MUJERES QUE NO PODRÁS

OLVIDAR Algunas artistas

imprescindibles del arte de la
segunda mitad del Siglo
18/03/13
EXPRESIONISMO ABSTRACTO / INFORMALISMO

Lee Krasner
Helen Frankenthaler
Agnes Martín
María Elena Vieira da Silva
Juana Francés
Helen
Frankenthaler
En el otoño de 1952, a la edad de
veintitrés años, Helen Frankenthaler
realizó su legendaria pintura Montañas
y mar, la primera obra en la que utilizó
su famosa técnica a base de "manchas
de color absorbidas".
Diluyendo la pintura con trementina o
queroseno, la artista desarrolló una
técnica que permitía que el lienzo sin
imprimación filtrara y absorbiera la
pintura. La mancha resultante, que
dejaba a menudo un aura a su
alrededor, daba a la obra una sensación
de movimiento continuo, uniendo
imagen y soporte.
Montañas y mar, 1952

Acres , 1959)
Lee Krasner
Lee Krasner :” Porcelaine”
Lee Krasner – Gold & Silver, 1957
Agnes Martin

Agnes Martin- This Rain, 1960

18/03/13
Agnes Martin

Agnes Martin
Desert Rain
1957
Agnes Martin

18/03/13
Maria Helena Vieira da Silva ( Portugal)

18/03/13
18/03/13
JUANA FRANCÉS ( El Paso)

18/03/13
18/03/13
18/03/13 Francés, Juana: Algaiat I y II
POP ART y derivados
MARISOL ESCOBAR
YAYOI KUSAMA
MARTA MINUJÍN
EVELYNE AXELL
EULALIA GRAU
MARI CHORDA

18/03/13
MARISOL ESCOBAR (Venezuela)
A pesar de que esta artista
venezolana nacida en Paris no tenía
intenciones de formar parte del
movimiento liderado por Andy
Warhol, sus esculturas de influencia
precolombina con elementos
surrealistas hicieron que se ganara
un lugar dentro de las filas del pop
art ya que representaban a varias
personalidades de la cultura popular
del mundo tales como los Kennedy o
Bob Hope, incluso se preocupó por
retratar la realidad de varias
comunidades marginales.

The Party 1965-1966

MARISOL ESCOBAR ( Venezuela)
Women Sitting on a Mirror wood, enamel, plaster, sunglasses, acrylic,
Plexiglas, graphite and black & white photograph assemblage on a
mirror - 1966
Marisol Escobar (love and family)
1965
Marisol. Women and Dog. 1963–64
Marisol Marisol Escobar Untitled 1967
 Yayoi Kusama (Japón)
YAYOI KUSAMA

One Thousand Boats Show, installation,

1964.
Yayoi Kusama: Infinity Mirror Room
YAYOI KUSAMA NARCISSUS GARDEN,
installation at the 1966 Venice Biennale. 1966
El Jardín de Narcisos de Yayoi Kusama es una instalación
creada en 1966, para la 33ª Bienal de Venecia
https://www.youtube.com/watch?v=Mrjuxg
QVxiE - Lovetown – Peter Gabriel - 1993
PAULINE
BOTY

18/03/13
Untitled (Sunflower Woman), de Pauline Boty, ca. 1963.
Marta Minujín ( Argentina)
La Menesunda, 1965
Galería: El Partenón de Marta Minujín construido con 10 mil libros prohibidos durante la dictadura argentina
Galería: El Partenón de Marta Minujín construido con 10
mil libros prohibidos durante la dictadura argentina
En 1985 realiza con Warhol la famosa peformance en la que le
paga al artista norteamericano la deuda externa argentina con
mazorcas de maíz, que según sus propias palabras son “el oro
latinoamericano”
 Evelyne Axell
(Bélgica)

18/03/13
EULALIA GRAU (España)
 Núvia i rentaplats (Etnografia), de Eulàlia Grau, 1973.

18/03/13
Eulalia Grau
Mari Chorda
(España)

18/03/13
Minimal / Post mínimal
HANNE DARBOVEN
CHARLOTTE POSENENSKE
LYGIA CLARK
ELENA ASINS
SUSANA SOLANO

18/03/13
Hanne Darboven
Hanne Darboven fue una artista conceptual alemana Es conocida sobre todo por sus
instalaciones minimalistas a gran escala consistentes en tablas de números escritas a mano o combinadas
con fotos documentales.

18/03/13
Hanne Darboven
Charlotte Posenenske ( Alemania)

18/03/13
Charlotte Posenenske(Alemania) – Fusiona el Ready made post
industrial con la estética de la seriación y la repetición del mínimal

18/03/13
LYGIA CLARK
(Brasil)

18/03/13
18/03/13
Elena Asins
España

Elena Asins (Madrid, 1940)

reúne elementos de tradición
constructivista con la
computación y las teorías
minimal, siendo considerada
una de las pioneras del arte
asistido por ordenador en
España
Muchas de sus obras se articulan como partituras imaginarias
ordenadas en base a complejas operaciones matemáticas
(Sin título [Escala original uno por uno vertical
Elena Asins
Scale (Escala)
1982
También conecta con el mínimal su uso de la seriación y las
variaciones mínimas sobre un mismo motivo
https://vimeo.com/32332522
Elena Asins / Borja VIllel
SUSANA SOLANO POST
MINIMALISMO
 A pesar de que su lenguaje remite a
ciertas propuestas del minimalismo, en la
obra de Susana Solano se combinan las
referencias más novedosas con aspectos
de la Antigüedad, sustentados ambos
sobre un poso emocional en el que se
mezclan investigaciones puramente
constructivas con gestos y vivencias
personales, extraídas en gran medida de
su infancia. En 1987 es seleccionada para
la Documenta 8 de Kassel y en 1988 recibe
el Premio Nacional de Artes Plásticas, tras
compartir con Jorge Oteiza el pabellón
español en la Bienal de Venecia de este
mismo año. Superada la simplicidad
geométrica de principios de los noventa,
sus trabajos actuales se decantan cada vez
más hacia un intimismo lírico, donde los
volúmenes evocan una reivindicación
espiritual del cuerpo.

