OCTUBRE 2018

VENOM
PORTADA EXCLUSIVA SUSCRIPTORES
ILUSTRACIÓN POR ORLANDO AROCENA (MEXIFUNK)
 60
SIMBIONTE

VENOM
Al parecer nos vamos a empezar a poner
serios con los súper héroes, o más bien con
los súper villanos; consideramos que Tom Hardy
aportará su profesionalismo a
la multipersonalidad del simbionte enemigo
del trepa paredes. Sony
re
Espe escribirá DE TAL PADRE

ra mu e
chas l origen d
difere el sim

68 
ncias bion
DON’T WORRY, con re te para
spec
to a lodar vida a

¡TE VA A FALTAR
s pun un nu
HE WON’T GET FAR ON FOOT
tos b evo u
ásico nive
s la h rso cin
istori ema
a orig tográ
Joaquin Phoenix se pone a las órdenes de Gus inal. fico.

Van Sant para transformarse en John Callahan,

OTROS ANFITRION

Son cuatro los persona es

s mbionte Venom a lo largo
ES

con los que se acoplado s

de su h stor a Tres de los
aparecie on ya en el Universo
gnif cat vamente el
posibles huéspedes
de Marvel (Spider Man Homecoming)
PARED PARA
gran caricaturista en silla de ruedas. LO QUE TE
VAMOS A
DAR

74  BAD TIMES AT THE EL ROYALE

Esta podría ser la película más interesante
del año. Drew Goddard presenta un ensamble
REGALAR!
encabezado por Chris Hemsworth en el papel del
líder de una secta, pero el protagonista es
El Royale, un hotel al que llegan personalidades
encarnadas por Jef Bridges, Jon Hamm, Dakota
Johnson y Nick Oferman. ¡Una joya!

80  Halloween
Han pasado 40 años y Jamie Lee Curtis
vuelve a encarnar a su Laurie, perseguida desde
entonces por Michael Myers, y John Carpenter
será quien nuevamente tome el control de la
franquicia para descrubrir qué pasa con sus
personajes 40 años después.

86  MUSEO
Un evento de la vida real de nuestro país
hecho ficción: el robo al MNA. Alonso
Ruizpalacios explora la frustración,
las motivaciones o falta de motivaciones del par
de ladrones.

06 ROMA
El largo camino de Alfonso Cuarón en la
cinematografía lo trajo de vuelta a la Colonia
Roma, lugar donde creció y en el que vivió
el “Jueves de Corpus”, y que retrató en la película
ganadora de un León de Oro en Venecia.
36 A STAR IS BORN
El debut de Lady Gaga en el cine y de Bradley
Cooper como director. ¡Te encantarán!
106 LA GUÍA EMPIRE PARA VER EN
CASA: DEADPOOL 2
Entérate por los guionistas y productores de esta
maravilla de dónde salieron los mejores chistes y
38 CRAZY RICH ASIANS
Buscaban representatividad y terminaron
cómo se pensaron las mejores muertes.

14 HOUSE OF CARDS
Lo dicen las activistas: el futuro es femenino
haciendo su propia película con un cast
completamente asiático y además les quedó
increíble.
116 ALUCARDA
Recordamos a esta obra de culto del cine
mexicano a 40 años de su estreno.
y si esta serie ha sido reflejo de la situación
gringa, también queremos una presidenta.
52 MANIAC
La mejor serie que verás en un rato con 130 LA ÚLTIMA ESCENA: THE VVITCH
De lo más terrorífico de 2015 fue esta

18 CREED 2
El regreso de Ivan Drago. Su hijito viene
a ponerle una madrina a Adonis. ¡Venganza!
Jonah Hill y Emma Stone, además de Sally Field y
Justin Theroux. Es acerca de una medicina y un
tratamiento que te arreglan la vida.
película acerca de una familia de pioneros en
1630 que se enfrentan a lo sobrenatural. El final
es maravilloso. Velo aquí.

2 OCTUBRE 2018
 CARTA EDITORIAL
La vida de un periodista no
es sencilla. Deadlines, reporteo de
sol a sol o fuentes escurridizas; sin
embargo, para Eddie Brock un día EditorIAL Ventas
las cosas le salieron realmente mal Editor in Chief Directora General de Ventas
José Alberto Sánchez Marielos Rodríguez
y un simbionte espacial se apoderó
de él y de su psique convirtiéndolo Coordinador Editorial ventasTBG@editorial.televisa.com.mx
en un villano (y a veces antihéroe) César Hernández
magnífico. Editora
Venom es uno de los más Anaid Ramírez
grandes supervillano del universo Televisa publishing
de los cómics y quizá el némesis que ArtE international
en más problemas ha metido a Directora de Arte Director General
Isabel Cisneros
Spider-Man. A pesar de que este Poririo Sánchez Galindo
Venom no se enfrentará al amigable
Traducciones VENTA DE SUSCRIPCIONES
vecino de NY en su debut en cine,
Ary Snyder 01 800 222 2000
tendrá un antagonista que esperamos que de la mano de Tom Hardy nos
brinde una gran historia, la más obscura de Marvel y ojalá más Corrección ATENCIÓN A SUSCRIPTORES
cohesionada que DC. Luis Antonio Torres L.
01 800 REVISTA
En esta edición además de Venom (y una espectacular infografía), 01 800 738 4782
tenemos una gran entrevista con Glenn Close por su maravilloso papel Online
como la esposa abnega de un Nobel de Literatura en The Wife. Editor web PÁGINA WEB
Augusto Ambriz TBGSUSCRIPCIONES.COM
También tenemos un excelente texto sobre Rojo Amanecer dado el
aniversario de la terrible matanza de Tlaltelolco en 1968. Coeditores web
Otro highlight es el avance que les tenemos de Joaquin Phoenix quién César Ovando EMPIRE UK
entre otras cosas, próximamente tendrá el reto de personificar a Edgar Rodríguez Huerta
Editor in Chief
The Joker. Terri White
En este número Susana Moscatel, Xavier Velasco y Jesús Chavarria Directora de Eventos Creative Director
hacen los honores con su opinión. Karla Piña Chris Lupton
Esperemos disfruten la revista ¡y el cómic de regalo!
Photography Director
Directora General de Agencia Joanna Moran
Diana Bonardel Cayeros
Associate Editor
Marketing
Liz Beardswoth
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EMPIRE EN ESPAÑOL. Marca en Trámite Año 2 N° 19 Fecha de publicación: 27-09-18. Revista mensual editada
y publicada por EDITORIAL TELEVISA, S.A. DE C.V., Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Ediicio E, Col. Santa Fe, Del. Álvaro
Obregón, C.P. 01210, Ciudad de México., tel. 52-61-26-00, por contrato celebrado con Bauer Consumer Media Limited,.
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4 OCTUBRE 2018
 LOS HOMBRES QUE LO TIENEN, LO TIENEN

YA A LA VENTA

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 DÉ JATE DOMESTICAR P OR TODO LO QUE VERÁS DESPUÉS

Es muy fácil
compartir
sueños.

6 OCTUBRE 2018
Recuerdo de
unas noches
de verano
Alfonso Cuarón y Eugenio Caballero
nos platicaron cómo reconstruyeron
toda una época en Roma.
POR ANAID RAMÍREZ

RECREAR DESDE momentos históricos (como

la matanza de estudiantes ocurrida el 10 de junio de
1971 —“El Halconazo”—) hasta el rincón más
minúsculo en la casa de la familia Cuarón se convirtió
en el objetivo prioritario para Alfonso Cuarón y el
diseñador de producción Eugenio Caballero en Roma.
“Era requisito para hacer esta cinta que el 80 o 90
por ciento de ella naciera de mis memorias. Parte de la
obsesión de esta película era reproducir esos instantes
a detalle”, introduce Cuarón. Por eso, “absorbimos la
esencia de los lugares y logramos, en su mayor parte,
filmar en los sitios en donde esta historia pasó”,
cuenta tras mostrar a un grupo de periodistas,
incluido EMPIRE, un par de escenas de Roma.
A esas privilegiadas secuencias que se filmaron en
las locaciones originales pertenecen los aspectos de la
calle donde el director de Gravity creció, unos
acontecimientos en el Centro Médico, una hacienda
que Cuarón visitó de niño y lo que ya todo el mundo
sabe: “La escena que sucede durante la masacre del
Jueves de Corpus”.
Pero hubo otros recuerdos que no corrieron con
la misma suerte al convertirse en cinta: “Más que un
reto, fue insoportable”, advierte Alfonso. Fue para
recrear esas memorias que el ganador del Oscar
y responsable del diseño de producción, Eugenio
Caballero, debió poner más esfuerzo.
“Fuimos muy meticulosos”, confesó Caballero
meses antes, cuando EMPIRE se lo encontró en una
alfombra roja; “reconstruimos los barrios donde yo
también crecí, la Roma, la Condesa, el Centro
Histórico”, agregó. Lo dijo fácil, pero ahora, en la sala
de cine y con Cuarón mostrándonos el pietaje de su
trama, las palabras de Caballero toman mayor peso.
“Para ese cruce de Insurgentes con Baja
California, Eugenio creó el set más grande de toda
su carrera, que son cuadras de esa avenida”, revela
emocionado Cuarón. Su alegría aumenta cuando
explica que replicaron su “casa de la infancia,
es idéntica”; además, para fines prácticos, “se armó
una construcción con paredes que se movían y techos
que se hacían a un lado para permitir luz natural”.
Todo está puesto para trasladarte al verano del 71
y a los recuerdos del director quien, pese a vivir desde
hace tiempo en tierras shakesperianas, sigue
“pensando en chilango”, culmina.

ROMA ESTRENARÁ A FINALES DE 2018.

