Colegio Mario Monteforte

Toledo

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COLEGIO MARIO MONTEFORTE TOLEDO

6º. Magisterio de Educación Infantil

Intercultural
ESTUDIANTE:
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Apellidos Nombres

Expresión Artística
 Índice
Unidad I: Aplica el lenguaje de las artes plásticas como medio de expresión y como
herramienta para desarrollar el pensamiento creador
Artes Plásticas y Visuales 1
Tipos de Artes Plásticas
Características de las artes plásticas 2
Importancia de Educación Artística 3
Importancia de las Artes Plásticas 4
Importancia de la Educación Artística en la escuela 5
Arte y pensamiento creador 6
Cualidades de los materiales y objetos 8

Unidad II: Aplica diferentes técnicas y estrategias para expresar a través de las diferentes
manifestaciones en Expresión Artística: Artes Plásticas
Etapas del Arte Infantil 10
Periodo Garabateo
Periodo de la Esquematización 11
Dibujo 13
Pintura 15
Recortado y pegado 17
Modelado
Texturas Visuales y Táctiles 18
Formas: abiertas, cerradas, planas, con volumen y figura 19
Líneas: verticales, horizontales, oblicuas, rectas, onduladas, curvas y 20
quebradas
Claroscuro 22

Unidad III: Aplica en su tarea diaria elementos artísticos plásticos para expresar, hechos,
sucesos, vivencias y deseos en su actividad diaria dentro y fuera de su contexto sociocultural
Bellas Artes 24
Vanguardias infantiles 25
Producción de obras plásticas para expresar hechos, sucesos, vivencias, 28
fantasías y deseos
Técnicas básicas para dibujos en los niños 30
Utilización de ceras, temperas, barro, agua, harina, etc.

Identifica, investiga, rescata y promueve las diversas manifestaciones 31

artísticas de los pueblos Maya, Xinca, Ladino y Garífuna
Culturas de Guatemala vinculadas a Expresión Artística 36
• Maya
• Xinca
• Garífuna
• Ladino
Organología de instrumentos folklóricos
Etnomusicología 40

Unidad IV: Identifica, investiga, rescata y promueve las diversas manifestaciones artísticas
de los pueblos Maya, Xinca, Ladino y Garífuna
Arte Prehispánico 41
Arte Colonial 44
Arte Maya 45
Arte Religioso 51
Artesanías:
• Cerámica
• Vidriada
• Talabartería
• Hierro Forjado
• Adobe

Referencias 57
Artes Plásticas y Visuales
Estudian la fundamentación de los procesos simbólicos e históricos y las herramientas
teóricas, técnicas y críticas que intervienen en la creación, la recreación, la realización y la
expresión artística en escultura, pintura, dibujo, diseño y grabado; (Visuales, 2022)

Cuando hablamos de artes plásticas, nos referimos a las técnicas de elaboración de obras de
arte en las cuales se utilizan materiales y elementos susceptibles de ser moldeados,
modificados o transformados por el artista. Dichos elementos se consideran por ende
recursos plásticos, ya que le sirven al artista de materia prima para expresar su perspectiva,
imaginación o visión específica de lo real; (Visuales C. A., 2022)

Este término es empleado en Bellas Artes para diferenciar a las artes visuales, que deben ser
percibidas por la vista del espectador, de las que involucran también el sentido del oído
(música, texto recitado), como las artes escénicas. Así, se consideran artes plásticas a la
pintura, la escultura, el dibujo, la arquitectura, el grabado, la cerámica, la orfebrería, artesanía
y pintura mural; (Visuales C. A., 2022)

Es muy usual que los artistas plásticos, sobre todo en la exploración temprana de su talento,
se avoquen a diversas disciplinas plásticas al mismo tiempo, ya que las artes plásticas parten
de principios y aspectos comunes entre sí, como lo pueden ser la forma, la textura, el color o,
inclusive, el movimiento; (Visuales C. A., 2022)

Las artes plásticas ocupan actualmente uno de

los principales rubros artísticos de los museos, y
son, junto con las artes escénicas, la literatura,
el cine, la música y la fotografía, las máximas
expresiones contemporáneas del arte; (Visuales
C. A., 2022)

Tipos de Artes Plásticas

 Pintura: la más clásica de todas, junto con la escultura, esta disciplina
emplea sustancias cromáticas obtenidas mediante diversos mecanismos para aplicar color

1
 sobre una superficie lisa y blanca, conocida como lienzo, para crear con dichos colores una
representación realista o abstracta de la realidad; (Visuales C. A., 2022)
 Escultura: esta disciplina emplea las manos del artista, así como diversas herramientas,
para moldear, cortar, pulir y, en fin, dar una forma determinada a elementos duraderos,
como las piedras de diversa naturaleza, o a materiales moldeables que luego endurecen,
como el yeso.
 Orfebrería: se trata de la elaboración de piezas artísticas mediante la manipulación y fundido
de los metales, en particular metales preciosos como el oro o la plata.
 Dibujo: la técnica consiste en representar las perspectivas de lo visible a simple vista o de
lo imaginario mediante trazos en un papel que se efectúan con lápiz, carboncillo, tinta o
algún otro material que deje marcas.
 Grabado: de manera semejante al dibujo, el grabado imprime gestos, letras u otros
símbolos sobre una superficie, pero en este caso una dura y resistente como metales
laminados.
 Cerámica: semejante a la escultura, imprime forma (y eventualmente color) a una masa de
un elemento moldeable o maleable, para luego extraerle naturalmente o en un horno el
componente de agua y, al secar, endurecerlo y hacerlo rígido y
brillante.
 Artesanía: se llama así a la técnica de producción de objetos o
envases simples, de uso cotidiano, mediante materiales flexibles
y herramientas simples, a menudo la mano del artista.

Características de las artes plásticas

 Color: los colores se les dan a las obras de arte mediante pigmentos y materiales que, al
ser impactados por la luz blanca, absorben todos los tonos del arcoíris menos uno. Dicho
color reflejado es el que perciben nuestras retinas; (Visuales C. A., 2022)
 Forma: la forma tiene que ver con la geometría de las cosas, con su regularidad o
irregularidad, con sus límites perceptibles a simple vista.
 Textura: la textura es apreciable mediante el tacto o también la vista, y tiene que ver con la
superficie de los objetos: su rugosidad o su lisura, su filo o las sensaciones que transmite
su capa externa.

2
 Movimiento: en algunos casos, las obras plásticas pueden contar con movimiento, como
es el caso de artistas como el argentino Julio LeParc, cuyas esculturas podían ser activadas
por electricidad para transmitirle al espectador formas y colores hipnóticos.

Ejemplos de artes plásticas

• Pintura: El Guernica de Pablo Picasso (s. XX).
• Escultura: El pensador de Auguste Rodin (s. XX).
• Cerámica: Los jarrones cerámicos de Théodore Deck (s. XIX).
• Orfebrería: El altar de San Ambrosio de Milán, hecho por Vuolvinus (c. 850).
• Dibujo: Los bocetos de bailarinas de Edgar Degas (s. XX).
• Grabado: La serie de grabados de Goya bautizados “Los caprichos” (s. XX).

Importancia de Educación Artística

El arte es entendido como cualquier actividad o producto realizado con una finalidad estética
y comunicativa, mediante la cual se expresan ideas, emociones o una visión del mundo a
través del lenguaje, música, danza y pintura y su presencia en la educación es beneficiosa,
porque contribuye al desarrollo integral y pleno de los estudiantes; (Gutt, 2022)

Expresión artística enriquece y realiza un gran aporte cognitivo en el desarrollo de las

habilidades y destrezas de los estudiantes, como el emprendimiento, la diversidad cultural, la
innovación, la creatividad y la curiosidad, así como también aporta autoconfianza, respeto y
tolerancia. Para el niño la actividad artística es un medio para el desarrollo dinámico y
unificador; (Gutt, 2022)

El dibujo, la pintura, la danza o el teatro, constituyen un proceso en el que el alumno reúne,

interpreta y reforma los elementos adquiridos por su experiencia. Con esto podemos conocer
lo que el niño siente, piensa y observa; (Gutt, 2022)

Beneficios de la educación artística

 Refuerza la calidad en el aprendizaje
 Aumenta el entusiasmo y el interés de los alumnos

3
 Incrementa la percepción del entorno y generan en el alumno una flexibilidad de
pensamiento
 Genera en el alumno seguridad y autonomía
 Estimula las habilidades cognitivas y permiten al individuo comunicarse
 Ofrece la oportunidad de explorar la imaginación y la capacidad de desenvolverse mejor en
ámbitos sociales.

Importancia de las Artes Plásticas

"Platón formuló que el arte debe ser la base de toda forma de
educación natural y enaltecedora.
El ser humano se ha expresado a través del arte y ha documentado
de esta forma la historia de la humanidad. Las manifestaciones
artísticas son parte de la sociedad que le da vida, y son su reflejo.
Por medio del arte podemos realizar una lectura de las
características de las sociedades de distintas épocas de la historia".

En Guatemala el Ministerio de Educación menciona que es importante para el desarrollo de

los pequeños permitirles, los espacios, recursos, la libertad de poder expresarse por medio de
cualquier tipo de manualidad acorde a su edad. Muchos me dirán que eso es fácil, porque a
todos los niños les encanta, aunque se ha visto que algunos no; no se sabe bien si es porque
realmente no les gusta, o porque los adultos que los rodean nunca les facilitaron los medios
para llevar a cabo estas actividades y no hablo de simplemente soltarles un trozo de plastilina,
o sentarlos frente a un tarro de pintura papel y pincel; (Arte, 2022)

También son muy importantes para su desarrollo porque además de la parte emotiva, los
estaremos ayudando a reforzar la motricidad fina y gruesa, les estaremos incentivando a
explotar su capacidad creativa lo que les permitirá encontrar diferentes soluciones a un
problema determinado. Colaboramos también con su aprendizaje, explorando los colores, las
formas, texturas, y estaremos ayudándoles a incrementar su nivel de atención y concentración;
(Arte, 2022)

4
El estudio del “Arte” aporta al alumno los conocimientos necesarios para el análisis,
interpretación y valoración de las obras de arte a través del lenguaje de las formas y del
pensamiento visual, teniendo en cuenta que en la sociedad actual, altamente tecnificada, el
ámbito de las artes plásticas tradicionales se ha visto enriquecido con la aportación de otras
manifestaciones procedentes de los medios de comunicación visual, de modo que el universo
de la imagen forma parte de nuestra realidad cotidiana; (Arte, 2022)

Igualmente, la obra de arte, junto a otras fuentes de conocimiento histórico, constituye, en sí

misma, un valioso documento y un testimonio indispensable y singular para conocer el devenir
de las sociedades, al tiempo que se virtualiza como elemento transformador de éstas; (Arte,
2022)

Importancia de la Educación Artística en la escuela

La formación artística contribuye al desarrollo integral de los niños, jóvenes y adultos;
enriquece el desarrollo cognitivo y desarrolla habilidades y destrezas como la creatividad y la
curiosidad; (UNAM, 2022)

Durante los primeros años de vida los niños juegan, cantan, bailan y dibujan, de manera
natural. Estas actividades son fundamentales para desarrollar su sistema sensorial, motor,
cognitivo y emocional, lo que les permite a los niños aprender a aprender; (UNAM, 2022)

Por lo tanto, su enfoque se dirige principalmente a las habilidades y destrezas como la

creatividad, la innovación o la curiosidad; despierta el poder imaginativo, estimula la fantasía,
contribuye a la formación de la personalidad, la confianza en sí mismo, el respeto y la
tolerancia, en la edad adulta, la formación artística contribuye a la estimulación cerebral,
retrasando el envejecimiento. A través del trabajo creativo, se ejercita la memoria, el sentido
espacial, de las proporciones; sin contar con los beneficios terapéuticos: alivia el estrés, mejora
la ansiedad, permite una mayor concentración y hace posible la interacción social; (UNAM,
2022)

Es importante en todas las etapas de la vida, especialmente en la niñez y en la adolescencia

porque ayuda a la formación de seres humanos sensibles, empáticos y creativos. En la adultez
alivia las cargas del día a día y estimula la interacción social; (UNAM, 2022)
5
Arte y pensamiento creador
Arte
Es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser humano para expresar
una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario. Mediante recursos plásticos,
lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones;
(Arte, 2022)

Disciplinas del arte

La clasificación utilizada en la Grecia antigua incluía seis disciplinas dentro del arte:
la arquitectura, la danza, la escultura, la música, la pintura y la poesía (literatura). Más
adelante, comenzó a incluirse al cine como el séptimo arte. También hay quienes nombran a
la fotografía como el octavo arte (aunque suele alegarse que se trata de una extensión de la
pintura) y a la historieta como el noveno (sus detractores indican que es, en realidad, un puente
entre la pintura y el cine). La televisión, la moda, la publicidad y los videojuegos son otras
disciplinas que, en ocasiones, son consideradas como artísticas; (Arte, 2022)

Pensamiento creativo
Pensar creativamente es la capacidad para idear algo nuevo, relacionar algo conocido de
forma innovadora o apartarse de esquemas de pensamiento o conducta habituales. Usar la
razón y la “pasión” (emociones, sentimientos, intuiciones, fantasías, etc.) para ver la realidad
desde perspectivas diferentes que permitan inventar, crear y emprender con originalidad.

