Cómo pintar al óleo con veladuras

La pintura con veladuras se elabora pintando distintas capas de pintura algo

transparentes una sobre otra esperando que cada capa seque antes de pintar la
siguiente. De esta forma, los colores se llenan de matices y de profundidad. Un
mismo cuadro puede estar hecho completamente en base a veladuras o solo
utilizar esta técnica en algunas partes como tejidos de gasa o fondos de paisajes.

El mayor representante y creador de esta técnica es Leonardo Da Vinci que

pintaba sus retratos utilizando multitud de capas que se iban mezclando dando
una textura de piel muy completa.

Pinturas transparentes y opacas

No sé si os habéis fijado pero las pinturas tienen unos códigos con cuadritos y
signos de más mediante los que se representa cómo de opaco es el color. Si
habéis empezado a jugar con las pinturas seguramente ni os habríais dado cuenta
pero sí habréis notado que algunas pinturas tienen un color más opaco que otras:
Si mezclas una opaca con una transparente, la opaca se come casi
completamente el color de la transparente. Cuando no sabes por qué ocurre esto
te pasará como a mí que crees que la pintura es de baja calidad (aunque sea de la
misma marca) o, simplemente, deshecharás al olvido las más transparentes
porque no tendrán la suficiente fuerza.

Pues bien, cada pintura tiene una función y las transparentes son las ideales para
la pintura con veladuras.
 

¿Y para qué sirve conocer el grado de transparencia u opacidad?

A continuación te presento algunas diferencias entre opacos y

transparentes así como los diferentes usos que se le pueden dar. Aplicando
estos secretitos podrás llevar a un nivel mayor tus pinturas:
 Los pigmentos  opacos poseen un gran poder de cobertura de la
superficie, mientras que los transparentes dejar ver la superficie bajo ellos
pero modificando su matiz al sumar su propia tonalidad.
 Pintar con los colores tranparentes da sensación de profundidad, hace
que lo que se pinta retroceda en distancia, que se vea más atrás, y son
ideales para sombras y fondos.  Por su parte los colores opacos se ven
más cercanos y se usan mucho para luces y brillos.
 Las pinturas transparentes al óleo se usan en la técnica
de veladuras (vidriado o glazing), los opacos con la técnica de pincel
seco,  así como en el método “alla prima”, por su poder cubriente.
Ambos tipos de pintura se pueden usar en la ejecución de un mismo
cuadro.
 Los colores transparentes pueden dar un aspecto de acuarela cuando se
diluyen con trementina u otros solventes, los opacos no.
 Los colores transparentes se pueden usar incluso como salen del
tubo para hacer veladuras en capas muy delgadas, los opacos
necesitarían un medio para que se dispersen más las partículas de
pigmento.
 Los colores transparentes aplicados en veladuras ayudan a
obtener colores intensos  o brillantes que de otra manera no se pueden
obtener, sin embargo al mezclarlos con blanco o colores opacos, pierden
su transparencia y vivacidad.
 

Veladuras, una cuestión de estilo

Aplicar veladuras o no depende de la forma de pintar de cada uno. Los pintores

renacentistas aplicaban multitud de capas de veladura haciendo que los acabados
fueran muy finos y que no se pudiera percibir la pincelada. El objetivo era
acercarse a la tonalidad y matices de la realidad lo más posible. En cambio, los
impresionistas buscaban colores más saturados y pinceladas vistas y no aplican
veladuras. Puedes ver la diferencia entre estos dos cuadros, el primero de
Vermeer, con multitud de veladuras y el segundo Sorolla, con pintura alla prima.
 Veladuras vs. «alla prima»: Vermeer vs. Sorolla

Veladuras de Eloy Morales

 

Cuando aparece la fotografía, conseguir ese realismo parece que no es tan

importante y los pintores buscan contar algo nuevo con el color y la pincelada. Eso
no quiere decir que los pintores contemporáneos no utilicen la veladura ya que
muchos pintores realistas e hiperrealistas la siguen usando consiguiendo unos
matices increíbles.

