EXPRESIONISMO ABSTRACTO

AMERICANO
1.- INICIOS DEL EXPRESIONISMO ABSTRACTO
AMERICANO
Europa seguía siendo el centro de creación artística de vanguardia. En este periodo
E.E.U.U tenía dos opciones:
- Convertirse en una sucursal del arte europeo: sobre todo del Cubismo,
Futurismo, Dada,… Que es lo que hicieron los americanos al principio.
- Opción más tradicional estéticamente, vinculado con el Realismo y es más
crítico, de alto compromiso social (similar al Realismo francés del XIX).

De estas tendencias saldrán formas más depuradas, surgiendo el grupo de la escena

norteamericana que se identificará con la crísis de los años 30. Entrarán así en el
concepto de identidad del nuevo imperio, fundamental para la dominación capitalista.
Por eso, tendrán que crear una identidad propia y unos valores identificativos que no
tienen. Esto hará una pintura tradicional con aire reaccionario y alimentada por el
Realismo.

Gótico americano: Se intenta ensanchar la tradición de los pioneros americanos,

es de aire conservador, calvinista,…Usando una iconografía muy cinematográfica. La
síntesis del proceso de identificación está representado por Word, en una óptica casi
hiperrealista.

Cuando la pintura empieza a tener importancia social es cuando Roosevelt

comience con el New Deal y su intervencionismo público. Esta política incluye a la
pintura en el proyecto federal del arte, presentando proyectos de diseño innovador y de
fácil comprensión para el espectador. Se ensanchara la industria y la modernidad.

Destacarán pintores que jugarán entre una tradición vanguardista y la gran

influencia del cine.

Edward Hopper: Representa de manera instantánea la nueva vida del país con un
gran afán de cercanía y ternura. El pintor será muy popular; interactúa con la dimensión
cinematográfica.

Se empieza a plantear una actitud existencialista ante la crisis, se trataba de una

sociedad más de izquierdas de lo que cabría esperar, lo que propició la unión de la
cultura cinematográfica, literaria y pictórica. Todo ello provocará una influencia en el
arte:

- Pintores menores precursores.

- Tradición para encontrar la cultura americána.

Estados Unidos se convertirá en el primer país que tiene un museo de Arte

Contemporáneo, el MOMA se creará en 1929. Hay que añadir que la falta de historia
del país provocó un masivo coleccionismo. Cuando Barr crea el MOMA lo hace gracias
a coleccionistas apasionados por las vanguardias. Esto hace que las vanguardias dejen
de ser minoritarias para llegar a institucionalizarse.

Cartel de una exposición del MOMA

Son exposiciones genéricas, no son específicas como Fantastic Art Dadá
Surrealism. La exposición fue posible gracias a que todos los artistas vanguardistas se
trasladaron a New York tras la llegada de los nazis a París. Los artistas en el exilio
expondrán en la Galería del hijo de Matisse.

Personaje importante en la época es Peggy Guggenheim que será una rica

coleccionista y marchante. Había sido musa y amante de muchos artistas en París, se
traslada a New York y se dedica ha abrir una galeria de arte y hará exposiciones como
Art of this Century que eran exposiciones de artistas vanguardistas, pero también con
jóvenes promesas del Expresionismo Abstracto americano.

Otro personaje importante, Salomón Guggenheim, tendrá una relación con una
baronesa alemana que será la promotora de Kandisky esto hará que Kandisky entre por
la puerta grande e influya en los jóvenes americanos. Esta colección será el principio del
Museo Guggenheim.

Exposición de la serie de Peggy Guggenheim

Eran exposiciones cuyo concepto era muy esceanográfico. Estos cambios en las
exposiciones de Peggy las elaborará Duchamp que será el comisario de muchas de ellas.
Realiza juegos de espacios, esculturas junto a pinturas, etc…

Habrá un estilo que tendrá la mayor de las importancias, será el surrealismo,

tanto el freudiano como el joungiano, aunque este último influirá más. Esto hará que los
artistas viajen a Cuba, México, Sur de California,… Esta influencia joungiana creará
una cultura del símbolo lo que generará obras que no tienen interpretaciones inmediatas,
sino que son obras más ambiciosas que no están basadas en experiencias concretas. El
que mejor refleja este surrealismo es Roberto Matta (el universo del proceso. La
violencia de la dulzura. Pintura).

Estamos ante un momento en el que asistimos a una de las máximas del arte
contemporáneo que es cuanto menos espacio narrativo. Cuanto menos valor narrativo
más abierto es su significado. Se rompe el código de transmisión artística por lo que
abre posibilidades expresivas del arte. Pero siempre está la diversidad de
interpretaciones del espectador. Se rompe el triángulo emisor-mensaje-receptor teniendo
el receptor más libertad para interpretarlas.

