HISTORIA DEL ARTE II

ARTES PLÁSTICAS Y VISUALES

UNIVERSIDAD DEL TOLIMA

BARROCO
(h. 1600 - 1750)
Dr. Albeiro Arias

Por Albeiro Arias

Doctor en Artes con Mención en Artes Visuales
Pontificia Universidad Católica de Chile
 BARROCO
(h. 1600 - 1750)
Movimiento cultural y artístico que se desarrolló en Europa y sus colonias
americanas entre finales del siglo XVI y principios del XVIII.

Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por

fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como
marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los
parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos
del capitalismo.
 Tensiones políticas y religiosas : Reforma, contrarreforma.

• Arte como propagandista de la monarquía y de la iglesia.

• Dos barrocos: Católico y protestante.

Inicios de la Reforma protestante

En el siglo XVI se produjo una gran crisis en la Iglesia católica, en Europa Occidental debido a numerosas acusaciones
de corrupción eclesiástica y falta de piedad religiosa. Fue la venta de indulgencias para financiar la construcción de la
Basílica de San Pedro en Roma, lo que dio inicio a la Reforma protestante, la cual provocaría finalmente que la
cristiandad occidental se dividiese en dos, una liderada por la Iglesia católica, que tras el Concilio de Trento se
reivindicó a sí misma como la verdadera heredera de la cristiandad occidental, expulsando cualquier disidencia y
sujetándose a la jurisdicción del papa, y otra mitad que fundó varias comunidades eclesiales propias, generalmente de
carácter nacional para, en su mayoría, rechazar la herencia cristiana medieval y buscar la restauración de un
cristianismo primitivo idealizado. Esto dio lugar a que Europa quedara dividida entre una serie de países que
reconocían al papa, como máximo pontífice de la Iglesia católica, y los países que rechazaban la teología católica y la
autoridad de Roma y que recibieron el nombre común de protestantes. Dicha división provocó una serie de guerras
religiosas en Europa.
Es dudoso el origen de la palabra barroco.

Algunas teorías hacen derivar el término de la palabra portuguesa barocco o Barrucco

(que en castellano sería barrueco) referida a una perla de forma irregular. Esta es la
opinión más extendida, pero también se ha dicho que puede proceder del dialecto
florentino en su voz barochio, con el significado de engaño.
El término «barroco» tuvo un sentido, hasta que fue posteriormente revalorizado a
finales del siglo XIX por Jacob Burckhardt y, en el XX, por Benedetto Croce y Eugeni
d'Ors.

Algunos historiadores dividen el Barroco en tres períodos:

«Barroco primitivo» (1580-1630).

«Barroco maduro» o «pleno» (1630-1680).

«Barroco tardío» (1680-1750). peyorativo, con el significado de recargado, engañoso,

caprichoso
 Heinrich Wölfflin
(Winterthur, Suiza; 21 de junio de 1864-Zúrich, 19 de julio de 1945)
Crítico de arte suizo, profesor en Basilea, Berlín y Múnich, considerado como
uno de los mejores historiadores de arte de toda Europa.
Método formalista (leyes dentro de la obra)
Estudia las obras desde un punto de vista formal y consagra el concepto de estilo, es decir, del
conjunto de rasgos propios de las manifestaciones artísticas de un período determinado.

 ¿Por qué lo cambios de estilo?

 Estudio de la forma, de las características visuales.
 Evolución interna de las formas.
 Formula leyes universales.
 Supervivencia artística.
 En al arte hay ciclos que se repiten.
 Desarrollo de las formas visuales es independiente de la biografía del autor y de la historia de la
cultura.
 Las formas se cansan y mutan.
 La forma explica el contexto y no viceversa.
El estilo posee tres vertientes:

1. Componente individual (estilo personal)

2. Componente nacional –geográfico (escuela)
3. Componente de época (periodo histórico)
Características del Barroco
La luz ya no se utiliza con el exclusivo propósito de esclarecer la
forma, sino que la rebasa, vela lo importante y destaca lo
secundario.

1627. Rembrandt. Parábola del hombre rico.

Sistema de análisis para entender el paso del Renacimiento al Barroco:

1. De lo lineal a lo pictórico

Lineal (Renacimiento): todas las líneas son específicas. Las fronteras están
definidas, cada figura está iluminada en forma pareja y resalta como escultura
(Renacimiento).