Susana Solano 'Estació termal nº 2', 1987

EsteSusana Solano
espacio abierto y al mismo
tiempo cerrado, que se expresa
a través del vacío, genera un
diálogo profundo entre lo que
es transparente y ligero y lo
que es sólido y opaco, entre el
dentro y el fuera. La dicotomía
entre el vacío y la materia está
reforzada por el título de la
obra, que con ironía hace
explícito un juego de
sugerencias y referencias.

Sin pájaros, 1987

En El puente (1986) Susana Solano se
aleja de la asepsia minimalista con la que
guarda ciertas afinidades para adentrarse
en un lenguaje plagado de sugerencias e
intuiciones. Los elementos que
componen la obra, enrejados y planchas
de plomo, modeladas como si de barro
se tratase consiguen eludir su carácter
arquitectónico para adquirir un aspecto
voluptuoso, casi calcáreo, donde la
temporalidad resuena y se enmascara a
través del trabajo sobre los materiales.
Esta transparencia de lo autobiográfico
no sólo determina la configuración de las
superficies, táctiles y accidentadas, o de
los volúmenes, ligeros, sensuales;
también se observa en El puente una
concepción espacial que surge de la
experiencia directa del sujeto y que
sobrepasa, por lo tanto, la pura
conceptualidad. De este modo, Susana
Solano transgrede las expectativas de la
percepción, animando subjetivamente la
materia y acercándose, a partir de ritmos
curvilíneos o estructuras
desestabilizadas, hacia una sintaxis
abierta donde el misterio surge de la sola
presencia escultórica.
Susana Solano 'Pedrís II', 1985
ARTE CONCEPTUAL

YOKO ONO
ESTHER FERRER
CONCHA JEREZ
ELENA DEL RIVERO
DORA GARCÍA

18/03/13
 Grapefruit es un libro de artista escrito por Yoko
Ono, publicado originalmente en 1964.
Es un ejemplo temprano de arte conceptual, que
contiene una serie de “instrucciones para celebrar
eventos" (a menudo musicales) redactadas entre
1961 y 1964 que reemplazan la obra de arte física
tradicional de artistas - con instrucciones que un
individuo puede, o no, realizar.

Yoko Ono - Grapefruit, First Edition, 1964

A través de su trabajo, Ono ha creado diferentes tipos de relaciones con sus
espectadores, invitándolos a jugar un papel activo en el proceso creativo de su obra.
Usando un lenguaje claro, la artista produce objetos, eventos, rituales y acciones, cuya
precisa elaboración se consuma material y mentalmente a través del público.
PIEZA SECRETA (1953)
Decide la nota que quieres tocar.
Tócala con el siguiente acompañamiento:
El bosque entre las 5 y las 8 de la mañana,
en verano.
PIEZA RECOPILACIÓN (1963)
Recoge en tu cabeza los sonidos que
has oído sin querer durante la semana.
Repítelos mentalmente en diferentes órdenes
una tarde.
Grabar el sonido de una roca envejeciendo…
Yoko Ono. Pomelo, 1962
La música que Ono ha compuesto a veces resulta no ejecutable sólo puede oírse interiormente, y ha organizado
conciertos en que el público debe imaginarla por sí mismo.
Las “instrucciones”, formadas por mensajes simples y poéticos que invitan a los espectadores a realizar
determinadas acciones, plantean preguntas sobre los principios conceptuales de la obra de arte, la participación de
los visitantes en su producción y realización material, lo efímero y la desacralización del objeto artístico.
Grapefruit ( Pomelo) de Yoko Ono es uno de los
monumentos del arte conceptual de principios de
los años sesenta.
Tiene una dimensión lírica y poética que la
distingue de los otros artistas conceptuales.
Pero según críticos como David Bourdon, “como
Yoko era mujer y japonesa, solo se hizo aceptable
cuando artistas hombres blancos como Kosuth y
Weiner llegaron e hicieron prácticamente lo
mismo que Yoko y lo hicieron respetable y
coleccionable”.

The second edition was published in

1970
Edición de 1970 con presentación de John Lennon

Imagina que no hay cielo/ es fácil si lo intentas./sin infierno bajo nosotros/ encima de nosotros solo el
cielo// Imagina que todo el mundo/ viviendo el día a día.../ Imagina que no hay países/ no es difícil
hacerlo/ Nada por lo que matar o morir...
John Lennon – Imagine, 1971

https://www.youtube.com/watch?v=606zcdbjGFE
 La Vallisoletana Dora García es una de las artistas conceptuales
Dora García españolas con mayor reconocimiento internacional
En su práctica artística, utiliza el espacio expositivo para investigar
la relación entre espectador, espacio y obra, muchas veces a
través de la performance y la interactividad con el público
En su obra conceptual, Dora Garcia utiliza fotografía, instalación,
dibujo, video, sonido y la web para experimentar los límites entre
realidad y ficción.
El trabajo de Dora García se caracteriza por la participación de los
espectadores, a quienes insta a adoptar una postura con relación
a cuestiones éticamente controvertidas, exigiéndoles que se
comprometan a examinar más detalladamente estos temas y a
reflexionar sobre la naturaleza institucional del entorno en el que
se lleva a cabo su encuentro con las obras de arte.
Marginalidad es un tema central, a través de la creación de
situaciones o contextos que perturban o inquietan al espectador.
La realidad se presenta como múltiple y la verdad se convierte en
un punto debatible en cada uno de sus puestas en escena.

