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3. POP ART - Apuntes 3

Art de les Últimes Tendències (Universitat de Barcelona)

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POP ART

Contexto previo:

• Dada es fuente de inspiración importantísimo y determinante. Ojo: es importante

• Contexto previo q será llamado new dada.
• Black Mountain College, 1933-1957, nace en Carolina del norte, es una escuela
multidisciplinar (danza, música, literatura, etc.), experimental, es algo pionero. Fue un
vivero de artistas, los directores:
− George Rice, primer director, q partió del método socrático: mayéutica, a través de
preguntas salen las ideas. El método dice q a partir de este dialogo o
acompañamiento será de donde sale el propio arte. Es como se vincula con uno
mismo. Hay una relación con las diferentes disciplinas, y lo importante es que es
algo no jerárquico, hay un dialogo entre todos (es determinante). Hay voluntad de
crear una comunidad q sea permeable y q se aporte entre ellos
− Josep Albert, viene de la Bauhaus, segundo rector. Potenció la dimensión
interdisciplinar
− Chalrles Olson, tercer y último rector q empezó su mandato en 1952, fue un poeta
q quería potenciar la relación de las artes con la poesía, quería enfatizar la poesía
(es una de las artes que tiene menos visibilización).

Dentro del contexto de Black Mountain están Kline, Motherwell, William de Koonig, Cuningan q
era coreógrafo. Pero la figura clave será Cage que hará proto happenings.

Kaprow (relación con grupo Gutai) fue alumno de Cage y potencio los happenings.

También en relación con Rauschemberg, y sus happenings. Recordar la relación con los cabarets
Voltaire de los dadaístas. Ver como se inspira en dadaístas.

Cage trabaja la vertiente de ruido vinculado con dada, con la cotidianidad, pero también con la
vertiente zen: lo del

Texto: CAGE: nueva música nueva escucha. No es un intento de comprendes algo que se dice,
porque, si se dijera algo, el sonido transmitirá la forma de las palabras. Simplemente una
atención la actividad de los sonidos

No es una escucha pasiva. Quiere transgresión, quiere despertar, provocar, cambiar y esa es la
estrategia de los dadaístas.

NEW DADA: en 1958 se hace un homenaje a Duchamp

Lo que les interesa a estos artistas cuando se vinculan con el Dada es lo de la cotidianidad, lo del
reciclaje, pero no cogerán la vertiente Dada del nilhismo.

Desacralizar la obra de arte

Foto para ver los dos puntos de partida totalmente diferentes:

− Expresionismo abstracto norteamericano/action painting: Hans Namuth, Jackson

Pollock painting, fotografía, 1950

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− Pop art: Warhol

1956 fin de expresionismo abstracto norteamericano e inicio del pop art, aunque en los 60
tendrá más visibilidad

La técnica es clave: en el pop art se huye de la huella del artista q es básico en el expresionismo
abstracto norteamericano, o sea el antropocentrismo. Usan aerógrafo, serie grafías, huyen de
la marca del artista.

La imagen figurativa q acerca a la cultura popular y estética publicitaria; hay retorno a lo

figurativo, publicidad. Parte de modelos mas cercanos a la cotidianidad.

Los pop quiere huir del exceso del sentimentalismo, de patos del expresionismo y una estrategia
es con una técnica nueva

El contexto económico también afecta, años 60 es de bonanza económica, gran consumo, etc.

11/10/18

Donde se comienza a gestar es en el Reino Unido, el texto: The artis of art media de Alloway.
1956. Es significativo en el contexto británico la figura de critico será relevante, es una de las
características del pop británico (no pasará lo mismo en USA)

Obra: Richard Hamilton, Just what is it

that
so appealing?, 1956. Cartel de This is

Dentro del contexto del reino unido,

de pop británico, está Hamilton que
se presenta para el cartel de una
exposición de un grupo de artistas
llamados the independent art (aquí
se ve otra diferencia con el pop
americano porque allí no había idea
de cohesión de grupo)

Dos diferencias entre pop britanico y americano: critico e idea de cohesión

Síntesis de las ideas claves del pop que salen en el cartel:

• electrodomésticos, la nueva clase social necesita estos aparatos, consumismo.

