Luis Javier Sanabria Chingal

Análisis sonoro de “Interstellar” y “The joker”

Interstellar es una película dirigida por Cristopher Nolan con la dirección musical del
compositor Hans Zimmer. Se estreno en las salas de cine en el año 2014 y es considerada
como una de las grandes películas de la última década; En gran parte por su belleza visual,
sonora y elaborado argumento. El compositor a demostrado con este filme que la simpleza
permite el desarrollo coherente de la música, a través de elementos sutiles o minimalistas.
Interstellar es una película sobre un viaje en el tiempo en el qué se plantea el origen del ser
humano y una respuesta a los tiempos venideros de la naturaleza humana.

Quiero hacer el siguiente análisis partiendo de lo qué encontré después de ver la película,
de la opinión y de las decisiones que tomo el compositor para la realización de la banda
sonora. “Todo empezó con una pieza de piano, aunque para ser del todo exactos, vino
precedida de una llamada de Christopher Nolan en 2012. Quedé completamente fascinado
por la magnitud del proyecto e inmediatamente me senté en el piano para empezar a
componer. El resultado, una pieza que habla sobre el significado de ser padre.” - Hans
Zimmer. (Concepto evidente en la cinta y que es muy relevante para entender su
desarrollo.)

El piano es clave en el desarrollo musical de toda la película que con el tiempo va mutando
junto con otros instrumentos. La sutileza del instrumento también nos permite diferenciar
más fácil los momentos claves de la película, ya sea escenarios específicos, personajes,
emociones y momentos. Cada decisión del compositor encaja a la perfección con la trama
cósmica de la cinta y permite adentrarnos con facilidad a cada uno de los escenarios
desconocidos. Hans Zimmer utilizó 34 instrumentos de cuerdas, 24 de viento y 4 pianos.
Además de un coro de 60 voces para crear distintos ambientes.

En la película se encuentran motivos específicos para cada personaje y todos cobran sentido
cuando entiendes la relación de cada uno de los personajes y la trama general. Todos los
motivos son justificables y unos mas evidentes que otros, cómo por ejemplo el del
protagonista Cooper, que va ligado a la relación con su familia, especialmente con su hija.

El tema principal de la película se llamó Day One. Interpretación en piano que dura
aproximadamente tres minutos. Zimmer compuso el tema central basándose en el eje
emocional y principal de la película. Define la relación padre - hija de forma emotiva y
sencilla mediante dos fases, una emocional y una dramática. A continuación, quiero resaltar
tres bloques musicales, los mas evidentes en la película desde mi opinión personal y que a
la vez han sido definidos con más claridad por el compositor.
El tema Principal “Day One.” Ya como lo mencioné anteriormente el tema se compone de
dos partes; la primera se escucha en la parte inicial del corte Day One, donde va
desarrollando unas melodías especificas que definen el núcleo del conflicto.
La segunda parte del corte, de manera minimalista, es un motivo más emocional, construido
esencialmente sobre dos notas que se repiten, sufriendo variaciones a lo largo de la
partitura, y esencialmente interpretadas por un órgano de iglesia (lo escuchamos por
primera vez con la escena de Cooper y sus hijos persiguiendo el coche a través de los campos
de maíz y el drone volador). También es usado en varios momentos dramáticos de gran
intensidad.

Tema de La Misión. Es un corte trascendental y es otro de los ejes principales de la película.

La raza humana debe ser salvada y Zimmer ofrece un tema que suena poderoso cuando nos
quiere transmitir la solemnidad e importancia de la misión, por encima de todo y de todos,
o evocador cuando nos quiere simplemente sugerir que la misión, aunque sea un tema
secundario, está siempre presente. La inclusión del órgano de iglesia que sube de intensidad
poco a poco es una forma de ingerir importancia a la misión Lázaro (un recurso a lo largo
de varios cortes musicales de la película).

Tema de lo desconocido o de las anomalías gravitatorias. Un motivo misterioso y sugerente,

construido sobre sintetizadores, cuerdas y vientos que ofrecen un tono musical muy
evocador, con sonoridades que tratan de dar forma a fenómenos inexplicables, como las
anomalías que se suceden en la película.

Hay muchos aspectos sonoros que le dan un valor único al filme. El uso del silencio absoluto
que va ligado al espacio, el órgano como una forma de expresar el transcendentalismo de
la historia a la que asistimos. El órgano y el silencio como elementos esenciales en un
contexto de ciencia ficción ante lo desconocido.