18/03/13
 Su trabajo además de
artístico es en muchos
casos una investigación,
de las relaciones
humanas, de las
reacciones del público,
del mundo del arte, ...
Una reflexión sobre la
desmaterialización del
objeto artístico. Emplea
nuevas tecnologías, vídeo,
internet y en varios de
sus trabajos cuenta con la
colaboración de actores
profesionales. Ha sido la
representante de España
en el pabellón de la Bienal
de Venecia 2011, el título
de su intervención: Lo
inadecuado.
Lo inadecuado Pabellón español de la Bienal de Venecia, 2011.
18/03/13
Dora García - ART POST CONCEPTUAL
100 obras de arte imposibles, 2001 100 obras de arte imposibles de Dora
García, se presenta como una serie de
textos en vinilo colocados sobre el muro
expositivo. Una instalación que indaga
sobre la concepción misma del objeto
artístico y su materialización en el
terreno de la exposición. Presencia y
ausencia, realidad y ficción, se funden
en una pieza conceptualmente
compleja, que invita a reflexionar en
torno a la forma en que se produce la
comunicación entre autor y público en
la creación artística.
https://www.arteinformado.com/galeria/dora-garcia/100-
obras-de-arte-imposibles-25023
 ESTHER FERRER
Desde el inicio de su carrera a finales de los años sesenta, Esther
Ferrer (Donostia-San Sebastián, 1937) desarrolla sus líneas de
pensamiento a través de una gran variedad de formas y
materiales y se convierte en una de las artistas pioneras de la
performance, género que ella define como “el arte que combina
el tiempo y el espacio con la presencia de un público que no es
mero espectador, sino que si lo desea, puede participar en la
acción”.
En 1967 la artista empieza a participar en las actividades del
grupo Zaj con Walter Marchetti, Ramón Barce y Juan Hidalgo,
haciendo desde entonces del arte de acción su principal medio
de expresión.
A partir de 1970, paralelamente a sus colaboraciones con Zaj,
retoma la realización de obras plásticas a través de fotografías
intervenidas, instalaciones, cuadros y dibujos, basados en la serie
de números primos, objetos o piezas sonoras. Su obra se inscribe
en la corriente de arte minimalista y conceptual iniciada en la
década de 1960, y toma de referencia a creadores como
Stéphane Mallarmé, Georges Perec y John Cage, así como a los
18/03/13 feminismos de aquel momento
18/03/13
18/03/13
18/03/13
 CONCHA JEREZ

2017

18/03/13
Nacida en Las Palmas de Gran Canaria en
1941 y afincada en Madrid, Concha Jerez
es una creadora que se expresa a través de
obra visual, sonora o performance. No elige
al azar los materiales que emplea; todos
tienen su razón de ser en función del
concepto que quiere expresar, ya sea
memoria, espacio, ambigüedad, tiempo,
paisaje o interferencia.
La artista “despliega múltiples registros
formales, estéticos y técnicos, como la
imagen en movimiento, el texto impreso y
el trazo, la palabra, el sonido y el silencio, el
espacio, la acción y la performance, la
imagen fotográfica, la instalación, el objeto,
así como trabajos para la red y obras
radiofónicas en colaboración con Pepe Iges
 SERIE:
LA AUTOCENSURA
“Textos
autocensurados”
(1976)
Un diálogo con el
espacio
arquitectónico
interior, para el cual
la autora se sirvió
de papeles blancos
opacos sobre los
que realizó
manualmente
“textos ilegibles
autocensurados”
que reflexionaban
sobre la idea de
Autocensura
durante el
franquismo
18/03/13
 Esta Instalación fue realizada por la autora en la
Galería Ovidio de Madrid (1978), donde se
planteaba como una PROPUESTA SOBRE LA
SIGNIFICACIÓN DEL ESTILO, centrándose en una
reflexión y posicionamiento de la autora en la
revisión del tema del ESTILO en el/la artista.
La Instalación, que apoyaba la tesis defendida por la
autora, se desarrollaba a través de un conjunto de
obras cuyo tema era el mismo en todas ellas. Este
tema era la recuperación estética de doce páginas de
arte de la prensa diaria pertenecientes a siete
periódicos.
Las doce páginas eran recuperadas de formas
distintas, una vez extraídas previamente de su
contexto original: el periódico. Se iba desde el análisis
estructural de las hojas basado en diversos
conceptos, hasta su tratamiento como objetos que
eran interrelacionados con otros de usos varios. En
muchos casos se utilizaba la fotocopia reducida como
herramienta base.

