¿Qué es la perspectiva?

La perspectiva más comúnmente se refiere a la perspectiva lineal, la ilusión óptica que

utiliza líneas convergentes y puntos de fuga que hacen que los objetos parezcan ser
más pequeños cuanto están más lejos del espectador.

Definición

La perspectiva es una técnica artística que es utilizada para poder crear

una ilusión de tres dimensiones que incluye la profundidad y el espacio en una
superficie bidimensional o plana. Es lo que hace entonces que una pintura parezca
tener forma, distancia y apariencia «real». Las mismas reglas de perspectiva se
aplican a todos los sujetos u objetos que se encuentren en un cuadro, ya sea paisaje,
paisaje marino, naturaleza muerta, escena interior, retrato o pintura de figuras.

Características

Las principales características de la perspectiva son las siguientes:

 Existen varios tipos de tipologías relacionados con la perspectiva que se

derivan de la geometría.
 Se usa para demostrar la apariencia de construcciones futuras.
 La ilusión es proyectada en un mundo tridimensional en una superficie que
tiene dos dimensiones.
 Ayuda a crear una sensación de profundidad.
 Controla la variación entre los tamaños de los sujetos y los objetos que se
representan.
Origen

La perspectiva en el arte occidental a menudo se conoce con el nombre de

perspectiva lineal y se desarrolló a principios del siglo XV. Fue un movimiento que se
inició con la forma de visión que tiene el hombre moderno y por esta razón, se
considera que su origen lo tuvo en la época del Renacimiento, con la instauración de
la plástica.

Historia

Los primeros intentos de desarrollar un sistema de perspectiva iniciaron en el siglo V

a.C. en la Antigua Grecia pues existía el deseo de producir un tipo de ilusión óptica de
profundad en los escenarios de teatro. Las reglas de perspectiva que fueron aplicadas
inicialmente en el arte occidental se desarrollaron durante el Renacimiento en
Florencia, Italia, a principios del siglo XV. Antes de este tiempo, las pinturas
eran estilizadas y simbólicas en lugar de ser representaciones realistas de temas
sobre la vida. Euclides se encargó de introducir una teoría matemática con respecto a
la perspectiva y los artistas chinos usaron la perspectiva oblicua desde el siglo I hasta
el siglo XVIII.

En la antigüedad tardía, el uso de la perspectiva se redujo un poco y el arte que nació

con las nuevas culturas en el periodo de las grandes migraciones y el arte
medieval duró mucho tiempo por lo que fue inconsistente para aprender los modelos
clásicos.

Elementos

Existen diferentes elementos que forman parte de la perspectiva, entre ellos podemos
mencionar:

 Líneas paralelas: son líneas que van una al lado de la otra y, que a pesar de
que siguen en un mismo plano, nunca van a poder encontrarse.
 Líneas oblicuas: éstas son las líneas que parten de puntos diferentes y que van
una al lado de la otra, pero que en su recorrido se podrán encontrar en algún
punto.
 Líneas convergentes: son líneas consideradas como partes de dos partes
distintas las cuales luego se encuentran en un determinado punto.
 Líneas divergentes: son las líneas que parten de un mismo punto hacia
distintas direcciones.
Tipos

Los tipos de perspectiva son los siguientes:

 Perspectiva lineal: este tipo consiste en líneas paralelas que van de más cerca

a más lejos y que además convergen en un punto de fuga , lo que ocasiona
una ilusión de profundidad. Este punto de fuga se encuentra localizado dentro
del cuadro, en una parte profunda. Dependiendo de este tipo de perspectiva el
pintor puede llegar a colocar las figuras cerca o lejos, en planos diferentes los
cuales no son paralelos y además pueden interponen el vacío entre unas y
otras.
 Perspectiva aérea: se encarga de perfeccionar la perspectiva lineal,
de esfumar las líneas convergentes, eliminar los límites de forma y color, lo que
otorga una impresión muy real de la distancia. En este tipo de perspectiva,
las condiciones climáticas y atmosféricas dan una sensación de profundidad,
los colores y la tonalidad de la imagen se amortiguan aumentando la distancia.
Los diferentes cambios cromáticos facilitan a que la perspectiva aérea
sobresalga y destaque.
 Perspectiva paralela: consta de un solo punto de fuga que debe estar justo
frente a nosotros o desviado solo ligeramente.
 Perspectiva oblicua: este tipo dispone de dos “puntos de fuga” en las
diagonales del objeto, los cuales se encontrarán como es lógico sobre la Línea
del Horizonte.
 Perspectiva invertida: el punto de fuga se coloca adelante, al exterior del
cuadro. Se utiliza con bastante frecuencia.
 Perspectiva de importancia: permite resaltar a un personaje con relación
a otros en el mismo icono. El tamaño de los personajes establece
su importancia jerárquica en un mismo ícono.
 Perspectiva en el dibujo: existen tres tipos de perspectiva en el dibujo que son:
o Perspectiva axonométrica
o Perspectiva caballera
o Perspectiva cónica

Métodos para hacer un dibujo en perspectiva

Lo primero que debemos hacer en crear un punto de fuga dibujando una X en

el centro del papel y luego se extiende desde el centro hacia el borde del papel. Se
debe luego de dibujar una serie de postes en el lado derecho y se pueden sustituir
por líneas. Se dibuja una serie de postes en el lado izquierdo y se empiezan a colocar
las piezas de lo que queramos dibujar.