Esto permite cuestionar hábitos, abandonar inercias y abordar la realidad de formas

novedosas. Pensar y actuar creativamente en la vida cotidiana es aprender a estrenar ideas,
costumbres, maneras de ser y hacer la vida. Una persona requiere creatividad para pensar
distinto sobre sí misma, para refrescar las relaciones que mantiene, para intervenir de maneras
nuevas y distintas en su contexto vital. La creatividad permite y enseña a llenarse de “primeras
veces” para recuperar la curiosidad y el asombro, que se opacan cuando recorremos una ruta
única, cuando nos dejamos llevar por la rutina; (creativo, 2022)

Características del pensamiento creativo

Si bien el pensamiento creativo tiende a ser original, es decir, a generar un contenido mental
novedoso, siempre parte de algo previo. Incluso las mentes más creativas requieren de una
6
alimentación abundante en información, ya que a mayor manejo de datos, mayores
posibilidades creativas; (creativo, 2022)

Entre otras cosas, la creatividad es la capacidad de recomponer o rearmar novedosamente

la información de la que se dispone. Este proceso no necesariamente es consciente del todo,
y no necesariamente se da de manera ordenada; (creativo, 2022)

La creatividad se apoya enormemente en el inconsciente y en procesos mentales que a simple

vista podrían resultar misteriosos, pero que acaban manifestándose en la mente consciente.
Los artistas del surrealismo, por ejemplo, creían que dormir era la mejor forma de fomentar la
creatividad, y trataban de recuperar el potencial de los sueños en sus obras; (creativo, 2022)

Así, a grandes rasgos, del pensamiento creativo se espera:

 Que produzca nuevas perspectivas y formas de pensamiento, cuestionando ideas,
asociando ideas, mezclando ideas, etc.
 Que ofrezca soluciones revolucionarias a una problemática establecida.
 Que desarrolle plenamente el contenido de las nuevas ideas y sea capaz de prever
sus conclusiones y/o aplicaciones.

Es usual vincular el pensamiento creativo a las artes y las labores estéticas, pero también se
lo encuentra en la innovación tecnológica, en el campo científico e incluso en las cuestiones
de la vida cotidiana.

Pueden ser ejemplos de pensamiento creativo:

 Las obras de arte y representaciones estéticas. Pinturas, relatos, poemas,
canciones, danzas, piezas teatrales, etc.
 Las recetas originales. Gastronómicas, de fabricación de ingredientes, de elaboración de
materiales, etc.
 Las soluciones científicas. Teoremas matemáticos, ideas revolucionarias, perspectivas
innovadoras, etc.
 Las fantasías. Los sueños e incluso los juegos infantiles.

7
Cualidades de los materiales y objetos
Se conoce como materiales a los distintos elementos y sustancias, simples o compuestas,
necesarios para fabricar obras de arte. Estos materiales pueden ser de diversa naturaleza, por
lo que sus propiedades y características inherentes pueden diferir enormemente, tanto en su
física, química, conducción eléctrica o estructura, cartón, madera, metal, entre otros;
(ARTE.com, 2022)

Por su procedencia
 Materiales naturales: provenientes de la naturaleza animal, vegetal o mineral
 Materiales artificiales o sintéticos: provenientes de laboratorios y que no existen de
manera espontánea.
Por ejemplo, la madera, el cobre, la lana y el algodón son elementos naturales. En cambio,
el plástico, el papel, el vidrio y la porcelana son artificiales o sintéticos.

Por su dureza
 La dureza es una propiedad que tiene que ver con la resistencia de la materia a la
deformación o la rotura al estar sometida a una fuerza continua.
 En ese sentido, podemos hablar de materiales más blandos (ceden a las fuerzas que los
deforman) y más duros (se resisten a ellas).
 Por ejemplo, el acero, el diamante y el cemento son materiales duros; el plástico, la madera
y la goma son materiales blandos.

Por su flexibilidad
 Materiales flexibles: son fácilmente deformables mediante la aplicación de una fuerza. Por
ejemplo: la plastilina o la masa flexible empleada en manualidades.
 Materiales rígidos o frágiles: presentan una capacidad mínima de flexión, se rompen en
lugar de deformarse. Por ejemplo: la cerámica.
 Materiales elásticos: son capaces de recuperar su forma inicial (memoria de forma) luego
de haberse deformado debido a la aplicación de una fuerza. Por ejemplo: el caucho.

8
Por su tenacidad
 Los materiales presentan distintos grados de fragilidad, es decir, la capacidad de sus
partículas para resistir más o menos a la fuerza que intenta separarlas.
 Hay materiales tenaces, difíciles de romper, y materiales frágiles, fáciles de romper. El
diamante, el acero, el hormigón son tenaces; mientras que la porcelana, el vidrio y ciertas
maderas son frágiles.

Por su maleabilidad
 La maleabilidad es la capacidad de ciertos materiales duros de ser deformados y moldeados
sin romperse, aplicando una compresión mediante la fuerza.
 Esto permite la separación de sus partículas en láminas más o menos delgadas. Esta
propiedad aplica sobre todo a los metales, como el oro, el aluminio, el platino, el cobre o
el hierro.

Por su ductilidad
 La ductilidad es parecida a la maleabilidad, ya que los materiales dúctiles se deforman bajo
la aplicación de fuerza sin romperse, pero en lugar de producir láminas, se obtienen de ellos
hilos o alambres.
 Los materiales no dúctiles, en cambio, se consideran frágiles, ya que se quiebran. Ejemplos
de materiales dúctiles son: el platino, el cobre, el zinc, el plomo y el plástico.

Por su transparencia
 Esta propiedad nos permite discernir entre materiales:
 Transparentes. Dejan pasar la luz. Por ejemplo: el vidrio pulido o el celofán.
 Opacos. No dejan pasar la luz. Por ejemplo: la madera, el cartón o el plástico.
 Traslúcidos. Permiten el paso de la luz, pero la distorsiona o la atenúa. Por ejemplo: la tela,
algunos vidrios gruesos y los prismas.

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Etapas del Arte Infantil
Más o menos sobre el año y medio de edad los niños y niñas comienzan a esbozar sus
primeros trazos de forma espontánea y al igual que ocurre en otros ámbitos de desarrollo,
como por ejemplo en la adquisición del lenguaje, sus capacidades con respecto al dibujo se
encuentran relacionadas con su desarrollo evolutivo; (Barrios, 2022)

Periodo Garabateo
Etapa del garabateo (de 2 a 4 años)
Se trata de los primeros trazos sobre el papel. Inicialmente
se producen por simples movimientos del brazo con los que
se crean trazos en diferentes direcciones, todos ellos sin
sentido. Posteriormente, los trazos comienzan a tomar
sentido y el niño comienza a reconocer y nombrar las figuras
dibujadas; (Barrios, 2022)

En la etapa del garabato se diferencian las siguientes

subetapas - Subetapa de garabateo sin control o
desordenado:

El niño dibuja sin prestar atención a sus trazos, dibuja por el puro placer del movimiento y de
la marca que deja en el papel crea. Apenas hay coordinación óculo manual.
 Subetapa de garabateo controlado: la coordinación óculo manual está evolucionando y el
niño ya es consciente de las diferentes huellas que dejan sus movimientos. En esta etapa
el niño experimentando con los trazos y empieza a utilizar los colores.
 Subetapa de garabateo con nombre: el niño es capaz de identificar sus dibujos y de
ponerlos nombre de tal manera que sus trazos han dejado de ser un simple movimiento
kinésico para convertirse en imaginativo.

10
Periodo de la Esquematización
Etapa pre esquemática (de 4 a 7 años)
Ya se producen los primeros intentos de representación. Las
creaciones de los niños tienden a estar muy relacionadas con
el mundo que les rodea teniendo los trazos un significado
concreto. La casa, el árbol y la figura del hombre son los
primeros elementos que asimilan y que representan con la
utilización de círculos y línea; (Barrios, 2022)

 Las figuras de los animales, casas, árboles, flores y transportes, son representadas con
forma de persona.
 Cuánto más sepa sobre el tema del que dibuja, mayor cantidad de detalles y elementos
podrá incorporar al dibujo, y, por tanto, en el dibujo el niño muestra su nivel de conocimiento
por lo que un niño nunca dibujara igual que otro ya que las diferencias individuales en cuanto
a nivel de desarrollo afectan a las diferencias en los dibujos.
 Respecto al color, en esta etapa se experimentan con todos los colores y después toman
prioridad con aquellos que dejan más marca (colores fuertes). La utilización de un color no
se corresponde con el del objeto representado. La elección pertenece al gusto, la casualidad
o la psicología del niño.
 El orden en el que sitúa los objetos en el espacio pictórico es caprichoso, concibe el espacio
como algo que está alrededor de él. El niño es el centro de todos los objetos o cosas que
representan (egocentrismo). Dibuja sin un orden preestablecido.

Etapa esquemática (de 7 a 9 años)

En esta etapa el niño dibuja lo que conoce, y no lo que ve, y así por
ejemplo podemos encontrar dibujos de transparencias o en rayos x;
por ejemplo, en un coche ubica las cuatro ruedas. Se trata de un
dibujo organizado linealmente y mucho más preciso, con presencia
de variaciones en la figura humana y tendencia a la miniaturización; (Barrios, 2022)

 La figura humana (hombre y mujer) se dibuja con todos sus detalles estableciendo un
esquema muy sintetizado y donde, con base a su experiencia personal, ya sea positiva o

11
 negativa, su esquema de dibujo puede sufrir cambios; por ejemplo, la exageración de partes
importantes o el desprecio o supresión de partes no importantes. La proporción de la figura
humana comienza a evolucionar. Se pinta la figura de perfil.
 Respecto al color se empieza a relacionar los colores con los elementos de la realidad y, el
hecho de aún no ser consciente de las posibilidades del color en el arte indica que las
variaciones en los colores, por ejemplo, del cielo pueden estar detrás de cambios o
problemas emocionales.

Etapa del realismo (entre los 9 y 12 años)

Si hasta la etapa del realismo el desarrollo artístico es

una consecuencia más o menos directa de la madurez,
a partir de esta etapa las habilidades plásticas se ve
directamente afectado por lo que se ha aprendido. Esta
es la explicación de por qué la mayoría de los adultos
dibujan como niños ya que no han desarrollado sus
potencialidades artísticas más allá del nivel que
alcanzarían con 9-10 años.

Es la etapa en que la imaginación y la representación mimética de las cosas se combinan por

lo que es cuando se deben comenzar con la enseñanza técnica del dibujo: las diferentes
formas de representación espacial (perspectiva, anatomía, proporción,) y los procesos de
elaboración de imágenes estéticamente bien resueltas (color, texturas, composición, diseño,)

En sus representaciones se exterioriza su mundo personal. En esta época los temas de los
dibujos de niño y niña empiezan a diferenciarse. El dibujo empieza a tener más rigor visual y
el niño se siente atraído ante el reto de representar una realidad fotográfica por lo que critica
como artificiales y ve como de niños pequeños los dibujos de etapas anteriores.

12
Etapa pseudonaturalista (de 12 a 14 años)

Es en esta etapa cuando se marca el fin del dibujo

como actividad espontánea y es también cuando se
puede apreciar el desarrollo del razonamiento y, con
ello, una formación crítica de sus obras; (Barrios, 2022)

La gran diferencia entre la creación artística de los

niños y la de los adolescentes o los adultos está en que
los niños, aunque pueden estar conscientes de que sus obras son diferentes a las de los
demás, no se encuentran presionados por convencionalismos culturales y reglas.

Dibujo
El dibujo es una forma de expresión gráfica en un plano horizontal, o sea en dos dimensiones.
Es también una de las artes visuales. A lo largo de los años la humanidad lo ha utilizado como
una forma de expresión universal y también de transmisión de la cultura, el lenguaje y demás;
(Arte C. d., 2022)

El dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los objetos reales, cuando
hay cosas que las palabras no pueden explicar se dice que es mejor dibujar. Siempre el artista
realiza un trabajo mental previo a plasmar sus ideas, en donde mezcla ideas, sentimientos,
recuerdos u otros para obtener el acabado final; (Arte C. d., 2022)

Elementos usados en el dibujo

 Instrumentos: comprende todos los artefactos que trazan las líneas y también aquellos que
permiten hacerlas, así como los lápices de grafito y las reglas.
 Tintas: son los pigmentos y los colores que el artista utiliza para dar más cuerpo a su obra.
Pueden aplicarse con ayuda de instrumentos secos, como los lápices, o húmedos, como los
marcadores.
 Soporte: todos elementos que ayude a sostener el papel o sobre el que se dibuje, como un
lienzo.