18/03/13
(Música para la memoria de un encuentro,
1984 – 86) Un atril sobre el que se sitúa
un Libro de Artista realizado
con cartulina Canson negra
y encuadernado también en
negro. En las páginas
interiores hay cuarenta
palabras ambiguas, escritas
en castellano con rotulador
plateado.
Un cristal transparente de
(1.53×0.50)m y 0.5cm de
grosor (medidas
autobiográficas).
Sobre él aparecen escritas
algunas fechas, también
autobiográficas,
relacionadas con el tema de
la obra, unidas por signos de
flechas, realizados ambos
con rotulador permanente
18/03/13
plateado.
18/03/13
 QUE NOS ROBAN LA MEMORIA (2002 – 2007)

18/03/13
ELENA DEL RIVERO

18/03/13
18/03/13
18/03/13
Lara Almarcegui

Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) es una

artista española residente en Róterdam,
Holanda que realiza intervenciones e
instalaciones artísticas, reconocida por sus
series de demoliciones, autoconstrucciones y
descampados.

“Los objetos apenas me interesan, lo que me

obsesiona son los lugares y mi relación activa
con ellos; me parece aterrador el modo en
que nos han enseñado el arte: producir
objetos en el taller que viajan en camión a la
sala de exposiciones, donde se exhiben.”​
 Lara Almarcegui, Bienal
Venecia 2013

En 2013 representó España en la Bienal de Venecia, llenando el Pabellón Español con varias
montañas de diferentes materiales de construcción; "los mismos y de igual cantidad que los
empleados para erigir el propio edificio en el siglo pasado",​ para que el visitante se enfrentara a
la "deconstrucción" del edificio.
18/03/13
Lara Almarcegui, Pabellón de España, Bienal de Venecia, 2013
 Louise Bourgeois fue una artista y escultora
francesa nacionalizada estadounidense. Conocida por
sus esculturas de arañas, que le valió el apodo de
"Mujer Araña", es una de las artistas más importantes
del arte contemporáneo.3​ Su escultura arácnida más
grande se titula Maman, con una altura de más de 9,27
metros. - Guggenheim Bilbao​ -
Louise Bourgeois no fue reconocida hasta mediados de
los 90 cuando el museo de Nueva York MoMA le dedicó
una exposición.
Su fama no le llegó hasta los 71 años.
En cualquier caso, Louise pudo disfrutar de esa fama.
Vivió hasta la avanzada edad de 98 años.
Su trabajo inclasificable. parte de una interpretación
Reconocida como fundadora del Arte Confesional,​ sus
tardía del surrealismo con abundantes elementos
trabajos hacen referencia a la figura humana, y sus
sicoanalíticos, pero también se ha aproximado
fragmentos, expresando temas como la traición, la
colateralmente a movimientos como el conceptual , el
ansiedad y la soledad. Su trabajo era puramente
feminismo y el Bpdy Art
autobiográfico y estaba inspirado en su trauma de la
infancia causado por el descubrimiento del amorío entre
su padre y18/03/13
su niñera
 Red Room (Parents), 1994 (detail)
Wood, metal, rubber, fabric,
marble, glass and mirror
247.7 x 426.7 x 424.2 cm
Private Collection

18/03/13
 ¿Una escultura en
forma de araña
dedicada a su madre?
La madre de la artista
era tejedora y, según
explica la propia
Louise, la araña teje la
tela tanto para
proteger a sus hijos
como para cazar.
La artista juega con
ese doble juego de las
madres: protectoras
pero letales.

18/03/13
 Louise
Bourgeois, in
1975, wearing
her latex
sculpture Avenz
a (1968–1969)
which became
part
of Confrontatio
n (1978)

18/03/13
Cell (Eyes and Mirrors) 2006
 Cell (Choisy), 1990-93
Marble, metal and glass
306.1 x 170.2 x 241.3 cm
Collection Glenstone

Spider, 1997
Steel, tapestry, wood, glass, fabric, rubber, silver, gold
and bone
449.6 x 665.5 x 518.2 cm
Collection The Easton Foundation
18/03/13
Land Art / Póvera / Conceptual /
Intervenciones en la naturaleza
Eva Lootz
Fina Miralles
Irene Grau
Fina Miralles –
arte y naturaleza - performance

FINA MIRALLES - Relación entre el cuerpo y los elementos

naturales. El cuerpo cubierto de paja [Documentación de la
acción realizada en enero de 1975 en Sabadell, España])
FINA MIRALLES

18/03/13
Fina Miralles, la dona arbre
EVA
LOOTZ

18/03/13
'La mano de Linneo' (1996). Eva Lootz
EVA LOOTZ

18/03/13
18/03/13
IRENE GRAU – (Pintar y caminar.
Intervenciones pictóricas en la naturaleza)

18/03/13
18/03/13
18/03/13
PERFORMANCE / BODY ART
Yoko Ono
Charlotte Moorman
Gina Pane
Valie Export
Marina Abramovic
Rebecca Horn
Ana Medieta
Angels Ribé
Esther Ferrer
Concha Jerez

18/03/13
 Shigeko Kubota, Vagina Painting, 1965

En el festival de fluxus perpetuo (Nueva

York, 1965), Kubota pintó, literalmente
con el coño, un cuadro rojo ‘a lo Pollock’.
Fluxus, y especialmente el feminismo, denunciaban la
continuidad de la mentalidad patriarcal burguesa en el
culto a la voluntad individual, la expresión subjetiva, la
decisión viril y emancipada, y, sobre todo, la autoría del
individuo excepcional.
 El carácter ‘patrimonial’ de la “eyaculación pictórica” de Pollock* se contesta con esta pintura’ menstrual’ que
apuesta por ‘pintar con el coño’, por liberar la práctica artística no sólo de los requisitos académicos y artesanales,
sino de las servidumbres institucionales e intelectuales del estatuto profesional.
 Itziar Okariz

ITZIAR OKARIZ El trabajo de esta artista española se plasma a través de la performance, el vídeo y la
fotografía. Destaca la osadía de llevar a cabo su “Mear en espacios públicos” o privados desde 2000, -
emulando la costumbre de los machos de algunas especies cuando “marcan el territorio”- además la artista
rompe el tabú de orinar en distintos espacios sin tapujos ni vergüenzas.
 Yoko Ono - Cut Piece, 1965

En esta performance la artista se convierte en

objeto artístico y es el espectador el que
contribuye como artista a moldear a la
"artista/objeto".

