce como psicología del color.

Que no debemos confundir con la teoría del color. La teoría del color es la técnica que,
con ayuda del círculo cromático, contiene una serie de pautas y reglas básicas para elegir
colores, aspirando a conseguir más armonía en nuestro diseño.

C. Elementos de Relación:
En los dos artículos anteriores vimos los elementos básicos conceptuales que nos
permiten crear formas de todo tipo y las características visuales que las definen. Ahora
vamos a ver los elementos de relación que nos ayudan a definir la ubicación y la relación
entre las distintas formas.
Los elementos de relación son la dirección, la posición, el espacio y la gravedad.

La Dirección:
Indica la dirección de un elemento con respecto al resto de elementos presentes en el
sistema.
La Posición:
Define la posición exacta de un elemento respecto a la estructura en el que se encuentra
ubicado.

El Espacio:
Todos los elementos presentes en un sistema ocupan un espacio. Sin embargo, este
espacio puede ofrecer diferentes sensaciones en cuanto a su profundidad.

La Gravedad:
Gracias a la sensación de gravedad podemos dar diferentes sensaciones a los elementos:
pesadez, estabilidad, inestabilidad, etc.

Link: https://www.eniun.com/elementos-relacion-direccion-posicion-espacio-
gravedad/#:~:text=Los%20elementos%20de%20relaci%C3%B3n%20son,el%20espacio
%20y%20la%20gravedad.
 D. Elementos Prácticos:

Los elementos prácticos son aquellos que tienen una interpretación subjetiva y a los que
podemos dotar de un significado. Los elementos prácticos son la representación, el
significado y la función.

Representación:
Un elemento es representativo cuando se ha creado a partir de un objeto presente en el
mundo real.
Ejemplo: Representación de la luna.

Significado:
Un elemento tiene un significado cuando transmite un mensaje.
Ejemplo: el Yin Yang describe las dos fuerzas fundamentales opuestas y
complementarias que se encuentran en todas las cosas.

Función:
Un elemento tiene una función cuando es capaz de transmitir el propósito para el cual ha
sido creado.
Ejemplo: la señal de prohibido hace la función de prohibir el paso.

Link:
https://www.eniun.com/elementos-practicos-representacion-significado-
funcion/#:~:text=Los%20elementos%20pr%C3%A1cticos%20son%20aquellos,el%20sig
nificado%20y%20la%20funci%C3%B3n
 3.
En una composición visual el papel de la intuición es importante para crear de manera
estética.
El artista sigue su intuición para mezclar colores, aplicar las técnicas, distribuir los
elementos de su obra y poder difundir su mensaje. Es un conocimiento inherente al ser
humano.
La intuición permite que la información inconsciente que se obtiene en la vida diaria, sea
manifestada en la obra del autor y quede plasmada en sensaciones e imágenes de un
objeto artístico.
El lenguaje visual se puede combinar y distribuir en un espacio bidimensional o en un
espacio tridimensional. El lenguaje gráfico-plástico ordena sus elementos visuales
(puntos, líneas, planos, textura, luz y color) para crear un efecto de unidad y orden. A
este proceso organizativo lo llamamos composición. En una composición tenemos que
tener en cuenta tanto los espacios llenos que ocupan las formas como los vacíos.

Los distintos tipos de composición:

Composición Vertical:

Empezamos por una de las más simples composiciones basada en el formato vertical.
Consiste en alinear todos los elementos a lo largo de una línea vertical que normalmente,
se sitúa en el centro de la imagen y ocupa la mayoría del espacio.

Pictóricamente hablando, la línea vertical es más importante que cualquier otra. Es la

dirección de la gravedad y representa al hombre erguido, diferenciándolo del resto de
animales. Además, se sujeta por sí misma, a diferencia de las demás líneas que necesitan
soporte. Este tipo de composición es muy usado en retratos en los que sólo se representa
una figura, de esta forma nos evitamos incluir elementos de fondo innecesarios.

Muchas obras religiosas utilizan formatos verticales con esta composición para
representar a santos y otros personajes bíblicos, ya que acentúa el significado de
elevación y espiritualidad.
Composición horizontal:
Como divisora de la línea vertical, aparece la línea horizontal. La segunda en
importancia.
Al igual que la anterior, no nos sirve para crear composiciones muy complejas, pero nos
es suficiente para representar unos pocos elementos al situarlos sobre una línea horizontal
Este tipo de composición inspira calma y tranquilidad.