13
Tipos de dibujos
Dibujo artístico básico: este tipo de dibujo, es ideal para
iniciar, ya que, se trata de un dibujo artístico “fácil”, en los cuales
se emplean técnicas sencillas como dibujo a mano alzada,
trazos, composición, medidas y proporciones; (dibujo, 2022)

Ilustración: este suele ser utilizado para complementar ideas de un texto con imágenes, las
cuáles ayudan al lector a comprender mejor la información escrita; (dibujo, 2022)

Retrato: se trata de la representación fiel y realista de personas,

en este tipo de dibujo, se pretende reflejar con gran detalle los
rasgos distintivos del retratado. Se suelen utilizar técnicas a
base de lápiz, carboncillo, tinta, crayones e incluso, actualmente
se utilizan programas o herramientas digitales; (dibujo, 2022)

Caricatura: este es un tipo de dibujo llamativo, porque al igual

que el retrato, la caricatura busca reflejar los rasgos
característicos del retratado, sin embargo, los exagera o
minimiza, para generar Este tipo de dibujo artístico de ficción se
puede hallar con frecuencia incorporado a ilustraciones o
novelas gráficas. También es frecuente que un dibujante que
elabore retratos, los modifique para incorporar algunos
elementos de un personaje; (dibujo, 2022)

Hiperrealismo: el dibujo artístico hiperrealista, consiste en

“realismo exagerado”, es decir, es sumamente detallado. Para
lograr este tipo de dibujo, el artista suele tomar como
referencia, una fotografía, en la cual logra identificar los más
mínimos detalles para reproducirlos en su obra de manera
exagerada; (dibujo, 2022)

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Grafiti: este tipo de dibujo artístico, se realiza en murales con
pinturas en aerosol. Se caracterizan por representar figuras
que transmitan un sentimiento o ideas propias del artista.
Suelen ser coloridos y gozar de gran contraste. Existe mucha
polémica con respecto a este tipo de dibujo, ya que puede ser
considerado como un acto vandálico, sin embargo, el detalle
de las obras y el propósito de las mismas, les otorga un gran
valor artístico; (dibujo, 2022)

Bodegones: esta representación clásica de naturaleza

muerta, suele ser utilizada para aprender y practicar el arte de
la pintura, sin embargo, los detalles y características propias
que le añade cada artista a su obra, permiten considerarlos
como un tipo de dibujo artístico; (dibujo, 2022)

Cómics: este tipo dibujo artístico cuenta con un elevado

número de fanáticos a nivel mundial. Se trata de una serie de
gráficos que narran partes de una historia, medianamente
personajes de ciencia ficción, humor, romance; (dibujo, 2022)

Pintura
Es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de técnicas y
materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición gráfica según
ciertos valores estéticos, conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los
colores, las texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz y el movimiento. De esta
manera, busca transmitir al espectador una experiencia estética; (Pintura, 2022)

En este sentido, la estética se refiere a la percepción del arte por los sentidos y cada pintura
manifiesta los valores estéticos del artista pintor, evocando emociones, conceptos, ideas, e
innumerables interpretaciones en un sentido social, psicológico, cultural, político o religioso.
Como técnica o disciplina, la pintura consiste en aplicar sobre una superficie determinada (tela,
papel, madera, cerámica, metal) una serie de pigmentos para componer con formas, colores y
texturas el sentir del artista; (Pintura, 2022)
15
Características generales de la pintura
 las pinturas rupestres y petroglifos pertenecen al arte rupestre; las obras creadas en la
Antigua Grecia se consideran arte clásico,
 el estilo adoptado en Europa desde el siglo XII hasta el renacimiento se conoce como arte
gótico,
 el arte renacentista define a las obras creadas entre el siglo XIV y XVII en Europa con
influencia del arte y comercio en Italia,
 las pinturas europeas entre el siglo XVII y XVIII son generalmente asociadas al arte barroco,
y las expresiones artísticas de la edad contemporánea se definen como arte
contemporáneo.

Las técnicas de pintura se pueden dividir en grandes grupos dependiendo del medio en el cual,
se diluyen los diferentes materiales para pintar; (Pintura, 2022)
• Acuarela: cuando el aglutinante es la goma arábiga y como vehículo el agua.
• Témperas: cuando el vehículo es agua y diferentes tipos de colas.
• Collage: generalmente es una técnica mixta, en donde se utilizan técnicas clásicas como el
óleo, conjuntamente con el encolado de objetos diversos.
• Cera o incáustica (o encáustica): cuando son ceras, que normalmente se usan calientes o
en formas de barritas que no necesitan calentarse.
• Lápices de colores: son un conjunto de lápices con mina de diversos colores. Cómo
aglutinante se emplean colas y ceras. Existen también los lápices acuarelables, es decir
aquellos que una vez aplicados se puede utilizar el agua como medio de difuminar el color.
• Acrílicos: cuando el vehículo usado son los diversos materiales sintéticos.
• Pastel.- Cuando se pinta con tizas de colores. Lo
que da cohesión a las barras es la goma
tragacanto.
• Temple: cuando el aglutinante es una emulsión,
generalmente huevo o caseína.
• Óleos: cuando el vehículo empleado son
aceites.
• Técnicas mixtas: cuando se emplean diversas
técnicas en una misma obra; (técnicas, 2022)

16
Recortado y pegado
Recortado:
Esta técnica la debe iniciar el niño cuando haya alcanzado cierto grado de madurez motriz y
tenga establecido la coordinación visual-motora; (Engomado, 2022)
Recortar tiras de papel rectas y onduladas, formar figuras
geométricas con las mismas.
Recortar figuras geométricas enteras de revistas, recortar
figuras impresas, recortar formas naturales tomadas de revistas,
componer y descomponer una figura, hacer una composición
combinando formas naturales tomadas de revistas. Estas
actividades se pueden completar con creyones de cera o
marcadores.

Modelado
En artes plásticas, se entiende por modelado al proceso de creación de una representación o
imagen (el modelo) de un objeto real, y consiste en la elaboración manual, generalmente
en arcilla o cera, de una imagen tridimensional de dicho objeto; (Colorado, 2022)

Un modelo es por tanto una representación parcial o simplificada de la realidad que recoge
aquellos aspectos de relevancia para las intenciones del modelador, y de la que se pretende
extraer conclusiones de tipo predictivo. Se modela para comprender mejor o explicar mejor un
proceso o unas observaciones. Un mismo objeto puede ser modelado con distintas técnicas y
con distintas intenciones, de forma que cada modelo resalta solo ciertos aspectos del objeto;
(Colorado, 2022)

En pintura, el modelado se utiliza para sugerir un volumen o imagen de bulto redondo. Desde
la pintura rupestre, como en las Cuevas de Altamira, ya se alcanzaba este efecto utilizando el
propio relieve de las rocas sobre las que se pintaba. De otra forma, el modelado se consigue
con las gradaciones de las luces y las sombras. Los tenebristas tienen la característica de
utilizar un contraste duro, muy fuerte, mientras que en la pintura renacentista, es mucho más
suave; (Colorado, 2022)

17
En alfarería es el conjunto de técnicas de fabricación cerámica que permite componer piezas.
Pueden diferenciarse tres técnicas elementales:
• Modelado a mano o urdido, con la sola ayuda de herramientas sencillas.
• Modelado a torno, sea el primitivo manual, el de rueda o el eléctrico.
• Modelado a esteque (o con calibrador), cuando se emplea una plantilla fija que da a las piezas
resultantes un perfil regularizado. Esta técnica está asociada al uso del torno rápido.

Texturas Visuales y Táctiles

Visuales y táctiles
Las texturas visuales son fotografías o representaciones gráficas sobre
papel que podemos apreciar mediante la vista, mientras que las texturas
táctiles las percibimos por medio del tacto; (texturas, 2022)

Visuales
Técnica del frottage: fricción o frotamiento automático descubierto por Max
Ernst que consiste en transferir al papel o al lienzo el veteado o rugosidad de
una superficie con la ayuda de un sombreado o lápiz.

Técnica del salpicado: consiste en salpicar gotas de pintura al azar sobre el

papel. Para ello podemos usar un cepillo impregnado en pintura.

Técnica del estampado: consiste en impregnar una superficie (dedo, corcho,

esponja, objeto) y después estamparlo sobre el papel repetidas veces.

Texturas táctiles
La técnica del collage puede emplearse para la confección de composiciones
con texturas táctiles. Esta técnica consiste en elegir materiales como pueden
ser palillos, cartón, arpilleras, papeles, hojas de árboles, etc. Una vez
seleccionados los materiales que vamos a utilizar teniendo en cuenta sus
características de textura y color, se fijan con algún tipo de pegamento o cola sobre una
superficie rígida. Después se pueden pintar para dar mayor uniformidad a las texturas.

18
Texturas digitales
El ordenador es un medio que facilita enormemente la creación de texturas
visuales. Basta para ello disponer de un programa de diseño gráfico para
poder dibujar texturas como las representadas en estas ilustraciones.
Trabajando con las texturas, podemos crear o modificar imágenes digitales
utilizando software informático adecuado.

Formas: abiertas, cerradas, planas, con volumen y figura

El lenguaje visual y plástico clasifica las formas según sus características en diversos grupos,
aunque una forma cualquiera puede pertenecer a varios grupos a la vez; (Formas, 2022)

Formas naturales- Formas artificiales

Formas naturales: son las que se encuentran en la naturaleza: una nube, una flor.

Formas artificiales: son las construidas por el hombre incluso algunas veces copiando de la
propia naturaleza: un dibujo, etc.

Formas planas (bidimensionales 2D)- Formas con volumen (tridimensionales 3D)

Formas planas: son las que tienen dos dimensiones: altura y anchura, es decir, no tienen
volumen, aunque pueden simularlo: una hoja de papel o una mancha en la pared.
Formas con volumen: Son las que tienen tres dimensiones: altura, anchura y profundidad:
una pelota, un gato.

Formas orgánicas- Formas geométricas

Formas orgánicas: Se caracterizan por un contorno irregular y caprichoso. Son habituales en
la naturaleza (nubes, árboles, montañas…) y en las formas que intentan imitarla. También
pueden ser artificiales por ejemplo un diseño abstracto para decorar una tela.
Formas geométricas: Tienen un orden o estructura puramente matemático. Están limitadas
por rectas o curvas y pueden ser regulares o irregulares. Por ejemplo: un cuadrado, un dibujo
arquitectónico o una estrella de mar.

19
Formas abiertas – Formas cerradas
Formas abiertas: Son aquellas que rompen sus contornos dejando sus límites difuminados y
dejando que los colores de su interior se mezclen con los colores de otras formes. Para
representar formes abiertas mezclamos grafismos y colores de otras formas.
Formas cerradas: Las formas cerradas tienen sus contornos bien definidos. La cualidad más
destacada de las formas cerradas es que simplifican el aspecto visual de una figura. Además,
las figuras con formas cerradas, hacen que centremos la vista sobre ellas.

Formas realistas – figurativas – abstractas

Formas realistas: Representan objetos o escenas cotidianas muy parecidas a la realidad.
Intentan imitarla para simularla.
Formas abstractas: Las que no representan la realidad y no se identifican con ella. El arte
abstracto es aquel que no representa temes convencionales, ni intenta copiar ni imitar modelos
o formas reales. Utiliza manchas de color, formas geométricas, signos. Los elementos
formales del lenguaje visual

Líneas: verticales, horizontales, oblicuas, rectas, onduladas, curvas y quebradas

Cualquier línea está compuesta por puntos, que es la unidad mínima. Un punto, decía Euclides,
es lo que no tiene dimensión: ni alto, ni ancho, ni profundo. Así que esos puntos solo pueden
vivir en la imaginación del que hace las matemáticas, porque son infinitamente pequeños;
(líneas, 2022)

Una línea está formada por una sucesión de puntos. Estos puntos están tan pegados entre sí
que cuando los ves forman un trazo continuo. Ni siquiera poniendo una lupa y acercándonos
muchísimo podríamos apreciar que realmente son puntos que se sitúan uno junto a otro,
porque los puntos que forman una línea no dejan ningún espacio entre ellos; (líneas, 2022)

20
21
Claroscuro
El concepto de claroscuro se emplea en el ámbito de la pintura para nombrar al contraste que
se produce entre las sombras y la luz en una obra. Se trata de una técnica que apela a estos
contrastes para resaltar ciertos elementos del cuadro y para desarrollar efectos visuales de
modelado y relieve; (Claroscuro, 2022)

Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo.
Entre ellas:

Zona de iluminación clara

Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa al objeto iluminado.