OCTUBRE 2018 7
 La magia
está de vuelta
Mary Poppins regresa para iluminar
los tiempos oscuros.
POR HELEN O'HARA
“NINGUNO DE NOSOTROS
se habría animado por un remake ni en
un millón de años”, asegura Rob
Marshall, director de la próxima secuela
Mary Poppins Returns. “La película
original significa mucho para nosotros”.
Pero cuando se puso a reclutar a su
elenco para una secuela, proponiendo
una historia inédita que busca capturar
el tono de la cinta de 1964, Marshall
descubrió estrellas dispuestas a ayudar.
Emily Blunt interpreta a Poppins,
Meryl Streep firmó como su prima Topsy,
y el héroe de Broadway, Lin-Manuel
Miranda, consiguió su primer
protagónico en pantalla grande como
Jack. Ben Whishaw y Emily Mortimer
son los crecidos Michael y Jane Banks,
y Colin Firth interpreta al jefe de
Michael, el Sr. Wilkins. Hasta las
leyendas de Disney Angela Lansbury
y Dick Van Dyke, ambos de 91 cuando se
filmó, se aparecieron —con Van Dyke
interpretando al jefe del banco, el Sr.
Dawes Jr. (en 1964 tuvo que ponerse
mucho maquillaje de anciano para
interpretar a Dawes Sr.)—.
“Hubo muchas cosas sobre esa cinta
que no queríamos perder”, cuenta
Marshall. “Es como hacer la próxima de
James Bond después de Sean Connery o
las secuelas de Star Wars. ¿Cómo das
continuidad a una historia que es
perfecta y significa tanto?”.
Marshall encontró la respuesta
regresando a los libros originales de P.L.
Travers, notando que en los primeros,
escritos y desarrollados en la década de
los 30, había múltiples referencias a la
Gran Depresión. Los problemas
financieros de los personajes le
ofrecieron algo que le parecía que podría
resonar en la época actual, y un
desarrollo en los 30 —la original
transcurre en 1910— le permitía incluir a
Jane y a Michael como adultos.
8 OCTUBRE 2018
En cuanto al regreso de Mary
Poppins, a Rob y su equipo de guionistas
se les ocurrió algo que podía explicar la
presencia de la institutriz de otro mundo.
Michael ahora tiene tres hijos, pero su
esposa acaba de morir y le cuesta criarlos
por su cuenta. “Para los niños las cosas
también han cambiado. Ya casi son
adultos y su infancia se les escapa, así que
pensé que esa era la razón: Mary Poppins
viene a ayudar a llenar ese hueco de
ahora en la familia”.
Para reemplazar a la icónica Julie
Andrews, Marshall sólo tenía a una
persona en mente después de trabajar
con Blunt en Into the Woods. “No creo
que hubiera hecho esta trama sin Emily”,
se sincera. “Creo que habría sido casi
imposible”. Blunt puede ser el elemento
británico de guía necesario para Poppins,
pero también la fuente de calidez y
humor. Como bono, baila y canta, lo cual
es muy importante debido a las canciones
nuevas de Marc Shaiman y Scott
Wittman (de Hairspray).
Además de ser un homenaje a la
original, Marshall está convencido de que
los tiempos en los que vivimos requieren
un poco de Poppins. “Es un mundo muy
frágil donde es fácil perder la esperanza
y el asombro. Para mucha gente esas son
palabras simples, pero yo creo que es lo
que te mantiene adelante. Contar la
historia del redescubrimiento de la
alegría y la magia es para lo que me
apunté. Es hora de los musicales”.
“El mundo requiere una nana mágica
justo ahora” no es el eslogan oficial, pero
es bastante adecuado. Marshall, Blunt
y el resto tienen hasta diciembre para
probar que pueden estar a la altura de la
leyenda de Poppins, y parecen apuntar
sus paraguas en la dirección correcta.
MARY POPPINS RETURNS ESTRENA
EL 21 DE DICIEMBRE.
 El elenco de
Mary Poppins
Returns grita
de emoción
ante el estreno
de su película.

OCTUBRE 2018 9
 Ahora es
doctora
Jodie Whittaker tiene licencia
para encarnar al legendario
personaje de la televisión.

POR MARIO P. SZÉKELY

TRAS 55 AÑOS televisión de viajar por

el tiempo a bordo de la TARDIS, Doctor Who
saldrá este otoño de la famosa caseta de policía
azul con rostro de mujer en su versión del
personaje número 13. La elegida para tal rol
es Jodie Whittaker y quiere que abordes con ella
la serie de BBC Studios.
No podría ser más apropiada la selección
de la habitación del Hotel del Coronado,
a unas brazadas de San Diego, California,
donde Christopher Reeve y Jane Seymour
filmaron Somewhere in Time (1980). Ahora,
este sitio mítico es el escenario para conocer
la nueva cara de Doctor Who, navegante
del calendario desde su gestación en 1963.
Hoy existe una emoción extra.
Nos acercamos a Jodie, británica que no sólo
acaba de ponerse los zapatos de uno de los
personajes de la cultura pop más importantes en
el Reino Unido, sino que además toma la estafeta
de 12 actores previos que habían creado la idea
de que Doctor Who era masculino. Y no lo es.
“Para mí, no creo que ser mujer afecte la
personalidad del personaje, pues éste fue y es
escrito simplemente como The Doctor. Ahí en el
libreto no tiene un género específico”, explica
Whittaker, “pienso que como estamos
acostumbrados a ver este papel interpretado por
un hombre, nunca habíamos cuestionado si ser
masculino afectaba a The Doctor”.
Presentada en el desenlace del episodio
de Navidad 2017, Twice Upon a Time, donde el
Doctor Who número 12 (interpretado por Peter
Capaldi) debe seguir el curso de cambiar de piel
y semblante, la rubia apareció triunfante dentro
de la TARDIS sólo para salir expulsada hacia
el espacio minutos después, incrustando en la
pantalla la leyenda de suspenso: “Continuará...”.
“No todos los días te ofrecen un rol tan épico
como ser el Amo del Tiempo, pero tampoco
te arrancan hacia el espacio tan pronto como
asumes el papel”, reflexiona ella con una sonrisa,
y se revela así con un carácter desparpajado, listo
para que le invites una cerveza en el pub más
cercano a tu ubicación. La actriz, a quien vimos
en la cinta de ciencia ficción y suspenso Attack
the Block (2011), así como en el episodio The
Entire History of You de la serie Black Mirror, fue
elegida para ser Doctor Who por el productor
ejecutivo de la BBC, Chris Chibnall, quien
la reclutó antes para el drama detectivesco
Broadchurch, quedándole una grata impresión.
“Como mujer, no hay nada alrededor que
afecte mi actuar como Doctor, más allá del
querer ser honesta con las escenas y diálogos que
están escritas en el papel”, reafirma Whittaker,
de quien sabremos cómo sobrevivió al quedarse
sin su transporte TARDIS en el primer episodio
de la temporada: The Woman Who Fell to Earth
(¿algún fan de David Bowie?).
Doctor Who también tendrá un rediseño de
logo, con una franja horizontal que cruce sobre
la mitad de nombre del personaje, trazo rasgado
hacia el horizonte, acompañado del clásico tema
musical que también tendrá sus acordes
renovados; aunque siempre con el sabor de que
su TARDIS está ahí para traernos al mismo ser
que ya conocemos del planeta Gallifrey y que, sin
importar en absoluto su fisonomía, resulta una
persona siempre lista para tomarnos del hombro
cualquier buen día y abrirnos la puerta al
infinito. ¡Larga vida al Doctor!
LA TEMPORADA 11 DE DOCTOR WHO ESTRENA
POR CRACKLE EL 15 DE OCTUBRE.

10 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 11

ELDEBATE
UN TEMA UNIVERSAL,
OPINIONES DIVIDIDAS.
De cómo el cine
representa a
la comunidad
LGBTTTI
¿Los personajes LGBTTTI deben interpretarse
únicamente por actores que pertenecen a la
propia comunidad?
SÍ
LALO ORTEGA
COLABORADOR
DECÍA SANFORD MEISNER, famoso
maestro de actuación, que ésta “es comportarse
con autenticidad en situaciones imaginarias”.
Es decir que, una vez iniciada la ilusión fílmica
o teatral, los actores deben sostenerla
haciéndonos creer que son otras personas
por completo en mundos distintos.
Desde siempre, ellos se han transformado en
personajes de mil naturalezas. A los 16 años,
Judy Garland interpretaba a una niña perdida en
Oz, Zoe Saldaña ha pertenecido a dos especies
alienígenas y Neil Patrick Harris —un hombre
homosexual— hacía del mujeriego incorregible
Barney Stinson. Y todos ellos nos han
12 OCTUBRE 2018
La pareja central
de Call Me by Your
Name / Tom Hanks
con su icónico
personaje en
Forrest Gump /
La actriz Daniela
Vega en su
protagónico trans
en Una mujer
fantástica.
convencido; lo dicen el público, los premios
y nominaciones que recibieron en su momento.
Con talento y ayuda del vestuario o la
tecnología, las posibilidades son infinitas,
pero en años recientes los personajes de la
comunidad LGBTTTI han sido causa de
controversia. La más reciente: el casting de
Scarlett Johansson para interpretar a Dante
“Tex” Gill (un proxeneta transgénero de los 70)
en una biopic de la que tuvo que retirarse ante el
repudio público por la noticia.
Lo sencillo sería culpar al “campo minado
de la corrección política” por la reacción. En sí,
que un actor se ponga en la piel de alguien más
y nos transmita sus sentimientos y experiencias
no tiene por qué ser una falta de respeto
(a menos, claro, que se trate de una insensible
caricatura o resulte ofensiva).
La negativa nace de que, por regla,
numerosos roles trans llegan a manos de artistas
cisgénero, mientras cientos de sus colegas trans
no reciben ni la oportunidad de audicionar.
Que Jared Leto sea capaz de llevarse un Oscar
por interpretarlos a ellos, es sal a la herida.
Queda claro que no escasean artistas trans
y que las producciones con, sobre y para ellos,
pueden tener éxito. Tangerine: chicas fabulosas
y Orange is the New Black son meros ejemplos.
El problema de fondo es la omisión sistémica
de estos talentos y en la falta de representación
de su comunidad en la ficción.
¿Por qué ésta es importante? En el reporte
“Living with Television” de 1976, los
investigadores George Gerbner y Larry Gross
argumentaban sobre el impacto de la imagen
audiovisual en la sociedad con esta potente línea:
“La representación en el mundo ficticio quiere
decir existencia social; la ausencia significa
aniquilación simbólica”.
A veces subestimamos el poder del cine
y la televisión sobre nuestra cosmovisión,
y la representación equitativa es un pequeño
pero necesario paso hacia la igualdad de
derechos. Emplear artistas LGBTTTI para
interpretar a los personajes de su comunidad es
indispensable para atacar su baja representación
y la evidente desigualdad de oportunidades
existentes en la actualidad en la industria.