Composición en diagonal:
Otro tipo de composición basado en únicamente una línea es la diagonal. Comparte la
simplicidad con los dos anteriores tipos de composición, pero genera una imagen con
mucho más movimiento, ya que las líneas diagonales son más dinámicas que las
horizontales y verticales.
Composición en cruz:
Cuando unimos una línea horizontal y una vertical, tenemos una cruz. En el ejemplo
superior, podemos ver una composición en cruz dentro de una composición circular.
Las composiciones en cruz crean una especie de estructura estable y sugieren unión.

Composición con líneas:

Este tipo de composición es una de las bases de la pintura china. Muchas composiciones
simples de plantas, utilizan este sencillo truco para ordenar los elementos de las
composiciones.Aunque es usado principalmente para la composición de elementos
naturales como plantas y árboles, los ideas básicas que utiliza pueden sernos útiles para
organizar todo tipo de elementos en nuestras obras.
Y aunque las obras de arte chino sean generalmente muy simples en cuanto al número de
elementos, podemos usar estos métodos para componer imágenes más cargadas
visualmente. Cuando tenemos una composición de dos líneas, la idea es que una de las
líneas sea la dominante y la otra la subordinada. A lo largo de la línea dominante
situaremos el elemento más pesado, más grande o más fuerte. Éste será el elemento
principal de la composición y el que atraerá la mirada del espectador en mayor medida.
A lo largo de la línea subordinada situaremos el elemento más pequeño o débil. La
dirección de esta línea no es igual que la línea principal. Aunque tampoco conviene
pintarla en una dirección totalmente opuesta, sí que queremos que se desvíe ligeramente
de la línea principal.
A continuación puedes ver unos cuantos ejemplos de composición con dos líneas.

Tomando este tipo de dos líneas como base, podemos complicar un poco el asunto
añadiendo una tercera línea. Ésta tercera línea será la más débil y llevará una dirección
más desviada de las otras dos.

A medida que vamos añadiendo más líneas, iremos aumentando la complejidad de la

escena. Tomando como base esta forma de organizar líneas, podremos crear imágenes
muy interesantes.

Link: https://www.ilustraciology.com/16-tipos-de-composicion-artistica/
Composición rectangular o cuadriculada:

En este apartado podemos englobar todas las composiciones que utilizan conjuntamente
líneas horizontales y verticales para crear una composición cuadrada, rectangular o en
cuadrícula.
Este tipo de composiciones suelen ser un poco aburridas, pero a cambio generan
imágenes muy ordenadas y estables.
En la imagen de ejemplo podemos ver que las líneas forman varias rectángulos que
enmarcan y separan a las figuras en sus respectivas secciones. Ésto genera una especie de
discontinuidad en la obra y nuestros ojos se detienen a observar cada una de las secciones
como si fueran viñetas de un cómic.

Composición circular:

Las composiciones circulares sugieren seguridad y cierre. Una composición cuyos

elementos son organizados de esta forma, nos produce satisfacción, ya que nuestro
cerebro tiende a completar el círculo que se intuye, creando una sensación de armonía y
unidad.
En muchas obras, los artistas ordenan los elementos en una composición circular de
forma natural y automática, sin ser conscientes de ello. Simplemente movido por un
instinto de unidad, orden y equilibrio.
La finalidad de toda composición circular, es dirigir los ojos del espectador al centro del
círculo, donde se supone que está el centro de interés de la obra.
Se pueden utilizar círculos de diferentes tamaños para ir dirigiendo la mirada del
espectador hacia el punto de mayor importancia, como vemos en el ejemplo.
Los círculos no tienen porque ser demasiado obvios, más bien se trata de insinuar un
espacio circular cerrado que encuadre una parte de la imagen.

Un efecto que se produce en las composiciones circulares es el denominado retorno del

ojo. Esto significa que los ojos del espectador se mueven en forma circular por todo el
cuadro siguiendo la forma de la composición. Esto efecto es más difícil de producir con
otras composiciones, pero las composiciones circulares hacen que inconscientemente
movamos nuestros ojos alrededor de los círculos base, de la misma forma que lo hace un
bumerán.
Una variante de este tipo de composición es la elipsoidal, en la que como su nombre
indica, se usan elipses para componer los elementos. El resultado es prácticamente el
mismo.
Composición triangular:

Las composiciones triangulares transmiten una sensación de estabilidad, pero al mismo

tiempo, también implican un cierto aire de elevación o superioridad.
A diferencia de la composición circular, en este tipo de composiciones, los ojos del espectador
son dirigidos hacia un punto en el que no hay retorno. Debido a la fuerza de los ángulos,una
vez que los ojos alcanzan el punto focal, no son invitados a regresar o a moverse hacia otros
puntos.