Zona de penumbra
También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara
y la zona oscura, va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.

Zona oscura
También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene
oscura.

Zona proyectada
Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie
donde se encuentra.

Zona de reflejo
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se
caracteriza por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos,
expresiones faciales, da más vida al dibujo.

22
Características del claroscuro
Con respecto al claroscuro, las principales características que podemos observar son las
siguientes:
• Utiliza contrastes entre los volúmenes iluminados y los ensombrecidos para destacar
algunos de los elementos presentes en el cuadro.
• Busca representar objetos a partir de zonas de luz y de soma.
• Utiliza un contraste simultáneo de tonos.
• Permite el adecuado modelado de las formas y afecta el cambio de luz dentro de la
composición.
• Es un sistema de valoración que afecta a todos los elementos del cuadro.
• La luz se dirige hacia el objeto que se quiere resaltar.
• Las sombras de los cuadros se logran hacer utilizando el color negro.
• Es una técnica propia del Renacimiento y el periodo Barroco.

Elementos del claroscuro

• Fuente lumínica
• Espacio
• Formas
• Técnicas y procedimientos

Tipos de claroscuro
Uno de los tipos de claroscuro más reconocidos fue el tenebrismo el cual era una aplicación
de la técnica de claroscuro por medio de las cuales las figuras centrales tenían
mucha iluminación y el fondo por lo general era muy oscuro. Fue un tipo de claroscuro muy
importante a finales del siglo XVI. Otra de los tipos de pintura de claroscuro fue el chiaroscuro,
estilo que utilizaba diferentes planchas para poder colorear las imágenes.

23
Bellas Artes
Como bellas artes se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas de naturaleza
creativa y con valor estético. Las bellas artes se agrupan actualmente en siete disciplinas, entre
las cuales se encuentran la pintura, la escultura, la literatura, la danza, la música, la
arquitectura y, desde el siglo XX, el cine.

El concepto de bellas artes se aplica solo sobre aquellas disciplinas artísticas destinadas a la
contemplación, es decir, que no cumplen una función utilitaria. Es por esta razón que el
concepto de bellas artes deja por fuera el universo de las llamadas artes aplicadas o artes
utilitarias, así como todo tipo de artesanía.

Características de las bellas artes

• Las bellas artes, al menos en su concepción original, se caracterizan por los siguientes
aspectos:
• Están destinadas estrictamente a la contemplación;
• No tienen ningún uso práctico, a diferencia de las artes aplicadas en objetos de uso cotidiano
o de aquellas concebidas para el mero entretenimiento;
• Se disfrutan por medio de los sentidos visual y auditivo, considerados superiores, lo que deja
por fuera aquellas prácticas dirigidas al tacto, al gusto o al olfato;
• Han sido deliberadamente concebidas en el contexto de una tradición estética consagrada,
sea como continuidad o como ruptura, lo que excluye al arte popular;
• Se enfocan en valores estéticos.

Origen del término bellas artes

En la Antigua Grecia el término arte hacía referencia al conjunto de los oficios, desde el escultor
hasta el talabartero.
Para diferenciarlas, distinguieron entre las artes que impresionaban a los sentidos más
elevados (el oído y la vista), y las llamaron artes superiores.
Aquellas que se dirigían a los sentidos menores (tacto, gusto o olfato), fueron llamadas artes
menores, entre las cuales incluían la perfumería, la gastronomía, la carpintería, entre otras.
El concepto de bellas artes, como tal, data del siglo XVIII. El francés Charles Batteux fue uno
de los primeros en clasificar las bellas artes en su trabajo titulado Les Beaux-Arts réduits à un

24
même principe (“Las bellas artes reducidas a un mismo principio”), publicado en 1746. En dicho
texto plantea la unificación de las artes bajo el concepto de belleza y buen gusto. Hasta
entonces, solo se concebían seis bellas artes:

• pintura,
• escultura,
• arquitectura,
• música,
• danza y
• literatura.

En el siglo XX, específicamente en 1911, Ricciotto Canudo publicó un texto titulado El

manifiesto de las siete artes. En él, se aventuró a añadir a la lista de bellas artes al cine, que
comenzaba a desarrollarse plenamente por aquellos años. El cine recibió el nombre
de séptimo arte.

Vanguardias infantiles
Impresionismo
El impresionismo no fue propiamente un ismo de vanguardia, sino un antecedente contra el
que reaccionaron los vanguardistas. Su principal aporte a la liberación del poder expresivo del
color liderado por Claude Monet. Los impresionistas aprendieron a manejar la pintura más
libre, sin tratar de ocultar sus pinceladas fragmentadas, y la luz se fue convirtiendo en el gran
factor unificador de la figura y el paisaje. Pero los pintores impresionistas eran artistas que ya
no pretendieron ejercer con su arte una modificación radical en las costumbres de su época ni
estaban comprometidos con la voluntad de un gran cambio social. Son la consecuencia del
fracaso de las pretensiones de la revolución de 1830, la de 1848 y la Comuna de París. Las
discusiones de los impresionistas fueron básicamente técnicas y su pintura puede
considerarse una exacerbación del naturalismo a un punto tal que terminaría oponiéndose a
los orígenes. El realismo de Courbet afirmaba que en la realidad encontraba la esperanza de
un cambio, la potencia de los hombres reales, el movimiento de las fuerzas revolucionarias.
Los impresionistas sustituyen las discusiones de contenido por las de la técnica, la luz y el
objetivo de la transcripción pictórica.

25
Expresionismo
El expresionismo fue una corriente pictórica que nació como movimiento a principios del
siglo xx, entre 1905 y 1925, en Alemania y otros países centrales en Europa de ámbito
germánico y austro-húngaro, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que
se opuso diametralmente al impresionismo. Se aglutinó en la década de 1910 en torno a dos
grupos: Die Brücke (El puente) y Der Blaue Reiter (El jinete azul). Paralelamente desarrolló su
actividad en Viena el grupo de la Secesión, que integraron entre otros Gustav Klimt, Oskar
Kokoschka y Egon Schiele. En Noruega el mayor exponente del expresionismo fue Edvard
Munch con su obra El grito (1893).

En los 1920 el expresionismo influyó sobre otras artes. El gabinete del doctor Caligari (Robert
Wiene, 1919) y Nosferatu, el vampiro (Friedrich Wilhelm Murnau, 1921) iniciaron
el expresionismo cinematográfico, y los poetas Georg Trakl y Rainer Maria Rilke llevaron el
movimiento al ámbito de la lírica. A menudo se ha incluido también en este movimiento aparte
de la enigmática obra literaria de Franz Kafka.

Fauvismo
El fauvismo fue un movimiento de origen francés que se desarrolló entre 1904 y 1908,
aproximadamente.

El importante Salón de otoño de 1905, donde se expuso la primera exhibición para el grupo
cuyo objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color. No se buscaba la representación de
los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las imágenes más libres que resultaban de la
superposición de colores equivalentes a dicha luz. En efecto, los fauvistas consideraban que
mediante el color se podían expresar sentimientos. Henri Matisse fue uno de los mayores
representantes de esta vanguardia.

Cubismo
El cubismo nació en Francia en 1907. Sus principales rasgos son la asociación de elementos
imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras,
sustitución de lo sentimental por el humor, la alegría y el retrato de la realidad a través de
figuras geométricas. Los inspiradores del movimiento fueron Pablo Picasso y Georges Braque.

26
Algunos de los principales maestros fueron Juan Gris, María Blanchard, Fernand Leger, Jean
Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad Paul Cézanne ya habría marcado el camino.

Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente la descomposición de

las imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluidos todos
sus planos, en la obra.

Tuvo dos etapas: un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un
cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos los planos del
objeto en la misma obra. En la poesía, su estilo más popular fue el caligrama, cuyo principal
exponente fue Guillaume Apollinaire.

Futurismo
El futurismo es un movimiento inicial de las corrientes vanguardias artísticas, surgió
en Milán (Italia) impulsado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien recopiló y
publicó los principios del futurismo en el manifiesto del 20 de febrero de 1909, en el diario Le
Figaro de París. Al año siguiente, los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo
Carrà, Luigi Russolo y Mario Jordano firmaron el llamado Manifiesto del Futurismo.

Dadaísmo
Surgió en Zúrich (Suiza), entre 1916 y 1922. Hugo Ball y Tristan Tzara se hicieron notar como
fundadores y principales exponentes. El movimiento creció y rápidamente se extendió a Berlín
y a París. Uno de los motivos que llevó al surgimiento de DADA fue la violencia extrema y
la pérdida de sentido que trajo la Primera Guerra Mundial. Revelándose contra el statu quo,
las convenciones literarias y artísticas y rechazando las convenciones de la sociedad
aburguesada -que consideraban egoísta y apática - los dadaístas hicieron de su arte un modus
vivendi.

El poema dadaísta solía ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil
encontrarle lógica. Se distinguió por una inclinación hacia lo incierto y a lo absurdo. Por su
parte, el procedimiento dadaísta buscaba renovar la expresión mediante el empleo de
materiales inusuales, o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, con una
tónica general de rebeldía o destrucción.
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Surrealismo
Escisión del dadaísmo, cuyo principal representante fue André Breton. El movimiento
surrealista se organizó en Francia en la década de 1920 alrededor de André Bretón quien,
inspirado en Sigmund Freud, se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y
sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional. De él y las veces en que lo conoció
habló en "Los vasos comunicantes", título emblemático que se volvería metáfora de parte de
su estética creadora, lo mismo que el automatismo o escritura automática, por la que
experimentarían con el sueño y el espiritismo, buscando encontrar el arte puro, no
contaminado por la conciencia.

Se caracterizó por pretender crear un individuo nuevo recurriendo al humor negro con el fin de
destruir el sentimentalismo. Consistía en la captación de la coincidencia-realidad surgida en
un personaje, cuando vive un hecho que le provoca recuerdos recónditos. Otros de sus
principales representantes fueron Louis Aragon, Elsa Triolet, Salvador Dalí, Luis Buñuel y en
Estados Unidos Maya Deren.

Producción de obras plásticas para expresar hechos, sucesos, vivencias, fantasías y

deseos
¿Cómo montar una obra de teatro?
Busca un guión de teatro: la historia que quieras contar es la base para tu montaje. Puedes
encontrar guiones de teatro en muchos sitios. Google es tu amigo y en Internet existen
múltiples lugares donde conseguir guiones, incluida Tramody (guiño, guiño). También puedes
conseguirlos en papel en librerías especializadas; (Teatro.com, 2022)

Recuerda que el guion debe ser factible de representar, dentro de tu contexto y posibilidades.
Si es la primera obra que vas a montar, no empieces por un musical que requiera una banda
en directo más un elenco de actores que además canta y baila. Empieza mejor por algo
sencillo, una obra corta con pocos personajes.

Elige el elenco de actores (y adapta el guion a ellos)

• Si es la primera vez que montas algo y no cuentas con un elenco, puedes buscar actores
entre tus amigos, familiares y conocidos. A veces cuesta que la gente se apunte, pero una

28
 vez lo hacen no se suelen arrepentir. También puedes probar a poner anuncios (en Internet,
o físicamente en tu barrio, colegio o universidad).
• Aún teniendo un elenco disponible de antemano, es posible que tengas que adaptar el guión
a ellos. Quitar o poner algún personaje, cambiar el sexo o la edad de otro.

Encuentra asistentes técnicos: además de los actores, necesitarás gente que te ayude en
el montaje desde un punto de vista técnico. Como mínimo, un técnico de luces que apagará y
encenderá las luces de la sala al principio y al final de la función. También un técnico de sonido
que controle la música y los efectos sonoros durante el montaje. Y quizá necesites un
tramoyista, que mueva decorados entre escena y escena. También pueden ser los propios
actores quienes muevan el decorado, incluso a telón abierto.

Existen otros muchos técnicos, como sastres, constructores de decorado, asistentes de

dirección, apuntadores. El número de personas final dependerá de la complejidad de la obra.

Diseña la escenografía: la obra contará con un número de localizaciones que tendrás que
diseñar y construir. Si se trata un decorado único, tendrás más libertad a la hora de montarlo,
puesto que los elementos en escena no tendrán que variar sustancialmente durante el
desarrollo de la obra. Si la obra sucede en muchos escenarios, puedes considerar el uso de
caja/cámara negra, que consiste en colocar solo algunos elementos en el escenario, sin fondos
ni paredes, solo flanqueados por las cortinas negras que delimitan el escenario.

Escenografía: también envuelve otras cosas, como diseñar la iluminación (qué focos y luces
acompañan a cada momento de la escena) y encontrar las músicas y efectos de sonido.