• la mujer como objeto más, híper sexualización, pin ups, lectura misógina y también sale
la otra mujer en la escalera la ama de casa o sea el otro arquetipo. Polarización q se da
en toda la historia del arte.
• La figura del hombre es cuerpo cosificado, alude al culturismo. Ver la exageración en
ambos casos.
• También ver el sentido del humor, el chupa chup.
• Contraposición entre los diferentes periodos históricos que remite a viñeta del comic,
que es la fuente de inspiración más importante del comic.
• Fuera de la ventana se ve un espectáculo, estamos en una sociedad del espectáculo.

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Influencias claras: el new dad, gracias al black mountin college, Cage, Motherwell; Duchamp
decía en el 1917 con La fuente de Ducham si el sr .Mut construyó o no con sus propias
manos la Fuente no tiene ninguna importancia. Él la ELIGÓ. Tomó un objeto de la vida diaria, lo
reubico de manera que se perdiera su sentido práctico, le dio un nuevo título y punto de vista y
. Es relevante en el nacimiento del arte conceptual.
Pone énfasis en q el decide la idea frente a la manufactura (ver contradicción con el
expresionismo abstracto norteamericano,). Ver la contradicción de la huella, el aura q quería
dejar el expresionismo abstracto norteamericano

Otra fuente es: Kurt Swchitters: To Kate 1947. (recordar

sus obras con artículos de reciclaje).

Buscan los comics como punto de inspiración.

También se ve el collage, y las postales.

Un precedente al pop es:

Otro artista clave es Eduardo Paolozzi: italiano q emigro a reino unido,

obra: Yo fui el juguete de un hombre rico, 1947/8.

Remite a mujer objeto, estética de pin up.

También sale una violencia neutralizada con el ¡POP! del globo y con el
avión militar con el q sale referenciada la 2º guerra mundial
idealizando la guerra; pero no se ve el drama q se vio en el
expresionismo ni informalismo. Desdramatiza el conflicto bélico.

El tema de la economía es también importante. Todas estas ideas son

interesantes para cuando estudiemos a Liechtenstein q hace referencia
la guerra.

Figuras puente entre el expresionismo abstracto norteamericano y el

inicio del pop art son: Robert Rrauschenberg y Jasper Jones

Robert Rauschsenberg trabajo en Black mountain college, él hacia las

escenografías y Cage ponía la música. En 1953 hay un cambio en sus
obras porque lo que hace en sus obras es partir de objetos cotidianos,
lo cotidiano. El pop art coge del dada la voluntad de reinterpretación
de lectura delo cotidiano (no cogen el nilhismo). Descontextualiza lo
cotidiano. Idea de los cotidiano. Obra: una cama, 1955, aun estaban
activos los artistas expresionistas abstractos norteamericanos y se ve la
almohada tratada con su huella, su marca; los artistas pop americano,
sobre todo querrán deshacer esa huella.

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• Otra obra: monogram 1955-59. Se ve q hay una nueva línea en relación con el new dada,
usa elementos encontrados.
• Obra coca cola plan 58. Hay la idea de jugar con diferentes lenguajes, las botellas,
pintura.

Otra obra interesante: Rebus 1955. Se ve

recuadros con postales pegadas con
imágenes de obras clásicas de la historia
del arte, también manchas de pintura. Se
ve claramente la intención de recuperar lo
cotidiano, pero no está con la posición
nilhista del dada.

Jasper Jones es otro autor que también está en contexto neo dadaísta, amigo de Rauschenberg
y de Cage, en el círculo de la black mountain college. En 1954 decide destruir su obra previa para
empezar obra con técnica de la encáustica con la q hará diferentes series.

• Bandera blanca 1955.

• Tres banderas 1958.

También está la iconografía de los nacionalismos, patriotismo, en momento de ascensión de

poder económico americano

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Otra serie: las dianas, 1967. Se ve la

importancia de la rugosidad de la
textura que en estas primeras series
se ve conexión con el expresionismo
abstracto norteamericano

Obra: número en color, 1959. Conecta con la idea del

trazo, el gesto, etc.

Obra: Pinted broze 1960. Interesante obra, hay q poner en contexto porque en 1959 conoce a
Duchamp y le impacta en su trabajo.

La diferencia con el pop es que las latas están en una peana o sea q aun lo ve como objeto
escultórico. Están pintadas de color bronce q también lo aproxima a escultura de tradición
previa. (Warhol con las cajas brillo no las puso en una peana y eran cajas encargadas a un artista
vinculado al expresionismo abstracto norteamericano de su entorno, ver que esto un artista
conceptual nunca lo habría hecho). Ver que aun hay reminiscencias

Andy Warhol. 1928-1987, familia humilde, emigrantes checos q se instalaron en USA en 1907.
A los 14 muere su padre (relación con la muerte) entre 45-49 se gradúa como artista en
Pittsburgh y empieza a trabajar en revistas Voge con sus famosos zapatos y en trabajos
comerciales.