En las composiciones triangulares se reemplaza el movimiento fluido de los ojos, por un

momento de impacto visual. La fuerza de la imagen se concentra en un punto al que los ojos
son dirigidos por medio de otros elementos.

Esto se ve reflejado en las pinturas de temas religiosos, donde la figura de mayor relevancia
(normalmente Jesús o la Virgen) se sitúan en el vértice superior del triángulo.

Las composiciones triangulares, no tienen por qué limitarse a organizar los elementos sobre un
triángulo equilátero, al que se parece el caso del ejemplo. Existen una gran variedad de obras
compuestas con triángulos de diferentes formas.

De hecho, muchas obras de pintura china con composición triangular, prefieren utilizar
triángulos agudos y obtusos.
Composición con letras:

Existe un tipo de composición basado en letra S que también es conocido como la línea de la
belleza. Algunas composiciones exageran esta línea llegando a convertirla en una Z.

Da igual que se use en el plano vertical (por ejemplo para representar una espalda erguida o
una lengua de fuego) o en el horizontal (para representar un valle o una montaña). Los artistas
de la historia del arte han compuesto muchas de sus obras usando la letra S de diferentes
formas para crear obras que transmitieran vida y movimiento.

En algunos casos la S puede aparecer invertida o con una forma menos definida. Lo relevante,
es que los elementos de la imagen se organicen formando una línea curva que dirija la mirada
del espectador creando movimiento.

Además de la letra S, podemos encontrar composiciones con otras letras.

En el ejemplo de abajo, puedes ver varios ejemplos de este tipo de composiciones.
Composición radial:

En la composición radial, los elementos se organizan a lo largo de las líneas que

convergen en un punto concreto de la imagen.
Es un tipo de composición que puede generar una gran sensación de profundidad, pero al
mismo tiempo la imagen resultante puede ser un poco aburrida.
En la imagen de ejemplo, el origen de las líneas y el punto focal no es el mismo. El
origen de las líneas compositivas se encuentra en el centro, pero no hay un punto focal
definido y la mirada del espectador recorre los diferentes personajes y elementos sin una
dirección concreta.
Para que la composición sea más efectiva, podríamos usar este tipo de técnica situando
nuestro punto focal en el punto de convergencia de las líneas, de este modo todos los
elementos dirigen la mirada del espectador hacia el punto de mayor importancia.

Composición con formas geométricas:

Podemos unir varias formas geométricas de las anteriores y generar una composición.
Como norma general, si la ordenación de las formas geométricas funciona visualmente ,
se seguirá viendo bien una vez que hayamos puesto los elementos sobre la misma.
Aunque este tipo de trucos nos puede ayudar a crear composiciones bien equilibradas, a
menudo el resultado se verá un poco forzado e inorgánico.

La regla de los tercios:

El siguiente tipo de composición que vamos a ver es la regla de los tercios.

Probablemente, la regla más conocida y usada de todas, quizás debido a que es una de
las más simples y efectivas.
Para ello, dividimos una imagen en 9 cuadrados iguales que producen 4 intersecciones o
puntos de interés. Estos puntos se encuentran en los tercios de la imagen.
Para usar esta regla, tan sólo tienes que situar tu punto de mayor interés o contraste, en
uno de esas 4 intersecciones o a lo largo de las líneas.
Como puedes ver en la imagen de arriba, la línea del horizonte se sitúa justo en la línea
que separa el tercio inferior. Cuando situamos un plano de nuestra imagen en una de estas
líneas, la imagen se divide de forma armónica y nos resulta agradable.

Vemos que los caballos y carruajes se sitúan en el punto inferior derecho. Y nuestros
ojos se dirigen automáticamente hacia ese punto, por ser el que más información
contiene. Pero para que ésto funcione, la imagen tiene que estar compensada. Esto
significa que si todos los elementos se encuentran en un punto apelotonados, el resto de
la imagen tiene que poder respirar.

En este ejemplo vemos como el espacio que ocupa el cielo es enorme, en comparación
con el del suelo. En el suelo, (que ocupa el tercio inferior) se encuentra toda la
información. El cielo (que ocupa los dos tercios superiores), se encuentra vacío de
información.