El término de "expresionismo abstracto" se debe al crítico de arte del "The New

Yorker", Robert Coates. Pero debido a las distintas concepciones expresivo−plásticas
que conforman este movimiento, en el año 1952 el crítico Harold Rosenberg utiliza el
término de action painting (pintura de acción) para definir mejor el enfoque común de
la mayoría estos artistas, la importancia dada al proceso o acto de pintar por encima del
contenido.
2.- PINTORES PROPIOS DE LA ESCUELA DE
NEW YORK.

2.1.- Inicios de una estética

Gorky: Pintor de origen armenio que va a Norteamérica donde toma contacto con los
inicios de la vanguardia, especialmente con el surrealismo, pero ya de tipo colectivo. En
primer momento desarrolla un estilo tradicional.

Autorretrato con su madre

Su línea casi picassiana impera en sus retratos. En los años treinta se relaciona
con De Kooning y hacen una pintura realista, manteniendo en los retratos el referente
picassiano, pero pronto dará un giro trascendental en su pintura porque conoce el
surrealismo. Su obra está influenciada por el descubrimiento de Joan Miró.

Los Esponsales
Inspirado en los interiores holandeses de Miró que le provocan una importante
fascinación dejandole una gran huella a lo largo de los años 40.

Tiene relación con los abstractos, con los surrealistas (especialmente los
jungianos como Matta), y en el 46 debido al abandono de su mujer y una existencia algo
tormentosa Gorky, tiene en sus últimos años de vida muchas experiencias intensas, algo
que se verá en su obra, máxime cuando acaba suicidandose.

Árboles de miel
Hay que distinguir entre el fondo y la forma en las obras de Gorky si son de
vanguardia o no: tres dimensiones no se pueden representar en dos si se quiere dar
realismo, pero con el tiempo no hay una estructuración definida, al principio hay figuras
en un espacio, pero luego las formas son más confusas y cada vez son espacios más
definidos; son imágenes en las que se ve un fondo y una forma, pero ya menos
distinguible y más fusionado. No hay una jerarquía en el tema de la representación. Son
formas que según nos señale el título podemos hacernos una idea de lo que quiere
mostrar, aunque a veces no hace sino confundirnos.

Agonía
No solo describe de lo que va el cuadro sino que es el reflejo de su propia
biografía.

Se empieza a ver una maraña de dibujos, tira por tierra los canones tradicionales
de la Historia del Arte, poruqe antes la línea delimitaba el campo de color y ahora la
línea va por un lado y el color por otro.

Lo inaccesible
Quiere dar una sensación clara e inmediata de que no es un objeto con un fin en
sí mismo.

Molino de agua florido

 Todo queda cada vez más indefinido y llegamos a no saber que es fondo y que
es forma. Se supone que es un paisaje, pero no lo ves hasta que no te dice el título.

Hofmann: Gorky se convierte en su precedente. Es de origen alemán y se va a New

York entre la primera y segunda vanguardia. Siempre había sido de segundo orden en
Europa, por lo que, en una parte, está en desventaja ante el estudio teórico y crítico, lo
que, sin embargo, le viene bien a sus alumnos porque les informa, pero no les influye su
carácter sintético que se ve en obras como:

Primavera 1940
Un cuadrado hecho con dripping o goteo, que no es una técnica inventada por
Pollock pero este la lleva a sus últimas consecuencias. En este cuadro se ve el fondo y la
forma.

Hoffmann como una esponja recoge influencias de todos:

El nacimiento del toro

Reminiscencias en la temática de Picasso poruqe en estos momentos el Guernica
estaba allí expuesto. Los colores indican obsesión por el tema de la República Española,
que junto a la Guerra Civil Española, son temas que obsesionan a los americanos (ideas
de morir por la libertad, etc…)

CARACTERISTICAS GENERALES DEL EXPRESIONIMO AMERICANO

 Nueva York fue su principal sede

 El Expresionismo Abstracto debe más a algunos aspectos del Surrealismo que a ningún otro
movimiento previo, de tal forma que Robert Motherwell sugirió denominarlo "Surrealismo Abstracto".

 No tiene un programa teórico; sólo un principio que hace de guía: el énfasis sobre la creatividad del
acto de pintar, un rechazo a hacer planes por adelantado y decidir, antes del proceso de pintar o dibujar,
qué aspecto va a tener la obra o qué es lo que quiere significar.

 Ausencia de toda relación con lo objetivo.

 Rechazo de todo convencionalismo estético.

 Expresión libre y subjetiva del inconsciente.

 Ejecución totalmente espontánea.

 Valoración de lo accidental y explotación del azar como recurso operativo.

 Intensidad de propósito: lo que importa es el proceso o acto de pintar más que el contenido.

 Predominio del trazo gestual en expresiones de gran virulencia y dinamismo.

 Empleo de manchas y líneas con ritmo.