Programa los ensayos: la programación de ensayos dependerá principalmente de la

disponibilidad del elenco de actores. En el caso de grupos de teatro aficionado, donde los
actores suelen tener un trabajo diario, lo mejor suele ser plantear los ensayos en noches o
fines de semana.

Finalmente, tendrás que representar la obra. Para esto, las posibilidades son ilimitadas. Busca
certámenes, muestras o concursos y presenta tu montaje.

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Procura elaborar antes materiales promocionales sobre la obra, que necesitarás cuando
quieras convencer a alguien de que te deje representar en su teatro. Los más importantes:
• Una grabación de la obra completa: Un plano fijo que coja todo el escenario con un sonido
razonable es suficiente. Puede ser un ensayo, pero si es con público, mejor.
• Un dossier con los datos de la obra: Género, duración, sinopsis, actores, técnicos.
• Otros materiales promocionales: cualquier elemento adicional que pueda hacer brillar la obra,
como carteles, vídeos promocionales.

Técnicas básicas para dibujos en los niños

Dibujo a lápiz: se trata de la técnica más usada y difundida del mundo. Un buen lápiz de dibujo
está determinado por la dureza de su grafo, ya que mientras más blando sea, más oscuro e
intensa será la obra; (Educativo, 2022)

Esta técnica se realiza con lápices de grafito o colores, inclinando el utensilio de forma suave
sobre la hoja, y aplicando intensidad dependiendo del resultado que se desee.

Dibujo sepia: se trata de una sustancia marrón colorante que puedes obtener de un
cefalópodo que comparte el mismo nombre. La técnica es empleada con lápices o barras de
este material para dibujar, y es la misma del lápiz y el carboncillo.

Dibujo a sanguina: este es otro material, pero esta vez rojizo y obtenido de hematites. Puedes
usarla diluida en agua o en barra y se emplea en retratos de estudio o desnudos artísticos.

Dibujo a tinta: por lo general se emplea tinta china, que es un material líquido usado en
pinceles o plumillas. Con esta técnica puedes realizar dibujos lineales con tonalidades y se
aplica en papeles de alto gramaje o en cartón.

Utilización de ceras, temperas, barro con agua, harina, etc.

Ceras arte
Las ceras son pinturas grasas excelentes para pintar y mezclar colores. La gama de colores
que presentan es muy amplia y además, es posible oscurecer o aclarar el color ejerciendo más
presión o mezclando el color con el blanco.

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Temperas
La témpera escolar es una pintura basada en agua cuya fórmula no incluye elementos tóxicos
o dañinos, lo que la hace apta para el uso escolar, manualidades... La consistencia de las
pinturas a la témpera es mayor que la de la acuarela e inferior a la de la pintura acrílica. La
témpera, o pintura al temple, es una de las técnicas de pintura más antiguas que existen y
también se llama gouaché.

Arte barro
La cerámica y la alfarería, aquel arte de convertir la tierra en arcilla o barro y de transformar
sus propiedades con el fuego, fueron de los primeros inventos del ser humano.

Arte en la Harina
Se puede visualizar a través de la elaboración de diferentes diseños de pan (alimentos) que
reposteros o personas ajenas al oficio la ejecutan para exponer parte de las artes.

Identifica, investiga, rescata y promueve las diversas manifestaciones artísticas de los

pueblos Maya, Xinca, Ladino y Garífuna
La danza, expresión cultural de los pueblos
El ser humano ha descubierto diversas formas de interactuar, expresándose por medios que
permitan establecer una comunicación a través de la expresividad que hoy en día son
consideradas algo primordial en las sociedades civilizadas y organizadas. Es el caso de
la danza cultural como expresión de los pueblos.

Con el paso de la evolución han surgido innumerables posibilidades que facilitan la

comunicación entre dos o más personas, que incluso, llegan a ser reconocidos como
expresiones artísticas. Uno de los más conocidos a nivel mundial es la danza, siendo
considerada como el arte de bailar o moverse al ritmo de una determinada melodía. Este
movimiento artístico cultural, este arraigado en lo más profundo de las raíces ancestrales de
los pueblos y naciones del mundo entero, los cuales cada uno de ellos cuenta con una danza
característica de su región, la cual determina de manera directa su identidad cultural
nacionalista.

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Guatemala y su diversidad cultural: el caso de la música: se caracteriza por ser plurilingüe
y multiétnica, esto se debe a que se hablan 22 lenguas mayas, el idioma garífuna, idioma xinca
y el español. Además, cada etnia que habita en este país centroamericano aporta sus propias
costumbres y tradiciones; (Guatemala, 2022)

Los guatemaltecos aseguran que su cultura siga viviendo en cada uno de ellos a través del
tiempo. Esto ha dado como resultado que el país sea rico en cuanto a bailes típicos,
gastronomía, literatura y arte. Aunque no siempre Guatemala contó con esta suerte, ya que
durante el gobierno del presidente Ubico Castañeda se prohibieron muchas manifestaciones
del arte; (Guatemala, 2022)

Pero esas limitaciones culturales y artísticas no impidieron que Guatemala cuente a la fecha
con un gran número de poetas, cronistas, historiadores, bailarines, músicos, cantantes,
compositores y dramaturgos. ¡La cultura de Guatemala se ha convertido en un ejemplo de
resiliencia! Por otro lado, si buscas entender la historia de este país, puedes analizar con
detenimiento sus esculturas y pinturas (coloniales y modernas), las cuales muestran el avance
de Guatemala en lo cultural; (Guatemala, 2022)
32
Los bailes folklóricos más conocidos en las ferias patronales
❖ Baile de los Micos: Danza al patrono de San
Antonio Senahú, Alta Verapaz. Este baile es
acompañado con su propia melodía interpretada
con marimba.

❖ Baile de los Diablos: lleva una connotación

cristiana. Se celebra principalmente en los pueblos de San Pedro Carcha, Lanquín y San
Cristóbal Verapaz. En otros lugares, al terminar el baile, llaman a los feligreses con
trompetas a la procesión de la Virgen de Santa Elena.
❖ Baile del Torito: Se desarrolla en vario lugares de Alta Verapaz, y comunica la conquista
de Guatemala. La danza surgió aproximadamente en el siglo XVII. La trama narra la historia
del capataz de una hacienda que prohíbe a los vaqueros lidiar con un toro, por lo que estos
optan por emborrachar al jefe para poder hacerlo.

❖ Baile de los Marineros: Lo escribió el sacerdote Dionisio Cruz en Rabinal, Baja Verapaz
en 1910, y es dedicado a San Pablo que es el Santo Patrono de Rabinal. Se celebra durante
el 20 y 25 de enero. Con ello quiso sustituir la danza del Rabinal Achi’.

❖ El Baile de Nuestros Viejos Animalitos: Conocida también como Kam Man Chicop, es
una danza de carácter festivo la cual se celebra en Rabinal el último domingo del mes de
noviembre, es un homenaje a la Virgen de Santa Ana y siempre va amenizada con
marimbas.

❖ Baile de los Güegüechos: Se celebra en el Quiché en honor a Jun Toj o nawal de la lluvia
y de la salud, se le conoce también como baile del Patzca (vestido con trapos viejos). Se
celebra en Rabinal en las festividades de Corpus Christi. En otros lugares del Occidente se
le llama Baile de los Zaleyudos, se realizaba durante las festividades del Cristo de
Esquipulas o en otros casos en las de San Juan y de San Pedro.

❖ Baile de los Viejitos: Conocida también como de los Mazates, es de los más antiguos y se
realiza en Santa Cruz del Quiché en honor a la “Santa Cruz” y la Virgen de Concepción.

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 Esta danza tiene dos personajes muy importantes: El Mazate Anciano llamado Man y el
Mazate Joven llamado Chisca.

❖ Baile de la Serpiente: Conocida también como Xojol Canti o Xojoj Kantil (bailar con la
serpiente, por eso el bailador lleva entre las manos una serpiente –mazacuata-); Este baile
se hace durante la celebración de San Jorge.

❖ Baile del Dragón o Taragón: Representa la lucha entre el bien y el mal. Se realiza durante
las actividades de San Pedro y San Pablo de Rabinal y el uso del tamborón es una de sus
características. Hay que recordar que en América no hubo ni existen dragones.

❖ Baile de la Conquista: Se realiza en varios lugares del Altiplano Occidental,

particularmente en Quiché y Totonicapán; representa los enfrentamientos bélicos entre las
huestes de Pedro de Alvarado y el Ejercito Maya K’iche’ de Tecún Umán. Se desarrolló
durante la colonia. Mezcla la danza con la música de los indígenas y el drama de la colonia.
Se confunde con el baile de moros y cristianos, el cual es un baile guerrero.

❖ La existencia de la Danza Yurumein: relata la llegada de los afrodescendientes al lugar

llamado La Buga (Livingston, Izabal) provenientes de la Isla de San Vicente, cuando
escaparon de la esclavitud. Hoy es representativo de la cultura del pueblo Garíganu o
Garífuna, forma parte de la celebración del Día Nacional del Garífuna cada 26 de
noviembre.

❖ En Guatemala se practican varias danzas garífunas, las más populares son: el Yancunú, el
Sambai, la Zumba, el Jungujugu, el Gunjae, el Abai-i, el Majani y el Chip, todas se danza
al ritmo musical garífuna conocido como: la Punta.

Los sones más conocidos

▪ De la Chabela: de Cahabón, Alta Verapaz, e incluye el uso de un toro hecho de petate. Se
cree que es de origen precolombino.
▪ Barreño: se originó en San Marcos. Se piensa que une dos culturas, la española y la
Indígena.
▪ Típico: Es representado por una marimba de doble teclado.

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▪ Chapín: Se aprecia en las áreas urbanas donde la marimba de doble teclado y bandas de
música son las protagonistas.
▪ De Pascua: Tuvo origen en la época navideña, y se desarrolló a finales del siglo XIX.
▪ Ceremonial: Este Son, se toca en los atrios de iglesias, e incluye música con tambor,
tamborcito, pito y chirimía.

▪ Tradicional: Se puede tocar con marimba de arco para una persona, marimba sencilla de
tres a cuatro personas, conjuntos de cuerdas rústicos como el arpa, violín, guitarrilla.

▪ Proyección Folclórica: Es uno de los más modernos, en el cual se reúnen elementos

folclóricos y se le da un tono musical más moderno en el que se incluyen instrumentos
musicales no precisamente autóctonos.

▪ Autóctono: Es la forma de Son de origen

más antiguo, interpretado en marimba de
arco por solo una persona. También se
interpreta con marimba sencilla por tres o
cuatro personas y a veces se agregan
instrumentos de cuerdas.

Danzas y bailes étnicos de Guatemala en la

Conquista; (Nacional, 2020)
Las danzas y bailes étnicos de Guatemala surgen de una tradición multicultural, en
donde los diferentes grupos étnicos, la mayoría de ellos descendientes de la civilización
maya han preservado algunas danzas con elementos primogénitos de las originales y
por otro lado han mezclado otras con elementos de bailes hispánicos traídos por los
conquistadores. Con los demás grupos ha sucedido el mismo fenómeno de sincretismo
cultural.