NO
CÉSAR
HERNÁNDEZ,
COORDINADOR
EDITORIAL
ANTES DEBO decir que necesariamente
tienen que existir más papeles para actores con
cualquier tipo de preferencia sexual o género. Mi
postura es un “no” porque es como el caso de
mujeres interpretando papeles de hombre y
viceversa desde siempre. Es como si Forrest
Gump lo tuviera que interpretar una persona con
la discapacidad retratada en la historia o al
Teniente Dan alguien sin piernas.
No es exageración. Desde siempre, actuar ha
significado vivir en otra persona y representarla
tan bien como sea posible.
El debate no es si las minorías requieren de
mayor representatividad en las pantallas y en los
escenarios, eso es un hecho y por supuesto que
requerimos más mujeres transgénero
interpretando a mujeres, heterosexuales o lo que
sea, ¿por qué importa?
Un actor o una actriz completos, estudiados
y apasionados, deberían tener la capacidad de
interpretar lo que les toque: Armie Hammer dio
una ejecución impecable en Call Me by Your
Name sin ser gay; de hecho es su obligación, le
pagan por ser otra persona.
Charlize Theron encarnó a Furiosa en Mad
Max: Fury Road y al personaje le faltaba una
mano. Repito, es cierto que hubo que castear más
gente sin mano en la película, pero Charlize no
necesitó estar manca para lograr una
interpretación por demás convincente.
El whitewashing es una cosa aparte, pero
también es producto de una división absurda. Un
chino debería interpretar sin problema a un
blanco o a un negro porque el color de la piel no
define tu calidad como actor. Lo demás es
caracterización; nadie se queja de que un wookie
no haya hecho a Chewbacca o de los animales
actores que se quedan sin trabajo por el CGI.
Creo que el debate va más a fondo y está
relacionado con las pocas oportunidades que las
minorías tienen en general en la vida y, mucho
más, en las cintas. Si no estuviéramos todo
el tiempo catalogándonos y dividiéndonos,
probablemente ese tipo de segregación no
existiría. Pero eso es en un mundo ideal porque,
según yo, las historias son universales y deberían
contarse sin reparar en las condiciones físicas, de
raza o preferencias sexuales.
Finalmente, los afroamericanos han logrado
una representatividad importante tanto en
el cine como en la televisión, pero también les ha
sucedido que hacen filmes sólo de negros y,
evidentemente, compartir su visión es
importante, pero también ellos se aislan del
mundo al contar sólo sus propias historias.
Del mismo modo se logró la existencia de
personajes abiertamente gays, cuya injerencia en
la historia no está relacionada con este hecho;
como el personaje Barney Stinson, el mujeriego
de How I Met Your Mother, encarnado por el
actor gay Neil Patrick Harris, y ahí no vi a grupos
de heterosexuales reclamando.
OCTUBRE 2018 13
 El as bajo la manga
Rumbo a su última tempo-
rada, con una presidenta
y sin Kevin Spacey, todo
se vale en House of Cards.
POR OLLY RICHARDS
PARA EL ELENCO y el equipo
técnico de una serie que lleva tanto
tiempo en pantalla, la temporada final
siempre es un momento de mucha carga
emocional. Los actores se despiden
de personajes con quienes han vivido
durante años y la presión es superalta
para entregar un capítulo final
satisfactorio, pero conforme se desarrolló
la producción de la sexta y última entrega
de House of Cards, lo emocional tenía
orígenes más oscuros.
El 30 de octubre de 2017 la
producción se suspendió un par
de semanas después de iniciar, cuando
Anthony Rapp públicamente acusó
a Kevin Spacey —el actor principal— por
14 OCTUBRE 2018
insinuaciones sexuales no deseadas hacia
él en 1986, cuando Rapp tenía 14 años.
Al día siguiente, Netflix anunció que la
filmación de la temporada seis se
suspendería “hasta nuevo aviso”.
El 3 de noviembre llegó una declaración:
“Netflix no estará involucrada en ninguna
producción de House of Cards que
incluya a Kevin Spacey”. El presidente
fue despedido.
Para los directores Melissa James
Gibson y Frank Pugliese, ese cambio
significaba un futuro incierto para una
serie que apenas habían tomado hacía
una temporada (aunque ambos escriben
para ella desde 2014). “Todas las
posibilidades estaban sobre la mesa”,
aseguró Gibson cuando le preguntaron
si se consideró cancelarla, “pero
pensábamos que debíamos concluirla
de una manera clara. De todos modos
esa era su temporada final”.
Eliminar a Spacey y poner a Claire
(Robin Wright) como personaje
principal. Esto no era un cambio tan
radical del plan original. Al final de la
quinta temporada, Frank Underwood La señora presidenta
renuncia a la presidencia en lugar y protagonista de la
de enfrentar la destitución por acuerdos temporada seis / Claire
cuestionables en la elección, y Claire, su (Robin Wright) siempre
esposa y vicepresidenta, toma posesión a la altura.
del cargo. En la última toma, mira a la
cámara y dice dos palabras: “Me toca”.
“La temporada estaba planeada
alrededor de lo que significan esas dos
palabras”, comparte Melissa. “Eso no
cambió... y curiosamente se convirtió en
la oportunidad de explorar algo que
estuvo en el ADN de la serie desde el
inicio. Frank y Claire siempre negociaron
en términos de su asociación y Claire
continuará haciéndolo como presidenta”.
Desde el piloto vimos cambios en el
matrimonio Underwood y su relación
política. Al inicio tenían la meta de
alcanzar el puesto más alto del mundo,
pero eso cambió cuando su relación
comenzó a erosionarse. Su deseo
colectivo por el poder era demasiado
grande para compartirlo. En los últimos
ocho episodios, Claire tratará de
aferrarse a lo que Frank no pudo

y esperará que sus propios secretos no
salgan a la luz eventualmente.
“Las circunstancias en la línea
narrativa la forzan a enfrentarse a sí
misma de una manera que nunca tuvo
que hacer cuando Frank Underwood era
parte del programa”.
La temporada seis es, además, la
primera en escribirse en la era Trump.
Cada episodio anterior ha lidiado hasta
cierto punto con la política del mundo
real, o al menos un aspecto de ella.
Hemos tenido acusaciones de ‘noticias
falsas’, de fraude electoral, la caza de un
terrorista tipo Bin Laden... La era política
desquiciada en la que estamos ahora hace
que las tácticas más extrañas de Frank y
Claire parezcan juegos de niños, pero los
guionistas no tuvieron que alocarse más
para reflejar el mundo actual.
“¿Sabes qué es lo que aparentemente
no podemos imaginar?”, pregunta
Publiese. “Una mujer presidente.
Nuestra historia tuvo la oportunidad de
hablar de ello”. Claire enfrentará a
quienes quieren que caiga, algunos con
buenas razones, pero también enemigos
en todo el mundo que, como externa
Gibson, “encuentran que una presidenta
de Estados Unidos es tanto inimaginable
como inaceptable”.
Al momento de decidir quién
dirigiría el capítulo final, no hubo debate.
“Creo que todos pensaron que Robin
debería hacerlo”, cierra Gibson. Wright
ha dirigido al menos un episodio al año
desde la temporada dos. No fue pensado
como algo simbólico, pero funciona así.
Cuando la serie comenzó, se vendió como
un proyecto dirigido por David Fincher y
estelarizado por Kevin Spacey. Robin
Wright también era importante, pero no
principal. A partir de ahí ha probado ser
el arma más importante y el último
capítulo de House of Cards tendrá a
Robin Wright dirigiendo a Robin Wright.
LA TEMPORADA SEIS DE HOUSE OF CARDS
ESTRENA EN NETFLIX EL 2 DE NOVIEMBRE.
SABER
SOBRE...
HELLBOY
Nuevo director,
nueva estrella...
¿el mismo
grandote
colorado?
1Guillermo
__Tras dos adaptaciones del director
del Toro, Hellboy —el
investigador paranormal sardónico y
demoniaco— tendrá un reboot con el
director británico Neil Marshall (Game of
Thrones) tras la cámara.
2
__ Esta película casi fue Hellboy 3. Del
Toro debatió durante mucho tiempo otra
secuela, y después de que 100 mil
personas votaran positivamente en una
encuesta de Twitter, accedió a trabajar en
ella, pero después reportó que “100 por
ciento la secuela no ocurriría”. No está
claro exactamente por qué, pero los
productores de la cinta (incluyendo al
creador del cómic, Mike Mignola)
optaron por relanzarla sin Guillermo, por
lo que reescribieron el guion.
3RonPosterior
8 Ian McShane es el profesor Broom
__ a dos filmes como Big Red,
Perlman decidió no involucrarse en
ningún proyecto sin Del Toro. David —en el papel que tuvo su amigo cercano,
Harbour (alias el jefe Hopper de Stranger
Things) es el nuevo Hellboy.
4
__ Defensor y representante del típico
cuerpo de papi —un poco redondeado y
definitivamente no mamado— (“Mis
respetos a todos los grandes que tenían
cuerpos de papá antes que yo", tuiteó
alguna vez), Harbour pasó 10 semanas
poniéndose en forma para el papel,
ayudado por prostéticos de cuerpo
completo. Pasó dos horas en la silla de
maquillaje cada mañana de la filmación.
5
__ El primer vistazo a la nueva
apariencia de Hellboy debutó en redes
sociales en septiembre pasado y muestra
al héroe con fidelidad, aunque con un
tono de rojo más oscuro y una greña
menos peinada que antes.
6
__ Originalmente se titulaba Hellboy:
Rise of the Blood Queen y ahora es
simplemente Hellboy. La Reina de Sangre
en cuestión es Nimue (Milla Jovovich),
una hechicera arturiana que intenta
destruir a la humanidad.
7
__ Al principio se eligió a Ed Skrein
como Ben Daimio, pero optó por dejar el
papel una semana después diciendo que
no deseaba “oscurecer historias y voces
de las minorías étnicas en las artes”.
Daniel Dae Kim después aceptó el rol y le
aplaudió a Skrein por apartarse. “No
podría referirse a este asunto de una
manera más elegante”, aseguró.
__
el fallecido John Hurt—. “Estoy
interpretándolo como homenaje a John”,
declaró McShane.
9
__ Está parcialmente basada en la línea
narrativa de The Wild Hunt, de los
cómics, donde el secreto Club Osiris
llama a Hellboy a Inglaterra para vencer a
un ejército malvado.
10
__ La filmación se realizó a finales de
2017 en el Reino Unido y Bulgaria, antes
de un largo proceso de posproducción.
JOHN NUGENT
HELLBOY TIENE PROGRAMADA SU FECHA DE
ESTRENO A INICIOS DE 2019.
OCTUBRE 2018 15