Así, un gran espacio vacío se compensa con un pequeño espacio cargado de elementos.
De esta forma, nuestros ojos se deslizan por el resto del cuadro y descansan en el los
tercios vacíos, para luego volver a los puntos de interés.
Simetría cruzada:

Como vemos en esta imagen, la composición se organiza de forma simétrica. Si

trazamos una cruz que divida la imagen en 4 partes iguales, vemos que la mitad de la
derecha se refleja en la parte de la izquierda. Los elementos aparecen repetidos de forma
simétrica.
En este caso, la simetría sucede de forma horizontal, pero también podríamos tener
simetría vertical.

Para hacer la imagen más interesante, debemos evitar la simetría perfecta, variando los
elementos un mínimo. Podemos ver estas diferencias forma más marcada, en las
personas de la mitad inferior del cuadro. Aún así, éstas figuras aparecen organizadas en
dos grupos que se reflejan.

El resultado de este tipo de composición, es una imagen estática que carece de

movimiento. Por eso, este tipo de composición se engloba dentro del grupo conocido
como simetría estática.

Como vemos en este ejemplo, el punto de mayor importancia se encuentra en el centro,

hacia donde nuestros ojos se dirigen automáticamente. Como resultado, obtenemos
estabilidad, lo contrario que con la regla de los tercios, en la que se crea dinamismo al
separar los elementos del centro.

En cambio, con la simetría cruzada, obtenemos una imagen armónica y relajante. Al

mismo tiempo, se produce una sensación de grandeza y solemnidad. Al igual que ocurre
con los templos griegos.

Link:
https://www.ilustraciology.com/16-tipos-de-composicion-artistica/
Simetría dinámica:

Los grandes artistas de la historia basaron los principios del diseño en las proporciones
de la figura humana y las plantas. Estos principios son recogidos bajo el nombre de
Simetría Dinámica.
La simetría dinámica es la herramienta de composición definitiva que nos ayuda a crear
imágenes bien compuestas, con buen equilibrio. Proviene de la observación de la
naturaleza y de la forma en la que se organiza y que podemos encontrar en organismos
tales como las conchas de animales o ramas y hojas de plantas.

Desde esculturas griegas, hasta pinturas del renacimiento o edificios, este tipo de
composición y leyes de diseño, ha sido usado por los mejores artistas de la historia y ha
dado lugar a las obras de arte más importantes de la humanidad.

Parece ser que los griegos aprendieron este tipo de simetría de los egipcios, quienes
fueron los primeros en usarla para construir ciertos templos y altares. Después de
descubrir las ventajas de este tipo de composición, empezaron a utilizarla extensivamente
y a remplazar la simetría estática.

A diferencia de la simetría estática, la simetría dinámica otorga una sensación de vida y

movimiento a las composiciones en las que se usa. Además, ayuda a definir el perfecto
equilibrio y espaciado entre elementos.
Esta herramienta compositiva es un poco compleja y requiere una inversión considerable
de tiempo y esfuerzo para poder llegar a dominarla por completo. Está formada por
muchos elementos y reglas matemáticas que deben conocerse para poder hacer el mayor
uso de ella y adaptarlas a nuestras propias composiciones.

Para simplificar, si dibujamos un cuadrado perfecto, tenemos Raíz 1. La diagonal de ese

cuadrado es igual al lado del rectángulo Raíz 2 y así sucesivamente. Dependiendo del
formato de nuestra imagen, tendremos que usar un tipo determinado.

Para facilitarnos la vida un poco, podemos encontrar en internet las plantillas ya

diseñadas, que nos pueden servir para componer rápidamente nuestras obras.
A continuación vamos a ver algunos elementos que, aunque se engloban dentro de la simetría
dinámica, también pueden ser usados independientemente para crear buenas composiciones.

Triángulos áureos:

Últimamente he visto que se está poniendo de moda este tipo de composiciones, sobre todo
porque la herramienta de recorte de Photoshop, incluye esta plantilla.

Aunque no estoy seguro de que se llamen triángulos áureos, les he dado este nombre, porque
este tipo de composición usa elementos de la simetría dinámica.

En realidad, consiste en utilizar únicamente la diagonal y las líneas de cruce de una plantilla de
simetría dinámica. De esta forma, la imagen queda divida en cuatro triángulos.

ara hacerlo a mano, tendrías que trazar una diagonal desde uno de los vértices inferiores de tu
imagen hasta uno de los superiores. utilizando los vértices opuestos, trazarías otras dos
diagonales que cortan a la primera línea de forma perpendicular.

Para conseguir una buena composición, debemos organizar los elementos en el espacio de
uno o varios de estos triángulos, dejando los demás vacíos. Además la zona óptima para situar
el punto o puntos de interés es alrededor de los puntos donde interseccionan las líneas.