Pictórico (Barroco): las figuras se difuminan, la iluminación no es pareja, se ilumina

una parte y la otra se oscurece (Barroco).
DETALLE
Sandro Botticelli. El nacimiento
de Venus. (La Nascita di Venere).
1484. Temple sobre lienzo.
Renacimiento. 278,5 cm × 172,5
cm.Galería Uffizi, Florencia, Italia. Rembrandt
Self-Portrait with Two Circles (entre 1665 y
1669)
 RENACIMIENTO FRENTE A BARROCO
Durero Rembrandt
LINEAL PICTÓRICO
 Figuras perfiladas.  Elementos fusionados en un
 Cada objeto tiene límites conjunto
definidos. Cada elemento está  Claro-oscuro
aislado.  Contornos difuminados e
 Contornos. integrados
 Escultóricos  la “visión en masas” se sustrae
 Elementos iluminados de VS de los bordes para centrarse en
manera uniforme la primera impresión que
 La visión lineal separa las recibimos de los objetos como
formas “manchas”.
 “ofrece las cosas como son” la  “la apariencia de la realidad”
cosa y la representación son  Ilimitado
idénticas  Conjunción de cosas
 figura firme y precisa,  Figura en movimiento,
permanente. cambiante.
Rafael Sanzio. (1504-1505). Virgen con el Niño entronizados y
santos (Retablo Colonna, panel principal). Témpera y oro sobre
tabla. Renacimiento. 172,4 cm × 172,4 cm. Museo Metropolitano de
Arte, Nueva York, Estados Unidos.
Peter Paul Rubens - La Sagrada Familia
con San Francisco y Ana y el niño San
Juan Bautista. (1630). Óleo sobre lienzo.
176.5X208.6 cms.
Tan pronto como se despoja a la línea de su poder confinante, empiezan las posibilidades pictóricas.
En seguida parece que cada rincón empieza a animarse a impulsos de un movimiento misterioso.
Mientras la elocuencia enérgica del borde circundante hace indesplazable la forma y por así decir da
fijeza a la visión, es algo propio de la esencia de toda representación pictórica el dar carácter de
vaguedad a la visión: la forma comienza a jugar; luces y sombras llegan a constituir un elemento de por sí,
buscándose y enlazándose de un nivel a otro y de un fondo a otro; el conjunto cobra el aspecto de un
movimiento inagotable, sin fin. Es indiferente que el movimiento sea flameante y vivaz o sólo un temblor
suave y titilante: será inagotable siempre a la contemplación. Allá, líneas uniformes y claros que
se separan; acá, límites desvanecidos que favorecen la fusión.

Y con esto queda dicho que aquí lo decisivo no es lo particular, sino el conjunto, pues sólo en éste
puede obrarse aquella misteriosa transfusión de forma, luz y color, y es evidente que lo inobjetivo e
incorpóreo ha de tener aquí tanta importancia como lo corporal-objetivo.

…aquélla ofrece las cosas como son, y ésta como parecen ser.
Sistema de análisis para entender el paso del Renacimiento al Barroco:

2. Lo superficial (plano) a lo profundo.

Superficie: (Renacimiento): lo plano significa que los elementos están organizados en

base a planos paralelos al plano pictórico

Profundidad (Barroco): la composición está dominada por figuras situadas en ángulo.

Las figuras salen y le dan profundidad a los planos de atrás.
 RENACIMIENTO FRENTE A BARROCO
Durero Rembrandt

VISIÓN DE SUPERFICIE VISIÓN DE PROFUNDIDAD

 Elementos distribuidos en  Figuras situadas en ángulo en
planos paralelos al plano del relación al plano del cuadro y
cuadro que retroceden en
 Los objetos representados se profundidad.
disponen en planos o capas VS  Figuras se arrastran hacia atrás
desde el plano frontal
 la desvalorización del
contorno trae consigo la
desvalorización del plano, y la
vista organiza las cosas en el
sentido de anteriores y
posteriores.
En el momento en que se logra la representación de la profundidad sobre un plano- la
perspectiva- se da paradójicamente el caso en que el efecto de profundidad se logra mediante
planos superpuestos que van llevando al ojo hacia el fondo de la escena. En una
pintura del Cuatrocientos se distinguen los sucesivos planos que llevan hacia las partes
más alejadas. Esa yuxtaposición plana es la forma de mayor legibilidad, como ocurre con los
personajes de “Los Desposorios de la Virgen”, de Rafael, en el que los personajes se recortan
nítidamente en un primer plano.