Existe un intercambio de papeles y de

personajes, una fluctuación de personalidades
en la que el objetivo es descubrir el cuerpo de la
artista y convertirlo en objeto de arte, tal y como
se había estado haciendo con las mujeres
anónimas a lo largo de la Historia del Arte al
representarlas en los cuadros como modelos o
musas.

https://www.youtube.com/watch?v=Zfe2qhI5Ix4
“Los espectadores fueron recortando las partes
de mí que no les gustaban. Al final sólo
quedaba yo, firme como una piedra, pero ni
siquiera eso les satisfacía: querían saber qué
había en esa piedra"

Yoko Ono, comentario de la artista, 1971.

Yoko Ono: Cut Piece, 1965

"Ritmo 0" (1973-1979) de Marina Abramovic “Ritmo 0” una acción de "body art" en contra de la
dictadura del General Tito en la antigua Yugoslavia.
Marina Abramovic se convirtió en una escultura
viviente pasiva durante 6 horas. Colocó en una mesa 72
objetos de dolor y placer como cuchillos, plumas,
tijeras, látigos, una pistola y una bala por separado.
Durante ese período el público asistente podía
manipular su cuerpo como quisieras: acariciándola,
cortándola e incluso matándola si alguien se prestaba.
En un principio la gente era tímida pero poco a poco, al
ver la impasibilidad de la artista, se volvía más agresiva.
Alguien cogió un revolver…
 • Empieza con la actividad artística en la
década de los 70. se ve influenciada por
GINA PANE el conflicto árabe-israelí y el final de la
guerra de Vietnam y la revuelta de
Mayo del 68
Gina Pane expone su cuerpo a duras pruebas. Sus
acciones están cargadas de un alto contenido
agresivo y simbólico. La sangre toma gran
importancia en muchas de sus obras.
Acción sentimental, 1974
 Carolee Schneemann (1939) es considerada una
de las pioneras del performance a nivel mundial.
Sus obras, que abordan los roles de género, la
sexualidad y el uso del cuerpo femenino en el
arte, mantienen no sólo relevancia, sino que han
ejercido una tremenda influencia en
generaciones posteriores de artistas.
Muchas de las obras y textos de Schneemann se
centran en el análisis crítico de los
comportamientos social e histórico de la mujer y
exploran el erotismo y el placer sexual desde una
perspectiva femenina no sexista

Carolee Schneemann, Eye Body: 36 Transformative Actions for

Camera, 1963.
Site, 1964 - Robert Morris + Carole Scheneemann
 Su obra más conocida es la pieza pionera del “teatro cinético” Meat Joy (1964), una celebración opulenta
y extática de la sexualidad, la música pop y la carne.

Meat Joy Carolee Schneemann, 1964

https://www.youtube.com/watch?v=s4i4hLtqLOs&oref=https%3A%2F%2Fwww.youtube.com%2Fwatch%3Fv%3Ds4i4hLtqLOs&ha
s_verified=1
Su película sexualmente explícita Fuses (1965) la retrata junto a su compañero, el compositor y teórico de la música James
Tenney, practicando sexo para revelar una intimidad mutua y subvertir estereotipos de la pornografía, a través de un
montaje muy pictorialista que pretende frustrar el exhibicionismo falocrático.

https://vimeo.com/12606342 FUSES
https://www.youtube.com/watch?v=TB-OMgol-YE 6’
 Una crítica a la pintura de los
expresionistas abstractos,
desarrollóUp to and Including Her
Limits (1973-1977), una instalación
performática que pone de relieve el
cuerpo de la artista incluso como
marca artística.

Carolee Schneemann, Up to and Including Her

Limits, (Hasta incluyendo sus límites, 1971-1976)
Carolee Schneemann, Up to and Including Her Limits, 1971-1976.
En 1975 la artista Carolee Schneemann (1939) llevó a varios espacios de la costa este de los EE UU el espectáculo
Interior Scroll (El manuscrito interior). Después de unos minutos dedicados a pintar mensajes y formas sobre su
cuerpo desnudo, en un ejercicio de action painting muy acorde con los tiempos, y adoptar poses que
ridiculizaban a las habituales de las modelos de arte, la performance daba un giro que ni siquiera los más
liberales aceptaron de buen grado: la artista extraía de su vagina un largo manuscrito enrrollado, lo desplegaba y
leía —era un texto propio titulado Cézanne, She Was a Great Painter (Cézanne, Ella era una gran pintora)—.
Interior Scroll (1975/1977), uno de sus trabajos más reconocidos, postula el cuerpo de la artista como fuente de conocimiento
“interior”: centímetro por centímetro, saca un rollo de papel de su vagina y lee un monólogo (verbalizando los pensamientos
su propia vagina) que desacredita el comportamiento sexista
Es una artista austriaca, su trabajo Valie Export
incluye video-instalaciones,
performances cuerpo, cine expandido,
animaciones por ordenador, fotografía,
escultura y publicaciones de arte
contemporáneo.
Educada en un convento hasta la edad
de 14 años, Valie Export estudió
pintura, dibujo y diseño en la Escuela
Nacional de la Industria Textil en Viena,
y trabajó brevemente en la industria
cinematográfica
Su obra en vídeos, performance, fotografía, escultura y animación por ordenador se centra en mostrar,
principalmente, la visión distorsionada de la función social de las mujeres en los medios de comunicación
•Creó una marca de tabaco con su
propio nombre
•SMART EXPORT
Aus der Mappe der Hundigkeit - Subjekt F
1968/2005

