Realismo social

1929–1955
Si lo pensamos bien, todo el realismo es social. El nacimiento mismo
del movimiento realista francés en el siglo XIX es debido a factores más sociales
que estéticos.
Sin embargo, el realismo social es puro siglo XX. Lo vemos mucho en literatura,
como una forma de denuncia para las barbaridades de este siglo atroz. También
en el cine.
Paralelamente, nace en los Estados Unidos un Nuevo realismo igualmente social,
pero mucho más poético y evocador, menos reivindicativo en apariencia. El
realismo social carga mucho más las tintas en los temas políticos y sociales, y
además no tenían fronteras. Como la izquierda, es un movimiento internacional. Y
por ello su arte debe ser universal. En todos los países hay problemas, y el
realismo social quiso expandir la conciencia de clase y el conocimiento de los
problemas sociales de la gente.
No se trata de mostrar la realidad. Se trata de denuciarla. Los artistas de este
movimiento estaban mayoritariamente vinculados a la izquierda, sino eran
directamente militantes.

Surrealismo
El Surrealismo propone una teoría de lo inconsciente y de lo irracional como medio
para cambiar la vida, la sociedad, el arte y el hombre por medio de la revolución.
No es un movimiento con unidad de estilo, sino una serie de investigaciones de
artistas individuales, cada uno con un estilo propio.
El movimiento tiene como base teórica la interpretación de los sueños de Freud,
que supone un rechazo de la cultura tradicional basada en el poder de la razón;
defiende la revolución y se compromete con movimientos activistas y de
izquierdas, quiere convertirse en germen del desarrollo del Dadaísmo en cuanto a
crítica constructiva del arte tradicional, rompe con los convencionalismos sociales
e incorpora la experimentación de los métodos del psicoanálisis en literatura y
pintura; lo vemos en la escritura automática y los cadaveres exquísitos.

El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, creado

por Pablo Picasso y Georges Braque, continuado en sus albores por Jean
Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay, Juan Gris, María
Blanchard y Guillaume Apollinaire.1Es una tendencia esencial, pues da pie al resto
de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la
ruptura definitiva con la pintura tradicional
El Cubismo: movimiento artístico que se manifestó sobre todo en pintura, cuyo
objetivo principal era el de alejarse de la representación naturalista y conseguir
plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del cuadro un objeto visto desde
múltiples ángulos. El cubismo significó un cambio crucial en la historia del arte,
convirtiéndose en el precursor de la abstracción y de la subjetividad artística. Fue
una revolución contra el sentimentalismo y el realismo de la pintura tradicional,
contra la importancia que se daba al efecto de la luz y el color y contra la ausencia
de formas. Los cubistas rechazan la perspectiva y el movimiento y le dan primacía
a la línea y la forma. En Venezuela el cubismo tiene numerosos seguidores,
podemos citar a Ángel Hurtado, Armando Barrios y Manuel Quintanilla como
representantes de esta tendencia en nuestro país.

Nueva Figuración
1945–1970

Nueva Figuración
1945–1970
Quisiera que mis pinturas se vieran como si un ser humano hubiera pasado por
ellas, como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un trazo de
eventos pasados, como el caracol que deja su baba.
 
Bacon
La Nueva figuración es un movimiento artístico nacido en la segunda mitad del
siglo XX, y como bien dice su nombre, es una vuelta a la pintura
figurativa después de tanto expresionismo abstracto y otros tipos de abstracción.
Eso sí, es una figuración distinta, no del todo divorciada de lo abstracto, más bien
se enriquece con sus aportaciones.
Por supuesto no hay dos nuevos figurativos iguales, pero podemos decir que la
mayoría de ellos le dan el protagonismo a la figura humana, y juegan con
el expresionismo en colores, gestos, atmósferas o temas.
Pop-arte
Es un movimiento artístico surgido en Reino Unido y Estados Unidos a mediados
del siglo XX, inspirado en la estética de la vida cotidiana y los bienes de consumo
de la época, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales
«mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, como la música pop, presenta una
forma de ver y tratar el arte, más global y social, no para pocos (elitista), sino para
todos (popular)1, al utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o
combinándolas con otras,2 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún
elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.2
El arte pop es considerado un arte moderno, junto con el minimalismo y por lo
tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar
como los ejemplos más tempranos de este.3 Y también es con estilo de cómics o
historietas.
Folclorismo
El arte folclórico es aquel creado de un modo tradicional
por campesinos, marineros, artesanos o comerciantes que no cuentan con una
preparación formal. También es el arte producido por miembros de un grupo
social o étnico que han preservado su cultura. Para que un objeto o hecho sea
considerado folclórico debe ser anónimo, es decir, que nadie sabe quien lo hizo
pero todos sienten que pertenece a ese pueblo o cultura.
Es, en su mayoría, funcional, hecho a mano para uso personal, limitado o
colectivo. Las pinturas son generalmente parte decorativa
de baúles, relojes y muros interiores o exteriores. La escultura se fabrica
de madera, piedra o metal y su uso final recae
en juguetes, cubiertos, candelabros u objetos religiosos.
En cuanto a arquitectura se encuentran tanto edificios públicos como
residenciales, ejemplos de ello son las iglesias de madera construidas en Europa
Oriental y las clásicas cabañas estadounidenses. También existen muestras de
arte folclórico en técnicas de grabado, tallado, cerámica y textiles.
Pintura ingenua
La denominación naíf, naif o naïf (del francés naïf, 'ingenuo') se aplica a la
corriente artística caracterizada por la ingenuidad y espontaneidad, el
autodidactismo de los artistas, los colores brillantes y contrastados y la
interpretación libre de la perspectiva o incluso la ausencia de ella.
El concepto naíf alude no solo a cierto estilo, aplicado en el arte, sino que se
formaliza en una graciosa falta de conocimientos técnicos y teóricos: en algunos
casos suele faltar un sistema de perspectiva o una línea de fuga, así como un
ajustado criterio de las proporciones o un elaborado trabajo cromático, por lo que
podríamos decir que los autores pintaban lo que ellos deseaban o les parecía más
adecuado sin atenerse a ninguna norma. En este sentido lo naíf puede estar dado
por dos motivos distintos aunque no excluyentes: en primer lugar una ingenuidad
(que ronda la "ignorancia" respecto a las técnicas y teorías para realizar obras de
arte) y, en segundo lugar, una búsqueda (consciente o no) de formas de expresión
que evocan a la infancia. En el primer caso, la sencillez aparente es un elaborado
esfuerzo de evocaciones; en el segundo, para que el naíf sea auténtico, la
intención prístina ha de ser precisamente expresar formalmente lo que evoque a
una infancia supuestamente ingenua. Este punto es clave: un arte pseudonaíf
revela un objetivo materialista comercial dedicado a un público-meta que puede
ser potencial comprador.[cita requerida]