2.2.- Artistas de Primer orden

Jackson Pollock (1912-1956): Es el primer artista consciente de estar

cambiando la Historia del Arte americano, recibiendo el beneplácito de la crítica. Desde
pronto se relaciona con los artistas que llegan a Estados Unidos, incluso viaja a
California.

Sus obras nos recuerdan mucho a las escenas tradicionales americanas:

Camino hacia el Oeste

Aún siendo unas formas todavía tradicionales ya los colores y las vibraciones
crean una estética distinta. Estamos en los años treinta y Estados Unidos se influye
mucho por el cine, porque está en su época dorada, siendo el Western un baluarte
temático.

Paisaje marino
Cada vez irá ganando fuerza expresiva, apenas se puede identificar el tema por
la expresividad. Esta obra de finales de los treinta se aleja, casi totalmente, de las formas
tradicionales.

La hoguera
Sentido mágico, en sus obras encontramos referencias mitológicas con una gran
fuerza de identificación colectiva, apareciendo una pintura de carácter simbólico o
sagrado.

La loba
Simbología.

En el 40-41 ya el Guernica ha llegado a New York, es la estrella del MOMA y

todo autor que se precie tiene que ir a verlo, porque es todo un hito; el Guernica impacta
a todo el mundo en la Exposición de París, por lo que, se convierte en un referente, pues
une política y vanguardia.

[hay un toro y una mujer]

Hombre y mujer
Influencia del Ying y del Yang y también de Picasso en los rostros.

La llave
Siempre con simbología, de nuevo el Guernica se deja ver.

Mujer lunar
Surrealismo jungiano colectivo, busca lo mágico, las referencias a la
imploración a la naturaleza.

La búsqueda de un símbolo (fondo rosa claro)

De repente se celebra en 1943 una exposición y Peggy Guggenheim deja un

enorme mural para que lo decore Pollock, por lo que ya no tiene que narrar algo, sino
simplemente decorar; es ya de un Expresionismo Abstracto porque no se distingue
fondo, ni forma, (los Abstractos le recriminan a los Cubistas que analizan y facetan
tanto los objetos, que el objeto pierde su identidad porque buscaban un realismo mayor
y lo que encuentran es la Abstracción y por esto se asustan; por esto los Cubistas nunca
llegarán a integrar fondo y forma, algo que nunca perdonaran los abstractos). En este
mural lo único que pretende es que se presenten formas para mostrarlas al espectador; el
mural está aún pintado al óleo, pero pronto empezará a usar el dripping.

Ceremonia nocturna 1944

Gótico
Es importante el que no ponga título a ninguna obra realizada con Dripping que
lo descubrirá en el 46. Ya no se distingue fondo y forma, esto es importante, ya que un
trozo del cuadro funciona y tiene validez por sí mismo ya que no existe un centro en el
que se articule la composición. Se pierde la jerarquía de la representación y por eso
podía estirarse hasta el infinito o verse solo un fragmento.

Ojos de Calor
Estamos a mediados de los años 40, pero queda el paso definitivo, como
veremos aquí, en donde la técnica y el material usado es sólido.

El paso definitivo se dará con la técnica del DRIPPING, que consiste en colocar
la pintura en una bolsa y agujerearla para que la pintura chorree sobre el lienzo creando
con diversas consecuencias el alcance de mayores ambiciones, la más importante de
estas ambiciones es el proceso, pues éste decide la composición última; es la primera
vez que la obra lleva el propio sentido de dinamismo, de tiempo (este será un elemento
determinante en la pintura). Esta propuesta es una de las más arriesgadas para conseguir
plasmar el tiempo en la obra, y no será hasta el arte cinético cuando esto se consiga. El
dripping en sí no representa nada pues estamos ante la crisis del concepto de
representación ya que nos encontramos en un arte no narrativo sino que nos lanza unas
formas visuales para que interactuemos con ellas al contemplarlas.

En definitiva, el Dripping supone la respuesta a la necesidad de combinar pensamiento,

acción, dibujo y pintura en un solo proceso.

El gesto (dripping): La pintura gestual implica la ausencia de bocetos o estudios realizados previamente.
El pintor hace el cuadro depositando la pintura sobre el lienzo, generalmente colocado en el suelo y
desprovisto de bastidores, siguiendo el automatismo que difiere del que propusieron los surrealistas
porque responde, más a la asociación automática de imágenes al impulso corporal del gesto. Está más
cerca de la danza que la poesía, más corporal que imaginativo, y tiene más en cuenta la materialidad e la
pintura y sus posibilidades materiales que la figura a construir.

Podemos apreciar dos técnicas que se desarrollan con el gestualismo:

1.- All over Painting: El gestualismo va ligado a una concepción el cuadro en la que la pintura lo cubre
totalmente sin la diferenciación tradicional entre figura y fondo.
2.- Dripping: Técnica de chorreo que arroja la pintura sobre el cuadro con fuertes dosis de azar.