Para qué sirve

Los artistas utilizan la perspectiva para poder representar objetos en

forma tridimensional en una superficie bidimensional que puede llegar a ser un
pedazo de papel o lienzo de una manera que se vea natural y realista. La perspectiva
puede crear una ilusión de espacio y profundidad en una superficie plana o en el
plano de la imagen.
Artistas que han usado la perspectiva

 Michael Paul Smith

 Rémi Noël
 Felice Varini
 Lucas Levitan
 Hombre McSteez

Obras en perspectiva

Algunas de las obras en perspectiva más importantes que han sido creadas son:

 La ciudad ideal, atribuido a Piero della Francesca.

 Sacra Conversación, obra de Piero della Francesca.
 Retrato del matrimonio Arnolfini, obra de Van Eyck
 Grabado de Durero mostrando un sistema de visuales de referencia para
realizar dibujos en perspectiva.
 Piazza San Marco con la Basílica, obra de Canaletto.

Importancia

Su importancia radica en que es un proceso que nos permite poder representar

los objetos de una obra en la forma y la disposición en la que la observamos, es
una herramienta necesaria para poder recrear la profundidades y la posición que
tienen los objetos, además de colaborar en simular la profundidad. Es por medio por
el cual se puede proyectar la ilusión de un mundo tridimensional en una superficie que
cuenta con dos dimensiones.
 ¿Qué es el arte óptico?

El arte óptico es una tendencia desarrollada a partir del arte cinético que apareció

después del surrealismo en el siglo XX. Se define como un movimiento artístico
originado en Estados Unidos en el año 1958; que utiliza fenómenos ópticos para
producir imágenes pictóricas abstractas, es considerado una innovación por el uso de
elementos ilusorios para el ojo del espectador.

En qué consiste el arte óptico

Este tipo de arte crea sensaciones de movimiento a través de ilusiones ópticas

en superficies bidimensionales, desarrollando perspectivas que el ojo humano no

Origen
Su origen se desarrolla por el artista húngaro Victor Vasarely (1906-1997)
considerado como el padre del Op art; Vasarely creó un modelo propio de arte
abstracto geométrico con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas,
perspectivas e imágenes inestables. Una de sus obras más destacadas fue Zebra un
estilo de arte del género animal painting desarrollada en París en el año 1937 a los
31 años de edad.

Historia

El arte óptico es un movimiento pictórico artístico y una tendencia nacido en Abril del
año 1958 en Estados Unidos, pese a que esta corriente precede en Europa donde
vivieron las primeras experiencias sobre la percepción de imágenes estáticas o en
movimiento; en Estados Unidos fue su punto principal de desarrollo y masificación.

Se desarrolló en el siglo XX, un periodo donde dominaron las guerras mundiales y

tuvo aparición las nuevas armas nucleares, con la llegada inminente de la Guerra fría
para los Estados Unidos en ese entonces.

Su terminología tuvo aparición por primera vez en la revista Time en el mes de

Octubre de 1964.

Por su variedad de estudio de las formas, el arte óptico fue aceptado por el público,
donde tuvo gran influencia en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la
moda.

Tipos de arte óptico

Sus derivaciones más relevantes son:

 Arte abstracto: es una manifestación de belleza artística no objetiva, donde el

artista no copia a la naturaleza de las formas, sino que representa la
autenticidad de su arte con un perfil surrealista.
 Arte abstracto geométrico: es un estilo de expresión artística que refiere el
uso de formas geométricas simples creando una subjetividad a través de
composiciones en espacios surreales.
 Arte cinético: arte contemporáneo que se basa en producir ilusiones ópticas a
través de la creación de objetos que cambian con movimientos reales o
virtuales.
 Arte cinético luminoso: arte que utiliza como componente de la obra la
introducción de movimientos reales con un enfoque de materia artística en los
espacios, la luz y el tiempo.

En qué se diferencia del arte cinético

 Carece de todo movimiento real, es decir, cada obra realizada es físicamente

inmóvil por su diseño de obras estáticas.
 El arte óptico es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es un arte
basado en la escultura.