Libro sugerido: Andy Warhol: filosofía de la A a B y de B a A

Sus primeros años de su trayectoria se vincula con el comic, Superman 1960, Dick Tracy, 1960,
etc., hace una experimentación, pero la deja pronto y decide trabajar en otras líneas como ser
la Marilyn o las sopa Campbell.

En las primeras obras: Dick Tracy se ve que aún hay pincelada clara o trazo, en Popeye del 1961
se ve aun los goteos y manchas q son deliberados, algunos estudiosos ven q es un homenaje a

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la muerte de Pollock q aconteció en esas fechas, Warhol era mitómano y muchos lo interpretan
como homenaje. Esto no le pasará a Liechtenstein

Las sopas Campbel, muchas series, tiene hasta casi 32 clases, idea q investigo muchos años. Sopa
q le vincula a recuerdo de su infancia q es lo q comía.

Esto se extiende a las cocas colas. La sociedad de consumo se extiende.

Rollo de billetes de dólar, 1962. Símbolo del capitalismo q es la esencia

del capitalismo. También ver la idea q es representar lo q el arte se
convertía y la importancia del dinero y el mercado. Ver artículo del
campus: de los galeristas y su relevancia.

La Factory, es un elemento esencial, en 1963 la fundo en NY, lugar de encuentro con artistas,
lugar de experimentación y allí era do de sus colaboradores le hacían sus series. Espacio de
experimentación. Idea de trabajo maquinal o de Factory. También era productor y daba espacio
para otros artistas: the velvet underground & velvet, relación con la música.

La Factory era espacio de experimentación también relacionado con cine, pero también con las
propias películas de Warhol, películas experimentales, con fondo homosexual, travestis, moción
clara a la cotidianidad, el tiempo real q le dura una siesta su amigo.

La relación con el gran publico de su obra cinematográfica experimental es más reducido:

Warhol también crea su propio personaje, la importancia de la imagen, reflexión q se hace sobre
la fama, lee texto de Warhol q habla de la fama., en sus reflexiones también se ve sentido del
humor

El tema de aurea: lee texto, ver la idea de la mirada del otro y también el sentido de humor.

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En sus series de Marilyn y de Liz Taylor, Elvis, etc. Ver q coge las celebritys en momentos de
mayor éxito. En esta época es cuando empieza a recibir encargos, idea de pintor de la corte.

Warhol en 1964 en la exposición de American

supermarket, se presenta con la idea de q ya no es una
pintura, presenta las cajas Brillo directamente (son
recreadas pero el público no lo sabe)

Esta obra hará que teóricos como Danto q es filósofo,

hablara q Warhol es figura clave para el nacimiento del
arte conceptual, ver la importancia de Duchamp que es
clave para este autor.

Fragmento de Danto: La importancia de la Caja Brillo

reside en el hecho de que ella misma puso de manifiesto
que la definición de arte iba a tener que ser bastante
más abstracta de lo que nadie había imaginado
anteriormente. En los años cincuenta, filósofos bastante influidos por Wittgenstsein mantenían
que no necesitábamos una definición del arte. La mera existencia de la Caja Brillo demostró que
estaban equivocados. ¿Como podía ser la Caja de Brillo de Warhol una obra de arte y los
paquetes de Brillo, no, a pesar del externo aire de familia que había entre ellos?

Ver la necesidad de hablar de lo que es el concepto arte, dilatan la definición de arte: esta idea
nos acompaña toda la asignatura.

Obra de Bidlo Not Warhol 1991. Salto en el tiempo.

Artista q entrará en un periodo q se desarrollará en
la década de los 90, en el entorno de la
postmodernidad que se denomina el
apropiacionismo, Not warhol hace esto en esta obra.
Ver la relevancia de esta obra en años posteriores

Video de comer una hamburguesa, video hecho por

el danes Jorgen Leth en 1981: es un hecho
performativo. Pone en relevancia lo cotidiano: lo q
vemos en el cine (las celebrity) a su amigo durmiendo la siesta, el comiendo una hamburguesa,
todos son actos cotidianos.

