LUIS GUEVARA RAMIREZ # 43

ALEJANDRE

ANGEL DAMIAN PISCIL ALVAREZ

N/L: 32

GRADO:2° GRUPO: E

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 INDICE
Miguel Ángel Bounarroti .............................................................................................................. 3
Filippo di Ser Brunellesco............................................................................................................ 6
Rafael Sanzio ................................................................................................................................... 9
Sandro Botticelli ........................................................................................................................... 11
Leonardo da vinci......................................................................................................................... 14
Donatello......................................................................................................................................... 17

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Miguel Ángel Bounarroti
Fue un escultor, pintor y arquitecto
italiano de los siglos XV y XVI (nació
el 6 de marzo de 1475 y murió el 18
de febrero de 1564) conocido
principalmente por la escultura del
«David» y la obra pictórica que
recubre la bóveda de la Capilla
Sixtina.
Nació en Caprese, municipio italiano
de la provincia de Arezzo,
denominado actualmente Caprese
Michelangelo en su honor.
Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia
Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a través
de Bertoldo di Giovanni, el cuál le introduciría en el influyente círculo de los Médici.
Desde entonces desarrolló una fructífera vida artística entre Florencia y Roma, de
cuyo amplio legado destacan dos grandes obras: El David y la bóveda de la Capilla
Sixtina

OBRAS:

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 DAVID
La escultura fue un encargo de la Opera del
Duomo para la catedral de Santa María del Fiore
en Florencia.
David representa al David bíblico que enfrenta y
vence al gigante Goliat solo con algunas piedras
y su inteligencia. Luego se convertiría en el rey
David.

La escultura fue tomada como símbolo de la

lucha de la República florentina contra los
dirigentes y los Estados adyacentes de la
época: los Médici (desde 1494) y los Estados
pontificios.

La obra se encuentra actualmente en la Galleria

dell’Accademia en Florencia, Italia. Mide 517 cm
de alto y pesa 55 toneladas.

EL JUICIO UNIVERSAL
En 1533, treinta años después, el Papa Clemente
VII llamó de nuevo a Miguel Ángel, esta vez para
encargarle la realización del Juicio Universal,
modificando las paredes de encima del altar,
que albergaban frescos del siglo XV de gran
valor, como la Virgen Asunción entre los
Apóstoles y algunos episodios de las historias de
Moisés y del Cristo de Perugino. Se trata de la
primera intervención destructiva en la
historiadel arte.

Miguel Ángel se pones manos a la obra en 1536

y finaliza el fresco cinco años después.
Todo el fresco se estructura de modo tal que se
desarrolla alrededor de la figura de Cristo, que
ocupa totalmente la escena. Miguel Ángel, en el
Juicio Universal elimina cualquier referencia espacial y ambiental: el fondo profundo es azul

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y los únicos elementos de apoyo para los varios personajes son las nubes en una dimensión
abstracta y atemporal.
El Juicio Universale de Miguel Ángel recogió en seguida muchos elogios, pero también
feroces críticas, a causa de las numerosas figuras representadas completamente desnudas
consideratdas obscenas.
el tiempo para darse alguna que otra satisfacción con respecto a sus detractores. La figura
de Minos, retratado con orejas de asno y una serpiente que le muerde los genitales, es en
realidad Biagio da Cesena, maestro de cerimonias papal que tildó la Capilla Sixtina como
"digna de una taberna".
Además, el artista florentino se autoretrató en la piel despellejada viva regida en mano por
un San Bartolomeo con el rostro de Pietro l’Aretino, que había definido públicamente el
Juicio Universal como "vulgar".

Creación de Adán

A la derecha notamos a Diós Padre en el aire, sostenido por numerosos ángeles y

rodeado por un una capa violácea que se infla con el viento, creando una forma
parecida a un cerebro, símbolo de la sabiduría y racionalidad.
A la izquierda, Adán, tumbado, se alza atraído por la potencia vital que se libera de
la mano derecha de Diós. Los dos no se tocan, sólo sus dedos se rozan, en
el centro de la composición, recortándose sobre un cielo clarísimo.

