PUNTEO DEL TEXTO DE JIMENEZ: EL ARTE DE NUESTRO TIEMPO Y LA ESTETICA ENVOLVENTE

 El proceso de modernidad permite apreciar el contraste entre un universo estético cada vez más amplio, envolvente, y el arte
 Emblema del S. XX: pluralidad simultánea de la representación. Sitúa a Picasso como estandarte de ese emblema, su cuadro Las Señoritas
de Aviñón grafican el giro que hace la sensibilidad debido a los cambios vivenciales de la época (dudas en torno al carácter y los límites
de la representación + Cansancio y agotamiento de todo un universo expresivo = búsqueda de una renovación de la mirada)
 Nuevas referencias = creación /invención / construcción
 Las formas se dan desde el adentro de cada artista y no en la naturaleza (como se venía dando) esto generó: Explosión de la libertad,
Reconocimiento de la pluralidad de visión, Variación de lenguajes según cada artista. La pluralidad de la representación se convertiría en
el eje de desarrollo del arte nuevo, de la multiplicidad de propuestas expresivas y movimientos.
 “los adoquines de la calle eran los materiales de la nueva poesía: prospectos, catálogos y carteles. La prosa, los periódicos”
 La jerarquía de lo artístico (que se venía dando….) y la hegemonía del gusto fueron modificados por 3 nuevas experiencias estéticas: el
diseño industrial, la publicidad y los medios de comunicación de masas. Estas 3 vías fueron las causas de la industrialización, la formación
de las grandes ciudades (europeas y estados unidos) y la constitución de multitudes (masa), generando como un efecto expansivo un tipo
de configuración de la vida realizada por la técnica. Esta nueva configuración se hacía visible en la velocidad o en la plasmación mecánica
de las imágenes (cine y fotografía respectivamente)
 Jiménez, en este contexto, toma a las Señoritas de Aviñón como si fuera una descripción del momento que se estaba caldeando,
simultaneo a la expansión de la técnica “Las señoritas de Aviñón: la nueva y radical soledad del arte en un mundo germinalmente
hiperestetizado a causa de la expansión de la técnica” y expone a la obra de Duchamp casi como la representación de esa expansión ya
aplicada junto con el rechazo dadaísta a la expansión tecnológica y su aplicación militar.
 Movilidad y desasosiego se suman a la pluralidad estética del S XX.
  Expone que el desarrollo de la técnica moderna es el autentico factor corrosivo del arte debido a que por este fue perdiendo su
preeminencia espiritual y su exclusividad como tarea intelectual en el sistema de producción (cita a Benjamín, pero su perfil ideológico
concuerda mucho mas con Adorno)
 La mimesis artística (la naturaleza) es desplazada hacia la cultura y particularmente hacia los productos y procedimientos de la técnica.
 La obra pierde su singularidad, convirtiéndose en imagen metafórica, en signo disponible para encarnarse en una amplísima diversidad
de soportes, convirtiendo al arte en un objeto más de consumo.
 La estatización de la política de los años ´30 ha sido un primer esbozo de la estetización generalizada característica de la nueva cultura de
masas, la “sociedad del malestar”. El arte ha sido forzado a convivir con la estetización de la experiencia, propiciada por la configuración
técnica de la cultura.
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PUNTEO DEL TEXTO DE JIMENEZ: LA FOTOGRAFIA, EL CINE, EL ESPECTACULO