Nº 1 1948
Las obras dejan de tener nombre, evidencia de la no narratividad del arte.

Guerra 1948
 De influencia picassiana, no influido por el dripping. Son como ideogramas que
se disuelven en el fondo del cuadro creando un peculiar dinamismo. Esto es paso que
antecede a la plasmación de las visiones psicoanalítica que en Pollock son afines a Jung,
es decir, a una idea del subconsciente como un organismo articulado por los prototipos
culturales.

Nº1 1950
La obra funciona en sus distintas partes igual que la obra completa, esto muestra
una novedad en la pintura pues anteriormente hacia un punto de desarrollo. En cambio
Pollock consigue que los fragmentos funcionen por si mismos al repetir los mismos
modelos que la obra completa. En el Dripping vemos un horror vacui como sucedía en
el gótico.

A principios de los años 50 es cuando más importantes son estos planteamientos,

así en estos años se realiza una serie llamada Diamantes negros que es casi una pintura
figurativa, sin nombre, jugando con la recreación de la forma. Esta serie descolocará a
los críticos (Pollock en estos años se ha convertido en una personaje emblemático en la
sociedad estadounidense, debido a esto encontramos dos polos que surgen en la política
de EEUU siendo uno de ellos el de la política interior, donde se sigue un pleno
desarrollo de la censura y el otro, reflejado en la política exterior, mostrando un país
dinámico y progresista).

Lo profundo
Magnífica síntesis de los que es su proceso, es una obra más sencilla, dócil, de
sensibilidad exquisita. No se sabe lo que es el fondo y la forma, no es una obra de tanta
fuerza como las anteriores, es mucho más pausada y más dura en sus planteamientos.

Willem de Kooning (Rotterdam 1904 - Long Island 1997) fue un pintor neerlandés
nacionalizado estadounidense. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de
Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de
esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Más tarde, de Kooning
experimentó con otros movimientos artísticos.

- Serie de pinturas negras: ciclo de pinturas que culmina en obras como:

o Ático: Se ha eludido la tridimensionalidad, aparecen formas como
disputándose el lienzo. Esta obra se lee como el ático donde se acumulan
los trastos o memoria que están superpuestos formando una amalgama.
o Excavación: Relacionado con nuestra tradición, de ahí que se excave
para encontrar el modelo o referencia.

Ambas son el binomio de un lenguaje propio, es más, si que fragmentara alguna

obra, el resto seguiría funcionando artísticamente la pintura (este detalle es muy
observado por los artistas del expresionismo abstracto).

1.- En los 50 la mujer (es el único que mantiene la representación de la figura

humana pero lo fusiona con la abstracción) se convierte en un tema muy reiterativo en
su obra, caso obsesivo. Paulatinamente gestualiza el trazo, siendo este el portador de la
expresividad, es decir, la mujer en este caso es un objeto más del lienzo, sin aporte
emocional, algo de lo que se diferencia de Rothko. Aparecen los objetos como
devorados por el espacio y el tiempo. La mujer tiene los volúmenes definidos llegando a
ser táctil. El artista no quiere crear sensación de profundidad por lo que no hace
degradación tonal (plantea con ello una solución postmoderna: acaba con la jerarquía
entre fondo y figura. Trazos rápidos, son unas líneas dejando al espectador que éste
conforme la volumetría final).

Conforme se desarrolla la estética de De Kooning, hay mujeres con mayor

fuerza expresiva, pero esta expresividad reside en las destrozadas figuras, y éstas son
impasibles. De hecho los títulos de los cuadros sobre mujeres no tienen título con
ninguna carga emocional, sino que son meramente descriptivos.

Hacen una crítica a los cubistas pues al descomponer o facetar algo circular ¿Por qué es
obligatoriamente ortogonal en su reconstrucción?, en este aspecto De Kooning supera a los cubistas.

2.- En los 60 y 70 otro de los grandes temas es el paisaje, ya sea urbano o

campestre. Cada vez más va introduciendo más color pero con la idea que crear puntos
focales que son unidos por el dibujo de forma expresiva. Generalmente son paisajes de
tipo atmosférico en los que por unos mínimos trazos insinúa casas, árboles… Cuando la
caza de brujas se recrudece el artista se aislaba más. Usa colores más compactos para
ambientes de fuera de la ciudad pues no busca la representación del paisaje en sí sino
una recreación de la naturaleza que le circundaba.

Puerta hacia el río

Luz del Atlántico Norte

Algunos críticos ven su obra como la subjetivización del aspecto exterior. Puede
usar varias técnicas pero la esencia pictórica es siempre la misma en toda su obra.