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Filippo di Ser Brunellesco
Destaca como arquitecto más que como
escultor, pero en sus inicios realiza
escultura. Su fracaso en el concurso
organizado para decorar las puertas del
baptisterio de la Catedral de Santa María de
las Flores en Florencia le hace abandonar
la escultura, pero nos han llegado varias de
sus obras, algunas de las cuales tuvieron
gran influencia, entre otros en Miguel
Ángel.
También colaboró como pintor con
Massaccio en “La Trinidad” (1425) de Santa
María Novella realizando los fondos
arquitectónicos.

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Obras:
El Sacrificio de Isaac
Realizado para el concurso para decorar las
puertas del baptisterio de la Catedral de
Florencia, que le enfrentó a numerosos
escultores florentinos y en el que quedó en
segundo lugar por detrás de Ghiberti. La
introducción de detalles ajenos a la escena
principal era preceptiva, como la de un sirviente
sacándose una espina, otro leyendo y una mula
comiendo, pero en el caso de la obra de
Brunelleschi llenan la parte baja de la metopa y
desvían la atención del tema a representar ya
que ocupan demasiado espacio, y esto junto
con la expresión irritada de Abraham, quizá
fueran los motivos para que no ganara el
concurso en solitario, a pesar de todo
Brunelleschi se nos muestra también como un grandísimo escultor. Según Vasari,
los organizadores del concurso propusieron que Brunelleschi trabajara junto con
Ghiberti como ayudante, con lo que ponían a su oponente por encima de él a lo que
Brunelleschi se negó. Más tarde será él quien consiga el contrato de construcción
de la cabecera de Santa María de las Flores frente a Ghiberti, por su mejor solución
técnica para construir la cúpula.

Cúpula de la Catedral de Florencia o Santa María de las

Flores.
Es su obra más famosa. Esta
enorme cúpula no sólo destaca
sobre el conjunto de la iglesia
sino que es una referencia
visual en toda la ciudad de
Florencia.

La catedral de Florencia es
gótica y fue realizada por
Arnolfo di Cambio, pero estaba
sin concluir pues se encontraba
sin abovedar el crucero.

Por la altura del edificio, la cúpula que cubriera dicho crucero no podía ser
totalmente semiesférica por posibles problemas en el sistema de empujes y

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contrarrestos. La solución que llevó a cabo Brunelleschi fue una cúpula en forma de
curva parabólica, que en realidad esta formada por dos: una inferior, y otra exterior,
de ladrillo y dividida en tramos a modo de gajos.

La distancia entre ambas cúpulas se mantiene siempre constante. Por su casquete

alargado recuerda al gótico. Está construida sobre un tambor poligonal (octógono)
decorado con mármoles. En cada uno de los lados se abren ventanas circulares.

Basílica de San Lorenzo

de Florencia
Inspirada en las basílicas
paleocristianas que Brunelleschi
estudío, se trata de un templo con
planta de cruz latina de tres naves,
planteada bajo un esquema 2-1, es
decir con la nave central más alta y
ancha.

En el interior, la nave central tiene

cubierta adintelada con casetones y
las laterales bóveda de arista. La
separación de las naves se establece
mediante columnas de orden compuesto y sobre ellas entablamento en el que
descarga cada arco de medio punto.

En el crucero dispuso de cúpula como abovedamiento.

Brunelleschi busca en esta iglesia básicamente dos aspectos:

 Horizontalidad: Se emplean elementos arquitectónicos que refuerzan la

sensación de horizontalidad, como los entablamentos, la cubierta plana de la
nave central, etc.
 Armonía: Busca la armonía empleando criterios geométricos. Por ejemplo
establece formas cúbicas ya que altura de las columnas es idéntica a la
distancia entre columnas contiguas y entre éstas y los muros de las naves
laterales.