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Culturas de Guatemala vinculadas a Expresión Artística: Maya, Xinca, Garífuna, Ladina
Guatemala es un país que es conocido por su tradición especialmente música y arte. Arte de
Guatemala es generalmente una mezcla de arte indígena con influencia española e Iglesia
Católica. Muchas pinturas y murales también muestran la violencia en la guerra civil, la
desunión en Guatemala. Arte de protesta es común en Guatemala. Influencia indígena es
importante en arte de Guatemala y muchos artistas incorporar las formas de arte nativo. El arte
nativo en Guatemala generalmente incorpora muchos colores y es generalmente más simple;
(Guatemala, 2022)

Guatemala es conocido por sus tejidos que incorporan la flora y fauna de Guatemala.
Guatemala tiene una inmensa variedad de artesanías. Estos son creados a partir de diversos
materiales como la madera, las fibras naturales (para cestas), terracota, hierro forjado y plata
y jade. Para los antiguos mayas jade era sagrado. Jade es conocido como la piedra de la
eternidad, la piedra del cielo y como el símbolo de amor eterno. Aunque Guatemala tiene una
larga historia del arte tradicional, arte en Guatemala está cambiando. Arte más moderno
aparece más a menudo en Guatemala; (Guatemala, 2022)

Organología de instrumentos folklóricos

Es el estudio de los instrumentos musicales en lo referido a su historia, función social, diseño,
construcción y forma de ejecución. La labor de los estudiosos de los instrumentos en la historia
de la música ha sido fundamental, pues gracias a un minucioso esfuerzo se conoce ahora
valiosa información sobre cómo interpretar y cómo construir instrumentos (luthería). Asimismo,
gracias a ello hoy se está al tanto de la relación que existe entre el estilo musical de una época
y el tipo de instrumento utilizado en ella, la práctica de la interpretación instrumental y la
evolución del instrumento en la historia, incluyendo los cambios tecnológicos e, incluso,
económicos, que han facilitado o inhibido la creación y dispersión de estos objetos culturales;
(Chile, 2022)

Desde el punto de vista histórico, la organología es una disciplina joven. Su constitución como
campo académico se produjo en el siglo XIX, al aparecer las primeras colecciones de
instrumentos en Europa y Estados Unidos y al adquirir relevancia el trabajo de los expertos y
curadores de museos; el término organología, en el sentido más arriba descrito, fue introducido
por Nicholas Bessaraboff recién en 1941; (Chile, 2022)
36
Muchas son las consecuencias que tiene el estudio de los instrumentos y, particularmente, el
estudio de los instrumentos folclóricos. Por un lado, su análisis permite aportar información
histórica sobre los procesos de migración y traslado de los objetos, revelando posibles
intercambios o influencias en las culturas musicales de los pueblos de origen y destino. Por
otro lado, permite descifrar el potencial simbólico contenido en sus cuerpos materiales, es
decir, un instrumento nos enseña a leer el código cultural que hay detrás de todas sus
cualidades físicas y su utilización en la vida de la comunidad donde se le da uso. Por este
motivo la conservación y restauración de instrumentos musicales es una tarea fundamental
para todas las disciplinas ligadas al conocimiento de los instrumentos en la historia, como es
el caso de la etnología, la etnomusicología (musicología comparada), la arqueología y la
iconografía; (Chile, 2022)

La existencia de la organología provocó también la cooperación entre los expertos en

instrumentos, los etnólogos y los etnomusicólogos, con el fin de ir más allá del análisis de la
función social de estos objetos culturales: estudiaron la forma, decoración, material y variedad
musical de los sonidos que emiten los instrumentos, contrastando ello con la manera en que
los nativos comprenden su utilización y significado. De todo ello emanó una minuciosa
descripción y clasificación del material existente, alcanzando notables explicaciones de los
instrumentos de todo el orbe; (Chile, 2022)

La tipología más utilizada para realizar esta labor fue la planteada por Curt Sachs y Erich Von
Hornbostel, basada, a su vez, en el trabajo de investigación realizado por Victor-Charles
Mahillon sobre instrumentos recolectados en el Conservatorio de Bruselas, en el siglo XIX;
(Chile, 2022)

Al igual como ocurre en todos los países donde se aplica, en Chile y Latinoamérica la
organología se ha adaptado a la realidad y diversidad etnográfica que habita el continente. Por
ello los investigadores regionales se han concentrado en estudiar los detalles morfológicos y
constructivos de los instrumentos de origen pre y postcolombino, situación acorde con la
historia musical de la región. Asimismo, han destinado tiempo importante a la descripción y
conservación de los instrumentos de procedencia arqueológica (o uso actual) de tradiciones
musicales aborígenes o emanadas del mestizaje cultural; (Chile, 2022)

37
Instrumentos autóctonos de Guatemala
La marimba es un idiófono de la familia de los xilófonos que ha tenido un desarrollo notable a
partir del modelo cultural original. Se distingue la marimba de arco, un instrumento portátil con
un teclado diatónico provisto de resonadores de jícara; la marimba sencilla, que ya es
estacionaria, estando apoyada sobre patas de madera, y ocasionalmente provista de cajas de
resonancia construidas de madera; y la marimba doble o cromática, inventada en 1894, que
posee en adición al teclado original diatónico (que representa las teclas blancas del piano) un
teclado adicional con las notas equivalentes a las teclas negras del piano, con lo cual se logra
reproducir la escala cromática de doce sonidos. Este invento abrió las puertas a que
la marimba pudiera asimilar la música pianística en boga para esa época, y tuvo como
consecuencia la popularización inmensa del instrumento durante el siglo XX en Guatemala.

38
Clasificación tradicional de los instrumentos
Los sistemas de clasificación occidentales anteriores al siglo XX dividían los instrumentos en
tres familias, cada una de las cuales se podía subdividir:

 Instrumentos de cuerda: aquellos en los que el sonido se produce gracias a la vibración de

las cuerdas. Puede ser frotada con un arco, pulsada o punteada con los dedos o percutida
mediante macillos.
 Instrumentos de viento: se trata de los instrumentos en los que el sonido es producido
gracias a la modulación del aire dentro de un tubo sonoro. Pueden ser, a su vez, de viento
metal o de viento madera, según el material del que se conforman.
 Instrumentos de percusión: son los que producen sonido al ser golpeados. Este sonido
puede tener una altura determinada o indeterminada.

Recientemente se ha añadido a este sistema la categoría de los electrófonos, con el auge de

la tecnología aplicada a la música; (Instrumentos, 2022)

Como se constata, no existía un criterio homogéneo en esta forma de clasificar los

instrumentos, pues mientras a los instrumentos de cuerda se les supone un principio de
producción del sonido, en los demás se considera el método de ejecución (soplando o
percutiendo); (Instrumentos, 2022)

39
Etnomusicología
Es un área académica que comprende varios enfoques del estudio de la música que enfatiza
sus dimensiones culturales, sociales, materiales, cognitivas, biológicas y otros contextos, en
lugar de o adicionalmente, como sonidos aislados o un repertorio particular. Se puede
considerar como la antropología de la música; (Etnomusicología, 2022)

También se conoce como disciplina científica que se dedica a estudiar la música en

su contexto histórico, social y cultural. Esto quiere decir que no considera composiciones
aisladas ni las características físicas del sonido, sino que analiza las creaciones
como manifestaciones de seres humanos en un marco específico; (Etnomusicología, 2022)

Suele afirmarse que la etnomusicología es la etnografía o la antropología de la música. Se

trata de la investigación de la música desde una visión etnográfica, antropológica e incluso
sociológica; (Etnomusicología, 2022)

Para desarrollar sus estudios, la etnomusicología suele incluir el registro de la música en su

sitio originario junto con entrevistas realizadas a los músicos autóctonos. Esto ayuda a detectar
las particularidades que van más allá de lo artístico y permiten entender a la música como un
reflejo de una cultura particular; (Etnomusicología, 2022)

40
Arte Prehispánico
La exhibición permanente contiene objetos representativos de todas las áreas y períodos en
la arqueología prehispánica de Guatemala. La exhibición está organizada en orden
cronológico, y abarca desde los primeros indicios de presencia humana en el territorio de
Guatemala, hasta la época de la conquista española; (Vuh, 2022)

Para el estudio de los pueblos antiguos de Guatemala, es conveniente distinguir tres regiones
geográficas:
• La Costa Pacífica: Planicie amplia y fértil que desciende suavemente desde la cadena
volcánica hasta el océano. En el pasado, fue una ruta importante para el comercio y las
migraciones.
• El Altiplano: Región montañosa rica en recursos minerales tales como la obsidiana y el jade.
Los múltiples valles rodeados de cordilleras proveyeron un escenario para una variedad de
desarrollos culturales. Puede subdividirse a su vez en Altiplano central, occidental, oriental, y
norte.
• Las Tierras Bajas: Una gran planicie de roca caliza con elevaciones bajas, caracterizada por
sus suelos delgados y falta de fuentes permanentes de agua en muchas regiones. Esta región
fue el escenario para el desarrollo de la civilización maya.

Paleoindio (15,000 – 9,000 A.C.)

El objeto más antiguo de la colección del museo es una punta de proyectil de obsidiana,
encontrada en Nahualá, en el altiplano occidental de Guatemala, que data de alrededor de
9,000 años AC. Esta punta es del tipo Clovis, que se caracteriza por presentar una acanaladura
vertical en un solo lado, que parte de la base y se extiende aproximadamente un tercio de la
longitud de la punta. Este tipo de puntas fue utilizado ampliamente en Centroamérica y América
del Norte. El ejemplar del Museo Popol Vuh es uno de los pocos que se han encontrado en
Guatemala.

Arcaico – Preclásico (9,000 – 1,500 A.C.) – (1,500 A.C. – 250 D.C.)

El período arcaico abarca la transición hacia el descubrimiento de la agricultura y el
establecimiento de las primeras aldeas sedentarias. Los datos más recientes sitúan el cultivo
incipiente del maíz en la costa sur de Guatemala hacia el año 4000 AC. Para el período

41
preclásico temprano (1,500-800 AC) ya existían poblaciones agrícolas permanentes, y hay
indicios de que se organizaban políticamente como cacicazgos.

Durante el período preclásico medio (800-300 AC) los de la costa sur de Guatemala
participaron plenamente en la esfera de interacción cultural olmeca, y produjeron finos objetos
de cerámica, jade y esculturas de piedra en este estilo distintivo. Para esta época, tanto en el
Petén como en la costa sur se desarrollaron grandes centros con edificaciones de escala
monumental, que se explican como expresión del creciente poderío de los jefes, que
controlaban poblaciones cada vez más densas.

Uno de los centros más importantes del preclásico

tardío (300 AC-200 DC) fue Kaminaljuyu, situado en
el valle de Guatemala. Además de su gran tamaño y
el volumen arquitectónico de sus edificaciones,
Kaminaljuyu es notable por contar con un sistema de
canales de irrigación que aprovechaban el agua del
lago de Miraflores, ahora extinto. La gran riqueza de
algunos entierros de la época es indicativa del
poderío y riqueza de los señores de Kaminaljuyu, que también se expresa en el arte
escultórico, que muchas veces presenta temas guerreros. En las esculturas de Kaminaljuyu y
algunos sitios de la costa sur se encuentran los ejemplos más antiguos de escritura jeroglífica
que se conocen en Guatemala.

Nuestra exhibición incluye finos ejemplos de cerámica del preclásico medio y tardío, de
Kaminaljuyu y la costa sur, así como una muestra de esculturas del preclásico tardío, que
ejemplifica la variedad de géneros y motivos iconográficos presentes en estos monumentos.

Clásico Temprano (250 D.C. – 600 D.C.)

Al final del período preclásico, las sociedades mesoamericanas habían alcanzado un alto
grado de complejidad, sofisticación tecnológica y esplendor artístico. La transición al período
clásico presenció cambios significativos, que incluyeron movimientos de población entre
diferentes regiones, la caída de muchos centros importantes del preclásico, y el surgimiento
de nuevos centros de poder. En las tierras bajas del norte se adoptó la escritura jeroglífica
42
como un medio primordial de comunicación en el arte monumental. Durante esta transición
también apareció la cerámica pintada en varios colores, que habría de convertirse en uno de
los elementos distintivos del arte maya clásico. Nuestra exhibición incluye ejemplares notables
de la cerámica policroma de esta época.

De importancia extraordinaria durante el

período clásico temprano fue el crecimiento de
la ciudad de Teotihuacan, en el centro de
México. Hay indicaciones de que Teotihuacán
ejerció fuerte presencia en Guatemala, y
algunas partes del país pueden haber quedado
temporalmente bajo su dominio. Esto se refleja
en numerosos objetos de la cultura material,
inspirados en el arte de esa metrópolis. El museo posee numerosos ejemplares de cerámica
elaborada localmente en el estilo teotihuacano, que incluye tapaderas de incensarios
procedentes de la costa sur, vasos cilíndricas trípodes con diversos tipos de decoración y otros
objetos. De especial interés son los incensarios extraídos de las aguas del lago de Amatitlán,
utilizados en rituales seguramente asociados con el lago, y luego depositados en el fondo del
mismo.

Clásico Tardío (600 D.C. – 900 D.C.)

En el periodo clásico tardío, las ciudades de las tierras bajas del norte alcanzaron su máximo
esplendor, al tiempo que la población creció hasta alcanzar su punto más alto, para luego
decaer abruptamente tras el colapso de las grandes capitales. Los textos jeroglíficos de esta
época permiten reconstruir muchos detalles de la vida política y ritual de los reyes, y revelan
un cuadro muy complejo de interacción entre las ciudades y sus dinastías gobernantes. El
museo posee una rica colección de cerámica pintada de este período, que refleja el
surgimiento de una serie de estilos regionales. Muchas vasijas de la colección presentan
escenas relacionadas con la mitología y la religión, incluyendo figuras de dioses y una variedad
de escenas rituales. Muchas piezas también presentan textos jeroglíficos, con frecuencia
marcas de propiedad que designan al propietario de la vasija y en ocasiones dan el nombre
del artista que pintó la pieza.

43
Posclásico (900 D.C. – 1,500 D.C.)
El final del clásico tardío presenció el colapso de la civilización maya clásica. La población de
las tierras bajas se redujo fuertemente, y muchos centros fueron abandonados. Los pueblos
del altiplano y la costa pacífica experimentaron cambios igualmente significativos. Sin
embargo, el postclásico no debe entenderse como un período decadente, excepto en las
regiones de las tierras bajas que quedaron despobladas. Entre las innovaciones que trajo el
postclásico se encuentra la introducción de los metales. Por primera vez, los pueblos
mesoamericanos utilizaron el oro y el cobre en pequeñas cantidades.