Aquí, la línea de horizonte se ha elevado de tal modo que la arquitectura, al fondo, no sufre ninguna
interrupción. Todo lo contrario puede observarse en “El tránsito de la Virgen” de Caravaggio, en la que
los múltiples personajes se han agrupado de modo que la profundidad se va dando
gradualmente. Las figuras se entremezclan y la luz contribuye a crear esa sensación de
indeterminación de cada uno de los planos en que podría descomponerse la
escena; con esa vibración luminosa se provocan sutiles diferencias espaciales.
 La Muerte de la Virgen (en italiano, Morte Della Vergine)
Los Desposorios de la Virgen (en italiano, Lo sposalizio della
es una obra maestra del pintor italiano Caravaggio. Está
Vergine) es un cuadro del pintor renacentista italiano Rafael
realizado al óleo sobre lienzo, en el año 1606, y se conserva
Sanzio, que data de 1504. Es una pintura ejecutada con
actualmente en el Museo del Louvre de París, con el título
temple y óleo sobre tabla con unas dimensiones de 175
de La Mort de la Vierge. El carácter monumental de esta
centímetros de alto y 120 cm. de ancho. Se conserva en la
pintura y su concepción fueron determinantes en el
Pinacoteca de Brera de Milán, Italia. Esta tabla representa la
nacimiento de la escuela napolitana del Seicento.1 Se lo
transición del Prerrenacimiento al Alto Renacimiento.
considera el cuadro más profundamente religioso del
Seicento italiano.
Sistema de análisis para entender el paso del Renacimiento al Barroco:

3. De la forma cerrada y la forma abierta

Forma cerrada (Renacimiento): balance de las figuras dentro del marco. Estabilidad,
balance, arreglo simétrico.

Forma abierta (Barroco): las diagonales contrastan con las líneas horizontales y
verticales del marco. Espacio ilimitado, movimiento.
Por forma cerrada entendemos la representación que, con medios más o
menos tectónicos, hace de la imagen un producto limitado en sí mismo, que
en todas sus partes a sí mismo se refiere; y entendemos por estilo de forma
abierta, al contrario, el que constantemente alude a lo externo a él mismo
y tiende a la apariencia desprovista de límites, aunque, claro está, siempre
lleve en sí una tácita limitación que hace posible precisamente el carácter
de lo concluso en sentido estético.
 RENACIMIENTO
Durero
FORMA CERRADA (tectónica)
 Composición basada en líneas
horizontales y verticales.
 Marco delimita.
 Estabilidad y equilibrio.
 Simetría.
 Reposo y estática.
 “la representación que, con medios
más o menos tectónicos, hace de la
imagen un producto limitado en sí
mismo, que en todas sus partes a sí
mismo se refiere”.
 Las partes del cuadro se ordenan en
torno a un eje central simétricamente,
y en general, se procura un perfecto
equilibrio entre las dos mitades del
cuadro.
 El contenido se ordena en el plano
dentro del marco
FRENTE A BARROCO
Rembrandt
FORMA ABIERTA (atectónica)
 Formas diagonales contrastadas con
las verticales y horizontales del
marco.
 Las figuras no están autocontenidas
sino que están cortadas por el marco.
 Sensación de espacio ilimitado
 Dinámica.
 Movimiento.
VS  “constantemente alude a lo externo a
él mismo y tiende a la apariencia
desprovista de límites, aunque, claro
está, siempre lleve en sí una tácita
limitación…”
 El equilibrio es “inestable” y el
contenido no se deja limitar por el
marco.
Las formas abiertas se integran al fondo o al medio en que están inmersas. Son propias del período
Barroco y tienen cierta semejanza con las formas naturales. En la pintura de ese período, los contrastes
de luz, mediatinta y sombra han desaparecido, lo que contribuye a la integración que antes se
mencionaba. El espacio interpenetra las formas arquitectónicas y escultóricas, diluyendo los límites
entre interior y exterior. Las formas cerradas, por el contrario, son propias del Renacimiento, muestran
su contorno con absoluta claridad y se diferencian del fondo.