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Rafael Sanzio
(Raffaello Santi, también llamado Rafael Sanzio o
Rafael de Urbino; Urbino, actual Italia, 1483 - Roma,
1520) Pintor y arquitecto italiano. Por su clasicismo
equilibrado y sereno basado en la perfección de la luz,
la armonía en la composición y el dominio de la
perspectiva, la obra de Rafael Sanzio constituye,
junto con la de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel
Buonarrotti, una de las más excelsas realizaciones de
los ideales estéticos del Renacimiento.

OBRAS:

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La Transfiguración

En el nivel más simple, la pintura puede

interpretarse como representación de
una dicotomía: arriba, el poder redentor
de Cristo, abajo, las debilidades de los
hombres. La zona celestial de Cristo
redentor se caracteriza por la pureza y
la simetría, con figuras menos táctiles y
tratadas con colores más claros. En
cambio, la zona inferior es una escena
oscura, caótica, en la que hay fuertes
contrastes cromáticos. Se conserva en
la Pinacoteca Vaticana (Museos
Vaticanos), Ciudad del Vaticano.

Retrato de Navagero y Beazzano

Andrea Navagero y Agostino Beazzano
fueron dos importantes escritores
venecianos que estuvieron en Roma
durante el año 1516, momento que pudieron
aprovechar para encargar un retrato doble a
Rafael. Algunos especialistas dudan la
originalidad de este lienzo que
contemplamos al citar Michiel que
contempló el retrato en casa de Bembo en
Padua pero utilizando como soporte la
tabla.Los dos escritores han sido captados
por el pintor de manera rotunda, como si
hubiese interrumpido el diálogo entre ambos, destacando sus expresivos e
inteligentes rostros recortados ante un fondo neutro. El realismo de los ojos indica
la maestría de Sanzio a la hora de ejecutar retratos, quizá su temática más
desconocida anticipándose al estilo de Tiziano.X

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 BASILICA DE SAN PEDRO

Construida sobre el lugar donde San

Pedro fue martirizado. La primera
basílica sobre la tumba de Pedro la
construyó el emperador Constantino en
el año 323 y permaneció dos siglos.

La construcción de la basílica actual

duró 170 años. La empezó el Papa
Nicolás V en 1454 y la terminó y
consagró el Papa Urbano VIII el 18 de
Noviembre de 1626, que es también el aniversario de la consagración de la Basílica
antigua. Trabajaron en ella los más famosos artistas como Bramante, Rafael,
Miguel Angel y Bernini. Su hermosura y majestad son impresionantes. Durante su
construcción se sucedieron 20 Papas.
La Basílica de San Pedro mide 212 metros de largo, 140 de ancho, y 133 metros de
altura en su cúpula. Ocupa 15,000 metros cuadrados. No hay otro templo en el
mundo que le iguale en extensión.

Sandro Botticelli
Su nombre original es Alessandro di
Mariano Filipepi, nació en el año 1445
en Florencia y murió el 17 de mayo de
1510, en el mismo lugar. Aclamado
como uno de los pintores más
grandes del Renacimiento florentino.
En el apogeo de su fama, el pintor y
dibujante florentino Sandro Botticelli
fue uno de los artistas más estimados
alrededor de Italia. Sus graciosas y
curiosas imágenes de la Virgen con el
Niño, sus retablos y sus pinturas
mitológicas de tamaño natural, como "Venus y Marte", fueron inmensamente
populares en su vida.

EL NACIMIENTO DE VENUS

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 El cuadro El nacimiento de
Venus es famoso porque rompió
las barreras de la censura
política y social de la época con
el primer desnudo de cuerpo
completo en más de mil años
(desde el arte clásico
grecorromano cerca de los 450 d.
de C.)
El nacimiento de Venus también
es una analogía al renacimiento
del arte donde los desnudos
representan a los dioses
olvidados y no a la futilidad
humana. Gracias al poder social
de la familia Médici no fueron
censurados cuando encargaron a
Botticelli el renacer de los dioses
que extrañaban