FOTOGRAFIA

 Abrió nuevos registros de la imagen, amplió la capacidad de percepción y fijación de la mirada humana
 Exige “maestría” “habilidad” “destreza” rasgos que eran manipulados por la dominación de una techné en las artes desde hacia tiempo
fueron desplazados a la máquina de sacar fotos
 Su uso en el campo judicial, policial, en los medios masivos de comunicación y los usos populares y familiares introdujeron a la fotografía
en la vida cotidiana impidiéndole su reconocimiento artístico
 Cita a Susan Sontag (instrumento de poder, identificación con la verdad)
 Cita a Roland Barthes (la confusión de la representación con lo real se hace exclamativa, imperativa y constativa. La fotografía repite lo
que nunca más podrá repetirse existencialmente. Siempre hay en ella un signo imperioso de mi muerte futura, por lo que cada foto,
aunque esté bien aparentemente aferrada al mundo de los vivos, nos interpela a cada uno de nosotros, por separado, al margen de toda
generalidad)
 Cita a Fontcuberta (la fotografía es siempre simulacro, ficción)
 Cita a Dubois (siendo la fotografía una huella luminosa y su estructura discontinua. Necesita un corte una separación respecto del
acontecimiento, tanto en el tiempo como en el espacio. El acto fotográfico, al cortar, hace pasar al otro lado [del corte]:de un tiempo
evolutivo a un tiempo fijado, del instante a la perpetuación, del movimiento a la inmovilidad, del mundo de los vivos al mundo de los
muertos, de la luz a las tinieblas, de la carne a la piedra. La foto literalmente congela el horror)
 Cita a Schwarz (representación implica transformación, requiere una organización racional y emocional)
 La fotografía conlleva una síntesis, una hibridación de la maquina con el espíritu humano, el individuo actúa a través de ella. De ahí su
carácter pragmático y performativo. Es una abstracción corta el flujo vital, existencial y convierte el acontecimiento en abstracción, esta
abstracción convierte en unidad lo heterogéneo, en la medida en que opera como corte temporal.
 El voyerismo expandido, masivo, que la fotografía hace por vez primera cultural y técnicamente posible, lleva dentro de sí un hálito
espectral, una tonalidad de muerte, que se asocia al incremento de las pulsiones tanáticas en nuestro mundo, con un narcisismo cultural
cada vez más amplio y evidente. Esta circunstancia de la fotografía, para Jiménez, es el motivo por el cual la fotografía es reconocida
mucho tiempo después que el cine como arte.

CINE

 Desde sus inicios fue medio de entretenimiento. Es que el cine, en su delimitación temporal y espacial, como función, es el mejor
correlato del tempo acelerado y productivista, de las sociedades contemporáneas. Concebido como industria.
  “Más que una “expansión” estética, lo que hemos vivido es una desmesurada transformación comercial de una industria que a veces
era arte en un mecanismo planetario de producción y transmisión de imágenes en movimiento” (por esta cita es que Jiménez, en su
desarrollo de estética envolvente y expandida no propone al cine como una de las vías de transformación de la experiencia estética)
 El cine debería reorientar sus objetivos estéticos. Realiza una búsqueda y planteamiento acerca de si sería posible la novedad dentro
del cine (como si fuera una categoría estética y necesaria)
 Dice…Quizás el aspecto más insidioso del cine ha sido la introducción en la vida pública de un tipo de “popularidad” de los
profesionales, starsystem, estableciendo así una diferencia, relacionada con la noción de genio artístico, solo que en cambio de
relacionarse con la melancolía, la diferencia está en el glamour de los famosos (el brillo proyectado de una ilusión para llenar el vacío
de sus vidas), desde esta relación asocia al cine con el espectáculo.

ESPECTACULARIZACION

 La universalización del consumo tiene su correlato en la generalización del espectáculo.

 Cita a Guy Debord (Allí donde el mundo real se transforma en meras imágenes, las meras imágenes se convierten en seres reales y en
eficaces motivaciones de un comportamiento hipnótico. El espectáculo no es un conjunto de imágenes, sino una relación social entre las
personas mediatizadas por las imágenes)

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PUNTEO DEL TEXTO DE JIMENEZ: LA ERA DE LA IMAGEN GLOBAL

1.- EL GRAN EXPERIMENTO

 Además del arte experimental y vanguardista, las dictaduras de la época fueron poniendo en pie un arte “oficial”
 Al dejarse usar como propaganda, contribuyo decisivamente junto a la estetización de la participación política de las masas, a lo que
desde nuestra perspectiva actual podemos llamar el gran experimento: la utilización comprehensiva de todos los soportes estéticos y
artísticos para conseguir la cohesión y dominación de las masas sociales.
 Cita a Debord (esto acota Jiménez: en el marco de regímenes democráticos, lo estético es utilizado como medio de poder, convirtiendo
los soportes estéticos en instrumento central para la universalización del consumo, haciendo de la propia política un elemento más de
consumo, y de la vida pública y el conjunto de la cultura un espectáculo
 En los años ´30 se vivió una estatización de la política y una politización del arte (lo expone como momentos previos al arte pop porque…)
y luego, más adelante, será la vida cotidiana, en sus manifestaciones más diversas las que muestran una ampliación de la estética.
 La expansión de la estética = diseño industrial + publicidad + medios masivos de comunicación + fotografía + cine + espectacularizacion +
politización del arte + arte politizado + vida cotidiana