Mark Tobey (1890 – 1976). Carliforniano que se mueve dentro del concepto de
pintura absoluta. Influenciado por la filosofía oriental de tal modo que se desvincula de
la occidental para su arte. Esta influencia no es la forma exótica de Gaugin, sino que el
artista es el primero que se introduce en las formas de representación y de pensamiento
oriental (“lo infinito lo llevamos dentro”). Influirá en el concepto actual de
contracultura, la que se desarrolla a parte de los cauces del modelo establecido, la
underground; esta implica su propia filosofía, pero deja de tener sentido cuando se
institucionalizó a finales de los 70 pues perdió su potencial corrosivo (todo lo que se
institucionaliza en el arte deja de tener sentido).

De lo oriental le influye la filosofía Zen y sobre todo la Bahaista (persa) y lo

lleva a la serie llamada Escrituras blancas: son universos de pequeñas partículas. Es
una pintura absoluta conseguida con medios como la figuración y la abstracción. Estas
obras dan un sentido místico mucho mayor que muchos de sus contemporáneos a la vez
que se intuye un carácter más abierto.

En estas obras se funden la espontaneidad gestual y el concepto del espacio oriental, de lo que resulta un
conglomerado de formas menudas y laberínticas que evocan paisajes urbanos o la angustia de las
megalópolis que sólo la filosofía oriental ayuda a soportar. Tanto radiación ciudadana, como otras obras
de inspiración en la forma de las grandes ciudades, están basadas en el laberinto, en la confusión y en la
complejidad estructural de las grandes urbes occidentales. Un enorme conjunto de líneas, que parecen
sacadas de la fotografía aérea. Grandes colmenas donde se mezclan los edificios, las calles, la ilusión de
transeúntes paseando por las calles, en una atomización que conduce a la idea de una pintura original y a
la vez compleja. Descontento con la perspectiva tradicional y el espacio que desde el Renacimiento se
había vuelto represor, Tobey busca una nueva libertad que le permita abordar los temas que le interesan:
esas grandes ciudades modernas bullendo de gente que va de un lado a otro, como hormigas atareadas o
como símbolos chinos.

Aspectos técnicos y estilísticos:

Partiendo del conocimiento profundo del arte de Extremo Oriente que le proporcionaron estos viajes, en
los años treinta se interesa por la caligrafía oriental -los signos-, a los que despoja de su significado
tradicional, para quedarse sólo con ellos, como palabras que pierden el sentido y mantienen únicamente el
sonido, haciéndose así repetibles hasta el infinito y dando lugar a una trama o un laberinto de signos
blancos y filiformes, casi iguales. Escrituras blancas les llamó a estas imágenes, en las que cruzó, como
ha escrito Argan, las aguas tranquilas de las tradiciones figurativas de Extremo Oriente con las agitadas
corrientes europeas... (americanas ya). Su meta era armonizar las culturas oriental y occidental y
encontrar respuestas a su pintura tanto en orientales como en occidentales (americanos o europeos).
«Con la escritura blanca -ha escrito Tobey- ví que podía pintar los frenéticos ritmos de la ciudad modema,
algo a lo que ni siquiera podía aproximarme con técnicas del Renacimiento.» Tobey no es un pintor de
acción, sino de meditación, lo que le diferencia de la mayor parte de los pintores del momento. Y la línea
que él inaugura, de atención a las raíces profundas del arte oriental -que, por otra parte, no era
radicalmente nueva- es una de las más productivas en la segunda mitad del siglo XX.

Clyfford Still (1904 - 1980) fue un artista estadounidense, un pintor, y fue además
una figura destacada del Expresionismo abstracto. A fines de la década de 1920 y a
principios de la década de 1930, Still estudió en la Universidad de Spokane, en
Washington (Estado), garuándose en arte en 1933. Enseñó en el Centro de Arte de
Spokane durante la gran depresión y en la Universidad del Estado de Washington.
Después de trabajar en California entre 1941 y 1943, Still tuvo su primera exhibición en
1943 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco. Unos años después conoció a
Mark Rothko y tuvo otra exhibición. En 1946 obtuvo un trabajo en la Escuela de Bella
Artes de California, en San Francisco, pero volvió a Nueva York en 1950.

Es el que menos se perturba ante las influencias. Reniega de la pintura como

discurso, no tiene porque decir nada y también reniega de la sensiblera histórica de la
pintura. La pintura debe ser un elemento que lleve a un concepto que no signifique más
allá de la propia pintura. No hay simbolismo, es pintura pura. Algunos pintores como
Tobey están influidos por lo místico pero la pintura de Still se mantiene impasible, con
carácter fuerte; una pintura abstracta en estado puro. Esto es un intento de la búsqueda
de la libertad absoluta.