ADORACIÓN DE LOS MAGOS

A finales del siglo XV, con la Edad Media
agonizando y el Renacimiento
emergiendo, la República de Florencia,
en manos de la familia Médici desde
1434, ocupa un papel protagonista en los
cambios que se estaban produciendo.
Entre los cortesanos de la corte medicea
se encontraba Guasparre del Lama, un
advenedizo agente de bolsa, prestamista
y cambista que intentaba hacerse un
hueco entre la aristocracia florentina. Uno
de los medios para lograrlo era el
mecenazgo de obras de arte, por ello
decidió encargar en 1475 un cuadro
sobre el tema de la Adoración de los
Magos para su capilla privada en Santa
María Novella. El artista elegido para llevarlo a cabo fue un florentino

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 Virgen de la granada
En este caso estamos ante una tabla circular
de dimensiones considerables (143 cm. de
diámetro) que fue pintada con la técnica del
temple hacia el año 1487.

Aquí nos muestra a la Virgen María con el

Niño Jesús en su regazo con una granada en
las manos. Ambos, madre e hijo ocupan gran
parte del centro de la tabla, mientras que
prácticamente el resto de la superficie se
colma con las figuras de seis ángeles
celestiales.

Como es habitual en los cuadros

de Botticelli se trata de personajes realmente
hermosos. Empezando por la propia María,
que tiene una cara delicada pero una mirada
profunda con cierto tono melancólico. Y si la
Virgen es una mujer bella, lo mismo puede decirse de las caras juveniles de los
ángeles, algunos mirando al espectador, otro leyendo, mirándose entre sí u
observando al Niño con devoción.

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 Leonardo da vinci
(Vinci, Toscana, 1452 - Amboise, Turena, 1519) Artista,
pensador e investigador italiano que, por su insaciable
curiosidad y su genio polifacético, representa el modelo
más acabado del sabio renacentista.

Leonardo da Vinci era hijo ilegítimo de un abogado

florentino, quien no le permitió conocer a su madre, una
modesta campesina. Se formó como artista en Florencia,
en el taller de Andrea del Verrocchio; pero gran parte de su
carrera se desarrolló en otras ciudades italianas como
Milán (en donde permaneció entre 1489 y 1499 bajo el
mecenazgo del duque Ludovico Sforza, llamado el Moro) o
Roma (en donde trabajó para Julio de Médicis). Aunque
practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado
ninguna escultura suya y parece que ninguno de los
edificios que diseñó llegó a construirse, por lo que de su
obra como escultor y arquitecto sólo quedan indicios en
sus notas y bocetos personales.

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 La Gioconda
La Mona Lisa es considerada la pintura más famosa del mundo.
Pocas obras han pasado por tanto escrutinio y estudio. Algunas
de las razones que la hacen tan famosa son:

 El realismo extremo de Leonardo da Vinci al usar métodos

matemáticos para medir las proporciones humanas,
 La técnica única del sfumato que también transmite un
realismo muy avanzado para la época,
 La revolución que generó en las dimensiones y en las
formas de retratar, considerada la base de todos los retratos
occidentales,
 Por ser pintada por el ya reconocido Leonardo da Vinci,
 La suma de los misterios de la pintura; desde la identidad de
la modelo hasta el porqué Leonardo da Vinci nunca entregó el
supuesto encargo, guardándola secretamente.

LA ULTIMA CENA
La pintura mural La última cena mide
4,6 metros de alto y 8,8 metros de
largo, y se encuentra actualmente en
el lugar que fue pintado
originalmente por Da Vinci: en el
refectorio o comedor de la iglesia
y convento de Santa María delle
Grazie en Milán, Italia.

La última cena es la obra más

famosa de la época del Alto
Renacimiento y una de las más
famosas del arte cristiano religioso.

La última cena tiene como motivo

principal una de las escenas de los últimos días de la vida de Jesús según el
relato descrito en la Biblia en el evangelio de Juan.