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2.- EL ARTE POP Y LA CULTURA DE MASAS

 Cambio en los presupuestos expresivos y temáticos: utilizar las mismas técnicas que el diseño industrial, la publicidad y los medios
masivos de comunicación, ocuparse de las imágenes y figuras omnipresentes en esos ámbitos de la cultura de masas.
 Tras el agotamiento definitivo de las vanguardias (el radicalismo de las vanguardias se había convertido en otra tradición), tras la segunda
guerra mundial y conviviendo en tiempos de nivelación del status material y cultural de la población y la exaltación del estilo de vida de
las clases medias, el arte POP fue capaz de poner su mirada en la imitación de los productos y procedimientos de la cultura de masas (el
concepto de mimesis vuelve a estar por fuera del artista) participando como un operador cultural en la sociedad, aludiendo a los
fenómenos corrientes, cotidianos y por lo tanto populares de la cultura de masas. El arte POP supo ocuparse de los nuevos signos que
aparecían en juego entre los hombres de aquel tiempo proponiendo que el arte se acercara a la vida, disminuyendo la distancia que
existía entre el “hombre medio” respecto del “arte” o “la cultura” debido a que tuvo en cuenta que el universo cultural de las masas o
medios (hombres) estaba constituido por el flujo audiovisual envolvente del diseño, la publicidad, los medios masivos de comunicación,
el cine y los comics.
 El arte tendrá que integrarse y competir con la esfera de la comunicación y el consumo, aproximarse a las nuevas formas de vida, para así
poder cumplir con su mandato social, con su destino público. Este es el aspecto más importante que trae consigo el arte POP: la toma de
conciencia definitiva de los cambios culturales y sociales y, en consecuencia, la nueva ubicación del arte.
 Los años ´60, el consumo de masas, propiciado por el desarrollo de nuevas técnicas de venta, y de modo especial por UN INVENTO
DIABOLICO: LA VENTA A PLAZOS, se convierten en estandarte ideológico de la época, en este marco nace la propuesta del arte pop.
 La mirada de HOY del POP: conlleva una importante dimensión añadida: la plasmación en la esfera artística de una expansión
generalizada del “modo de vida americano” producida por la hegemonía militar, política, económica y tecnológica de USA.
 Nivelación social, universalización del consumo (declaraciones de Andy Warhol). La igualdad busca la repetición y la serialidad, que es lo
que permite multiplicar el beneficio, y con ello construye la singularidad, la particularidad, y en el plano ideológico y cultural segrega una
intensa tendencia a la uniformidad, a lo homogéneo.
 El arte POP supone el reconocimiento sin complejos de la supremacía de la técnica respecto a la innovación artística. Introducen como
idea la indistinción de los objetos de la cultura de masas y los productos artísticos (cuando en verdad, se venía haciendo la distinción
entre productos industriales y artísticos ) produciendo una fuerte nivelación estética, homogeneizando lo formal en relación directa con
 la repetición estereotipada de las conductas, que acaba convirtiendo a los seres humanos en máquinas. Es un arte “desideologizado”
rechazando la responsabilidad moral del arte.
 El horizonte del arte pop: imagen global, registro de los canales artísticos (obras galerías museos instituciones) de un proceso cada vez
más agudo de desmaterialización del arte (en la medida en que las imágenes se independizan de sus soportes materiales y circulan como
signos) y de estatización (técnica, comunicativa) de la vida.
 La tensión estética y moral del arte de nuestros días se centra en la búsqueda de una dimensión propia de la invención artística, en la
configuración (difícil y asediada) de un universo poético y mental, crítico e irónico, alternativo a la imagen global omnipresente.