The Joker del director Todd Philips con la dirección musical de la compositora y violoncelista
Hildur Guðnadótti. El director quería que el villano loco y solitario más perverso de la
historia del cómic generase empatía entre los espectadores y después una infinita inquietud
y tenía claro que uno de los recursos que necesitaba para lograrlo era una banda sonora
fuera de convenciones. Por eso recurrió a Hildur Guðnadóttir, quien ya tiene cierta
experiencia creando sonidos que ponen los nervios de punta. Esta islandesa afincada en
Berlín es también la responsable de la banda sonora de Chernobyl, galardonada con un
premio Emmy.

Guðnadóttir toca el cello desde los cinco años y ha colaborado con varios grupos musicales
como Pan Sonic, Throbbing Gristle y Múm. Ha publicado varios discos en solitario y ha hecho
giras con Animal Collective. El año pasado colaboró en la composición de la película María
Magdalena. Creó la banda sonora de Joker solamente habiendo leído el guion. Esto no es
habitual, pues lo más frecuente es que las bandas sonoras se gesten después. Pero como la
propia compositora ha contado a la emisora estadounidense NPR, esta forma de trabajar le
ayudó a sentarse pensando en el texto y a transformar esa voz solitaria, atormentada y
oscura.

La compositora ha explicado que, para componer el réquiem de la escena del baño, una
de las más comentadas de la película, se sentó con su cello e intentó meterse en la cabeza
de Joker. “Me agarré a la sensación que se me quedó después de leer el guion y en cuanto
toqué las primeras notas, sentí como un golpe dentro del pecho, algo realmente fuerte,
como una especie de reacción física. ¡Supe que lo tenía!”

Todd Philips cuenta que decidió poner la música en directo en el set durante el rodaje y la
propia música produjo cambios en la filmación de esa escena del baño. “Íbamos a rodarla
de forma completamente diferente. Era mucho más convencional, poníamos la canción de
fondo cada vez que hacíamos la toma con Joaquin en ese baño sombrío y entonces surgió la
idea de su baile. La banda sonora era tan crucial como la propia interpretación de Joaquin y
afectaba a la energía del cuarto, a la forma en que operábamos las cámaras.” Fue la
compositora Guðnadóttir la que transformó el guion solo con la fuerza de su música.

Los métodos de trabajo de esta compositora son siempre curiosos. La banda sonora de
Chernobyl la compuso grabando los sonidos ambientales de la central nuclear de Ignalina,
el lugar donde se rodó la serie. Extrajo melodías de las puertas chirriantes o el rector y las
turbinas en funcionamiento. A medida que nos alejamos del cómic del Joker y
abandonamos el “cuento de hadas” para pasar a la cruda realidad, la alternancia entre la
oscuridad y la luz en la música parece desvanecerse. Hasta que todo se vuelve negro y
sofocante y no deja escapatoria. “Todd me dio el guion de la película y me pidió que
escribiera la banda sonora en función de mis sentimientos durante la lectura. Es el estudio
de un personaje absolutamente realista que, para mí, se ha traducido en melodías muy
simples y repetitivas. Así es como Arthur Fleck (Joaquin Phoenix) ve las cosas. Siempre dentro
de esa esencia, traté de adaptar la orquestación a la evolución del Joker. No con acordes o
música intrincada, sino con una estructura que estaba en sintonía con la depresión del
protagonista”, explica

Durante el filme el violonchelo es el protagonista y resalta en los momentos mas tensos de

una manera sutil y sin muchos ornamentos. El violonchelo lidera, pero a lo largo se ve
acompañado por una orquesta. En cada secuencia según la compositora quería que Arthur
siempre tuviera esta energía detrás de sí. Representa el pasado que aún no conoce, pero
que, de alguna manera, está condicionando su vida. Al principio, la orquesta está en el
fondo, pero a medida que las verdades se revelan ante sus ojos, da un salto decisivo hacia
delante. Fleck se vuelve cada vez más agresivo y la banda sonora más imponente.

“El trabajo que se ha hecho en la fase de mezcla es sorprendente, porque a esos 100
elementos, constantemente presentes desde el principio, la mayoría de las veces ni
siquiera se les nota. El violonchelo es la voz en la cabeza del Joker, la orquesta de sus
fantasmas.” - Hildur Guðnadóttir
Los dos filmes destacan a través de lo sonoro de manera impecable. Nos muestran lo
necesario, no hay exageración absoluta de sonido. Se respeta lo que el director exige, el
sonido y la música apoyando una intención clara que fácilmente sea digerida por el
espectador. Los dos compositores se complementan afirmando que el exceso de elementos
en cuestión de estructuras musicales no siempre son la solución para representar
sentimientos, situaciones y ambientes, sino que, al contrario, un motivo rítmico y melódico
en representación de un personaje o un conflicto engrandece la obra misma y es más
valioso para el critico y el espectador.