Se muestran como objetos independientes y también son conocidas como formas hápticas o táctiles, por
oposición a las formas cerradas que son consideradas formas ópticas o sensoriales por su relación con
la pintura veneciana de fines del Renacimiento. Los cambios producidos en el arte entre los períodos
considerados muestran, en cuanto a las formas que en ellos se producen, una evolución paulatina de la
forma cerrada a la forma abierta. El fenómeno tiene estrecha relación con las oposiciones señaladas en
los puntos anteriores, y los ejemplos que podrían citarse pueden ser exactamente los mismos.
Rafael Sanzio. La escuela de Atenas. 1510-1511. Pintura al fresco. Renacimiento. 500 cm ×
770 cm. Museos Vaticanos, Ciudad del Vaticano
Jacob van Ruisdael - Vista de Haarlem com branquearia, c. 1665-70.
Sistema de análisis para entender el paso del Renacimiento al Barroco:

4. De lo múltiple (pluralidad) a la unidad

Pluralidad (Renacimiento): La pintura renacentista está hecha de distintas partes,

cada una redondeada, rellenada con colores únicos y localizados.

Unidad (Barroco): las unidades no se pueden aislar. Los colores se mezclan, y su

apariencia depende de la luz.
 RENACIMIENTO FRENTE A BARROCO
Durero Rembrandt

MULTIPLICIDAD
 Armonía en las
unidades independientes
o autónomas.
 Luz única y/o
difuminada.
 Modelo escultural.
 “visión en detalle”
UNIDAD
 Concentración de partes
en un motivo.
VS  Color individual y local.
 Luz fuerte dirigida.
 Colores combinados.
 Luz unidireccional.
 El valor autónomo
queda más o menos
anulado por el conjunto.
 “visión en conjunto”
 El Descendimiento de la cruz es un cuadro del pintor neerlandés Rembrandt. Fue ejecutado en
Alberto Durero. Lamentación por Cristo, 1498, Museo 1633. Se trata de una pintura al óleo sobre tabla, que mide 89,4 centímetros de alto y 65,2 cm de
Nacional Germano, Núremberg. ancho. Se conserva en la Alte Pinakothek de Múnich (Alemania).
Sistema de análisis para entender el paso del
Renacimiento al Barroco:

5. Lo claro a lo oscuro (complicación):

La vocación de San Mateo (en italiano, Vocazione

di san Matteo) es un cuadro del pintor italiano
Caravaggio. Está realizado al óleo sobre lienzo.
Pertenece al ciclo de la Vida de san Mateo que le
fue encargada en 1599 para decorar la Capilla
Contarelli en la iglesia romana de San Luis de los
Franceses, donde aún se conserva.
 Wölffin caracteriza el Barroco por cinco rasgos:

1. La búsqueda del movimiento real, por el hecho de que se construyan edificaciones con
paredes onduladas, y también la búsqueda del imaginario, por el hecho de que se pinten
personajes capaces de acciones violentas.

2. Intento de sugerir el infinito. Este aspecto se muestra claro en Palacio de Versalles:

Lago de los suizos. En este estilo el camino se pierde en el horizonte.

3. La importancia de la luz y de sus efectos.

4. El gusto por la teatralidad, por lo escenográfico y fastuoso.

5. La tendencia a mezclar las disciplinas artísticas.

Características generales:

1. Abandona el principio renacentista de la belleza y armonía; deja las reglas a favor de un naturalismo
acusado.

2. Se interesa por el dinamismo y el movimiento, tanto real (una pared ondulada, una fuente en la que el agua
cae en formas siempre nuevas, etc.), como sugerido (un personaje retratado durante una acción violenta, un
escorzo, etc.)

3. Tiende a la infinitud y la tensión. Se sabe pequeño, pero el nuevo pensamiento científico y filosófico le da el
orgullo de comprender el Universo.