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PUNTEO DEL TEXTO DE BUCHAR: ARTE AUTONOMO Y ARTE POLITIZADO

 La relación entre arte y política se vio acrecentada en el siglo XX debido a la incorporación en el arte de las técnicas de reproducción
masiva, la reproducción posibilito las copias de las obras originales, la incorporación de técnicas de reproductibilidad habilito nuevas
formas de arte: el cine y la fotografía. En música, la grabación sonora otorgo cierta autonomía a la ejecución.
 Propone que para poder análisis la relación entre arte y política es necesario referirse a las discusiones de ADORNO Y BENJAMIN, en
torno a la VALORACIÓN de la obra de arte técnicamente reproducible.
 BENJAMIN ADORNO
Las técnicas de reproducción permitieron acercar el arte Destaca el componente fetichista de los medios
tradicional a las masas y a la producción de nuevas formas técnicamente reproducibles, característica que para
de arte de acceso masivo él, no serian de la burguesía (rasgo fundamental la
autonomía), sino de la producción de bienes
culturales de acceso masivo en una sociedad de
consumo
El arte técnicamente reproducible destruye el aura (el aquí
y ahora irrepetible) de la obra de arte tradicional.
A la vez puede…. Convertirse en un instrumento de emancipación que
permitiría establecer una sociedad igualitaria y
desideologizada.
El peligro… La utilización de los medios reproductibles por parte del
fascismo con fines conservadores.
Diferencias en Considera aspectos positivos de los nuevos medios Forman parte de un fenómeno al q denominara
masivos. críticamente “industria cultural”
estética y política.
Industria cultural Termino contradictorio. Industria: producción mecanizada en serie. Cultura: abarca expresiones artísticas,
conocimientos, religiones. El termino cultura se caracteriza NO por la reproductibilidad sino por la DIVERSIDAD.

Literatura modernista de Paris: Albert Brecht Reflexiona en el marco de las tradiciones musical y
filosófica austriaca-alemana. Se destaca la crisis de la
subjetividad que tiene lugar en el psicoanálisis de
Freud y en la música de Schoemberg
Son diferencias contextuales, debido a que toman objetos de estudio diferentes contribuyendo a las diferencias de
valoraciones que tenían con respecto a la reproductibilidad
BENJAMIN: insiste en la diferente utilización que puede hacerse del arte reproductible: ya sea para dominación o
emancipación de las masas. Sus reflexiones le permiten contraponer dos términos: estetizacion de la política – politización
del arte
El arte reproductible como instrumento para la emancipación de las masas

 El arte tuvo su origen en el ámbito religioso, en la modernidad se independiza y se transforma en el arte autónomo burgués. La
cual posee aura, poniendo de manifiesto su valor cultual. Definición de arte vinculado a su función política.
 El arte reproductible, en el que predomina el valor exhibitivo por sobre el valor cultual debido a su accesibilidad masiva, se
constituye en un instrumento para la emancipación de masas. Se refiere a películas de Chaplin.
 Los seres humanos se exponen a efectos de shock como el del cine para poder adaptarse a los peligros que amenazan en la
ciudad, ya que produce profundas modificaciones en el aparato perceptivo. Se caracteriza por la dispersión. A diferencia de los
cuadros, que son para pocos porque son incomprensibles, las condiciones de producción técnica le permite a cine dirigirse al
público masivo exponiendo una modalidad de recepción simultánea y colectiva. El cine comparte temas con la masa. Es
entonces el arte reproductible no aurático el único que hace posible la conjunción de la actitud crítica y la fruitiva (propia de los
cuadros) unidas a un conocimiento similar al de un experto en la materia.
 Benjamín propone que, para que el arte no pueda ser utilizado como medio de estetización política de guerra, había que hacer
un aprovechamiento de las tendencias políticamente progresistas de las técnicas artísticas en general.
El arte reproductible como instrumento de dominación de las masas

 En el cine, tanto actor como personaje pierden el aura, debido a que no pueden ser repetibles y por lo tanto, no pueden ser
copiados. La aniquilación del aura es reemplazada por la construcción artificial del personality, culto a la estrella dañada por su
carácter de mercancía. En este sentido el cine se presenta como solo como una crítica revolucionaria de la concepción tradicional
y cultual del arte.
 La radio y el cine, modificaron la función de los actores y de los gobernantes. El escenario tradicional de los parlamentos y los
teatros fueron desplazados por la pantalla.
 La crisis de las democracias burguesas, cuyo escenario era el parlamento, se produce paralelamente al fortalecimiento de las
dictaduras, dicho fortalecimiento se apoya en la exhibición de la figura del gobernante a través de los medios de reproducción
como el cine y la radio, haciendo accesibles los discursos políticos a un número ilimitado de espectadores. Si bien Benjamín
señala la pérdida del aura del arte reproductible, denunciaba la auratización de la imagen del Fuhrer y de las masas que se
producía en la propaganda radial fascista, en los noticiarios cinematográficos de actualidades y en las películas de Leni
Riefenstahl.
 La masa desempeña un doble papel en la propaganda fascista, el del público o espectador, así como también el de materia
objeto de manipulación por parte del gobierno dictatorial. La razón de esto es que la estetización de una manifestación política
logra “anestesiar” la recepción por parte del público, que es capaz de obtener un placer desinteresado sin tomar conciencia de
que esa escena es una especie de ritual de la sociedad que anuncia un trágico porvenir de muerte, crueldad y destrucción.