Mark Rothko: Markus Rothkovitz, pintor de nacionalidad estadounidense,

aunque nacido en Rusia, (Lituania 1903 - Nueva York 1970). Nació en una familia judía
rusa que emigró a Oregón (Estados Unidos) en 1910, obteniendo la nacionalidad de este
país en 1938; firmó sus obras con el nombre "Mark Rothko" desde 1940.

Es uno de los principales exponentes del expresionismo abstracto -incluso él

rechazaba esta categoría alienante de “pintor abstracto”. Estudió en la Universidad de
Yale, (1921 - 1923); en 1925 comienza en Nueva York su carrera como pintor, de modo
autodidacta. Hacia 1940 realiza una pintura muy similar a Barnett Newman y Adolph
Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas biomorfas. A partir de 1947 su
estilo cambia y comienza a pintar grandes cuadros con capas simples y finas de color.
Al pasar los años las composiciones suelen ser dos rectángulos grandes confrontados,
con bordes desdibujados por veladuras.

Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la

finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido
religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con
abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta
época la capilla de la familia Ménil, en Houston, un espacio de oración donde catorce
cuadros cubren un espacio octogonal creando una atmósfera que inevitablemente
empapa al espectador.

Finalmente un episodio depresivo, posiblemente con influencias de

antidepresivos y adicción profunda al alcohol llevó a Rothko al suicidio

Sepultura: Presenta un repertorio iconográfico de las culturas tradicionales de EEUU.

Las formas aún no se han liberado del sentido narrativo al contrario que Still.

Palos de magia: Las formas se van liberalizando con respecto al marco y entre sí.

Paulatinamente abandona los títulos mitológicos y la estética de estirpe surrealista, a partir de 1947 su
abstracción se hace más lírica y simbólica hasta llegar al lenguaje de sus composiciones clásicas en 1949.
Durante este periodo de transición realiza la serie de las Multiforms, obras que eluden la utilización de
signos y comienzan a crear ese ámbito de trascendencia que culminará en lo clásicos de áreas expansivas
de color que recreará una y otra vez hasta el final de su trayectoria artística y vital. En todo este tiempo ha
cambiado la forma, pero el concepto de mito no ha desaparecido. El hecho es que Rothko ha encontrado a
principios de los años 50 su forma de expresión interior más auténtica para concentrar su visión del drama
humano. El espectador recibirá su meditación como una experiencia mística, como un ritual religioso y
no estético, permanentemente Rothko insistió en que su pintura en ningún caso se reducía a la belleza
ornamental desprendida por las calidades de sus colores. La forma sensible de ese drama serán los planos
infinitos de color en expansión hasta liberar al espectador en un estado contemplativo. Sus pinturas
pasarán de una fase donde predominan colores luminosos muy intensos a otra caracterizada por
tonalidades oscuras.

Aplica una pintura muy ligera en dos o tres rectángulos de contornos suaves, que llenan una tela
de dimensiones cada vez mayores. Rothko, lo mismo que Pollock, quiere ir más allá del cuadro de
caballete, y sus motivaciones no son distintas de las de aquél, aunque los resultados difieran por
completo. Más próximo a la pintura de Newman y Still, Rothko superpone capas de color poco
empastado, con ligeros cambios de tono, pero brillantes y sensuales.

De repente introduce el color pero en un sentido de atmósfera, que primero será

más densa y evoluciona a un toque místico. Las obras no las titula. Estamos ante un
caso de neoplatonismo: el artista es el intermediario entre lo ideal y lo material. Este
ideal ha de ser interpretado como abismo ya que Rothko lo define como “asomarse al
abismo”, es decir, a lo infinito y representar un testigo de ese abismo. Pero según el
autor ese abismo atrapa. El testigo que plasma Rothko son manchas de color como
flotante de manera que el artista se va quedando atrapado. Nunca llegan a tocarse los
colores entre sí, así pues lo impresionista y lo vaporoso se integran al máximo.

Barnett Newman (1905 - 1970). Pintor estadounidense asociado al

expresionismo abstracto y un destacado exponente de la pintura de campos de color. Su
producción más representativa consiste en sencillas composiciones en las que una
amplia área de color -un campo de color- es traspasado por una o dos líneas verticales.

En sus primeras obras de la década de 1940, Newman intentó desligarse de las

influencias contemporáneas; sus disposiciones de líneas verticales y horizontales y
formas circulares se conciben como representaciones de superficies y vacíos.

En 1948, Onement I (Colección Newman, Nueva York), se reduce a un lienzo de

sólido color roto por una única banda vertical en contraste, una composición que
volvería a utilizar. Estas bandas de color verticales toman un relieve intenso, creando
una tensión, un dramatismo sobre el lienzo que atrapa al espectador, a la vez que divide
en dos campos de color análogos la composición rectangular.

Newman también explotó el impacto que causaba el tamaño de los cuadros,

rebasando el campo de visión del espectador.