La última parte de la obra de Warhol es la que habla de la muerte (hay historiadores q dicen q
en las series de Elvis, Marilyn, Jackie Kennedy hacen referencia a la muerte); explícitamente la

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muerte en los accidentes de tráfico, el coge imágenes de la prensa y nos aproxima a la muerte,
es la cara B del consumismo. La otra cara de la sociedad

• Obra: Green Car Crash, 1963

• Otra obra: silla eléctrica 1971.

Imágenes q recoge de los medios de comunicación,

estamos en sociedad del bienestar, pero retorna a la otra
sociedad americana

A partir del 68 hay una serie de calaveras a partir q Valerie

Solanas intento matarlo con 5 tiros. esto le dejo impacto
en su cuerpo, dejo un cuerpo mutilado. Esto tiene un
impacto en la factory ya que deja de ser espacio abierto.
Ver el tema de la muerte desde diferentes puntos de vista:
accidente de coche, silla eléctrica, calaveras, muerte del
padre, intento de asesinato

Entre 67 y 71 dejo de hacer obras de serie y se dedicó al cine. Pero en el 72 volvió a las series
con la Serie Mao, ver que el 72 es una época de revolución maoísta muy duro y fuerte, con
campos de reeducación, etc. Presenta a Mao de manera ídem a lo q hacía con Marilyn. Lo
presenta despolitizado. Coge arquetipos de personajes publlicos. También hace los mismo con
Beuys en 1980, (activista q estará en FLUXUS)

Libro recomendado: Douglas Crimp W

estudios sobre las políticas de arte y la identidad de Douglas Crimp)

en la primera parte del texto que da nombre a el retorno de lo real, Foster intenta reconciliar
dos lecturas aparentemente opuestas de las obras de Andy Warhol, a las que él denomina
A F
L op warholiano ha sido formulada por aquellos
críticos e historiadores que han relacionado su obra con temas tales como el mundo de la moda,
los famosos, la cultura gay, la Factoria Warhol, y demás. Su versión más inteligente es la
realizada por Thomas Crow, quien pone en cuestión la interpretación simulacral de Warhol,
según la cual sus imágenes serian totalmente indiscriminadas y el propio artista absolutamente
impasible. Bajo la superficie glamurosa de los fetiches del consumo y las estrellas mediática de
Marylin y Lliz, en concreto de Jackie, provocan C
halla el objeto referncial de Warhol, sino a Warhol mismo como sujeto empático, y es aquí en

18/10/18

Roy Lichstenstein

La línea del comic y la idea bélica, conflicto, guerra, pero evitando la idea del pathos, dolor, etc.
Diferente al expresionismo abstracto norteamericano, más extremo que Warhol en el que aún
se veía choreos en su pintura (Popeye). Es una aproximación diferente. Lichtenstsein bebe de la
cultura popular: comic y de las series. Usa onomatopeyas, con toques de humor cinismo,
frivolización de la violencia. No presenta de la 2º GM, el dolor ni el pathos de manera diferente
q los informalistas que lo hacían referenciándolos a dramas.

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• Obra: Whaam!, 1963

• Obra: Mientras yo abria fuego, 1964
• Sweet Dreams Baby, 1965, con humor y frivolización de la violencia
• One dot at a time, 1964
• Beso V, 1964

Pero sobre todo y principalmente bebe de publicación de novelas de amor romántica, actitud
de las mujeres ante una relación con un hombre, mujeres esperando. Liechtenstein selecciona
viñetas, personajes, escenas y la recontextualizara, cambiando letras, globos coge un personaje
y lo transforma y lo manipula, da nuevo contenido a la viñeta.

Cuando él tiene la composición realizada la proyecta en un lienzo y lo que hace es con pincel
negro repasa los perfiles y usa el aerógrafo para la textura, para los puntitos, etc. Voluntad
expresa de hacer homenaje a cultura popular del comic. No hay voluntad q aparezca la traza, la
huella, el gesto;

Hay una obra que en el contexto del pop art, que rápidamente
es aceptada en las galerías, (Leo Castelli) La enfermera, 1964;
se subastó en Christies por 95.4 millones. Video para entender
quiénes son las chicas q salen en esa obra. Video.