Mirada extranjera
El racismo, los cambios cultura-
les de una ciudad y la fuerza
policiaca en EU son el objetivo
de Blindspotting.
POR ANAID RAMÍREZ
DESPUÉS DE HACER comerciales
y videos musicales, le llegó el momento a Carlos
López Estrada para debutar como director de
cine. La oportunidad apareció gracias al libreto
que escribieron y le concedieron dos amigos,
Rafael Casal y Daveed Diggs, quienes también
son actores y músicos. El resultado es una
película que causó revuelo en el Festival de
Sundance a inicios de 2018 debido a su mezcla
de humor, drama y crítica social, así como
por sus referencias visuales y narrativas
a Do the Right Thing, de Spike Lee.
Todo comenzó cuando hace seis años Carlos
dirigió un videoclip de Clipping, la banda de rap
de la que es parte Daveed. Desde entonces,
la amistad surgió y las colaboraciones han sido
constantes. Por eso, a inicios de 2017, cuando
el rapero y Rafa le propusieron al mexicano
dirigir su guion, el cual llevaba siete años
calentándose en espera de financiamiento,
16 OCTUBRE 2018
López Estrada no tuvo que pensar mucho para
aceptar y poner manos a la obra al instante.
Rafa y Daveed son autores y protagonistas
de esta historia. ¿Esto provocó algún roce
creativo al momento de dirigirlos?
No, llevamos tantos años trabajando juntos que
existe una confianza mutua, tanto de ellos para
mí como de mi parte hacia ellos. Fue una
colaboración que de verdad no costó trabajo.
Ellos ya conocían mi estilo de dirección,
yo los conozco como actores muy bien,
y también como escritores. Fue más como una
serie de discusiones en cuanto a cómo queríamos
ir y marcar escena, resolver problemas que
podíamos solucionar juntos y ver qué necesitaba
la trama para que la pudiéramos contar bien.
La historia es muy irreverente y divertida,
pero toca temas complejos. ¿Hubo alguna
complicación para dar con el tono adecuado
sin caer en la burla ni en el panfleto?
Muchas. La cinta trata con problemas sociales,
políticos y culturales. Entonces, el reto era cómo
empezar con esas conversaciones y cómo
presentar esos problemas sin dar ninguna
respuesta. Lo que el filme intenta hacer es iniciar
conversaciones y plantear muchas preguntas
para el espectador, así que discutimos mucho
Miles (Rafael Casal) y
Collin (Daveed Diggs)
en un momento
muy relexivo.
para ver si estábamos explorando todas estas
ideas suficientemente; si debíamos meternos
más directo, si estaban muy fuertes o muy obvios
algunos de los conceptos o si teníamos que darles
un poquito más de enfoque para que no se
perdieran. Debíamos asegurarnos de que todas
las ideas se comunicaban con claridad sin
confundir ni brindar demasiada información.
Blindspotting aborda conflictos muy
estadounidenses, muy locales. ¿De qué
forma aportó tu visión como mexicano
al momento de retratar esos temas?
Creo que fue muy importante tenerme
involucrado en el proyecto. Querían a alguien
que pudiera entrar a su ciudad (Oakland)
y documentarla con un ojo externo. Ellos aman
su urbe pero les es un poco más complicado
entender con exactitud aquellos elementos
que la convierten en un sitio tan interesante;
entonces, traerme a mí de afuera para llegar
y extraer los aspectos que me parecían únicos,
era muy importante. Pienso que hicimos buena
mancuerna porque ellos dos eran como un filtro,
me apoyaron a entender a la ciudad desde
adentro y yo les ayudé a ellos a documentarla
desde afuera.
BLINDSPOTTING ESTRENA EL 5 DE OCTUBRE.
 TRAILER PARK
CADA MES NOS PONEMOS UNA
GORRA DE TRAILERO PARA VER MILES
DE ADELANTOS Y RECOMENDARTE
TRES, LOS MÁS ESPECTACULARES.
I THINK WE’RE ALONE NOW
Peter Dinklage es garantía de que
veremos algo interesante, así como el
tráiler de esta maravilla posapocalíptica
que promete muchísimo también por
Elle Fanning y Charlotte Gainsbourg.
INSTANT FAMILY
Estas cintas siempre resultan muy
divertidas y no hay nada que Rose Byrne
haga mal. Mark Wahlberg ha demostrado
que juega bien con otros y sus
interacciones con los niños son un gozo,
al menos por lo que vimos en el tráiler.
THEQuienes
NUTCRACKER AND THE FOURTH REALM
conocen a Tchaikovsky saben
que algo muy oscuro hay detrás de
El Cascanueces, y Disney nos ofrece esta
oscurísima visión del cuento navideño. Se
ve más loca que si la hubiera hecho Tim
Burton, y tal vez sea mejor.
¿Y QUÉ
HAGO YO?
DocsMX llega a su 13ª
edición con la apuesta de
abrir miradas respecto a
diversos temas y generar
acción en la sociedad.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
NECESARIO, URGENTE y poderoso son
algunos de los adjetivos con los que se ha
deinido al género documental, por la potente
manera de convertirse en una herramienta
para mostrar visiones de la realidad y, con
ellas, abrir la mente al pensamiento, al
cuestionamiento sobre nosotros mismos y a
lo que acontece.
Así, desde 2006, el Festival Internacional
de Cine Documental de la Ciudad de México
(DocsMX, antes DocsDF) ha tenido el objetivo
de fomentar la exhibición, creación y
formación de dicho género, pero también de
la fuerte vinculación con el público.
“Es una apuesta que tomamos hace 13
años por generar un espacio de relexión
sobre nuestra realidad y el cine documental
es una herramienta muy poderosa en cuanto
a entender, relexionar y también actuar en
torno a los retos que como sociedad nos
imponemos”, señaló el director del festival,
Inti Cordera, quien explicó que esta necesidad
ha llevado a nutrir el festival con actividades
complementarias.
“Este año realizaremos un foro en torno al
cine y la acción social. Invitamos a unos
colegas de Reino Unido, de Doc Society, que
han trabajado en la vinculación entre cine y
sociedad civil, y lo que queremos demostrar
es que el cine sí es una herramienta de
cambio y de acción social porque eso es lo
que nos mueve: esa posibilidad”, airmó.
Cabe señalar que el público de la primera
edición, en 2006, fue cercano a los ocho mil
espectadores y la audiencia del año pasado
—también diversiicada, porque antes sólo
era la CDMX y en el último año se llevó a 30
estados y a plataformas digitales— sumó casi
98 mil espectadores.
Pero ¿qué sentido tiene el documental
además de mostrarnos en qué estamos
parados? Conmovedor, duro o alegre como
puede ser un ilme de este tipo, su fuerza va
más allá si nos invita a preguntar y luego nos
lleva a cambiar el actuar día a día.
“Hay que entenderlo desde el punto de
vista de quienhace la película: la mirada de
los documentalistas es por lo general sincera
y honesta. Después en el acto de la
proyección, cuando el público se enfrenta a la
pantalla, se convierte tanto en una ventana
como una mirada a la realidad; y cuando de
pronto, en un festival donde tienes la
posibilidad de conversar con el director, los
asistentes pueden encontrar en este espacio
de diálogo las preguntas y motivación para
decir: ‘¿Qué puedo hacer yo?’, eso es lo que
queremos potenciar”, airmó Inti.
Por tal motivo, en esta edición se
contemplan grandes aliados de la sociedad
civil como la Acnur o la propia ONU, por
mencionar algunas instituciones que se
vinculan a las temáticas de las cintas para
establecer esa necesaria conversación que
nos permitirá entendernos mejor como
sociedad y también como humanos.
DOCSMX SE LLEVARÁ A CABO DEL 11 AL 20 DE
OCTUBRE EN LA CDMX.
OCTUBRE 2018 17
 EMPIRE habló con
el equipo técnico
de Creed II en
Filadelia el
21 de mayo.
Un asunto familiar
En Creed II, Adonis enfrenta al hijo del asesino de su padre. ¿Resolverán los viejos conlictos?
POR CHRIS HEWITT
CON ESE NOMBRE tan obvio,
no hay premio si adivinas que Creed II
es la secuela de Creed. Pero como la
octava película en la saga Rocky, también
tiene el honor de ser la secuela de otras
seis cintas, en particular de Rocky IV.
En caso de que hayas olvidado
el filme más cursi de todas la franquicia,
es donde Sly Stallone sube corriendo
a una montaña; donde James Brown
cantó “Living in America”; donde hay un
mayordomo robótico. Y lo principal,
18 OCTUBRE 2018
también es donde el adorado Apollo
Creed (Carl Weathers) vive su fin en
manos del gigante ruso Ivan Drago
(Dolph Lundgren). Drago es la razón por
la que Adonis Creed (Michael B. Jordan)
nunca llegó a conocer a su padre.
Y si eso te parece tierra fértil para
encontrar un drama, estás en lo cierto,
porque en Creed II Adonis se enfrenta
a Viktor Drago (Florian Munteanu),
un tipo enorme que resulta ser hijo
del hombre que mató a su papá.
“El tema de la historia es la familia”,
considera Steven Caple Jr., quien
remplaza a Ryan Coogler en la silla del
director. “El filme no trata sobre una sola
persona, sino de quiénes están detrás de Rocky Balboa
ti. ¿Quién está de verdad en tu esquina?”. (Sylvester Stallone)
En esta ocasión ésa no es sólo una entrena a Adonis
frase cool, porque para que las cosas sean (Michael B. Jordan) /
más melodramáticas al grado de ser Creed se prepara
shakesperianas, Adonis y Viktor tienen mentalmente para
a dos viejos rivales en sus esquinas: enfrentarse
Rocky Balboa, claro, e Ivan Drago. a Viktor Drago.
Ya sabremos dónde ha estado Drago
todo este tiempo, pero el regreso de uno
de los verdaderos villanos de toda la serie
es una idea que nos hace agua la boca.
“Ese personaje fue enorme en Rocky IV”,
recuerda Jordan. “No tuvimos un villano
o antagonista verdadero la primera vez.
Fue más bien una historia de origen.

Ahora encontramos el vehículo perfecto
para construir más sobre eso”.
La saga mostró profundidad
emocional y complejidad desde el
principio, y Caple Jr. sabe que esta
es una historia de padres e hijos
y que los pecados del pasado tienen un
rico material dramático. “Que regrese
Ivan Drago es enorme, casi un género en
sí mismo; pero por otro lado puede ser
una historia de personaje, una que se
sienta natural y no forzada”.
Creed fue, sin duda, una trama de
personaje, la que vio a Stallone nominado
al Oscar como Mejor actor de reparto.
¿Sería mucho imaginar que la secuela sea
un escaparate similar para Lundgren?
Increíblemente, Rocky IV fue su primera
cinta. Esta será su 70ª. Y sin embargo
admite que, en Creed II, “aprendí mucho
como actor. No creo haber interpretado
nunca a un tipo tan desesperado. Está
enojado con el mundo, en particular con
Rocky Balboa”.
Es padre contra padre. Hijo contra
hijo. Rusia contra Estados Unidos (muy
actual). Los ingredientes están ahí para
una cinta clásica de Rocky/Creed pero
con la salvedad de que ésta no tendrá un
mayordomo robótico.
CREED II ESTRENA EL 1 DE ENERO DE 2019.
MÉXICO “TAL Y COMO ES”
TRES DE LOS NUEVE SOCIALITÉS
DE MADE IN MÉXICO TE DAN
UNA ADELANTO DE SU REALITY.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
Cuando les hicieron la propuesta de entrar
a este reality show, ¿qué es lo que Netlix
quería mostrar y qué les aporta a ustedes
estar en un programa como este?
COLUMBA DÍAZ La idea es mostrar México
como realmente es: la cultura, la tradición,
los colores, todo lo que es nuestro país a través
de los ojos de nueve personas. Creo que no se
sabe muy bien lo que es, en primera, ser
mexicano; y además, lo que es México y lo
padre que es ser latinoamericano. Entonces
lo que nos movió fue enseñarle eso al mundo.
Tenemos, tal vez, el prejuicio de la frivolidad
que existe en los reality shows; ¿cómo creen
que se pueda omitir este aire supericial?
KITZIA MITRE Este show no tiene nada qué
ver con clases sociales ni con dinero. Trata
temas mucho más humanos y va mucho más
allá; creo que va a romper muchas fronteras
y que los temas que estamos viviendo, las
cosas que nos suceden y cómo las manejamos,
son meramente humanas, independientes del
nivel socioeconómico, color de nuestra piel o
ubicación geográica.
No tiene que ver con clases sociales pero
puede volverse aspiracional. Entonces, ¿qué
aportarán ustedes al público?
CD. La verdad es que todo lo que tenemos las
personas que estamos en el show, lo hemos
trabajado. Yo no vengo de una familia
acomodada. Creo que es más una experiencia
en la que queremos que conecten con nosotros
y que se identiiquen con los problemas que
vivimos tanto emocionales, sentimentales y
espirituales que cualquier persona puede tener.
La serie se llama Made in México, ¿cuál es el
concepto que tienen de México? ¿Qué
resaltarían, viendo ahora todas estas
cuestiones de cambio y los problemas que
hemos arrastrado durante mucho tiempo?
ROBY CHECA Yo lo que puedo decir a la gente
es que vea toda la diversidad que realmente
tiene México. Los mexicanos, por más cambios
que hay, negativos o positivos, son personas
con mucho corazón, que sienten mucho.
MADE IN MÉXICO ESTÁ AHORA EN NETFLIX.
OCTUBRE 2018 19
 MOSTRANDO HOY A LAS
ESTRELLAS DEL MAÑANA.

AMANDLA STENBERG
POR JOHN NUGENT

Cuéntanos de tu papel en The Hate U Give.

Starr es una chica que crece en un barrio negro
de bajos ingresos, viendo Fresh Prince con sus
amigos, asistiendo a una escuela privada blanca
del otro lado de la ciudad, así que domina el cambio
de switch de estar en esos espacios negros
y blancos, y cómo encajar en cada uno. Cuando su
mejor amigo es baleado y asesinado por un policía
frente a sus ojos después de un chequeo rutinario
de tráico, galvaniza la decisión que debe tomar
en términos de si debe alzar y usar su voz.

¿Cómo fue tu audición?