En El archivo de la condición canina (1968), Export camina por una zona comercial del centro
de Viena llevando a Peter Weibel como si fuera un perro cogido de una correa
Touch Cinema - Valie Export
https://www.youtube.com/watch?v=rfcNYGrdx
fc
Action Pants Genital Panic VALIE EXPORT, 1968
 TV CELLO – acción fluxus
Nam June Paik / Charlotte Moorman
1971 / 1976

https://www.youtube.com/watch?v=-9lnbIGHzUM
Annea Lockwood, Piano Burning, 1968
 La cubana Ana Mendieta, propone acciones en las cuales está implicado el cuerpo completo, a veces incluso violentado,
ahogado, fundido y confundido con la naturaleza. Muchas de sus acciones se inspiran en rituales afrocaribeños.
Es una de las mujeres que representa la esencia de un arte que, en pleno minimalismo, propone soluciones diferentes y una de
las primeras artistas latinoamericanas con visibilidad en el mundo del arte neoyorquino.
 En Untitled (Rape Scene), donde ella
aparece atada sobre una mesa de su
apartamento ensangrentada y con las
bragas bajadas.
Previamente había invitado a la gente a una
fiesta en su casa
“Aquí Mendieta utiliza la sangre y utiliza su
cuerpo, pero lo que está denunciando es
una violación en el campus de la
Universidad de Iowa [donde ella también
estudiaba].

Ana Mendieta: 'Untitled (Rape Scene)', 1973

En Untitled (Facial Hair Transplants) 1972; en ella, utilizó vello púbico para hacer una crítica
feminista: ¿sí tengo vello facial, como un hombre, tendré control y autoridad como él?.
Ana Mendieta - Silueta works in Iowa and Oaxaca Mexico, 1976-1978 - Árbol de la Vida, 1976
Uno de sus primeros grandes trabajos fue su serie
titulada Silueta (1976-1978); donde realizó siluetas para
establecer un diálogo con la tierra. En ese momento,
el Land art, body art ybperformance eran géneros
emergentes, y Mendieta se nutrió de las nuevas
propuestas para complementarlas entre ellas.
Su cuerpo desnudo se volvió parte de la obra que la
llevaría a conectarse con la Tierra. La serie recolectaba
una serie de siluetas femeninas impresas en la
naturaleza; tanto en arena, barro o hierba y definidas
con materiales naturales que iban desde flores secas y
piedras hasta sangre; primero momento que utilizaría el
fluido vital.
Ana Mendieta: Untitled (Blood and Feathers), 1974
 El trabajo de marina Abramovic explora los
límites físicos y sicológicos del cuerpo, A TRAVÉS DEL
DOLOR, LA FATIGA Y EL PASO DEL TIEMPO…
Para Marina Abramovic la performance es un acto casi chamánico, un acto
donde la enorme cantidad de energía vital liberada puede curar las heridas
del alma… pero también poner en riesgo su vida… También en su caso el
arte se funde con la vida… (elementos autobiográficos en sus
performances)

Trabajó durante años con SU PAREJA ulay La Serie:

“relación en el tiempo”” que explora los límites entres
sus afectos y su trabajo como pareja artística

The Lips of Thomas, 1975 - 2005

The Lips of Thomas – (2 horas) Innsbruck, 1975 / Nueva YorkCrítica
2005 contra la dictadura
comunista en Yugoslavia
Como lentamente 1 kilo de miel con una cuchara plateada. –
Años de la Guerra Fría –
Bebo lentamente 1 litro de vino tinto de un vaso cristal.
Represión de los
Rompo el vaso con mi mano derecha. intelectuales

Corto una estrella de cinco puntas en mi vientre con una navaja de

afeitar.
Violentamente me doy latigazos a mí misma hasta que ya no siento
más dolor.
Me tumbo encima de una cruz de hielo.
El calor de una estufa hacia mi vientre hace que la estrella empiece a
sangrar.
El resto de mi cuerpo empieza a congelarse.
Me quedo encima de la cruz de hielo hasta que el público
interrumpe la pieza y empieza a llevarse el hielo.
Las primeras performances de Marina Abramovic están llenas de paradojas, basculan entre el barroquismo
(Lips of Thomas, 1975) y las citas a la religión y la historia del arte; y el minimalismo, la precariedad y la
extrema sencillez, convirtiendo actos cotidianos en rituales de resistencia física y sicológica, (Art must be
beautiful, 1975) En ellas se deslizan significados de orden político; pero también autobiográficos. (
Auto-exiliada de Yugoslavia)
Conceptos como la repetición rítmica de una misma acción, el silencio, y la dilatación del tiempo de sus
acciones hasta situarlas entre lo aburrido, lo insoportable o lo emocionante siguen todavía presentes en su
trabajo.
“a veces lo más difícil es hacer algo cercano a no hacer nada”

https://www.youtube.com/watch?v=7kXnrVDxtyc Art Must be Beautiful, 1975

 https://www.youtube.com/watch?v=7kXnrVDxtyc

Art must be Beautiful; Artist must be Beautiful

(El arte tiene que ser bello / la artista tiene que ser bella) 1975
 En 1976 conoce al artista alemán Ulay. Instantáneamente
se enamoran comenzando una relación simbiótica de
colaboración que los llevará por diferentes desafíos
durante doce años en los que exploran
performativamente los límites físicos, sicológicos y
afectivos entre su trabajo artístico y su vida en pareja…