Reivindica lo figurativo desde la cultura popular y le da

importancia a las series de TV, Hollywood y a la publicidad,
dando unos arquetipos de mujer concreto: rubia, silueta, ojos
azules. Lo interesante es q construye unos clichés. No olvidar q
desde el punto de vista masculino. La mayoría de los clichés

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remite a mujer sumisa q espera al hombre. Pero a veces sale mujeres sexualidades. Lo relevante
es q son mujeres estereotipadas. El cliché de la mujer mujeres estereotipadas

Otra serie: Ruinas 1965. Paisaje atómic, 1966

La recuperación de las ruinas es desde un punto de vista diferente a periodos anteriores:

romanticismo o neoclásico: con su idea de educar y enseñar y de dar sentimiento. Aquí hay una
distancia, Liechtenstein lo hace desde el frio y la racionalidad.

Es interesante relacionarlo con una crítica de arte: Barbara Rowl, que la vincularemos con el
minimal, ella dice que estos artistas del pop tendrán en común con el minimal esa frialdad,
distancia.

Paisaje atómico 1966: parte de lo estético, distancia. Es obra interesante porque cuando veamos
el nuevo realismo francés, que se desarrolla simultáneamente al Pop, uno de los representantes
es Blau Klein y una de sus obras se referenciara y relacionara porque hace unas siluetas en
alusión a las víctimas de Hiroshima pero q lo hace desde el sentimiento, del drama, tragedia
histórica. Ver que son posiciones diferentes dentro del mismo contexto, esto es importante.

Otra: brush Stoke 1965, es una broma referente al

expresionismo abstracto norteamericano, o sea el que ellos
dejaban la huella y mucho pathos. Liechtenstein hace lo
contrario, se aleja de toda emoción.

Es importante las grandes dimensiones de las obras.

A Studio. En relación a interpretaciones: a

una danza de Matisse o al otra cara de BCN

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Tom Wesselman, estudio en NY entre los años 1957-60. Inspiración también en los comics. Se
centro en investigar los ensamblage (recordar Rauchenber). Tendrá dos series:

• Naturalezas muertas: son elementos ficticios, pero siempre pone elementos de la

cotidianidad.
• Mujeres desnudas, una serie. Mujeres desnudas q salen de bañeras.

• Naturaleza muerta Nº20, 1962

• Still LifeNº17, Mixed media
• Still Life Nº 24

• Gran desnudo americano nº1 1961.

• Gran desnudo americano 53 la contrapuso con otra obra de Kooning, por la
contextualización. Aquí no hay rostro, que intenta la cosificación

Otra obra: donde sale el cigarrillo con la idea d lo sexual, los arquetipos, ver que siempre
juega con arquetipos porque bebe de la publicidad. Mujer como objeto. Fruta, flor,
dormitorio.

Autorretrato, dibujando 1983

Cosificación del cuerpo femenino

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Mel Ramos, pintor vinculado al pop, aquí las mujeres son más realistas y remiten a actrices,
equivale a la mujer desnuda con los objetos, la mujer es equivalente con el objeto anunciado:
es explícito en eso. Las mujeres como mujer publicitaria, mujer como producto o mercancía.
También la idea de sociedad del espectáculo. mujeres con marca de bañador, hetero patriarcal
misógino

• Della Ramos, 1972

• American 1935-mixed nuts,2008
• Tea at 5pm, 2008, sale un Mondrian, mujer más realista, sale claramente la idea de
sociedad del espectáculo. (no imagen)

Mujeres artistas vinculadas al pop, a los primeros momentos, inicio de los 60, pero sin mucha
visibilidad:

Marjorie Stridner, usando el sentido del humor y haciendo una subversión de la sexualidad:
hace una serie de mujeres con rábanos. Es otra manera de cosificar el
cuerpo de la mujer, hace de alguna manera una denuncia de la cosificación
del cuerpo de la mujer

Girl with radish, 1963

Ahora no hablamos de pop: con Martha

Rosler, body beatiful, or beaty knows no pain,
1966-1972. Figura clave del arte activista y arte
vinculado con conciencia de género. Revierte
la figura de la mujer como lo mujer
reproductivo y la cocina, juega con arquetipos
para vender electrodomésticos.Otra obra hot
meat, usar la mujer como objeto

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Eulalia Grau. Aspiradora 1973, la mujer aplastada por una aspiradora. Hay relación con Marta
Rosler

Hemos visto contra relatos al Pop

Volviendo al pop y a USA:

Claes Oldenburg. Hamburguesa 1962. Trabaja en NY, viene de Estocolmo, trabaja en el campo
escultórico. Viajo mucho por USA, padre diplomático