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Caballo y jinete

La escultura de bronce “Caballo y jinete”, que salió en una edición

limitada e inspirada en un raro modelo de cera tallado por el genio del
renacimiento italiano, se podrá ver del 21 al 23 de junio.Esta obra la
heredó originalmente el alumno favorito de Leonardo, Francesco
Metzi, pero “languideció en una bóveda suiza hasta 1985, cuando fue
inspeccionada por el mayor experto en Leonardo Da Vinci en el
mundo, el profesor Carlo Pedretti”, explicaron los organizadores en
un comunicado.

Pedretti, director del Centro Armand Hammer para los Estudios de

Leonardo de la Universidad de California en Los Ángeles, estudió la
escultura y aseguró que el “modelo de cera es del propio” Da Vinci.

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 Donatello
(Donato di Betto Bardi; Florencia, 1386 - id.,
1466) Escultor italiano. Junto con los arquitectos
Leon Battista Alberti y Filippo Brunelleschi y el
pintor Masaccio, Donatello fue uno de los
creadores del estilo renacentista y uno de los
artistas más grandes del Renacimiento. Su
formación junto a Lorenzo Ghiberti le dejó un
importante legado técnico pero casi ningún
vestigio estilístico, ya que desde sus comienzos
desarrolló un estilo propio basado en la fuerza
emocional, y en un singular sentido del
movimiento.
Su revolucionaria concepción de la escultura
resulta evidente ya en las grandes estatuas
para nichos destinadas a Orsanmichele y la
catedral de Florencia. La gravedad y el realismo
de estas monumentales figuras de mármol
contrastan vivamente con la gracia y el
decorativismo del gótico internacional, el estilo
vigente en Europa hasta entonces. Donatello
comenzó esta serie en 1411 con el San Marcos y la concluyó en 1436 con el
llamado Zuccone. A esta serie pertenece también el San Jorge, su primera obra
famosa, de la que Giorgio Vasari afirmó: «Posee el maravilloso don de moverse
dentro de la piedra

DAVID
En primer lugar, es la primera vez que se representa a un
hombre como Dios lo trajo al mundo desde la antigüedad
clásica. Y en segundo lugar, a partir de aquí, la escultura deja
de necesitar un marco arquitectónico para apoyarse.
Estos dos factores hacen del David un hito en la historia del
arte occidental y de Donatello, el escultor más representativo
de la escultura del quattrocento italiano, que superó al fin el
arte gótico.El artista interpreta aquí el tema bíblico de David y
Goliat. Goliat era un gigante filisteo que tenía aterrorizados a
todos y fue el joven David quien lo derrotó en singular combate

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 San Juan Evangelista
La antigua fachada de la catedral contaba con cuatro
hornacinas que según el programa iconográfico
establecido debían ser adornadas con las esculturas de
los Evangelistas, así San Lucas fue realizado por Nani
di Banco, San Marcos con Niccolo di Piero Lamberti y
San Mateo por Bernardo Cinffagni. Los promotores de
la catedral pensaron en encargar la obra al ganador de
un concurso que se disputaba entre los dos primeros
artistas y Donatello. Sin embargo las obras se dilataron
demasiado en el tiempo y finalmente la pieza fue
encargada a Donatello sin un concurso previo, un hecho
que provocó algunas disputas entre los otros
participantes.

San Marcos
San Marcos está retratado como un antiguo filósofo con
la cabeza con barba y vestido con una túnica anudada a
la cintura. El rostro está esculpido con una expresión de
seriedad digna y de integridad espiritual, que recuerda la
del San Juan Evangelista de unos pocos años atrás. La
pierna izquierda de San Marcos, tiene una suave
inclinación, en una forma ponderada, pero no quita que
la actitud sea recta y solemne. El pequeño giro del
cuerpo hace sobresalir ligeramente la figura de la
hornacina, evitando la rigidez de una posición
estrictamente frontal. La mirada del santo parece
perderse en el horizonte. Con la mano izquierda, sujeta
un libro abierto, que es el atributo clásico de los
evangelistas. Miguel Ángel elogió esta escultura
diciendo, según Vasari:«nunca había visto una figura con
el aire de tan buen hombre como esta y que si San
Marcos había tenido realmente estas características,
entonces podía creer ciegamente en lo que él había
escrito

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