Historia del arte I 1r Semestre

Joan Abelló
2018/19

2017/18
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# Sesión 9. Cubismo

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Cubismo: desarrollado en París entre 1907 y 1914

Las influencias sobre el Cubismo temprano se han vinculado

al Primitivismo y no a fuentes occidentales.

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Cubismo: definición

• Cubismo – estilo / movimiento de las artes visuales muy influyente del siglo XX
que fue creado principalmente por los pintores Pablo Picasso y Georges Braque y
desarrollado en París entre 1907 y 1914. El estilo cubista enfatizó la superficie
plana, bidimensional del plano del cuadro, rechazando la técnicas tradicionales de
perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro y a partir de la refutación de teorías
consagradas del arte como la imitación de la naturaleza. Los pintores cubistas no
estaban obligados a copiar la forma, la textura, el color y el espacio; En cambio,
presentaban una nueva realidad en las pinturas que representaban objetos
radicalmente fragmentados, cuyos lados se veían simultáneamente.

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5
El cubismo presentó una nueva manera radical de
ver y representar objetos, personas y paisajes...
pero el estilo no fue inventado de la nada... hubo
dos influencias clave que inspiraron a Picasso y
Braque.

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Las pinturas del anciano artista Paul Cézanne
(1839-1906) y las esculturas realizadas por
artistas de culturas no europeas (que Braque y
Picasso vieron en los museos) fueron de gran
importancia para el desarrollo del estilo cubista.

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Paul Cézanne 8
Montagne Sainte Victoire 1905-6 / acuarela sobre papel
BRAQUE Viaducte de L'Estaque (1908)

Lo moderno de la pintura de Cézanne era que no intentaba negar la

calidad bidimensional de la superficie de una pintura. En su lugar, le
gustaba enfatizar la calidad superficial de una pintura y convertirla en un
elemento esencial en la forma en que leemos un cuadro. Consiguió este
resultado aplicando pinceladas regulares de pintura para construir
patrones abstractos de color. Sus pinceladas fluidas obligan al espectador
a leer la superficie de una pintura como un plano unificado. Quizá por
ello llamó a sus cuadros «construcciones después de la naturaleza» en
las que los elementos del mundo tridimensional se tradujeron en
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patrones de color sobre un lienzo plano.
Artista: Paul Cézanne / Montagne Sainte.
Victoire. c. 1906.

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Artist: Paul Cezanne / Casa en
Provenza, 1885.

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Cézanne era un artista del Post Impresionismo. Un término vago usado para
describir a ciertos artistas influenciados por el color y la vitalidad del
impresionismo pero insatisfechos con las limitaciones del estilo, y que dieron
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paso a nuevas tendencias .
Bajo la influencia de su arraigo a la luz y a los paisajes rudos y ásperos de Provenza,
Cézanne regresa en los años 1890 hacia su tierra natal, acabando por instalarse allí
definitivamente. La montaña Sainte-Victoire, la zona del Château-Noir, las canteras de
Bibémus, vuelven constantemente en los cuadros que emprende al giro de finales del siglo.
Es una experiencia ardiente y solitaria que lleva hasta el final de su existencia. En estos
paisajes silenciosos, con un enfoque a veces insólito, el sujeto real se convierte en irrisorio:
aquí un montón de rocas, algunos troncos de árboles.
La sensibilidad del viejo pintor se exacerba en una visión global que concentra en cuadros
de modestas dimensiones. Se dedica a una especie de embriaguez donde las formas y los
colores no son más que una sola y misma transcripción. Esta visión intemporal, siempre
más sutil, está construida como una vibrante orquestación de febriles manchas, de
pinceladas alusivas. La forma se descompone en múltiples facetas. El color participa de
este lirismo con transparencias azuladas, verdes, ámbar o malvas. La lección cezaniana
aparece a comienzos del siglo como uno de los fundamentos esenciales de la pintura
moderna.
Matisse que ha adquirido y valiosamente conservado este paisaje, afirmaba: Había, en la
obra de Cézanne leyes de arquitectura que son muy útiles para un joven pintor. Existió,
entre los más grandes, este mérito de querer que los tonos fuesen fuerzas en un cuadro,
proporcionando a su tarea de pintor la más alta misión". ("Entrevista con Henri Matisse",
L'Art Vivant, n° 18, 15 septiembre de 1925).
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Georges Braque y Pablo Picasso analizaron el trabajo de Cézanne y anotaron lo que
Cézanne había descubierto. También habían estudiado la perspectiva lineal tal como él
y anteriormente Poussin habían hecho. Cézanne había observado cómo un trazo de
pintura ligera podía sugerir una pared o simplemente pintar haciendo un dibujo sobre
un lienzo plano.
Braque y Picasso pensaron en desarrollar la superficie plana mucho más abierta. 14
Paul Cézanne Georges Braque
Alrededores del Château Noir La iglesia de Carrières-Saint-Denis
c.1900–6 1909
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Influencia de la escultura de culturas no
europeas