4. Desarrolla un tipo de lenguaje basado en la contradicción, en el contraste (fachadas cóncavas y convexas,

grandes escenarios junto a aspectos naturalistas, sentido religioso junto a una intención realista, figuras de
procedencia clásica junto a tipos populares, etc.)

5. Busca destruir las barreras entre ilusión y realidad (efectos ilusionistas en la pintura de caballete y en la
pintura mural, artificios de perspectiva en la arquitectura, utilización de los espejos, etc.)⇒gusto por lo
teatral, por lo escenográfico, por lo fastuoso.
6. Importancia dada a la luz y a los efectos luminosos en la percepción final y en la concepción misma de
la obra de arte.

7. Tendencia a no respetar los confines de las disciplinas, es decir a mezclar arquitectura, escultura y
pintura.

8. Tentativa de representar o sugerir el infinito (un camino que se pierde en el horizonte, un fresco
simulando una bóveda celeste, un juego de espejos que haga irreconocibles las perspectivas, etc.)
El Barroco será un
movimiento que
desarrolle el gusto por
el efecto y los
contrastes, por lo
escenográfico y por lo
teatral.

El arte será un vehículo

de propaganda. Se trata
de un arte seductor que
apela a la imaginación,
la sensualidad y el
dinamismo, para lo
que se vale de la
teatralidad
compositiva.
El interés por el movimiento, característico del estilo Barroco, se manifiesta en:
Composiciones, de esquema libre, en los que predominan las diagonales, líneas
serpentinatas y formas abiertos. Dinamismo de actitudes y ropajes (extremidades que se
disparan, paños volantes). Expresiones tensas e incluso exagerados.
Las figuras humanas suelen ser anatómicamente correctos y de esbeltas proporciones pero
llenas de pasión y movimiento que expresan con sus manos y rostros y a través de gestos
enfáticos.

Los ropajes, hinchados, desordenados y agitados, se abren en múltiples pliegues

ondulantes o angulosos; tienen interés las calidades.

Santa Cecilia" de Stefano Maderno

El modelado, que se trabaja con juegos de luz/sombra, muestra
tendencia a contrastes violentos muy teatrales (claroscurismo
o tenebrismo).

La factura se intereso por las cualidades físicas del medio,

usándose gruesos empastes que contrastan con materia más
fluida. La pincelada varía según autores, e incluso evoluciona
en la obra de un mismo artista, pero tiende a ser suelta y
abierta -pintura de mancha «a 1o valiente»-, incluso se pueden
hallar ejemplos de pincelada direccional.
La luz desempeño un papel plástico y simbólico muy
importante.

Se buscan fuertes efectos de claroscuro, estudiándose

atentamente la luz del emplazamiento.

Es una luz dirigida, de fuentes precisas,

aparentemente fugaz y de alto valor expresivo.
La luz es uno de los valores más importantes de esta
pintura, y está dotada de gran expresividad. Tiene
caracteres diferentes ( puede ser luz artificial, formal,
focal, conceptual). Se asocia al color, volumen, espacio y
composición, como elemento clave.
Predominio del color sobre el dibujo. A base de
grandes manchas de color se definen las formas
(antecedente la pintura veneciana). La línea pierde
importancia en la delimitación de contornos. Se
abandona el dibujismo renacentista y, en su lugar, se
utiliza una línea subjetiva, vibrante y sin continuidad.
Profundidad (tridimensionalidad). El efecto (la ilusión)
de profundidad es más real que en el Renacimiento (no
hay planos tan rígidos). La profundidad se consigue a
base de líneas convergentes, escorzos, obscuridad en
un primer plano, mediante el contraste de luces y
sombras, mediante los espejos) etc.
Ejercicio individual
Con base en los conceptos teóricos abordados en
las anteriores páginas analizar las dos obras
siguientes:
El rapto de
Proserpina
es una
escultura
realizada
por Gian
Lorenzo
Bernini
entre los
años 1621 y
1622
pertenecien
te, por lo
tanto, al
Barroco.
Judit y Holofernes
(Caravaggio). 1599. 144
cm × 195 cm.
Localización Galería
Nacional de Arte
Antiguo, Roma, Italia.