Fue como un proceso en reversa. Estuve ligada
al proyecto antes de que se publicara el libro.
Me habían dado una copia del manuscrito gracias
a un amigo que es autor de novelas para adultos
jóvenes. No estaba terminado, pero su corazón
y esencia me capturaron de inmediato. Terminé
ligada al proyecto como manera de ayudar
al proceso de producción. Un año después, más
o menos, cuando el libro ya se había convertido
en un éxito, me pidieron audicionar de nuevo.

¿Cuál fue tu primer papel en la actuación?

Lo primero que hice fue un comercial para una
muñeca que se llamaba Fivesies. En el anuncio hay
una igura borrosa de mí arrullando a las muñecas.

¿Tienes un director o proyecto de ensueño?

Me gustaría trabajar con Ryan Coogler. Steve
McQueen sería increíble. Me encantaría hacer una
película tipo Kill Bill.

¿Tienes una cinta favorita?

Probablemente Do the Right Thing.

¿Quién ganaría en una pelea: un pato del

tamaño de un caballo o cien caballos del
tamaño de un pato?
Creo que cien caballos del tamaño de un pato.
Creo que sería una ola torrencial contra el pato.

THE HATE U GIVE ESTRENA EL 1 DE FEBRERO DE 2019.

20 OCTUBRE 2018
Workaholic
Bárbara de Regil debuta
en las comedias románticas
con Loca por el trabajo.
POR ANAID RAMÍREZ
CON UNA protagonista que prioriza
su carrera profesional ante su familia, Loca
por el trabajo intentará ofrecerte una
bocanada de aire fresco entre la abundancia
de comedias románticas que ha producido
nuestro cine en años recientes. Alicia es
el nombre de esa mujer, y Bárbara de Regil,
la actriz encargada de darle vida, nos cuenta
un poco de la condición workaholic de su
personaje, su primer protagónico en cine.
Periodo de incubación La historia
comienza cuando Alicia está por convertirse
en directora de marketing de una empresa
de juguetes y cree tener estabilidad en su
matrimonio, pero cuando Bárbara aceptó
el personaje decidió ir un poco atrás en el
tiempo. “Creo que esta adicción es algo
de siempre, desde la escuela. Me la imagino
supermatada y adicta a sus clases, porque
así la veo, matada también en el trabajo.
Es como muchos que creen lo de: ‘Mi trabajo
es todo en la vida’”.
La enfermedad Pareciera que el personaje
central no encuentra un remedio, ni siquiera
cuando toca fondo, y pone en peligro
el vínculo que tiene con las personas que más
quiere: su madre, su hijo, su esposo
y su nueva amiga, Marcela (Marianna
Burelli). “Es lo que me gusta del mensaje de
esta película: ‘Güey, no dejes todo por el
trabajo’. Al final, ¿eso qué te deja? En el caso
de Alicia, es un premio que ni siquiera ella
recibió”, cuenta la también protagonista
de Rosario Tijeras. “Pienso que hay que
poner todo en una balanza, de un lado tu
trabajo y del otro tu familia, y cuando llegas a
la media, eso es lo que debes hacer”.
El tratamiento Todo parece indicar que ese
equilibrio entre la vida profesional y personal
llegará a Alicia junto con una nueva
oportunidad laboral, cuando se postula para
hacerse cargo del marketing de la sex shop
de Marcela. “¡Está más rico y más padre”,
bromea la actriz. “Alicia es muy feliz,
se realiza ahí. Ahora sí que le dio al clavo”,
agrega entre risas la intérprete.
Posiblemente necesitarás de otros
tratamientos para bajarle a tu apego
al trabajo, pero la cinta de Luis Eduardo
Reyes al menos buscará relajarte con las risas
que promete. ¿Aceptas el remedio?
LOCA POR EL TRABAJO ESTRENA
EL 16 DE NOVIEMBRE.
OCTUBRE 2018 21
 Muy técnicos
Noé Santillán-López recrea el mundo de la lucha libre en Ni tú ni yo.
POR ANAID RAMÍREZ
DESPUÉS DE PURASANGRE,
Noé Santillán-López retoma los líos
familiares, pero ahora en un tono cómico
y con la lucha libre como telón de fondo.
¿Pero qué tanto de esta tradición
mexicana encontrarás en Ni tú ni yo?
el ENMASCARADO
En la batalla estelar figura Guadalupe
(Mauricio Argüelles), un papá soltero
y luchón —literal— que se sube al ring
con el alter ego de “El Halcón Negro”,
a quien Santillán-López define como
“un luchador técnico clásico”. Se trata
de un retrato de “las grandes leyendas,
como Santo, que se veían como
superhéroes”, explica. De esta forma
el gladiador tiene todo para brillar en
el ring, y Guadalupe hará lo propio para
conquistarte también sin máscara. “Es un
güey medio bruto, impulsivo y de mecha
corta, pero tiene un corazonzote,
y Mauricio, quien de entrada posee una
gran alma, lo supo llevar a alguien así;
se ve muy auténtico”.
22 OCTUBRE 2018
LA ARENA
La euforia que se desborda en los hitos
de la lucha libre no podía enclaustrarse
en un foro de filmación, por eso rodaron
en arenas de verdad. “Fuimos a la Arena
San Juan y a la Arena Neza, que nos
cobijó muy padre. Son recintos
legendarios, de sus barrios, que cada
sábado se llenan”. Aquí tenían llamados
de 300 a 400 extras para los espectáculos
pequeños, pero también aparecen
eventos masivos en los que se ve un mar
de gente “y no hay manera de pagar eso”.
Para tener esas imágenes, “fuimos a un
evento real de AAA, a la Triplemanía,
donde acuden como 11 mil personas”.
las LLAVES Y QUEBRADORAS
El cineasta cuenta que todo el tiempo
la AAA estuvo cerca de la producción
para que todo luciera muy real: “Nos
cobijó desde un principio, nos mandaban
a sus luchadores y entrenaban con los
actores”, dice. Gracias a este apoyo,
el protagonista hizo todos sus stunts.
“Mauricio se comprometió de lleno,
entrenó varios meses antes, estuvo en
una dieta estricta, aprendió todas las
llaves y a cómo dar un golpe”, afirma.
LOS RUDOS
El mayor enemigo de “El Halcón Negro”
en el ring es Psycho Clown, pero a quien
debe temerle es a la ruda que está debajo
del cuadrilátero: Miranda (Bárbara de
Regil), la heredera de una antigua figura
de la lucha libre que siempre busca
salirse con la suya. “Creo que le tengo
más miedo a ella”, bromea el director.
“Aunque es la villana, hay una cosa de
parlamento muy padre, porque al final
lo único que trata de hacer es brillar
y demostrarle a su papá que sí puede.
Es de los papeles más ricos de la historia”.
la RESPETABLE AFICIÓN
Cuando veas Ni tú ni yo identificarás
tu comportamiento en la lucha libre o el
de otras figuras que seguro has detectado
en tus visitas al pancracio. Ya nos darás
la razón cuando aparezca a cuadro
“la señora que mienta madres”, ríe Noé,
“esas ancianitas dulces, que de repente
hablan y mientan madres y son capaces
de ponerse al tiro con Psycho Clown.
Es parte del folclor y justo también En la arena no se
queríamos tener esta parte del público”. pueden juntar las
sillas para que se
NI TÚ NI YO ESTRENA EL 12 DE OCTUBRE. duerma la niña.
 Plática de
elevador
ID
IDRIS ELBA
¡Hola, Idris! Gusto en verte.
A mí también me da gusto.
He visto dos veces tu película Yardie.
¡Dos veces! ¿Qué te pareció la
segunda vez? Es interesante revisar
ilmes de nuevo. Veo algunos
clásicos otra vez porque quiero tener
un ángulo diferente. En una escena
de Goodfellas quiero observar sólo a
Ray Liotta, y en la siguiente, sólo a
De Niro todo el tiempo.
Yo he visto Goodfellas mil veces.
Y he escrito mucho sobre ella.
¡Wow! ¿Has mencionado los
problemas de continuidad que tiene?
No, pero sé por entrevistas con
Thelma Schoonmaker que a
Scorsese no le importan.
¡Lo sé! ¡No le importan!
Yardie, tu debut como director,
fue ilmada hermosamente.
Me parece que la cámara se mueve
con mucha gracia.
El director de fotografía (John
Conroy) y yo nos conocemos desde
hace mucho. Su papá fue
el cinematógrafo en In the Name
of the Father, así que John tiene
sangre azul cinematográica. Irlanda
y Jamaica tienen una historia común
—hay una estética con la que te
puedes identiicar—. Hay un poblado
irlandés en Jamaica. Hay una
sensación de lengua común. Y los
jamaiquinos dicen “iyiot” (“idiota”)
en Irlanda y Escocia.
YARDIE ESTÁ EN ESPERA DE SU FECHA DE
ESTRENO EN MÉXICO.
Replantear
la estrategia
¿Qué demonios es Overlord, la misteriosa mezcla de
géneros de la SGM producida por J.J. Abrams?
POR JOHN NUGENT
Es una película de guerra
Overlord toma su título de la Operación
Overlord, el nombre secreto de la invasión
aliada a Normandía en 1944. El director
Julius Avery explica que es literalmente
“el salto inicial”, porque el ilme empieza
con un equipo de soldados saltando de
un avión que se incendia el Día D.
Los nazis son villanos geniales porque
“no hay nada mejor que ver nazis volando
en pedazos”, dice Avery, pero una vez
que nuestros héroes aterrizan, la trama
gira hacia una historia icticia alternativa.
Es una cinta de acción
“Me encanta la acción física intensa”,
señala Julius, y como sugiere su tráiler
con soundtrack de AC/DC, el énfasis aquí
será de una película en movimiento tipo
B. “Quería poner a la audiencia dentro
de la acción y que sintiera que iba lado
a lado con los soldados”. La secuencia
inicial es una toma larga sin cortes desde
el punto de vista del personaje principal,
Boyce (Jovan Adepo). “Todo fue realizado
con la cámara”, revela Avery.
Es un filme de ciencia
ficción-horror
Los estadounidenses encuentran en un
laboratorio nazi algo que el director
describe como un horror sobrenatural
“completamente desquiciado”. Con eso
no revela nada especíico, pero señala
que los sacos de látex en donde los nazis
metían a la gente eran demasiado
aterradores hasta para los dobles.
“Uno no lo aguantó”, recuerda. “Dijo:
‘Puedes lanzarme de un auto en
movimiento o prenderme fuego, pero
nunca volveré a meterme en esa cosa’”,
recuerda el cineasta.
No es (probablemente) una
producción Cloverfield
Los rumores persisten de que Overlord es
parte del universo Cloverield; el pasado
febrero, el productor J.J. Abrams se
rehusó a conirmar o negar si era la cuarta
entrega de su exitosa franquicia de
alienígenas, pero desde entonces ha sido
negado tanto por el productor como por
el ahora director. “No es una parte de
Cloverield”, concluye Julius con irmeza.
La última palabra, ¿cierto? ¿O será que
nos quiere despistar?
OVERLORD ESTRENA EL 9 DE NOVIEMBRE.
OCTUBRE 2018 23
 LA AGENDA LAS GRANDES
NOTICIAS DEL MES.
Los actores trans
merecen más
La controversia sobre
Scarlett Johansson es una
lección, dice Helen O’Hara
de EMPIRE.
LA REPRESENTACIÓN
IMPORTA. Todos entendemos que no
está bien que los blancos se pinten la cara
de negro o que papeles que deberían ser
interpretados por gente de color sean
reescritos para blancos. Pero el asunto de
quién puede interpretar a quién es algo
candente si se refiere a personas trans,
como muestra la reciente controversia
sobre el papel de Scarlett Johansson en
Rub & Tug.
El furor surgió cuando se anunció
que Scarlett estelarizaría la cinta de
Rupert Sanders sobre el imperio de
masaje de los 70 de Dante ‘Tex’ Gill,
quien, nos cuenta la historia, era trans,
y la elección de Johansson fue criticada.
La indignación fue mayúscula
considerando el blanqueo del año pasado
en Ghost in the Shell, donde Johansson
encarnó a un personaje que de origen era
asiático. Después de la mala declaración
inicial (“Díganles que pueden dirigirse a
los representantes de Jefrey Tambor,
Jared Leto y Felicity Hufman”) y una
semana de críticas, la actriz se retiró
del proyecto diciendo: “Nuestro
entendimiento cultural de la gente trans
continúa avanzando”.
24 OCTUBRE 2018
CINCO
ACTORES
TRANS
NOTABLES
Laverne Cox
La primera mujer
abiertamente
trans que fue
nominada a un
Emmy alcanzó
la fama como
Sofía en Orange
is the New Black.
Brian Michael
Smith
Smith se anunció
como trans en
2017, usando su
papel en el
digas papeles acorde a su género drama televisivo
aparente. No hay evidencia de que este Queen Sugar, de
proyecto haya visto más allá de Ava DuVernay,
Johansson, así que no hay bases para como vehículo
decir que no hay nadie que pueda con él. para revelar su
Además, la experiencia trans es bastante identidad de
diferente, así que no es exageración género.
suponer que una cinta ganará si realiza
un casting acorde a la autenticidad; no se Mya Taylor
trata de un acento, sino de un hecho Recibió el
fundamental de identidad. reconocimiento
La idea de que la cinta se haya ido al internacional por
caño también está mal: su supervivencia su papel en
es una elección. Cuando Hollywood Tangerine, el
Daniela Vega en Una mujer fantástica / quiere hacer lo correcto, puede. drama de 2015.
La controversial Scarlett Johansson. Si Scarlett quiere ser una aliada, puede
aceptar un papel de reparto. Hay muchos Daniela Vega
Y entonces llegó la OTRA reacción, ejemplos de actores de una minoría que Vega saltó a la
la que clama que los actores deberían tuvieron el papel protagónico en un filme fama con su
poder interpretar cualquier papel, que y realizaron algo extraordinario: Marlee estelar en Una
esto no es diferente a que un actor Matlin en Children of a Lesser God, mujer fantástica,
estadounidense hable con acento Daniela Vega en Una mujer fantástica o de Sebastián
británico y que no hay figuras trans que todos en Slumdog Millionaire. Lelio, la Mejor
puedan llevar el proyecto a buen puerto. Rub & Tug no debería almacenarse. película
Sin una estrella, el proyecto no será El hecho de que Johansson haya dejado extranjera en los
realizado, afirman, así que... ¿no es mejor la producción ya generó más publicidad Oscar 2017.
contar una historia trans con una estrella que su presencia en ella. El argumento de
que no lo es, que no contarla para nada? que “cualquiera puede interpretar a Nicole Maines
Pero estos argumentos no la libran. cualquiera” podría ser razonable si el Maines hizo
Los actores NO pueden interpretar campo de oportunidades fuera justo, historia en julio
cualquier papel porque de lo contrario pero para efectos prácticos sólo los pasado como
nos parecería bien que blanqueen roles. blancos, heterosexuales, cuya identidad Nia Nal en
Nadie se convierte en estrella si no se le sexual es igual a la de su género, pueden Supergirl, la
da una oportunidad; los actores trans interpretar a quien sea y los demás se primera
nunca lo serán si no tienen el chance de pueden ir a pescar. Eso no demuestra una superheroína
interpretar al menos papeles trans, ya no mente abierta en el casting: es prejuicio. trans de la tele.
Cero superficial
Charlamos con Danna Paola
y Miguel Bernardeu sobre
Élite, la serie juvenil que
promete abordar desde
asesinatos hasta clasismo.
POR LALO ORTEGA
AL LEER “DRAMA juvenil”
es probable que se te ocurran una decena
de filmes y series de la última década.
Entre sus personajes de siempre,
seguro recordarás alguna versión de
preparatorianos adinerados con los
humos subidos, vestidos con uniformes
de saco y corbata.
Algo así te encontrarás en Élite.
En la serie española original de Netflix,
Danna Paola y Miguel Bernardeau son
Lu y Guzmán, la pareja mamoncita
que se siente realeza de Las Encinas,
el prestigioso colegio ficticio al que
acuden los hijos de familias acomodadas
de España. Aquí tienen lugar los
conflictos típicos de las hormonas,
el estatus y la escuela, desde la presión
por las calificaciones hasta los conectes
familiares y las intrigas sexuales.
Hasta aquí, todo es de cajón, pero
como nos cuentan sus protagonistas,
Élite no es otro chisme de adolescentes
ricos. Según Danna Paola: “Hasta que
la ves, te das cuenta de que tiene un
fondo mucho más denso que lo
superficial”, pues si algo destaca de la
serie desde los minutos iniciales, es su
fuerte componente social.
Luego del derrumbe de una escuela
—y del escándalo de corrupción para
los responsables—, tres estudiantes
de pocos recursos son becados
y transferidos a Las Encinas; de uno
se burlan por no saber nada de inglés,
a otra la discriminan por usar hijab
y al último le apodan “mesero”.
En resumen: un clasismo descarado
y Bernardeau está convencido de que
lo reconoceremos en todo el mundo.
“Es bastante crudo y nada es lo que
parece”, explican los dos al unísono.
La serie arranca momentos después de
un asesinato en la escuela y, obvio,
los tres nuevos estudiantes son
sospechosos. Así Élite se vuelve un
thriller que no trivializa ni esconde las
temáticas que, al menos en televisión
tradicional, quedan en la insinuación.
“Los maquillan demasiado en otros
lados”, apunta al respecto Danna.
“Esa es la diferencia con otras series
juveniles”, complementa Miguel. “Se
expresa de manera leal a la juventud
de ahora, con muchas perspectivas:
la religión, la sexualidad, el amor,
Lu (Danna Paola) y
Guzmán
(Bernardeau)
tienen medalla de
oro en fechorías /
Lu esperando a
que la inspiración
llegue para
responder el
examen.
las drogas, las clases sociales y hasta
la lucha por encontrarse a sí mismos”.
De inicio, el escenario parece ideal
para que los personajes sean meras
caricaturas, pero los actores prometen
más que eso. “Desde el primer capítulo
sabes que nosotros somos los villanazos
(y que somos los mejores)”, concluye
Danna Paola. “Pero los personajes se van
humanizando muchísimo”, remata
Bernardeu. “Ves cómo se van quitando
máscaras conforme la cosa se pone fea”.
ÉLITE ESTRENA EN NETFLIX
EL 5 DE OCTUBRE.