Un ejemplo es el pintor realista Eloy Morales que utiliza las veladuras para sus

retratos en gran formato.
Por tanto, aplicar veladuras o no depende del resultado que queramos obtener. Y
por supuesto, se pueden mezclar. Yo pinto de forma alla prima pero estoy
probando a añadir veladuras una vez secos los cuadros con resultados que me
están gustando mucho.
 

Cómo pintar un cuadro con veladuras

Para pintar un cuadro al óleo con veladuras es necesario aplicar una primera capa
de pintura opaca que esté bien espesa. Tiene que tener suficiente cantidad de
pintura y matices para que cuando apliquemos las veladuras la pintura final esté
bien formada. Las veladuras siembre van a oscurecer y matizar el resultado por lo
que esa capa de base deberá quedarse un poco por debajo del resultado final en
cuanto a valor (oscuridad) y saturación (contraste del color). recuerda estos
conceptos en la lección técnicas para la pintura al óleo. Si el resultado de la
primera capa ya es muy oscuro, contrastado o saturado, no tendrá sentido hacer
veladuras.
Además, las veladuras actúan como un filtro que hace que la pintura sea más
uniforme y sutil por lo que si la primera capa no tiene matices y es muy plana,
añadirle veladuras que homogenicen más el color, hará que la pintura sea
bastante aburrida.

Por tanto, pintamos una primera capa espesa un poco por debajo en oscuridad y
saturación como primer paso.

Una vez está seca, se pueden aplicar tantas veladuras como se quiera. Éstas
hacen que las sombras y los colores ganen profundidad y matices.  La veladura se
aplica por encima con el color muy diluido en medio. El aguarrás puede matar el
brillo de la pintura por lo que puede ser interesante utilizar Liquin, que además
permite un secado rápido de la pintura.
Se puede aplicar distintas veladuras matizando el color y dando mayor oscuridad
por zonas y dar tantas capas como se desee, siempre esperando a que seque la
anterior. Se puede pintar en modo «espeso» de nuevo encima de las veladuras si
es necesario y se puede añadir blanco a los claros pero nunca a las veladuras
porque provocaría que se hicieran opacas.

Vamos a ver un vídeo de cómo aplicar las veladuras y unas imágenes para
comparar el resultado antes y después.

Veladuras con grisalla

Otra forma de pintar usando veladuras es hacerlo a través de una grisalla. Cuando

pintamos en grisalla hacemos una pintura monocroma, normalmente en un color
grisáceo o sepia y en esa fase no incorporamos ningún color más que el que
usamos de base y el blanco. De estas forma, se marcan los volúmenes con luces
y sombras. Al omitir el color y no tener que preocuparnos por él, es más fácil llegar
al valor adecuado de cada zona del cuadro.
Una vez conseguida nuestra pintura en grisalla, se aplican tantas veladuras por
encima como sea necesario para dar color. El proceso es parecido al de colorear
una fotografía antigua :).

¿Sabías que esta misma técnica también se puede realizar con lápiz (para la
grisalla) y acuarelas (para las veladuras)? Mira el siguiente ejercicio para ver
cómo:

Cómo pintar con acuarelas sobre grisalla hecha a lápiz

En este ejercicio pintaremos con acuarela sobre un dibujo hecho a lápiz en el que
ya habremos realizado los volúmenes. LEER…
Haremos algún ejercicio para aprender a pintar con grisalla y óleos. ¿Tienes
dudas? Ya sabes, ¡pregunta lo que necesites en la sección de comentarios o en
la comunidad de óleo!
 