Picasso dijo:

Una cabeza es una cuestión de ojos, nariz,

boca, que se puede distribuir en cualquier
forma que te guste

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 Hembra, figura madera tallada.
Minsereh (Mende), probablemente finales del
siglo XIX dc, de Sierra Leona.

Figura de madera de Rarotonga, Islas Cook,

Polinesia. Posiblemente siglo XVIII o principios
del siglo XIX

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Ndop, talla de madera del rey Shyaam aMbul
aNgoong Kuba-Bushoong, Probablemente a
finales del siglo XVIII.
De la República Democrática del Congo
(antes Zaire).

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Pablo Picasso
Busto de Mujer, 1909
Óleo sobre tela 19
Pablo Picasso
Cabeza de Mujer (Fernande) 1909
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Yeso
 ¿Cómo hacer que las cosas se
vean tridimensionales en una
superficie bidimensional?

Joseph Mallord William Turner Joseph Mallord William Turner

Diagrama, Mostrando Entablado de Columna Un anfiteatro en ruinas, circa 1810-27
Trabajo en Perspectiva circa 1810-27 Lápiz y Lápiz y acuarela sobre papel
acuarela sobre papel Soporte: 668 x 958 mm 21
Georges Braque
Vaso sobre una
mesa
1909-10
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Óleo sobre tela
En 1908, el crítico de arte Louis Vauxcelles, vió
algunas pinturas de paisaje de Georges Braque en
una exposición en París y las describió como
"bizarreries cubiques" que se traduce como
"rarezas cubistas" - y el término cubismo fue
acuñado.

Ernest Gombrich: El intento más radical de

eliminar la ambigüedad y de imponer una lectura
del cuadro, la de una construcción hecha por el
hombre, un lienzo coloreado…
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Hay dos fases del cubismo – el llamado analítico y
el sintético:

Cubismo "analítico", es el que las formas

parecen ser "analizadas" y fragmentadas;

Y el cubismo "sintético", el que los periódicos y

otros materiales extraños al propio lienzo, como
el trenzado de la silla y la chapa de madera, se
combinan en la superficie del lienzo como
signos y símbolos "sintéticos" de los objetos
representados.

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¿Cuáles son las características principales de las pinturas cubistas
analíticas?

Aparecen como un entrelazado ocupado de planos y líneas con los

sujetos (ya sea un objeto, una persona o un paisaje) fracturados o
rotos, haciéndolos parecer más bien la superficie de un cristal.
Se pintan con una gama limitada de colores oscuros
(principalmente negros, grises y ocres).

Hay muy poca diferenciación tonal utilizada: no se ven muchas

luces y sombras...

El tono general de las obras tiende a ser silenciado por un tono

oscuro similar utilizado a través de la gradación de las pinturas.
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Georges Braque
Botella y peces, circa 1910-2
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Óleo sobre tela
En lugar de las sombrías, austeras y bastante complicadas telas del
cubismo analítico, vemos un enfoque muy diferente. Las
principales características del cubismo sintético son:

Colores más brillantes y líneas y formas más sencillas.