OCTUBRE 2018 25
 10 puntos
CINCO MESES DE intenso entrenamiento, en los que los
placeres mundanos como la comida, la vida y las fiestas
quedaron de lado, fueron apenas algunos de los elementos
requeridos para que Luis Gerardo Méndez se pusiera en la piel

para Méndez
Bajo la dirección de Kyzza Terrazas, Luis Gerardo
Méndez encarna a un boxeador en descubrimiento.
POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
de un boxeador y diera vida a Bayoneta, personaje que comparte
nombre con la nueva película de Kyzza Terrazas. En ella,
la desaparición, la búsqueda personal y los monstruos de
las decisiones personales salen a la luz... para ser más precisos,
en la gélida luz de Finlandia, donde se llevó a cabo la filmación.
Con la idea primigenia de hacer una cinta sobre boxeo,
el también guionista (que trabajó de la mano con Rodrigo
Márquez Tizano en la construcción de esta narración) quiso
tomar dicho deporte como una gran metáfora de la vida:
“Luchas, luchas, te caes, fracasas, te levantas, ganas, pierdes
y en muy poco tiempo son historias que revelan grandes
altibajos, pasiones y momentos de gloria porque es una
actividad muy ruda”, afirmó Terrazas.

26 OCTUBRE 2017
 Decidido a evadir el cliché del joven que sale de México
y va a Estados Unidos en busca del éxito, el realizador
transportó a su personaje a Finlandia con el objetivo de
colocarlo en un sitio totalmente ajeno, donde su exploración
personal fuera más cruda. Esta premisa se alimentó del esfuerzo
de Méndez, quien trabajó con empeño en la parte física junto al
sparring Ramón Euroza, pero al mismo tiempo realizó otro
proceso para entrar en la psique de estos deportistas.
“Nunca había hecho un personaje que me requiriera tanto
trabajo, y no sólo físico: además de la alimentación, que era una
pesadilla, fue complejo entender esa totalidad. No creo en la
violencia para nada, y entrar en ese universo y comprender que
para ellos es la única salida, fue muy conmovedor”, dijo Méndez.
Luego de esa dura disciplina, el intérprete confesó que al
terminar la producción en la que trabajó con boxeadores
profesionales, a 15 grados bajo cero, por primera vez en inglés y
junto a actores que no conocía (como Laura Birn), además de
Luis Gerardo Méndez Brontis Jodorowsky, fue directo a “comer cuatro pizzas
escucha desde el ring y ponerme una peda infernal porque no podía más”; a pesar de
las indicaciones del señalar que también fue un proceso de disfrute y aprendizaje.
director... y del réferi. “Nunca he estado más en mi centro que cuando entrenaba.
Es como una meditación. Mi mente estaba muy en paz”, cuenta
el actor, quien también considera la rutina y disciplina de estos
deportistas como algo muy rudo. “Ahora entiendo a los
boxeadores que se van a la mierda después de esos
campeonatos; es tanto sacrificio y tanto rigor que luego sueltas.
Hay una trampa del cuerpo que dice ‘no más’ y por eso tengo
tanto respeto por los boxeadores que siguen”.
Con influencias como el libro On Boxing de Joyce Carol
Oates y pláticas cotidianas con pugilistas, fue que la cinta, que
también retoma metáforas visuales, se completó para hacer un
retrato de un hombre en transformación.
BAYONETA ESTRENA EL 9 DE NOVIEMBRE.
OCTUBRE 2017 27
 EMPIRE habló con

Salto de fe
Gareth Evans en el
set de Bridgend, al
sur de Gales,
el 31 de mayo
de 2017.

Con Apostle, ¿podrá Gareth Evans

hacer por el horror lo que hizo por
las artes marciales con The Raid?