Al igual que otros artistas de esta tendencia, sus obras tienen un contenido
místico y espiritual. La obra de Newman influyó en otros pintores del expresionismo
abstracto.

Planteamiento parecido al de Rothko en tanto a cuestiones metafísicas

(neoplatonismo), no obstante, él no queda tan atrapado en ese abismo. Su técnica puede
definirse como geometrísmo abstracto.

Abismo euclidiano: La abstracción geométrica se caracteriza por su implicación con el

espacio exterior al lienzo (las líneas amarillas). Traspasan y continúan sin principio ni
fin. Ahora se destierra la perspectiva de Euclides, y mediante esa manera de asomarse a
ese infinito es la propia argumentación de la perspectiva, es decir, a partir deformas
sintéticas y mínimas consigue tanta profundidad.

15-3-07 (clase del debate ¿Qué es arte? Día explicación visita Centro José Guerrero) [recomendación del profesor: peli: “el
imperio de los sentidos” es cine erótico ¿Qué tiene que ver?]

Vir heroicus sublimus

Es una síntesis entre lo matérico y lo

artístico, plantea la unión entre el
proceso abstracto y matérico.
(proporción áurea). Se había planteado
siempre como antagonista del sublime.
Se trata de unir la carga simbólica
trascendental pero a la vez
20-3-07

A. D. Reinhardt llamado también "Ad" Reinhardt, (1913 - 1967)

Comienza en un planteamiento gestual (tónica imperante en el expresionismo
abstracto) pero cambiará su pintura.

Las primeras obras de Reinhardt exhibidas evitaron representación, pero

mostraron una estable progresión en el alejamiento de los objetos y las referencias
externas. Su trabajo evolucionó desde composiciones con formas geométricas en los
años 1940, a trabajos en distintas tonalidades del mismo color (todo rojo, todo azul,
todo blanco) en los 1950.

Obra vertical: Referencia mística mediante una forma geométrica y abstracta junto con
una degradación tonal también geométrico. Es monocromo azul. Se ve el planteamiento
neoplatónico casi absoluto: el artista media entre lo terrenal y lo trascendente. También
escribe, hace alegatos sobre la sabiduría mística pero no en un sentido religioso.

Obra vertical: azul claro, y de composición ascendente al igual que la anterior.

Reinhardt es conocido por sus llamadas pinturas "negras" en la década de 1960,

que en un principio parecían ser simplemente lienzos pintados de negro, pero estaban en
realidad compuestos por tonalidades de negro y cuasinegro.

Franz Kline: Las primeras obras de Kline son de carácter representacional y de

pequeño formato, destacando sus retratos cubistas y paisajes urbanos. Posteriormente, al
final de los años cuarenta, se pasa a la abstracción influenciado por de Kooning, y
también por la visión de sus propios dibujos ampliados con un proyector, experiencia
que le hizo darse cuenta del potencial que en ello había para la creación de
composiciones abstractas. A partir de ese momento desarrolla rápidamente un personal
estilo a base de gruesos brochazos oscuros.
Muestra una propuesta interesante a la tendencia gestual de lo oriental. Se basa
en la caligrafía china y japonesa: los pictogramas (parece intuir el estructuralismo y la
semiótica). El pictograma tiene correspondencia directa ente el significante y el
significado, no como ocurre en occidente que las palabras se forman uniendo signos al
que se le ha dado un valor fonético.

Pintura nº 2 1954 Es un paisaje de Nueva York. Es la aplicación de este concepto de

representación pictográfica. Una casa quedaría representada con trazos caligráficos, es
decir, la casa quedaría representada como una casa, con los trazos (caligráficos) que
mostrarían su forma. Se busca la esencia directa entre palabra y cosa. A tal respecto
Foucault escribe “las palabras y las cosas” que se podría considerar libro de cabecera
del estructuralismo.

[Imagen de letra china], no es de Kline. Esta caligrafía es de tendencia zen. Se busca

un proceso visual unido al significado.
Los andes 1957. Es un paisaje. Su actitud se va complicando ya que antes predominaba
el blanco y el negro y ahora nos muestra un color de gesto agresivo. De un lado, por
estar dentro de la referencia a la simbología de la caligrafía y por el otro, a nivel
estético, De Kooning será referencia para Kline.

Paisaje. [muchos colores].

Motherwell. Considerado como el niño prodigio del expresionismo abstracto. A

los 17 años sabe prácticamente todo en la historia del arte. Esta sabiduría, según algunos
autores le traba a la hora de romper con lo demás, por eso muchas obras adolecen de
radicalidad o trasgresión, casi siendo más vanguardista.