Imponderabilia, 1977
 Relation Works (1976 – 1988)

a Abramovic & Ulay

https://www.youtube.com/watch?v=TTV9kBcmQGE (Archivo)
 http://www.youtube.com/watch?v=1sRSoGAc3H0
Relation in Time - 16 horas - 1977
https://www.youtube.com/watch?v=RGfbSQ7WseM
AAA-AAA 1978

https://www.youtube.com/watch?v=oKuDsFuV2lA
Light / Dark – (luz/ oscuridad) 1977
http://www.youtube.com/watch?v=rWixdA2xTSs
Breathing In / Breathing Out (respirando / exhalando) - 19 minutos - 1978

https://www.youtube.com/watch?v=QcaaVZrUC44 Rest Energy ( energía en reposo)

1980
Marina Abramović & Ulay: The Lovers - China – 1988 – Tres meses
Marina Abramović y Ulay tuvieron una apasionada relación artística y sentimental en la década de los 70's. Cuando la
relación se deterioró y sintieron que el amor se extinguía, hicieron un pacto: recorrerían la Muralla China cada cual
desde un extremo (2500 KM) para encontrarse en el centro, darse un fuerte abrazo y separarse para siempre…

http://www.youtube.com/watch?v=O6dF8Gjm-X8
Balkan Baroque
1997
El momento culminante de su arte anti-bélico
fue Balkan Baroque,
presentada para la Bienal de Venecia en 1997 en
plena Guerra de los Balcanes

En un subterráneo se dispuso una enorme pila de

huesos. 500 huesos limpios abajo y 1000 huesos
sangrientos arriba.
Por 4 días, (7 horas cada día), Abramovic se sentó
encima de esta pila y limpió los huesos llenos de
gusanos. A su vez, cantaba canciones folclóricas
balcánicas y proyectaba en las paredes imágenes de
su padre como héroe de guerra…
Arte como modo de espiar las culpas y curar las
heridas
 The House with the Ocean View, Sean Kelly Gallery, New York, 2002

Por 12 días Marina vivió en su propia instalación que constaba de tres unidades; una para
dormir, otra para sentarse y un baño. La única salida eran tres escaleras que en vez de peldaños
tenían navajas.

https://vimeo.com/72468884
Un reto de resistencia física y sicológica (720 horas) que explora la relación del artista con la audiencia y la
incomunicación entre los individuos.
Marina asume las contradicciones de ser un “mito viviente” de la historia de la performance y la dificultad de
mantener la energía y la intensidad emocional…

Marina Abramovic: The Artist is present , 2010. MoMA. Nueva York. 3 Meses - 8 horas al día (1 sólo minuto
con cada persona - inmóvil y en silencio)
http://www.youtube.com/watch?v=Mz7UWniYp6E
The Artist is present
A lo largo de tres meses, Abramović permaneció sentada en el hall del museo
neoyorkino durante más de 700 horas (durante el horario de apertura del museo
y de forma ininterrumpida), permitiendo que, por turnos, – y sólo durante un minuto-
más de 1800 personas se sentasen frente a ella en silencio, separados por una mesa de madera, compartiendo la
imperturbable presencia de la artista
Marina promete prestar la máxima atención durante un minuto a cada participante. Luego, cierra los ojos y espera al
siguiente.

Ella no podía tocar, ni hablar con nadie, ni nadie podía tocarla ni hablarla…

http://www.youtube.com/watch?v=traUaknfR5o
Marina Abramovic - The Artist is Present
MoMA – Nueva York - 2010
3 Meses - 8 horas al día
ANGELS RIBÉ (Premio nacional de artes plásticas 2019)
Àngels Ribé (Barcelona, 1943),
considerada una artista conceptual,
inició su producción a finales de los años
sesenta con acciones, instalaciones y
performances con la luz y la sombra, el
cuerpo y el espacio como
protagonistas.Pionera de las prácticas
conceptuales de los años setenta
"Su cuerpo es el principal articulador de
acciones extremadamente meditadas en
las que los elementos y procesos de la
naturaleza adquieren un papel central",
18/03/13
 Àngels Ribé "3 punts 2", 1972

18/03/13
La cuestión del espacio está
estrechamente relacionada con la
incorporación de la geometría en muchas
de las obras de Ribé. Ya sea en el ámbito
de la fotografía, de la instalación, del film
o de la performance, la relación con el
espacio se establece fundamentalmente a
través del propio cuerpo de la artista. En
los distintos trabajos titulados 3
punts (realizados entre 1970 y 1973), o en
el film Triangle (1978), las formas
geométricas se crean mediante el cuerpo
o el movimiento, de la misma manera que
el cuerpo podía transportar la luz en la
acción Transport d'un raig de llum (1972).
En el caso de Invisible Geometry 3 (1973),
la simetría resulta del desplazamiento de
la mirada hacia la izquierda y la derecha,
de modo que este movimiento crea un
tipo de escultura geométrica.
18/03/13
18/03/13
ARTE Y ACTIVISMO
POST CONCEPTUAL (Estados Unidos)
Jenny Holzer
Barbara Kruger
Guerrilla Girls

18/03/13
JENNY HOLZER
JENNY HOLZER
Jenny Holzer es una artista conceptual estadounidense. Holzer fue originalmente artista
abstracta, pero después de trasladarse a Nueva York, comenzó a trabajar con textos. Estos han
aparecido en camisetas, carteles, bancos de mármol incluso en envolturas de condones, sus
palabras han sido proyectadas en edificios de gobiernos y corporativos de todo el mundo.
Utilizando la retórica de los sistemas de información con el fin de hacer frente a las Injusticias.