Cómo pintar el color carne al óleo

Pintar el color carne al óleo es muy sencillo, basta con mezclar una buena
cantidad de blanco con un poco de amarillo y un poco menos de rojo y tan solo
una pizca de azul ultramar. Por supuesto, según variemos las cantidades de cada
uno de estos elementos, el color variará. De igual forma que variará según la
modalidad del color utilizado: no es lo mismo usar rojo cadmio que carmín. En el
siguiente vídeo puedes ver cómo hacer la mezcla:
Así mismo, podemos dar una sensación más triste y fría utilizando más cantidad
de azul (de un tono más claro al ultramar para que no se coma todo el color) o
más alegre e iluminada por el sol ampliando la cantidad de amarillo utilizado y
eligiendo matices de rojo claro más que granates o carmín. Las sombras se
pueden oscurecer con azul o con un marrón tierra, según el resultado que se
quiera obtener de igual forma que los claros pueden realizarse con blanco o con
amarillo. En general, el blanco «se come» el color por lo que no es bueno abusar
de él. Es muy efectista utilizado en pequeñas cantidades en los puntos de máximo
brillo. En cualquier caso, cuando se trata de claroscuros conviene recordar que un
color es más claro cuanto más oscuro es el color que le rodea y viceversa. Todos
estos conceptos puedes verlos explicados en detalle en:

TÉCNICAS PARA PINTAR AL ÓLEO

En esta lección se explican conceptos tan importantes como la saturación, el tono
y el valor así cómo la forma en la que mezclar la pintura para oscurecer o
aclarar. LEER…
El color puede mezclarse en la paleta antes de aplicarlo al lienzo de forma que se
vea homogéneo. Pero también puede irse aplicando con los colores separados e
irlos mezclando en el lienzo (puede interesarte la entrada «¿Qué es la pintura alla
prima?») o incluso no mezclarlos y que sea el ojo humano del espectador el que
los mezcle en su cerebro si observa el cuadro con la suficiente distancia.

Desde luego, el retrato y el cuerpo humano son objetos de inspiración desde el

principio del arte por lo que podemos repasar cómo multitud de autores han
pintado el color carne al óleo a lo largo de los años, combinando distintos estilos.

Pintar el color carne a lo largo de la historia

 Pintar el color carne: detalle de la Gioconda

Durante el renacimento, los colores para recrear la tonalidad de la piel se

mezclan perfectamente antes de aplicarse en el lienzo. Se aplican multitud de
capas según la técnica de veladuras para que los colores se difuminen y los
cambios de tonalidad se hagan de forma suave, casi fotográfica. En este
archiconocido retrato de la Gioconda o Mona Lisa, Leonardo Da Vinci oscurece el
color carne usando marrones y colores tierra dejando de lado el color azul.
Tampoco resulta demasiado extraño que no utilizara pigmentos azules teniendo
en cuenta que entonces se obtenían de triturar lapislázuli lo cual era
extramadamente caro.

El resultado da tonos tostados, muy homogéneos y difuminados.

Pintar el color carne: detalle Retrato Klimt

Gustav Klimt es un maestro del retrato. En este retrato podemos ver cómo utiliza
sin ningún miedo los tonos azules y verdes para dotar de transparencia a la piel.
Parece que, de tan blanca, se transparentan las pequeñas venas debajo de ésta.
Estos tonos azules y verdes alrededor de los ojos dan profundidad y combinan con
los colores del fondo. En este retrato, los colores no se mezclan tanto antes de ser
aplicados en el lienzo. Se ven más las pinceladas y hay cambios bruscos de tono
pero aún así, el resultado es bastante homogéneo. Klimt cuenta con multitud de
retratos femeninos en su haber en los que se repiten muchos de los aspectos de
este cuadro: pinceladas cortas perfectamente visibles, colores disociados
aplicados por separado pero que crean una mezcla que se difumina al ser
visualizada, uso del azul de forma discreta y armonizada y, más allá de las
técnicas de color, una destreza en el dibujo que proporciona retratos y
expresiones muy vivas.