La cerámica plomiza se distingue por sus tonos lustrosos, naranjas o grises, y por presentar
una variedad de diseños de animales y seres sobrenaturales. Esta cerámica fue elaborada en
la zona costera del Soconusco, en el estado de Chiapas, México, y posiblemente también en
áreas adyacentes de Guatemala. Fue muy apreciada durante el clásico tardío y el postclásico
temprano, y se difundió por medio de redes comerciales a todo lo ancho de Mesoamérica.

Arte Colonial
Se denomina Arte Colonial o Arte Americano de la Colonia a la producción artística
desarrollada durante el período de las colonias españolas y portuguesas en América Latina,
entre los S. XVI y XIX; (Arte P. d., 2022)

Este arte se caracteriza por la fusión de cosmovisiones y técnicas de conquistadores y

aborígenes, una diferencia fundamental con los conquistadores anglosajones, quienes
simplemente aniquilaron a todos los indios de Norteamérica y no permitieron ningún tipo de
mezcla.

El arte colonial, desarrollado por artesanos indios y maestros europeos, está al servicio de la
misión evangelizadora de los conquistadores, y por época y función social, corresponde
claramente al estilo barroco.

En cada pieza escultórica, catedral y pintura, los motivos religiosos son los gobernantes, así
como los parámetros de representación europeos; pero éstos fueron sutil y subterráneamente
"digeridos" por los aborígenes americanos, quienes colocaron en cada obra elementos propios
de sus culturas (símbolos religiosos y espirituales, figuras antropomorficas, zoomorficas y
44
fitomorfas) de modo tal que se entremezclaban con los imágenes católicas importadas,
manteniendo de este modo, la voluntad de forma de la producción artística indígena
subsistiendo por debajo del arte europeo impuesto a la fuerza.

Cabe destacar, además, que el arte precolombino es moderado, de líneas rectas y formas
severas, rigurosamente geométrico, todo lo cual provocó una contención del barroco español,
mucho más desatado y expresivo, decantando finalmente en la particular forma artística de
nuestras colonias.

El arte colonial encuentra su fin con los inicios de la Independencia, donde la producción de
imágenes deja el ámbito religioso para abocarse a consolidar los caracteres nacionales
diferenciados de Europa y a los poderes autonómicos, para lo cual, paradójicamente, los
artistas absorberán el neoclásico e imitarán los modelos europeos de representación de la
aristocracia.

Arte Maya
La civilización maya alcanzó su apogeo durante el período Clásico (250-900). En esta etapa,
las ciudades más importantes estuvieron gobernadas por dinastías hereditarias; vinculado a
estas dinastías por lazos de parentesco, surgió un funcionariado administrativo que ocupó los
centros menores y más alejados de las capitales. Clases especializadas de sacerdotes,
arquitectos, escribas y artistas satisfacían las necesidades de una población creciente. La
población campesina ocupaba el nivel inferior y era empleada esporádicamente como mano
de obra en las construcciones públicas; (Maya, 2022)

El dominio absoluto del gobernante y la élite se basaba en su identificación con la divinidad y

el orden cósmico, constituyendo el arte el vehículo idóneo para legitimarse ante el resto de la
sociedad. A lo largo de su desarrollo, el arte maya evolucionó desde la sencillez y la pureza en
las formas del periodo Clásico hasta cierta complejidad ornamental y vigor dramático en el
periodo Posclásico (900-1500). En todas las etapas, sin embargo, existió una tendencia hacia
el equilibrio, la claridad expresiva y la armonía en la composición.

45
La arquitectura maya
Presenta numerosas variaciones regionales, pero también unas características comunes. Una
de las más destacables es el diseño urbanístico de los centros ceremoniales, en los que los
principales edificios (templos, palacios, juegos de pelota) se agrupan en torno a amplias
plazas, sobresaliendo por su altura respecto a las demás construcciones los templos-pirámide.
Los centros urbanos, espacios administrativos, políticos y rituales, se relacionaban por medio
de calzadas y se completaban con otras obras públicas como pozos de almacenamiento.

Otros rasgos característicos son el uso de la falsa bóveda (formada mediante la progresiva
aproximación de las hiladas de piedras de los muros) y la decoración externa de los edificios:
las fachadas de los palacios y templos se adornaron con gr andes mascarones de piedra
tallada o estuco que evolucionaron con el tiempo
hacia formas muy estilizadas; fue notable
asimismo el uso de las cresterías (muros de
piedra ornamentados que rematan las
estructuras), que incrementaban la altura
aparente de las edificaciones.

Las Tierras Bajas del Sur

En El Petén central destaca la actividad constructiva de Tikal, cuyos templos más importantes
se conciben como monumentos conmemorativos de los gobernantes muertos. Sus
construcciones, de gran verticalidad, coronadas por templos rematados por gigantescas
cresterías cubiertas de relieves de estuco, sobresalen por encima del imponente techo de
verdor de la selva.

Los palacios se combinan formando inmensas acrópolis y surgen conjuntos arquitectónicos

novedosos, como los complejos de pirámides gemelas o las plataformas de danza y rituales
destinadas a la conmemoración de los katunes, ciclos de veinte o trece años de especial
significación en el calendario maya.

En la región del río Usumacinta se mantienen algunos rasgos de El Petén, como los grandes
basamentos o las gigantescas cresterías colocadas sobre los techos de los templos. Palenque
es tal vez la ciudad más famosa, con un estilo propio de estructuras aligeradas por un mayor
46
número de vanos, espacios interiores más amplios y basamentos menos elevados, lo que le
confiere un aspecto más humano y menos solemne, de carácter más secular, con un
impresionante complejo escultórico totalmente integrado en la arquitectura.
En el sudeste del área maya, ya en Honduras, destaca Copán, cuyo núcleo urbano se
construye en torno a una inmensa acrópolis. Cabe subrayar en este lugar las graderías de
plazas y patios, pero sobre todo las amplias escalinatas profusamente talladas con relieves
jeroglíficos.

Los estilos de la región norte

En la península de Yucatán se dieron dos estilos regionales de interés: Chenes-Río Bec y
Puuc, de gran importancia en el desarrollo del Clásico Tardío y Posclásico del área maya,
períodos en que alcanzó su mayor esplendor. El estilo Chenes-Río Bec del Clásico se
caracterizó por sus monumentales torres macizas de esquinas redondeadas y las portadas
zoomorfas de grandes mascarones. Se inició el uso de columnas y pasadizos abovedados
bajo las escalinatas, que sirvieron de
precedente al estilo Puuc, y tuvieron
continuidad hasta el Posclásico. A medida que
avanzaba el período, en las fachadas tendieron
a proliferar los mascarones zoomorfos en tres
dimensiones, muy recargados.

El estilo Puuc, en la región del mismo nombre, conoció su mayor florecimiento entre el año 830
y las primeras décadas del siglo XI. Entre los conjuntos arquitectónicos Puuc se encuentran
obras cumbres de la América precolombina, con nombres como Uxmal, Sayil, Kabah o Labná.
Prevalece aquí la construcción de palacios formados por largas crujías horizontales
organizadas en cuadrángulos con las esquinas abiertas, entre los que destaca el conocido
como Cuadrángulo o Casa de las Monjas de Uxmal.

La horizontalidad que caracteriza a estos edificios se acentúa con la decoración. El mosaico,

de piedras perfectamente cortadas, sustituye al modelado del estuco de las selváticas Tierras
Bajas. Entre sus motivos decorativos hay grecas escalonadas, serpientes, máscaras,
junquillos, columnillas, chozas y otros dibujos geométricos que producen imponentes efectos
de claroscuro bajo la resplandeciente luz del cielo yucateco.
47
Los conjuntos urbanos se encuentran más alejados unos de otros que en las Tierras Bajas del
Sur y la idea de una plaza central se difumina; grandes calzadas unen los grupos neurálgicos
de cada ciudad y tienen a veces una enorme longitud, alcanzando una de ellas los ciento cuatro
kilómetros. Aparecen también rasgos novedosos como los arcos, o mejor falsos arcos, exentos
en algunas ocasiones a la manera de entradas triunfales (como en Kabah) o integrados en la
arquitectura y decorados con profusión (Labná). Excepcionalmente hay templos, y en tal caso,
como ocurre con la pirámide del Adivino de Uxmal, destacan sobre los conjuntos palaciegos.

Chichén Itzá
Los mitos en los que se narra la huida de Quetzalcóatl de Tula con un grupo de toltecas, su
asentamiento en Chichén Itzá y la toma del poder de esta ciudad, junto con las construcciones
de estilo tolteca existentes en la misma, contribuyeron a crear una particular reconstrucción de
la historia de la zona septentrional del área maya a comienzos del período Posclásico. Sin
embargo, su inexactitud es cada vez más evidente. Los hallazgos arqueológicos más recientes
parecen indicar que la Chichén Itzá "mexicana" es anterior a Tula o, al menos, contemporánea,
por lo que su estilo no puede derivar directamente de allí.

Lo que sí parece claro es que Chichén Itzá fue hogar de linajes que mantuvieron fuertes
contactos con el centro de México y que introdujeron en el área maya rasgos mexicanizantes.
La articulación de las soluciones arquitectónicas del centro de México con la magnífica
tradición técnica y artística maya produjo resultados espectaculares y uno de los conjuntos
urbanísticos más grandiosos de la América antigua. Chichén Itzá se organiza según un eje
orientado de este a oeste, distinto de los centros Puuc, estructurados de norte a sur. Un
observatorio astronómico de forma circular, El Caracol, edificio de transición, lo diferencia del
centro Puuc.

Los elementos arquitectónicos mexicanos, como las columnas y pilares, convertidos en este
momento en elementos estructurales, permiten una mayor amplitud de los espacios interiores,
lo que redunda en la creación de grandes salas hipóstilas. Se abandona además el empleo de
la falsa bóveda como cubierta y se prefieren los techos planos. Los edificios ganan en
grandiosidad y se revalorizan al encontrarse más aislados.

48
El periodo Posclásico
Tradicionalmente se ha tendido a menospreciar el arte maya del Posclásico tardío,
considerándolo decadente en comparación con el esplendor del arte clásico. El mejor ejemplo
es el de Mayapán, ciudad en que, entre centenares de grupos habitacionales, sólo parecen
emerger copias reducidas del Caracol y de la Pirámide de Chichén Itzá como únicos rastros
de grandiosidad. Una visión más justa consideraría este arte como el reflejo de una sociedad
de características diferentes, en la que comerciantes pragmáticos habían sustituido a los reyes
endiosados que se legitimaban a través de una cosmovisión. El poder descansaba en esta
etapa en el mantenimiento de unas redes comerciales a larga distancia que incluían la
navegación de cabotaje hasta Honduras.

La costa y las cercanas islas del Caribe están jalonadas de centros pertenecientes a este
período. La arquitectura, de estilo mexicanizante, es adintelada, con techo plano de vigas y
mortero, siendo frecuentes los vestíbulos y las portadas columnadas, así como las escalinatas
enmarcadas por alfardas, rematadas verticalmente en su parte superior. Singulares son el
panel rehundido o dintel remetido sobre la puerta de entrada, las molduras en la parte superior
de los edificios y los nichos sobre el vano de entrada con figuras en relieve del «dios
descendente».

El sitio costero de Tulum, que pervivió hasta la llegada de los españoles, es el centro más
importante en la costa del Caribe y el compendio del estilo de la región. En este enclave del
estado de Quintana Roo destacan las estructuras de El Castillo y del Templo del Dios
Descendente, cuyos muros se abren hacia el exterior desplomándose intencionalmente, otro
rasgo estilístico de la región. El Templo de los Frescos descuella por los mascarones de sus
esquinas, pero sobre todo por sus pinturas, que, junto con las halladas en otros lugares,
configuran un estilo relacionado con la cerámica policroma y con los códices. Otra construcción
característica, sorprendente por lo reducido de su tamaño, son los templetes colocados al
borde del mar, que debieron ejercer función de faros o de hitos para la navegación, a la par
que de adoratorios locales.

49
La escultura maya
Los mayas alcanzaron un alto grado de especialización en el arte de esculpir la piedra.
Realizaron tableros, tronos, jambas y dinteles, elementos que, por su situación en el interior
de los edificios, sólo podían ser vistos por unos pocos. También aplicaron este arte a
numerosos monumentos destinados a ser colocados en grandes espacios abiertos, como las
estelas y los altares, que al propio tiempo cumplían la función utilitaria de ser vehículos de
transmisión de su historia, sus ideas y sus creencias.
Los monumentos tallados más tempranos se concentraron en lugares de la zona más
meridional del área maya como Izapá, Kaminaljuyú o Abaj Takalik, donde se localizaron estelas
y altares, ya aislados, ya en estrecha asociación entre sí. Al poco tiempo, las Tierras Bajas
empezaron también a erigir este tipo de monumentos.