Desde hace más de treinta años, Jenny Holzer ha presentado sus ideas, argumentos y penas en
lugares públicos y exposiciones internacionales como el 7 World Trade Center, el Reichstag, la
Bienal de Venecia, el Museo Guggenheim de Nueva York y Bilbao o el Whitney Museum of
American Art.
Jenny Holzer se dio a conocer dentro del arte norteamericano en la década de los ochenta.1​ Es
durante sus estudios de máster en 1975 cuando comienza a interesarse principalmente por el
lenguaje, la instalación y el arte público, tomando desde el principio el espacio urbano como
marco para sus proyectos. En su búsqueda de modos más directos para llegar con su mensaje
artístico al público general, comienza a utilizar medios de comunicación no tradicionalmente
artísticos, desde carteles y pancartas en la vía pública, hasta anuncios electrónicos y spots
televisivos. Finalmente, adoptará los letreros electrónicos por lo que es conocida hoy: esculturas
de señales electrónicas led2​ que reproducen sus mensajes o textos en un constante bucle.
Durante los últimos años ha desarrollado principalmente proyectos a gran escala para lugares
públicos, con proyecciones de luz que iluminan igualmente fachadas en entornos urbanos, como
ríos o montañas
Jenny Holzer temporary tattoos
18/03/13
BARBARA KRUGER
 Barbara Kruger es una artista conceptual estadounidense. Es conocida principalmente por su obra basada en la
fotografía, que combina su formación como diseñadora gráfica con su interés por la poesía y la influencia de los
medios de comunicación de masas.
El trabajo artístico que hoy conocemos de Barbara Kruger se vio muy influenciado por sus experiencias creativas en
el campo del diseño. La artista interpreta y trabaja sobre documentos fotográficos ya existentes con textos sucintos
y agresivos que envuelven al espectador en la lucha de valores cotidianos predeterminados por el ámbito socio-
cultural.
Gran parte de su trabajo consiste en fotografías en blanco y negro cubiertas de un pie de foto declarativo, de letras
blancas sobre rojo con tipografía Futura Bold Oblique. Las frases en sus obras a menudo incluyen el uso de
pronombres en inglés como "you", "your", "I", "we", y "they“
Además de aparecer en museos y en galerías de todo el mundo, el trabajo de Kruger apareció en vallas
publicitarias, posters, parques estaciones de trenes y en otros lugares públicos. De esta forma la artista explora las
relaciones entre espacio y violencia, lo cual significa romper el silencio a través de mensajes que “ocupan ritmos
subterráneos que ya organizan esos espacios”.Kruger plantea preguntas sobre aquello que nunca se discute. De
esta manera consigue utilizar el espacio y cambiarlo a mensaje, y reintroduce la pluralidad dentro del espacio
social.
.
La artista con su obra intenta ir en contra de prototipos y
determinadas representaciones para acoger a un público
femenino dentro del mundo patriarcal, como también lo es el
mundo del arte. Pretende hacer pensar en quiénes guían la
imagen femenina, los placeres de las mujeres, sus carencias y
sus relatos. Barbara Kruger se posiciona del lado de lo que no
se ve, de aquello que está excluido por lo evidente y afirma
“pretendo alterar las austeras certezas de las imágenes, la
propiedad y el poder”. De todas formas, el arte de esta artista
marcó las distancias con el movimiento feminista de los ´70 y
de los sucesos que en esos años dieron visibilidad al trabajo de
mujeres artistas. En los 80 el trabajo de Kruger se sometió a un
profundo cambio respecto a los movimientos feministas. En la
generación creadora de Kruger el género se empieza a
entender como una “construcción producida a través de la
representación” ​ más que como una condición natural.
Desde 1985 y hasta la actualidad un grupo de mujeres artistas que se hacen llamar GUERRILLA GIRLS,
bajo el completo anonimato se han dedicado a quejarse. Su misión, exponer las injusticias y
desigualdades que existen en el mundo del arte, cine y la cultura popular.
Se esconden tras máscaras de gorilas que, en definitiva, les permite mantener el foco en los
problemas. Más de 40 mujeres han formado parte del colectivo, algunas unas semanas, otras por
décadasSon feministas y creen en la igualdad de oportunidades para todos. Evocan un mensaje claro y
conciso a través de hechos, estadísticas y datos reales sobre temas que se ignoran constantemente
utilizando siempre el humor y el ingenio.
Leire Oikotz – ( Remake)
A través de grandes proyecciones, vallas, pegatinas y actividades de calle hacen llegar su mensaje
al colectivo. Sus intervenciones también incluyen visitas a museos y ferias de arte enfrentándose
directamente a los responsables de cada uno de estos centros.

Hasta la fecha han realizado más de 100 proyectos en todo el mundo, incluyendo Bilbao, Nueva
York, Londres y Shanghai por nombrar algunos.
https://www.youtube.com/watch?v=cFUVCX0053M
Conociendo a Guerrilla Girls

http://www.rtve.es/alacarta/videos/metropolis
/metropolis-guerrilla-girls/3057518/
Expo Madrid