El collage se utiliza junto a la pintura. Anteriormente el cubismo
había roto objetos hasta una cuadrícula de planos complicados
(formas planas). Ahora los artistas construyen sus cuadros usando
collage y formas simples. Así que en lugar de mirar de cerca un
objeto como una botella para analizar su forma y estructura crean
una forma de botella de su imaginación, haciendo de esta forma
un simple recorte de papel o su contorno dibujado.
Una gama de texturas: así como el collage, los artistas cubistas
utilizan una gama más amplia de objetos pintados y dibujados.
Una superficie lisa puede aparecer al lado del papel collage del
periódico o del papel modelado; O junto a un montón de trazos de
pincel minuciosamente punteados.
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Pablo Picasso
Botella con viejo marco, el vidrio, la guitarra y
periódico, 1913 28
Georges Braque Pablo Picasso
Botella y peces, circa 1910-12 Cuenco de fruta, violín y Botella,
Óleo sobre lienzo 1914

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Pablo Picasso
Cuenco de fruta, violín y Botella, 30
1914
Brassaï, foto de Picasso en su estudio en 23 rue
La Boétie, de pie delante de Retrato de Mujer
de Rousseau 1932

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 Pablo Picasso
Les Demoiselles d'Avignon

Paris, Junio-Julio 1907 32

PABLO PICASSO (1881-1973)
’Fábrica, Horta d’Ebre', 1909
(óleo sobre tela)

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Pablo Picasso
Desnudo sentado, 1909–10
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Fotografía de Ida Kar de Georges Braque,
tomada en 1960.
Fotografía: National Portrait Gallery, Londres

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Braque vio en el cuadro de Picasso Les
Demoiselles d'Avignon los inicios de un
nuevo estilo. Juntos reinventarían
radicalmente la pintura.
Braque y Picasso derrumbaron muchas de
las convenciones del arte europeo. Las
pinturas cubistas como Violín y Candelabro
mostraban una naturaleza muerta o una
persona pintada de diferentes ángulos a la
vez. El espectador tuvo que trabajar duro
para descifrar lo que estaban viendo.

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Georges Braque
Mandolina 1909–10
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Hay muy poca diferencia entre la forma en
que Braque ha pintado los objetos y el
espacio que los rodea. Ha fragmentado
toda la imagen en pequeñas formas
geométricas planas, por lo que los bordes
de los objetos son menos claros.

No ha utilizado colores realistas para los

diferentes objetos de la pintura, sino que ha
utilizado la misma pequeña gama de
colores apagados -negros, grises, ocres y
verdes terrosos- para todos los objetos y el
fondo.

No ha utilizado la perspectiva o el tono para

crear la ilusión del espacio tridimensional o
de los objetos tridimensionales. Aunque
hay tonos más claros y oscuros dentro de la
pintura, el tono no siempre se utiliza de
esta manera ya que a veces parece confuso.

La mandolina, los objetos detrás de ella y el

fondo parecen situarse al mismo nivel - en
la superficie plana de la imagen, sin primer
plano ni fondo, y sin ninguna ilusión de
retroceso. 38
Fernand Léger
Estilo de vida con una jarra de
cerveza, 1921–r2 39
Fernand Léger
Llaves (Composición)
1928 40
Fernand Léger
Hojas y Shell, 1927
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Fernand Léger
El Acróbata y su compañera, 1948
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Juan Gris
Botella de Ron y periódico, 1913–14
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Juan Gris
Vistas a la bahía, 1921
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Juan Gris
La persiana, 1914
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Les Peintres Cubistes, Méditations
Esthétiques. Es un libro escrito por
Guillaume Apollinaire entre 1905 y 1912,
publicado en 1913. Este fue el tercer
texto principal sobre el cubismo; Después
de Du "Cubisme" de Albert Gleizes y Jean
Metzinger (1912); Y Historia anecdotique
du cubisme (1912) de André Salmon.
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El cubismo preparó el camino
hacia el arte abstracto
geométrico, poniendo un
nuevo énfasis en la unidad
entre la escena representada
en un cuadro y la superficie del
lienzo. Sus innovaciones serían
retomadas por artistas como
Piet Mondrian, quien continuó
explorando el uso del lienzo,
su sistema abstracto de signos
y su espacio superficial.

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