Pintura y cerámica
Casi todas las edificaciones importantes de la cultura maya fueron decoradas con pinturas, en
particular los muros interiores y las bóvedas. Los temas principales de tales obras fueron dos:
representaciones de deidades y escenas narrativo-históricas; en estas últimas, la figura
humana posee un papel protagónico. Son característicos, en este sentido, los murales en los
que aparecen miembros de las diferentes dinastías reinantes en escenas donde se demuestra
su poderío y grandeza. También se representaron batallas, sacrificios de prisioneros y la
entronización de monarcas. La pintura mural tuvo, seguramente, la misma importancia que la
escultura en cuanto a su cantidad y a su mensaje ideológico, pero debido a las condiciones
ambientales, se han conservado muy pocos ejemplos. Obras de este tipo se encontraron en
ciudades como Yaxchilán, Toniná y Palenque, en el estado de Chiapas, y Chicanná y
Dzibilnocac en Campeche.

50
Arte Religioso
Se denomina como arte religioso, principalmente, a la
producción de imágenes y obras de arte fundamentadas en
pasajes bíblicos y figuras centrales del imaginario católico
occidental.

Este género artístico tiene sus orígenes en la consolidación

de la fe, y cruza la historia del arte desde la época pre-
románica hasta el neoclasicismo del siglo XIX, donde
comienza a perder fuerza.

En América Latina se destaca como eje primordial del arte

colonial.

Aunque hasta el día de hoy se siguen produciendo obras con motivos religiosos, este género
debió aprender a convivir con una amplia gama de posibilidades de expresión e investigación
artística, que comenzaron a desarrollarse con el retrato renacentista, y han conseguido la
máxima liberación, con las vanguardias a contar de la segunda mitad del siglo XIX.

Artesanías: Cerámica, Vidriada, Talabartería, Hierro Forjado, Adobe

Se refiere al trabajo de un artesano (normalmente realizado de forma manual por una persona,
sin el auxilio de maquinaria o automatizaciones), producto obtenido en el que cada pieza es
distinta a las demás. La artesanía como actividad material se diferencia del trabajo en serie o
industrial. Para que una artesanía sea tal debe ser trabajada a mano y cuantos menos
procesos industriales tenga, más artesanal va a ser. La artesanía es un objeto totalmente
cultural, ya que tiene la particularidad de variar dependiendo del contexto social, el paisaje, el
clima, los recursos y la historia del lugar donde se realiza; (Guatemala A. , 2022)

Muchas veces no conocemos lo que realmente implica la elaboración de productos artesanales

y las características que este debe de poseer, confundiéndolos con manualidades, armadores
u otro tipo de productos; (Guatemala A. , 2022)

51
Artesanías Guatemaltecas
Guatemala tiene una variedad abrumadora
de artesanías en su mayoría tejidos y telas especialmente
de las tierras altas en un arcoíris de colores. Los artesanos
en su mayoría Indígenas también trabajan en otros medios
como la terracota y loza lacada (en particular, de
Chinautla).

Generación tras generación, familias, desde el más joven hasta el más anciano, trabajan en
estilo de sus antepasados creando abundantes productos que ahora podemos experimentar
en el mundo entero. Porque su arte es una expresión de cultura de su pueblo, cada pieza (se
hizo de piedra, madera o tela) es un trabajo individual de arte impreso con el alma del creador.
Entre las artesanías más sobresalientes están los tejidos textiles, cerámica, jarcia, carpintería,
la fabricación de velas, cuero, jícaras, jade, hierro Forjado, cestería.

Artesanías en Madera
La Carpintería de Guatemala es distinta y diversa, los
carpinteros son artesanos devotos de la producción de
muebles, cofres, instrumentos musicales, juguetes,
utensilios de cocina, imágenes religiosas, mascaras,
etc. Estos siempre han sido adquiridos y usados por
los guatemaltecos, pero no son mundialmente así que
cada uno puede disfrutar su belleza y originalidad, que
incluyen pequeños animales vistosamente coloreadas,
pequeños camiones, el favorito de los niños
guatemaltecos: rueda y matraca (payasos sobre ruedas que son empujados por el suelo de un
palo).

También hay pequeñas figuras religiosas: Santos tallados a mano, Vírgenes, o Ángeles que
luego son pintados o dejados en su madera en colores naturales: Todo esto y más son la
especialidad de Totonicapán, pero otros pueblos también tienen su propio y distintivo, diseños
de colores brillantes. Todos estos revestimientos de madera están hechos de pino que está
especialmente curado para aumentar su longevidad. Máscaras de madera (apto como tapices
52
decorativos) son talladas a mano en madera de cedro o pino blanco por artesanos de pueblos
de la sierra, como Totonicapán, Chichicastenango, Quiché, y el uso de la técnica de Vaciado.
Algunas máscaras son muy detalladas y decoradas con las características de los personajes
míticos o de los animales o pueden representar personajes famosos de la conquista española.
Los nativos usan estas máscaras durante sus ceremonias de danza precolombina,
religiosa. Marimba, instrumento nacional de Guatemala, se hizo uno de hormigo o pino blanco
(ambos de los cuales crecen cerca de los principales centros de producción de marimba de
Huehuetenango y Quetzaltenango). Otros instrumentos (violines, guitarras, flautas y chirimías)
están hechos de pino blanco y decorativo tallado y lacado.

Paletas y cucharas de madera de todos los tamaños están hechas para cocinas de Guatemala
junto con el corte de tableros de madera, mortero y cajetas de color intenso (cajas de dulces
diseñados para mantener los dulces tradicionales de Guatemala). El estilo colonial predomina
en muebles hechos a mano de Guatemala, bancos, mesas, escritorios, piezas de cocina,
mesas de comedor, y cofres de almacenamiento están hechos de pino, caoba y cedro.

Algunas piezas (como armarios) están finamente talladas a mano, y hay una variedad de
artículos más pequeños como mesas, estantes colgantes, espejos con decorativo, etc.

Cestería
Hecho con fibras naturales, como palma, jarcia, mimbre, cibaque, paja, y bambú es un arte
heredado de los Antiguos Mayas. La Cestas son de todos los tamaños y formas y son usadas
para transportar fruta y vegetales y de los ejemplos más finos pueden ser utilizados para la
decoración de una habitación.

Otros Artículos ornamentales son hechos de esa fibra incluyendo, sombreros, petates
(alfombras), y escobas. La Cestería (o cesta) es el proceso de tejer fibra vegetal sin hilar en
una cesta. Las personas con la profesión de la cestería son cesteros. Cestería es el arte de
tejer fibras o materiales flexibles, cualquier cosa que se dobla o formar una figura. Esta
incluyendo, pero no limitando a: paja de pino, pelo de animales y / o piel, diferentes hierbas,
hilos, ramas y madera.

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La cestería puede parecer una nave obsoleta o antigua, pero nunca ha dejado el ojo de interés
o la demanda del público, y por una buena razón. Con frecuencia los vendedores se ven en el
lado de los caminos rurales, especialmente en las zonas turísticas, o en los mercados de los
agricultores de todo el país. Independientemente de donde se les ve, las cestas siguen siendo
tan populares hoy en día como en el pasado, pero por razones menos funcionales.

Hay una cierta aura de singularidad que

rodea la cestería, probablemente debido a
que es uno de los pocos oficios que nunca
se ha modernizado. Si bien existen
máquinas que hacen la confección textil,
la cestería nunca se ha hecho con éxito en
una máquina. Así que hay un grado de
idealismo “pasado de moda” mito en torno
a la cestería (uno de los oficios más
antiguos de la historia humana.)

Jarcia
Es practicado en los departamentos de Alta Verapaz, Sololá, San Marcos y Jutiapa. Una fibra
de cuerda que se llama Jarcia es extraída de las hojas de Maguey, la cual los artesanos usan
para elaborar hermosas y coloridas hamacas y morrales (Bolsas). Después de extraer la jarcia
de las hojas de maguey se tiñe con colorantes de anilina de colores intensos y finalmente
tejidos con pequeños palos de madera.

Cerámica Mayólica
El término mayólica española es sinónimo de mayólica, loza, loza y cerámica. La mayólica es
el término español para un método específico de vidriar la loza cerámica. Mayólica (cristal,
cerámica) proviene de los primeros tiempos coloniales españoles y todavía se fabrica en
Antigua y las Tierras Altas. Para hacer esto, la mezcla de arcilla artesanal y de arena blanca
con agua y luego se moldea las piezas, que luego se cuecen al horno, y, finalmente, esmaltado
con diseños de animales o de frutas y legumbres.

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Hay una gran variedad de artículos como vajillas, alcancillas, candelabros, vasos,
jarrones, frutas y verduras de colores brillantes, etc. Los fabricantes de cerámica también
producen azulejos (azulejos de colores brillantes que llevan escudos de armas o insignias de
los hogares y a menudo mostrando una influencia árabe).

Terracota
Los productos son ampliamente utilizados en Guatemala por su hermosura y utilidad. Desde
tiempos prehispánicos, Los Mayas trabajan en la artesanía.

En terracota has estado haciendo tinajas (jarras de agua), ollas, macetas, mezcladores,
incensarios, planchas, candelabros, y juguetes. Esas piezas generalmente se cuecen de una
vez o se secan en el sol, después las cenizas se colocan en hogares abiertos y finalmente se
utilizan hornos similares a los utilizados para la cerámica de hoy.

Ellos son en su mayoría de color rojo, sin embargo, en Chinautla se utiliza un proceso de
acabado diferente para producir blanco. Terracota has sido utilizado durante toda la historia de
la escultura y cerámica, así como ladrillos y cubertura de techos.

Hierro Forjado
El Hierro Forjado vino a Guatemala con los españoles, hasta alcanzar su expresión más
elaborada en Antigua. Trabajadores de Hierro forjado crean hermosos artículos al
estilo colonial como picaportes, farolas, lámparas, incensarios, candelabros, adornos, camas
y otros muebles.

Hierro forjado es comercialmente hierro puro. A diferencia del acero tiene un muy bajo
contenido de carbono. Es un material fibroso debido a las inclusiones de escoria (Un
Constituyente normal). Esto es también porque da un “grano” se asemeja a la madera, que es
visible cuando se graba o se dobla hasta el punto de la falta. Hierro forjado es resistente,
manejable, dúctil y fácil de soldar.

Artesanía en Plata
La plata se ha conocido desde tiempos antiguos y ha sido valorado como un metal precioso,
usado para hacer adornos, joyas, artículos de mesa de gran valor y utensilios. De allí el término
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“PLATA”) y piezas de monedas y la historia nos dice que los Mayas Precoloniales practicaban
la Artesanía en Plata.

En Guatemala muchos pueblos aún producen la Platería. En Antigua, tiendas venden una gran
variedad de aretes, brazaletes, collares y anillos de gran calidad todos hechos por artesanos
locales.

Tejidos Guatemaltecos
En Guatemala mujeres indígenas producen tejidos tradicionales en más de 350 diferentes
diseños y una gran variedad de colores. Cada diseño es único en cada pueblo de origen y
tiene un símbolo ceremonial heredado de los antepasados Mayas.

Cada pieza de tela (tejido en telar de cintura prehispánico) lleva muchos meses en
completarse. A partir de estos tejidos, las mujeres llevan sus trajes únicos.

Algunos pueblos tienen hasta tres trajes diferentes: uno para el trabajo y los otros para
ceremonias u ocasiones especiales. La profusión de deslumbrantes trajes, colores es un punto
alto para los visitantes de Guatemala. Los españoles introdujeron el telar de pedal, que es
utilizado por los indígenas para la fabricación de grandes piezas de algodón y de lana. Los
hombres hacen las alfombras, colchas, las mujeres: Cubiertas mantel, servilletas, bolsas, etc.

Jade en Guatemala
El Jade era sagrado para los antiguos Mayas en año de 1970 geólogos redescubrieron el
origen de esta piedra preciosa: El Valle Motagua. Ahora puede comprar aretes, pendientes,
anillos y reproducciones de máscaras funerarias a precios mucho más bajos que en Nueva
York o Paris.

Estos están disponibles en los colores tradicionales de verde o raro azules, grises y rosados.
Jade fue venerada como la Piedra de la Eternidad, la piedra del cielo o como el símbolo de
Piedra del Amor Eterno, piezas dentales se han encontrado con incrustaciones de jade. Jade
se considera más valioso que el propio oro. Jade fue reverenciado como un bien supremo, por
ejemplo: cuando un rey o alguien de la nobleza moría, los enterraban con máscaras y collares
de jade.
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