Robert Motherwell ocupa una posición singular dentro de este movimiento; es

una figura aislada en medio del círculo. Por su amplia formación, es esencialmente un
humanista: tiene un hambre insaciable de conocimiento, una voluntad de compromiso
empático con las realidades más alejadas. Le aleja un poco de la pintura de acción pues
en sus obras parecen ser un aspecto banal. Entiende la acción creativa como interacción,
no con un tema, con un ideal o una escuela, sino con los materiales del arte.

Pequeña prisión española.

Pancho villa vivo y muerto 1943. Intenta vincular la vanguardia con el compromiso
político

El emperador de China

Elegía a la II República española. 1950. Su arte con esta serie llegará a su clímax.
Juega con el símbolo del negro, y los colores de la bandera republicana. Esta
composición determina otras como

La danza. 1952. llega a una obra más abierta, perdiendo el carácter narrativo [mancha
negra]

2.3.- Artistas de Segundo orden

William A. Baziotes. Vinculado a la mitología clásica debido a la influencia

youngiana?.

Sus obras guardan similitudes con el surrealismo: formas biomórficas y

decorativas mediante las cuáles muestra su interés por los procesos de nacimiento, de
crecimiento y de muerte. Comparte con este movimiento la idea de la inspiración como
una forma de automatismo psíquico, materializando en el cuadro el propio acto de
pintar, considerándolo como un acto de improvisación autobiográfica.

Cíclope
Pompeya. Hay aquí una liberación del contenido.

Adolph Gottlieb. Partidario de una pintura en la que forma y fondo son

indisociables, de los efectos puramente visuales y de la apelación al subconsciente y la
emoción del espectador, Gottlieb se acercó también en sus pictografías al arte
amerindio, igual que en sus años europeos se interesó, como tantos contemporáneos, por
el arte africano primitivo.

Bodegón de Arizona. Comienza con esta obra en una exaltación de lo americano.

Se sumerge en los planteamientos yungianos. Concepto del mito de Edipo. Hay

sentido narrativo y hay quien plantea que la compartimentación puede deberse a la
influencia del pintor uruguayo Torres García.

Abandonará las pictografías por un arte de amplias composiciones muy rítmicas

en las que el lienzo está dividido dos zonas antinómicas: una que simboliza la paz
universal del cielo y la otra el caos de las fuerzas terrestres.

Perseguidor y perseguido. En la que se nota como se va liberando en formas y colores.

Estallido rojo. 1959. mancha negra y círculo rojo.

*[fondo rojo, mancha blanca y punto negro]

Signo.

Helen Frankenthaler. Artista que interesa porque empieza con el gestualismo

matérico que se estudia en la Escuela de Nueva York.

Bahía. . De campos cromáticos nítidos y compartimentados. Investiga en el

campo del color sustituyendo el lienzo tradicional por un soporte de algodón prensado y
usa una pintura muy líquida; ya no se superpone la pintura al lienzo, ahora es un solo el
elemento; los contornos quedan perfectamente definidos. La mancha resultante, que
dejaba a menudo un aura a su alrededor, daba a la obra una sensación de movimiento
continuo, uniendo imagen y soporte. No es tanto una pintora de acción, prima la fluidez
de la pintura, que es lo que anima su obra, y no el movimiento, como por ejemplo en la
técnica de goteo de Jackson Pollock. Sus aguadas atmosféricas, conseguían un efecto
óptico de profundidad, evitando la ilusión de perspectiva y manteniendo el aspecto
plano del lienzo.

La oruga azul.

[Mancha roja cuadrada y borde blanco]

Se abordan varios conceptos:

- colours fields: pintura de campos de color; de bordes nítidos y colores
independientes
 - Hard edge: Borde duro.

Empezamos a encontrar composiciones geométricas que invade el espacio

exterior. [rojo en el borde superior, manchita amarilla en el centro y negro borde de
abajo]. Esta recreación del espacio lleva a un apartado más personal, no al estilo de
Rothko.

A diferencia de Rothko o Newman con sus pinturas simbólicas globales

(carácter sintético), las de Frankenthaler, los ritmos trascienden del espacio. Lo
importante no es lo que se pinta sino lo que se sugiere (el arte no se limita al lienzo,
siendo esto lo que desemboque en el minimalismo). Se necesita de lo no pintado para
comprender la obra.

Morris Louis. Comparte las ideas anteriores y será la figura puente o bisagra entre
el minimalismo y el expresionismo abstracto. En sus obras se necesia de lo que no está
pintado para completar la validez de la obra. Se juega con especialidades concretas,
porque cada trozo puede verse solo. El arte va perdiendo su limitación espacial. Poco a
poco se irán geometrizando sus líneas de color.

Delta. 1960. No es simbolista; los ritmos muestran que es algo sustancial.

Sin título. 1960. [como dos tirabuzones en sentido ascendente]

Con toques de accidentalidad y que también hace que la mente del espectador
amplíe el campo de la composición.

Tema 2 empieza dia 20 marzo 07