En USA conoce con Kaprow (relación con hapenings y black

mountain college) el trabajo de Oldenburg será de
instalaciones muy grandes donde será importante los
creando espacios escenográficos. Los happenings también
generan espacios. Obras con objetos de grandes
dimensiones. Tuvo gran reconocimiento y tiene mucha obra

Importante: Obras de grandes dimensiones,

descontextualización y recontextualización, la cotidianidad

Idelle weber, mujer vinculada con el foto realismo o hiperrealismo. Esta artista está entre el Pop
y el foto realismo o hiperrealismo. Trabaja mucho con la silueta. Es importante la idea de lo
anónimo, la masa. Ver q estamos ante sociedad pasiva, nos dicen como heos de vivi, consumir,
etc.: la ciudad del espectáculo de guirigord.

Los protagonistas son hombres de negocios, sin

rostro, anónimos. También relaciona con el
negocio. También remite a la cotidianeidad, pero a
una parte de la sociedad.

POP BRITANICO

Es el

Obra de: Richard Hamilton y el cartel de la exposición This is tomorrow. Es una síntesis de la
cultura pop.

El indepent group, que participo en esa exposición

Diferencias con pop americano:

Los británicos tienen un grupo: the indepenten group y la figura del crítico: Laurence Allowey,
en el contexto del 58, días y art media que habla de la importancia de los medios de
comunicación q era la fuente del pop. Alloway era también curador y crítico y en el 58 se fue de
director del Guggenheim de NY.

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En el Pop el británico:

• Relevancia de critico: Alloway

• Énfasis de la cultura popular local, propia, folclórica, ej. casa real, pubs,
• Los británicos usan dimensiones más pequeñas que los norteamericanos
• No tienen necesidad de alejarse ni rebatir de una emoción, de distanciarse de un
sentimiento, a veces hay pinceladas y manchas. Importante
Los norteamericanos si tienen la necesidad de huir de eso porque es una respuesta
directa del expresionismo abstracto norteamericano
• Precedente: hay una relación directa con dada, sobre todo con las obras de Schwitters
y sus obras con materiales de reciclaje. Recorta elementos de la cotidianidad
resignificarlo y redificarlo; o sea tendrá relación directa del dada. En To kate, 1947 se ve.

En el Pop de USA:

• No hay critico relevante.

• Precedentes: new dad del Black mountain college, Motherwell, etc

Pero en británico

Eduardo Paolozzi es italiano q emigrara a Reino Unido: con todos los arquetipos mencionados.
Recordar la palabra pop, la pinup, la cereza, obra: yo fui el juguete de un hombre rico.

Volviendo a Hamilton: exploremos juntos las estrellas, 1962.

Hay voluntad de relacionar la actualidad con hechos históricos.
Lo importante es que esta presenta con pinceladas no vistas
en contexto americano. Esta en un contexto inédito al pop
americano.

En: El crítico ríe, hay sentido del humor.

Peter Blake, pop británico

Obra: En el balcón, 1955-56, salen una especio de autónomos, foto de la

familia real saludando, sale portada de Life (espacio de popularidad). Ver
q está presente la cultura popular local.

Otra: se ve cultura popular relacionado con la música, colaboración con

la música, ver la conexión de la interrelación de culturas.

Obra; the toy shop 1962, era el armario del artista y de sus juguetes,
objetos cotidianos, pero con una pátina de nostalgia. Ver q esto de la
memoria propia no tenía los americanos

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En su autorretrato 1961, sale: relación con la música: fan de Elvis y usa

tejanos que es una admiración a cultura americana. Es un registro de
pintura diferente al pop americano, no hay la tensión de la pincelada
limpia,

Allen Jones, al principio vinculado con surrealismo, su obra vinculado con erotismo, sensualidad,
mujeres objetos. Entre 65 y 67 se instaló en NY y cambio rotundamente su producción y sus
obras son más explicitas del cuerpo femenino. Puede venir a la cabeza ideas de fetichismo.

Con la left y right hand

lady: hay unas manchas
que no había en USA.

Desnúdame: 1970, más

cosificación de la
mujer.

La naranja mecánica de Kubrik sale Allen Jones

participando en el mobiliario y las mujeres salen
como muebles.

Otra: mujer objeto al límite, hipersexualidad,

muñeca hinchable. Llevando al extremo la
violencia

Lee texto, lo transitorio y efímero es importante, cultura de masas, estamos en sociedad de

espectáculo

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