Pintar el color carne: ‘Jeanne Samary’ de Renoir

Pierre-Auguste Renoir va un paso más allá en este retrato en el que se diferencian

más aún las pinceladas, se eliminan los bordes y se aprecia perfectamente el uso
de los colores que conforman el color carne: carmesís para las mejillas, azules
para aplicar profundidad a los ojos y laterales de la cara, blanco para destacar las
zonas más claras pero siempre mezclado con el resto de colores y, en este caso,
menos amarillo aunque esté utilizado para la base del color bajo las pinceladas
principales. El resultado muestra movimiento, suavidad y dulzura.
 Pintar el color carne: ‘Retrato de Matisse’ de André Derain

A principios del siglo XX, aparece el fauvismo que prima el color sobre la forma.

Les interesa más mostrar el contraste de los colores complementarios que crear
retratos realistas ante el descubrimiento de la fotografía. En este retrato de Derain
podemos ver perfectamente las pinceladas siguiendo la estructura del rostro y los
colores muy puros, casi sin mezclar, aplicados directamente en el lienzo creando
grandes contrastes. Aquí el azul se aplica generosamente para plasmar la parte
del rostro en sombra y el amarillo se utiliza en la zona clara para dar brillo. Si se
hubiera usado el blanco, como decíamos antes, el resultado no habría sido tan
vivo y lleno de color como el que vemos. Los naranjas y verdes, los azules y
amarillos son ejemplos de colores complementarios que hacen que el contraste
aumente.

Pintar el color carne: Detalle de retrato puntillista de Seurat

El último cuadro que mostramos aquí (aunque hay tantos ejemplos de estilos que
esta entrada se queda realmente muy corta) es un ejemplo de puntillismo en el
que cada color se aplica casi puro y es el espectador el que mezcla los colores
cuando los ve en su cerebro. Cuanto menos mezclados están los colores, más
necesario es observar el cuadro con cierta distancia para realmente apreciar las
figuras. Aquí vemos las pinceladas (que parecen aplicadas con el dedo más que
con un pincel) y los colores perfectamente diferenciados con hegemonía del
naranja (puede interesarte la entrada de «Cómo pintar un cuadro puntillista«).

En resumen, cada pintor tiene su estilo y lo más importante es practicar hasta

encontrar el estilo propio de cada cual en cada aspecto de la pintura incluido,
como no, el de pintar el color piel al óleo.

Técnicas ópticas

 Veladuras
En inglés se le conoce como “glazing” por derivación del  francés “glacer”, y se ha
traducido como veladura o acristalamiento. Consiste en aplicar una capa delgada
de color tranparente o semitransparente sobre otro generalmente opaco y de un
color más claro, pero siempre sobre capas totalmente secas,  por ello es para
pintores verdaderamente pacientes, al igual que para los más experimentados, ya
que los colores deseados se van formando por la adición de estas capas que se
superponen, así que se debe estudiar y conocer la forma como se llegará al
resultado final, así como las propiedades de opacidad y transparencia de los
pigmentos. La pintura se mezcla con una buena cantidad de medio para hacerla
bien transparente.
Los grandes maestros de la pintura lo practicaron y perfeccionaron, dándoles a
sus obras un gran realce del color que de otra manera no se puede obtener. La
usaron para obtener hermosas tonalidades de piel e increíble realismo a las telas y
otras superficies.
Tengamos en cuenta que aunque se diga que la aplican los más expertos, los que
estamos en un proceso de aprendizaje y descubrimiento de la pintura al óleo la
podemos utilizar y experimentar, para conocer en carne propia los más íntimos
secretos de esta majestuosa técnica de pintura al óleo.
Una variante de las veladuras consiste en extender un color cuya consistencia sea
media o ligera sobre la superficie deseada y retirándola luego con un pincel o
trapo limpio, seco y áspero.  Así la pintura queda en las ranuras o partes más
profundas de la superficie sobre la que se pinta, ayudando a corregir algunos
colores y dar sensación de alejamiento y oscuridad en la sección frotada.
Cuando veamos un retrato extraordinariamente realista, con pieles tan reales que
es difícil diferenciar la imagen de una fotografía, así como hermosas telas
sedosas, satines, velos o la luz exterior atravesando una cortina, sin duda
podremos deducir que el artista aplicó unas cuantas capas de veladuras para
lograr tan magníficos resultados.
Te recomiendo realizar el ejercicio que te propongo en este artículo: “Pintar
veladuras: ejercicio indispensable“
He aquí algunos ejemplos:

Cómo trabajar con capa de colores: Acristalamiento/Glazing/Veladura

Acristalamiento es una manera de construir capas distintas de color que trabajan
con las pinturas por debajo de ellos, en lugar de ocultarlos. A través de los siglos,
los artistas han utilizado acristalamiento como un medio para crear colores que
son más ricos de lo que sería posible por simple mezcla de pintura en la paleta.
 

Se trata de un esmalte aplicado finamente, capas transparentes de colores en un

medio para aceite o acrílico. Antes de la aplicación, una mezcla de esmalte se
verá un poco como el barniz de color. Se aplica con un pincel fino bastante suave -
mi preferencia es un cepillo largo y plano de pelo de cerdo.
El acristalamiento puede ser aplicado en muchas capas separadas, cada una
suma a un efecto acumulativo final.

Una pintura hecha con galzing es único en el hecho de que cada capa aplicada se
encuentra claramente separada de la pintura por debajo y por encima de ella.
El acristalamiento se realiza siempre en la parte superior de la pintura seca y,
debido a esto, los colores de cada capa no se mezclan físicamente entre sí. Cada
capa permanece pura, lo que resulta en una interacción de colores brillantes y
claros que pueden ser fascinante para el ojo, en el que cada capa contribuye al
efecto visible total.

Trabaje siempre húmedo sobre seco

Cada capa vidriada se debe secarse antes de aplicar la siguiente, por lo que los
tiempos de secado son importantes. En la pintura al óleo, un secado rápido,
basado en un medio Alkyd (alquidico) como el Liquin de Winsor & Newton
mezclado con trementina es útil. Siempre trate de trabajar "graso sobre magro"
demasiado - en otras palabras, empezar a pintar con muy poco aceite o medio en
la mezcla y aumentar gradualmente la proporción de aceite de trementina a
medida que avanza a lo largo de la pintura. Una capa 'magro' sobre un 'grasa' uno
puede no adherirse correctamente, se ve opaca y eventualmente podría
agrietarse.
Use el glazing con moderación

Un esmalte puede graduar la luminosidad (oscuridad y luz), aumentando o

disminuyendo la proporción de pintura en el medio mientras trabaja, o con
pinceladas más finas. Toda la pintura no tiene por qué ser vidriada o bien: usted
puede decidir en que partes o áreas lo aplicara.

Trabajar las capas antes de que se sequen

Un esmalte puede ser en forma de trabajar en un área específica y una vez

aplicado puede ser manipulado de varias maneras antes de que se seque.
Un pincel llevando una pequeña cantidad de medio de esmalte o trementina se
puede utilizar para eliminar parte de la capa que acabas de pintar para crear
puntos destacados que se pueden 'extraer o estirar' si se requiere.

Restar, no solo añadir

Una combinación de pincel y rollo de papel de cocina puede eliminar aún más.
Simplemente toque con papel de cocina después de diluir el esmalte con el pincel,
como antes. Si no te gusta lo que has hecho, toca con cuidado con un poco de
trementina en una pincel, toca con papel de cocina y la capa de esmalte se
eliminará por completo. Si el esmalte esta fresco no agregues trementina o medio,
simplemente, usa el papel en seco con mucho cuidado

Pruebe con un fondo de luz

El Acristalamiento funciona mejor sobre los colores mas claros subyacentes.

Puede parecer imponente sobre los puntos culminantes blancos o de color hueso,
dando una intensidad de color que no se puede lograr en las mezclas
tradicionales. Experimento en un primer momento con un rastro de un solo color
mezclado en su medio, la pintura finamente y el progreso a partir de ahí
REVERIE Elisabeth Sonrel 1920
Le Bandeau Rouge_ Francois Martin Kavel
Bouguereau Linnocence