No tiene que ser una regla grabada en piedra, nos basta con aproximarnos a las formas
triangulares para generar una composición equilibrada.

La espiral áurea y el rectángulo áureo:

Otro elemento de la simetría dinámica es la espiral áurea. En muchas ocasiones se usa como
un elemento independiente de composición, pero su base proviene de los principios de la
simetría dinámica.

Para su creación, partimos de un cuadrado que vamos aumentando proporcionalmente en

relación al número Phi. El resultado final de este proceso es el llamado rectángulo áureo y
dentro del mismo, se encuentra la espiral áurea. Existe mucha información online sobre los
procesos a seguir para conseguir trazar estas formas.
Esta espiral está muy presente en la naturaleza, apareciendo en la forma de las galaxias, las
conchas de los caracoles, las semillas de girasol, la oreja de los humanos, etc…

Puede ser usada para componer líneas de forma armónica y hay muchas maneras distintas de
aplicarla en nuestras composiciones. Aunque una de las formas más usadas, consiste en situar
el punto focal de nuestra composición en el ojo o centro de la espiral y ordenar el resto de
elementos alrededor del mismo. En la imagen superior podemos ver un ejemplo.

4.
El plano es el elemento ideal que sólo posee dos dimensiones: alto y ancho, y contiene
infinitos puntos y rectas, se representan con una letra mayúscula ubicada en una de las
esquinas. Permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma podemos delimitar y
clasificar las diferentes zonas de nuestra composición.

El punto, la línea y el plano se consideran los elementos básicos del diseño, y partir de
ellos, se pueden crear imágenes, iconos, texturas, patrones, diagramas, animaciones e
incluso tipografías. De hecho, cada uno de los diseños, por más complejos que sean, son
el resultado de la interacción entre punto, líneas y planos.
Es el recorrido de una línea en movimiento que al cerrarse forma un plano acotado. En el
software de vectores (Illustrator) todas las formas consisten en línea y relleno, un plano
puede ser paralelo a la superficie, desviarse para dar sensación de espacio, de distancia,
lejanía… puede ser sólido, transparente, perforado, texturizado, etc.
Link: https://www.eniun.com/elementos-conceptuales-punto-linea-plano-volumen/

5
La horizontal nos comunica idea de: tranquilidad, reposo, quietud , frialdad,
achatamiento.

Implicaciones Expresivas de las Líneas Horizontales

Son claves por una razón de peso: vemos el mundo en horizontal. ¿Qué implica esto?
Llega una de las primeras características expresivas, se ajustan mejor a un formato de
encuadre horizontal. El ojo se comporta como un perfecto escáner y le resulta interesante
recorrer líneas horizontales en formatos de encuadre apaisados. La línea horizontal por
excelencia será el horizonte, presente en la mayor parte de paisajes, fotografías de
diversas temáticas y punto de referencia.
En la imagen que sirve como ilustración (arriba) podemos observar una línea horizontal
clara (horizonte) y un conjunto de verticales (molinos de viento) que actuarían
igualmente como línea horizontal. También es posible comprobar cómo la línea
horizontal principal actúa de base para los sujetos elegidos.

La línea vertical nos habla de: fuerza, elegancia, ascensión, espiritualidad ,

hieratismo (sagrado).

Implicaciones Expresivas de las Líneas Verticales:

Tras lanzar ciertas reflexiones que nos permitan dilucidar algunas de las propiedades
emergentes de las líneas verticales, ¿os parece que las enumeremos y analicemos?
La primera de las características a tener en cuenta será la relación con el marco y el
formato de encuadre. Una forma vertical se asentará más cómodamente en un encuadre
vertical que horizontal, sin embargo, existe una particularidad en éste sentido: un
conjunto de verticales adquirirán estructura horizontal al considerarse como grupo. ¿Qué
quiere decir esto? Imaginemos la forma de una única persona en un encuadre vertical, se
ajusta ¿verdad? Ahora imaginemos un conjunto de diez personas colocadas en paralelo,
en éste caso diríamos que se trata de un conjunto de verticales que actúan como línea
horizontal y se ajustan mejor a un formato horizontal.
Respecto a la relación de las verticales y el formato de encuadre únicamente
enunciaremos una particularidad más, estaremos especialmente atentos a cualquier
mínima variación de su ángulo con respecto a las líneas del marco, el ojo humano es
especialmente crítico en éste sentido.