Estetización de la política vs. Politización del arte

 El esteticismo político culmina en guerra. Hay una desproporción entre los poderosos medios de producción y su insuficiente
aprovechamiento en el proceso productivo, debido a la desocupación y la falta de consumo. En vez de utilizar la tecnología para
 mejorar las condiciones de vida de la población se la aplica a la industria bélica, conduciendo a la humanidad a su
autodestrucción.
 La estetizacion de la política: la guerra deviene en espectáculo que proporciona placer estético, constituyéndose en l´art pour l
´art, siendo la respuesta que da el arte frente a la aparición de la fotografía, el primer medio de reproducción revolucionario,
derivando en una teología negativa, puesto que el arte puro se define por la negación de su función social y su contenido
objetual. Esta actitud esteticista excluye todo lo extraartístico: social, moral, político, responde a un criterio puramente estético.
Graficado en los escritos de Mallarmé y en la pintura abstracta.
 El fascismo propicia la estetización de la política, en tanto que el comunismo haría posible la politización del arte (sin explicar en
qué consiste esta última).
 Benjamín le exige al arte que, a través de la utilización de las nuevas tecnologías, lleve a cabo la disolución de la alienación de los
sentidos corporales para el bien de la humanidad. De este modo, la estética se convertiría en el ámbito en el cual se daría la
respuesta política al fascismo.

ADORNO: El arte autónomo y su poder crítico. Plantea una revalorización del arte autónomo y su poder critico frente a la postura
de Benjamín, que le negaba poder emancipatorio. Le dirige una severa crítica a la industria cultural, la cual solo será utilizada para
la dominación de masas.

La concepción dialéctica del arte autónomo.

 Aprueba el planteo del desencantamiento del arte propuesto por Benjamín, pero le señala que lo que hace trasladando el
concepto de aura mágica a las obras de arte autónomas. Esta trasposición, dice Adorno, hace que la obra autónoma posea
una función contrarrevolucionaria. Reconoce la cualidad de aura en la obra de arte burguesa cuya misión es develar el
 carácter mítico de la filosofía idealista que sostenía el concepto de autonomía estética. Pero resalta que el núcleo de la obra
de arte autónoma no es completamente mítica sino que es dialectico: entrelaza en sí mismo el momento mágico y el signo de
libertad.
 Esto último es lo que le critica a Benjamín: que contempla la dialéctica en la tecnificación y en la alienación social y no en la
obra de arte.
 Desde lo político: la postura de Benjamín consistía en reconocerle al proletariado, en este caso en tanto sujeto del cine, de
manera inmediata una función revolucionaria. Pero para Adorno, la transformación podría cumplirse de manera mediata a
través de los intelectuales concebidos como sujetos dialecticos que interactúan con la clase o la masa.
 Para Adorno, la desaparición del aura se produce por dos causas: una reside en la reproductibilidad técnica (igual a Benjamín)
y la otra consiste en el cumplimiento de la ley formal autónoma propia del arte. Distingue aquí la forma material de la obra de
arte o autonomía, del momento mágico reconociendo que el aspecto de cosificación se da tanto en el cine como en la gran
obra de arte.
 Considera que el enfoque del ensayo de Benjamín peca de cierto romanticismo anárquico.
 Benjamín sostiene que el personality del actor de cine posee un carácter aurático y Adorno niega afirmando que el carácter
aurático correspondía a los filmes mismos. Esta consideración implica una resignificación del concepto de aura.
 En síntesis: Adorno considera que hay que establecer una relación dialéctica entre los extremos que Benjamín separa.