POR SIMON CROOK

CUATRO AÑOS. Ese es el tiempo que ha

pasado desde que The Raid 2 llegó a las pantallas.
Después de pasar dos años en una épica de
acción de alto presupuesto, sin título y que se
quedó en el infierno del desarrollo, el director
Gareth Evans por fin está de vuelta. Apostle,
su primera película en inglés, se desarrolla en
1904 pero no esperes un drama eduardiano de
época. Es estelarizada por Dan Stevens como un
predicador caído que recibe una críptica nota
y viaja a una isla para rescatar a su hermana del
siniestro culto de Michael Sheen. “No tiene idea
de quién diablos la tiene ni la trampa en la que se
está metiendo”, asegura Evans.
Ciertamente no hay nada refinado en lo que
EMPIRE observa. Lo primero en lo que nos
fijamos es en las camisas manchadas de sangre
que se secan en el tendedero, víctimas del tiroteo
del día previo. La secuencia de hoy, filmada a
orillas de un precipicio, no es más alegre. Muestra
a Stevens llegando a la isla y haciéndose amigo del
discípulo de Sheen, interpretado por Bill Milner.
La camaradería no dura. A 160 metros de las olas
la conversación se violenta y Stevens, armado con
un hacha, lucha contra Milner. Aviones que pasan,
micrófonos que fallan y las cachetadas entusiastas
de Steven sabotean la toma. Se realizan 10. Al final,
Bill parece carne molida.
Basada en el primer corto de Rose Petal, lo
que comenzó como algo “pequeño” ha escalado a
algo “jodidamente loco —hasta construimos todo
un pueblo para el culto de Sheen—”, señala. “Es
una película de horror de supervivencia, pero
también lo fue The Raid —The Shining y The Evil
Dead fueron grandes influencias en ese filme—,
aunque el tono al que apunto es al del antiguo
horror británico. Si puedo acercarme a la paranoia
que zumba durante Witchfinder General, The
Wicker Man y The Devils, de Ken Russell
—especialmente The Devils—, me sentiré feliz”.
Y con eso Evans, quien edita conforme filma,
saca un iPad y deja que el pietaje hable. Aunque su
trabajo dinámico de cámara y el estilo de combate
de Stevens son rigurosamente al estilo Raid,
Evans no bromea respecto a The Devils —una
secuencia muestra un ritual de culto tan salvaje,
que a un año de haberlo visto las imágenes siguen
grabadas en nuestro cerebro—. Si The Raid elevó
la barra para el cine de artes marciales, parece que
ALAMY, GETTY

Evans apunta a lo mismo en el género de horror.

Ten miedo. Ten mucho miedo.

APOSTLE ESTRENA EN NETFLIX EL 12 DE OCTUBRE.

28 OCTUBRE 2018
Thomas (Dan Stevens),
agotado por tanta pelea
/ Típico: compra las
peinetas cuando ella se
acaba de cortar las
trenzas / Los verdugos
de esta historia /
Escenas de mucha
sangre y acción.

OCTUBRE 2018 29
 En camino para Michoacán
¿A qué rumbo te llevarán
los 10 largos mexicanos que
competirán en el FICM?
POR ANAID RAMÍREZ
DESPUÉS DE RECIBIR 800
trabajos en la convocatoria que publicó en
abril, el Festival Internacional de Cine de
Morelia (FICM) eligió 12 filmes
michoacanos, 59 cortometrajes, 13
documentales y 10 ficciones para la
selección oficial de su edición 16. “Nos
tomó alrededor de cinco meses”, cuenta
Daniela Michel, directora del evento,
acerca del periodo de elección de los
títulos en competencia.
Llama la atención en especial que por
primera vez en la historia del certamen, la
mitad de los trabajos son dirigidos por
mujeres. Pero si bien en el festival
“tratamos de incluir el mayor número
posible de mujeres”, explica Michel,
30 OCTUBRE 2018
la cifra histórica no es para cumplir una
cuota. “Sus trabajos son tan buenos que lo
hicimos por su calidad y no por su género.
Me da mucho gusto que haya mujeres tan
talentosas”, expresa.
¿Y de qué calidad estamos hablando?
Michel nos brinda argumentos para no
perdernos ninguno de los 10 filmes de la
sección de Largometraje Mexicano.
ASFIXIA “Es una propuesta de Kenya
Márquez (Fecha de caducidad)”, introduce
Daniela sobre el filme de una mujer albina
que acaba de salir de la cárcel y trata de
reincorporarse a la sociedad. La directora
del FICM la define como “una historia
urbana muy cautivadora”.
BAYONETA El nuevo filme de Kyzza
Terrazas (El lenguaje de los machetes) es
sobre un boxeador venido a menos y a
quien el destino puso en los rings de
Finlandia. Además de su prometedora
historia, Michel considera que uno de los
aciertos del título es su protagonista:
“Cuenta con un gran actor, que es Luis Ilse Salas como una
Gerardo Méndez”. niña bien de Polanco
de toda la vida en la
LA CAMARISTA Llegará al FICM tras adaptación de la
exhibirse en los festivales de Toronto y novela de Guadalupe
Sundance. “Es de una chica que trabaja en Loaeza / La película de
un hotel limpiando”, donde tiene turnos Lila Avilés muestra las
muy largos que le impiden cuidar de su arduas jornadas
hijo. Con ella debuta Lila Avilés. laborales de una
empleada de hotel.
LA CAÓTICA VIDA DE NADE KADIC Así
como ocurrió hace un par de ediciones con
3 mujeres o (despertando de mi sueño
bosnio), el FICM halló valor otra vez en la
ópera prima de un alumno del cineasta
Béla Tarr. Ahora descubrirás la historia de
una madre que hace un viaje por Bosnia y
Herzegovina y Montenegro junto con su
hija, diagnosticada con autismo. “Es una
película de Marta Hernaiz, quien fue
alumna de Tarr en su escuela de Sarajevo”.
ANTES DEL OLVIDO Dirigida por Iria
Gómez Concheiro (Asalto al cine), la
historia es sobre una problemática de la