Link: https://www.dzoom.org.es/lineas-horizontales-mejorando-tu-composicion-
fotografica/

6.
Link:
https://www.juntadeandalucia.es/averroes/centros-
tic/11000289/helvia/aula/archivos/repositorio/0/90/teoria_1_ESO_-
_7_ELEMENTOS_DEL_LENGUAJE_VISUAL.pdf

Los puntos se pueden agrupar o aumentar su tamaño ocupando mayor espacio y

produciendo una sensación visual de concentración o mayor densidad, y alejar o
disminuir su tamaño con lo que se consigue un efecto de dispersión
o menor densidad.

También pueden situarse de manera ordenada o variando su dirección, creando

composiciones más o menos dinámicas.
Todas estas variantes permiten a los artistas expresar sus ideas y emociones.
Seurat fue un pintor francés puntillista que destacó porque pintaba sus cuadros utilizando
pinceladas pequeñas a modo de puntos, con los que estructuraba las formas que aparecían
en sus cuadros. Conseguía, de este modo, suavizar la luz y los contrastes entre las figuras
creando una atmósfera neblinosa.
Variando adecuadamente los tamaños, las formas y los colores de los puntos, podemos
crear una sensación visual de profundidad.
Los puntos más pequeños parecen estar más lejanos y 7los grandes parecen situarse en
primer plano.
7.

Este dibujo se define como un conjunto de procesos y técnicas que permiten la creación de figuras y la solución
de problemas usando instrumentos tales como reglas geométricas en las que se tiene en cuenta la escala y la
orientación. En la actualidad, gran parte de esta actividad puede realizarse usando un software, que imita líneas y
trazos hechos con la ayuda de los instrumentos.

Antecedentes del Dibujo Geométrico

En las civilizaciones anteriores, la ciencia, en particular las matemáticas, la religión y el arte no estaban
separados. Ni siquiera se tiene una palabra para el amplio y fluido campo que formaron juntos. Pero se puede
tener una idea de ello mirando cualquiera de las muchas asombrosas obras de arte geométrico que han
sobrevivido hasta ahora, y que normalmente forman parte de una estructura sagrada.

El interés por la geometría y los patrones matemáticos está resurgiendo hoy en día y puede verse en la creciente
demanda del dibujo geométrico. Sin embargo, no hay necesidad de un software especial para crear diseños
geométricos altamente complejos, y de hecho es satisfactorio, incluso meditativo, sacarlos lentamente de la nada,
en el blanco de una hoja de papel.

Características del Dibujo Geométrico

Para construir dibujos geométricos, se comienza con los bloques de
construcción de la geometría, haciendo dibujos simples durante las primeras
etapas, se pasa a patrones y construcciones más elaboradas, siendo las
etapas más avanzadas las que abordan trabajos de geometría complejos.

La mayor parte del tiempo, el proceso del dibujo geométrico se realiza con
regla y compás. Estos dos instrumentos tienen una importancia histórica
como herramientas para la resolución de problemas de geometría, que
conlleva a una limitación de los creadores al Dibujo Geométrico, ya que,
permite la representación y la solución de las figuras geométricas en el
plano.
El programa CAD, ha tenido gran importancia en el desarrollo del dibujo geométrico, lo que, ha permitido que este
dibujo tenga más importancia en los procesos de enseñanza-aprendizaje, teniendo en cuenta la inmensa
precisión de los sistemas informáticos.
Este dibujo se define como un conjunto de procesos y técnicas que permiten la creación de figuras y la solución
de problemas usando instrumentos tales como reglas geométricas en las que se tiene en cuenta la escala y la
orientación. En la actualidad, gran parte de esta actividad puede realizarse usando un software, que imita líneas y
trazos hechos con la ayuda de los instrumentos

Antecedentes del Dibujo Geométrico

En las civilizaciones anteriores, la ciencia, en particular las matemáticas, la religión y el arte no estaban
separados. Ni siquiera se tiene una palabra para el amplio y fluido campo que formaron juntos. Pero se
puede tener una idea de ello mirando cualquiera de las muchas asombrosas obras de arte geométrico que
han sobrevivido hasta ahora, y que normalmente forman parte de una estructura sagrada.

El interés por la geometría y los patrones matemáticos está resurgiendo hoy en día y puede verse en la
creciente demanda del dibujo geométrico. Sin embargo, no hay necesidad de un software especial para
crear diseños geométricos altamente complejos, y de hecho es satisfactorio, incluso meditativo, sacarlos
lentamente de la nada, en el blanco de una hoja de papel.