Importancia

Este movimiento genera una constante evolución en el mundo moderno y en el arte ya

que constantemente la percepción, cultura, creencias, conceptos e ideales se
modifican con el tiempo por la contribución de manifestaciones que de manera
definitiva crea una sinergia entre el espectador y la obra, por ello, dicho movimiento
carece de emociones para una mayor receptividad e interpretación, sólo usando
técnicas como la ilusión.

Obras

Las obras más destacadas del arte óptico son:

 Zebra (Victor Vasarely 1937)

 Tigres (Victor Vasarely 1938)
 Circle limit III (M. C. Escher 1959)
 Aire y agua (M. C. Escher 1938)
 Liberation (M. C. Escher 1955)
 Movimiento en cuadrados (Bridget Riley 1961)
 Blaze 1 (Bridget Riley 1962)
Características

Las características más destacadas del arte óptico son:

 Utiliza simples figuras geométricas que combinadas forman figuras más

complejas.
 Todas las obras realizadas son físicamente inmóviles, es decir, carece de todo
movimiento real.
 Su objetivo principal es concebir varios efectos visuales que simulen que tienen
movimiento.
 Es un arte técnico e impersonal.
 Posee una base científica con el objetivo de crear efectos visuales únicos.
 Usa la repetición de formas simples de líneas, cubos y círculos concéntricos,
en los que predominan el blanco y el negro y contraposición de colores
complementarios.
 Tiene bases definidas y limpias por emplear la técnica de pinturas al acrílico.
 Las obras poseen un efecto de profundidad.
 Gracias a los efectos ópticos, se crea un total dinamismo en superficies planas
que ante el ojo humano se transforma en espacios tridimensionales llenos de
vibración, movimiento y oscilación.
 Los artistas emplean para la creación de sus obras los colores, la luz y las
sombras con una gran habilidad.
 Emplean el uso de técnicas ópticas como las líneas paralelas, pueden ser
ondulantes o rectas y poseen contrastes marcados cromáticos.

Representantes del arte óptico

 Victor Vasarely (1906-1997)

 Bridget Riley (1931-)
 Yaacov Agam (1928-)
 Jesús Rafael Soto (1923-2005)
 Carlos Cruz Diez (1923-)
 Youri Messen Jaschin (1941-)
 Julio Le Parc (1928-)
 Reuven Rubin (1893-1974)
 Kenneth Noland (1924-2010)
 Richard Anuszkiewicz (1930-)
 Jean Pierre Yvaral (1934-2002)
 METOOS DE OPERACIÓN
Blanco y negro y la relación figura-fondo
El op art es una experiencia perceptiva relacionada con cómo funciona la visión.
Es un arte visual dinámico que deriva de la relación discordante entre la figura y
fondo que pone dos planos, el primer y el segundo, en una yuxtaposición tensa y
contradictoria. Los artistas crean op art en dos formas primarias. La primera, el
método mejor conocido, es crear efectos a través del uso de patrones y líneas. A
menudo son pinturas en blanco y negro, o también en grisalla, como en la famosa
pintura de Bridget Riley, Current (1964), que apareció en la portada del catálogo
de The Responsive Eye. En ella, las líneas onduladas en blanco y negro están
cerca unas de las otras sobre la superficie del lienzo, creando una relación volátil
entre la figura y el fondo. Getulio Alviani uhizo uso de superficies de aluminio
pulidas con las que trató de crear patrones de luz que cambiaban a medida que el
observador se movía (superficies de textura vibrante). Otra reacción que
suscitaban era que las líneas creasen imágenes posteriores en ciertos colores
debido a cómo la retina recibe y procesa la luz. Como demostró Goethe en su
tratado Teoría de los colores, en el borde donde se encuentran la luz y la
oscuridad, el color surge porque la claridad y la oscuridad son las dos propiedades
centrales en la creación del color

Color
A partir de 1965, Bridget Riley comenzó a producir arte óptico basado en el color; 12
sin embargo, otros artistas, como Julian Stanczak y Richard Anusz kiewicz,
siempre estuvieron interesados en hacer del color el foco principal de su
trabajo.13 Josef Albers había enseñado a estos dos practicantes de la
escuela Color Function en Yale en la década de 1950. A menudo, el trabajo
colorista está dominado por las mismas preocupaciones del movimiento de figuras
y fondos, pero tienen el elemento agregado del empleo de colores contrastantes
que producen diferentes efectos en el ojo. Por ejemplo, en las pinturas del
«templo» de Anusz kiewicz, la yuxtaposición de dos colores altamente
contrastados provoca una sensación de profundidad ilusionista en el espacio
tridimensional, pareciendo que la forma arquitectónica está invadiendo el espacio
del espectador.