gentrificación: “Muchas veces, a la gente
que vive desde hace mucho tiempo en
ciertos lugares la sacan para dar cabida a
edificios más nuevos, y son personas de
escasos recursos que tienen pocas
posibilidades de quedarse ahí al llegar el
nuevo proyecto”, reflexiona.
LEONA “Es otra opción muy atractiva y
diversa sobre una mujer judía”, platica
Michel del debut como director de Isaac
Cherem. El conflicto de la protagonista se
debe a roces familiares: “Viene de una
familia muy ortodoxa y la rechazan por no
seguir con las reglas de su religión”.
LUCIÉRNAGAS El filme es de una
directora iraní que “ya tiene una
residencia en México desde hace
muchísimos años”. La historia que
presenta en esta ocasión sucede en un
puerto y tiene que ver con el tema de
lo multicultural.
MUSEO La ganadora del Oso de Plata a
Mejor guion en la Berlinale de este año es
la segunda cinta de Alonso Ruizpalacios y
estará en la competencia del FICM. “Es
una película que ya se sabe de ella, es sobre
el robo que hubo en el Museo de
Antropología y cuenta con la actuación de
Gael García Bernal”.
LAS NIÑAS BIEN “Es una excelente
adaptación de la novela de Guadalupe
Loaeza y la dirige Alejandra Márquez”,
relata Michel, y también argumenta que
“cuenta con notables actuaciones y nos
ubica mucho en el México de los 70,
cuando ocurrió la devaluación del peso
con López Portillo”.
XQUIPI’ GUIE’DANI Es la primera ficción
de Xavi Sala y, de acuerdo con Michel, “es
una película sobre la perspectiva del
servicio doméstico”. La protagonista es
Guie'dani, una niña zapoteca que junto
con su madre comienzan a trabajar con
una familia adinerada en la CDMX, pero
no logra adaptarse a su nuevo entorno.
LAS 10 CINTAS ESTARÁN EN EL FICM,
QUE OCURRIRÁ DEL 20 AL 28 DE OCTUBRE.
CON EL MUERTO
ARRIBA
The Walking Dead perderá a su estelar,
Andrew Lincoln. La directora Angela
Kanga explica cómo continuará el show.
POR JAMES WHITE
¿Cómo será The Walking Dead
sin Andrew Lincoln?
Aunque comenzó como la historia de Rick, la serie pronto
se convirtió en un ensamble. Tenemos a Norman Reedus
como Daryl, Melissa McBride como Carol y Danai Gurira
como Michonne. Es emocionante contar más historias
con ellos.
La nueva entrega ocurre dos años después
de la anterior. ¿Cómo cambiaron las cosas
en ese lapso?
Abre un nuevo capítulo. Todo se ve diferente y nos da la
oportunidad de poner a nuestros personajes en un lugar
distinto; de volver a empezar. Los fans que han seguido
este viaje durante ocho temporadas serán recompensados
por poner atención a cosas que planteamos antes, pero
aquellos que dejaron de seguirla o que desean empezar
con algo que no sea una guerra, esta es una parte
interesante de la historia donde lidian con reconstruir un
mundo que se degrada.
¿Qué rol tiene Negan en la temporada nueve?
Lo que te diré de Negan (Jeffrey Dean Morgan), y que me
emociona mucho, es que mostraremos lados suyos que no
han sido parte de la serie hasta ahora. Ha estado en una
situación distinta y mostraremos a un Negan diferente.
¿Y los zombis?
Vemos que los zombis, que se han degradado a lo largo de
la serie, lo están más que nunca. Greg Nicotero y su gran
equipo han realizado un maquillaje increíble, resaltado por
nuestro fantástico equipo de efectos visuales. Tenemos uno
con parte de la mejilla podrida. Es de los placeres culpables
de este programa: ver a estos monstruos deambulando
pero que además son obras de arte.
LA TEMPORADA NUEVE DE THE WALKING DEAD ESTRENA
EN CANAL FOX EL 7 DE OCTUBRE.
OCTUBRE 2018 31
 Te damos
un TIFF
Visitamos el Festival
de Toronto para traerte las
mejores recomendaciones.
POR ÓSCAR URIEL
ROMA. Con esta sola palabra puede
describirse de manera evidente la edición
número 43 del Festival Internacional de
Cine de Toronto, y es que justo en el
arranque del evento se anunció que la
película dirigida por Alfonso Cuarón
había ganado el anhelado León de Oro,
máximo reconocimiento que otorga
La Biennale di Venezia como mejor
producción cinematográfica de la
competencia, provocando que el título se
convirtiera en la cinta de mayor demanda
del evento. Simplemente resultaba
imposible conseguir un boleto para
cualquiera de sus funciones. Cuarón
arribó a la entidad canadiense
acompañado de su equipo de actores sólo
para corrobar que su conmovedor retrato
de infancia en la Ciudad de México de la
década de los 70 es de los trabajos más
impresionantes del año.
Pero México no sólo estuvo
representado por esta laureada
producción. Carlos Reygadas, con
Nuestro tiempo, también provocó al
público con su personal cuadro sobre la
masculinidad, teniéndose a sí mismo
como protagonista y acompañado de su
propia familia en un título que ha
32 OCTUBRE 2018
dividido opiniones durante su paso por
el circuito de festivales. La cinta es un
desafío que seguro los seguidores de la
filmografía de tan controvertido director
disfrutarán... y me incluyo dentro de
ese grupo.
Alejandra Márquez llegó con sus
Niñas bien a la entidad canadiense.
La adaptación de la novela de Guadalupe
Loaeza derivó en una atractiva crítica a
la sociedad mexicana al lograr conservar
la esencia del popular libro, además de
confirmar a Ilse Salas (Cantinflas) como
una notable protagonista. Nos da la
impresión de que esta historia podrá
convertirse también en el siguiente éxito
cinematográfico nacional que agrade
tanto al público como a la crítica. Todo
parece indicar que lo comprobaremos a
finales de este año.
Por lo demás, la programación del
TIFF (por sus siglas en inglés) estuvo
Después de llevarse el abultada como es la tradición; sin
León de Oro en embargo, se extrañaron títulos que
Venecia, Alfonso inexplicablemente no aparecieron en
Cuarón viajó al TIFF el programa, como los últimos trabajos
para presentar Roma / de los hermanos Coen (The Ballad of
Nuestro tiempo, de Buster Scruggs), Julian Schnabel (At
Carlos Reygadas / Eternity's Gate) o Yorgos Lanthimos
La pareja estelar de (The Favourite), quienes estrenaron sus
Toronto, Bradley cintas en otros festivales esta temporada.
Cooper y Lady Gaga, Los asuntos recurrentes en los
en A Star is Born. argumentos de esta edición fueron la
complicada etapa de la adolescencia,
adicción a las drogas, la homosexualidad
‘sanada’, los actos terroristas y los relatos
de género.
Resultó prácticamente imposible
hacerse de entradas para títulos de
terror, como Halloween en su versión
2018, o In Fabric, por mencionar un par,
reflejando la apertura hacia estos
géneros por parte de los programadores
del evento y la demanda de la audiencia.
 Bradley Cooper y Lady Gaga se
transformaron en la pareja de la edición
con su A Star is Born que,
paradójicamente, coloca a la cantante
como una actriz a seguir. Desde mi punto
de vista, el trabajo de Gaga ha sido centro
de hype al interior de la campaña
publicitaria. Su interpretación de Ally,
la cantante que se convierte en protegida
de una autodestructiva leyenda de la
música, está bien... pero nada más.
Honestamente sigo sin encontrar lo
extraordinario en la caracterización que
hace Gaga de sí misma.
Por otro lado, tuvimos la
oportunidad de asistir a la lectura de
guion que de manera tradicional Jason
Reitman orquesta dentro del marco del
festival. En esta ocasión se trató de The
Breakfast Club, que contó con un elenco
de lujo encabezado por Jesse Eisenberg,
Christina Hendricks y Aaron Paul, entre
varios más. Sin embargo, la nota de la
velada la otorgó la presencia en el
auditorio de James Hughes, hijo de John
Hughes, autor de varios títulos que
definieron a la juventud de toda una
generación, entre ellos el punto de
partida de esta película.
Para finalizar, creo que esta edición
del Festival Internacional de Cine de
Toronto será recordada como aquella
que apuntaló por fin a productoras tales
como Netflix o Amazon como estudios
que no nada más generan contenido para
sus plataformas, sino que también
respaldan trabajos de autor como la ya
referida Roma de Cuarón o 22 July de
Paul Greengrass, mismas que,
independientemente de si serán sujetas
a proyección en pantalla grande,
merecen un espacio en la programación
de festivales de tal envergadura como lo
es el TIFF.
OCTUBRE 2018 33
 ¿A CÓMO
EL LITRO
DE
LECHE?
ANNA KENDRICK
La leche de a poquita,
porque es bendita.
POR HELEN O'HARA
¿Has quebrantado la ley a sabiendas?
Me metí a una casa con una amiga
cuando teníamos 14 o 15. Sabíamos que
nadie vivía allí y estaba vacía. Notamos
una ventana abierta, así que nos metimos
en la noche y nos sentimos muy valientes
por ello.
¿Qué haces mejor que cualquier otra
persona que conozcas?
Creo que ya revelé mi talento oculto con
eso de las ‘tazas’. Ya no tengo talentos
ocultos porque ya los revelé todos.
¿Qué es lo peor que te has llevado a
la boca?
Una vez en Tokio fui al mercado de
pescado en la mañana, comí sushi directo
del mar y me pareció genial comer sushi
para desayunar, pero la verdad es que lo
mío no es el pescado crudo en la mañana.
¿Cuándo fue la última vez que
estuviste desnuda en un exterior?
En una buena cantidad de sets, porque
me tengo que cambiar en lugares raros.
No estoy completamente al exterior,
pero sí en una tienda de tela blanca que
ni siquiera está clavada al suelo. Tuve que
cambiarme en un cementerio en
A Simple Favor.
34 OCTUBRE 2018
¿Cuánt
uánt cuesta una pinta
i t de leche?
lec
e como se llame ese olor. Lo usaría como
B
Bueno, estoy segura de que puedes loción si pudiera.
comprar una pinta, pero lo más cercano
que se me ocurre son los cuartitos y creo AHÍ ¿Has tenido alguna experiencia
que cuestan dos o tres dólares,
dependiendo de si quieres algo orgánico.
No la compro mucho. No tengo nada
VIENEN paranormal?
No. Todos mis amigos que cuentan haber
tenido una, dicen que yo no porque,
contra la leche pero no como muchos PROYECTO como soy una escéptica, no vienen
cereales
ce r
real ahora. SIN TÍTULO conmigo. Yo les respondo que eso es
DE CHRIS jodidamente conveniente.
¿Qué es lo mejor que te has robado MORRIS (2018)
Kendrick
de algún hotel? ¿Tienes algún apodo?
estelariza esta
Definitivamente uno de esos pequeños Cuando comencé a hacer películas
comedia
kits de vibrador. Cada vez que estoy en oscura que algunos me llamaban AK-47, porque mi
Las Vegas pienso: “Ah, en este cuarto de sigue envuelta nombre en Twitter es Anna Kendrick 47,
hotel seguro habrá uno de esos kits en el secreto. porque Anna Kendrick no estaba
íntimos”. Es un cierto tipo de hotel y hay disponible. Creo que es demasiado cool
un pequeño vibrador en el cuarto en NOELLE para mí, pero estoy contenta con él.
algún lugar. (2019)
Una comedia ¿Qué cinta has visto más veces que
navideña
¿Quién fue la primera estrella de cine cualquier otra?
donde Kendrick
de la que te enamoraste? The Women, 1939. Esa y Star Wars.
interpreta a
Christian Bale en Newsies. Tenía el Noelle Claus, Cuando citas Star Wars, como algún
cabello un tanto largo, estaba luchando la hija de Santa. diálogo profundo, la gente suele
por salarios justos para los periodistas identificarlo. Pero si cito diálogos de The
y era muy intrigante. Creo que estaba TROLLS Women, la reacción es mínima; aunque
enamorada de todo el elenco de Newsies. WORLD TOUR por eso es más emocionante cuando
(2020) alguien la reconoce. Es como si las nubes
¿Cuál es tu olor favorito? Anna retoma su se hicieran a un lado y los ángeles
personaje
Extraño los juegos de plumones que cantaran y yo pensara: “Aquí hay alguien
como Poppy en
todos teníamos en primaria y donde cada con quien voy a platicar toda la noche”.
la secuela del
uno olía diferente. El rosa olía tan rico musical Por lo general son gays de más de 50.
que lo gastaba y terminaba seco porque animado del
pasaba todo el día oliéndolo. Así que ese, año 2016. A SIMPLE FAVOR ESTÁ AHORA EN CINES.
 YA PUEDES ABRIR LOS OJOS, TODO ESTO ES PARA TI

+++++EXCELENTE ++++BUENA +++PASABLE ++POBRE +TERRIBLE

36 OCTUBRE 2018
CINE
ASTAR IS BORN
+++++ ESTRENO 12 DE
OCTUBRE / 137 MINUTOS
DIRECTOR Bradley Cooper
ELENCO Bradley Cooper, Lady Gaga,
Sam Elliott y Dave Chappelle
SINOPSIS Bradley Cooper es Jackson
Maine, una despresurada estrella de
country que se enamora de Ally (Lady
Gaga), una mesera que quiere ser
cantante. Conforme su romance avanza,
la fama de ella asciende, mientras que la
de Jackson se hunde.
EL INFIERNO DEL desarrollo está
plagado de víctimas, y durante un tiempo
pareció que A Star is Born se uniría a la
pila de cadáveres con varios directores,
actores y cantantes ligados al proyecto.
Esta no es —no era— una película
que se debía tomar a la ligera,
presentando un peso específico a partir
de una historia muy particular para
quien pudiera jalarlo hasta la meta.
Se trata de la cuarta A Star is Born que
llega al mundo. La versión de 1954 de
George Cukor, estelarizada por Judy
Garland, ofreció el mayor impacto
emocional, y la de 2018 comparte mucho
con esa, y le da vida a dos personalidades
que no parecen una pareja obvia: Bradley
Cooper y Lady Gaga.
Cuando nosotros y ella conocemos
a la estrella Jackson Maine (Cooper),
quien todavía llena estadios pero que
evidentemente ya no está en la cumbre
de su carrera, está inflado, pálido, bofo
y con ojos que evidencian que es un
alcohólico apenas funcional. En muchos
sentidos fundamentales, Cooper está
irreconocible, y más cuando habla por
primera vez: su voz es un par de octavas
más baja de lo normal.
De inmediato queda cautivado por
Ally (Lady Gaga), al igual que nosotros,
cuando la ve por primera vez en un bar
drag interpretando “La vie en rose” con
cabello teñido de negro y unas cejas
superarqueadas. Hasta aquí, Gaga. Y es
esta la cuestión central: ¿puede ella,
en su primera cinta, interpretar a una
chica normal, insegura, pero en el fondo
confiada de su talento?
La respuesta es sí. Su interpretación
es cautivadora y tan bien lograda que
quizá se basa en su propio ascenso. Le da
una ligereza y naturalidad que están
alejada de su persona pública, una
mezcla exquisita de incredulidad,
cinismo, esperanza y vulnerabilidad.
Pero también hay momentos donde
la teatralidad se impone, como cuando
se le ve tan cómoda frente a una gran
multitud: Ally es eliminada y Lady Gaga
toma su lugar, y el encanto se rompe
momentáneamente. Aparte de esto,
las escenas en vivo son electrizantes
—son de las interpretaciones en vivo
más creíbles, auténticas y dinámicas
del celuloide—. Aunque Gaga y Cooper
realizan casi todo el trabajo pesado, se le
debe dar crédito a la edición de Jay
Cassidy (Silver Linings Playbook).
Por otra parte, está claro que la
‘estrella’ del título es sin duda Lady Gaga,
pero la estrella del filme es en realidad
Bradley Cooper. Es impresionante como
un hombre destrozado por traumas
emocionales de toda la vida, con un dolor
evidente que se muestra en sus ojos.
Ally no está preparada para lidiar
con su manera de beber y el dolor que
encubre. Pero lo que está claro es que
ella es lo más esperanzador que le ha
sucedido en años, y la verdadera tragedia
se encuentra entre el nacimiento de esa
esperanza y su lenta muerte conforme
su carrera lo jala de nuevo al fondo de la
botella, mientras que la de Ally la planta
en los espectaculares de Los Ángeles.
Tonalmente, hay algunos
tropezones. Rez (Rafi Gavron),
el mánager de Ally, se siente casi como
un villano de pantomima (con todo y su
acento británico): moldeándola en una
artista que deja de lado su integridad por
los éxitos y susurrando con malicia en el
oído de Jackson. Aunque se trata de
tropezones menores.
A Star is Born puede ser un remake y
haber tenido un nacimiento complicado,
pero Cooper y Lady Gaga hacen que se
siente fresca, actual y llena de alma.
Un largometraje para este año y los
tiempos por venir. Y cuando suelta el
golpe emocional del final, te dejará
saboreando la originalidad y corazón
que muestra. TERRI WHITE
VEREDICTO Un impresionante debut de
Bradley Cooper como director, quien
transforma una actuación parteaguas
en su carrera junto a una prometedora
Lady Gaga. Un remake que captura el
tono y espíritu de cintas previas, pero
brilla en su autenticidad y emociones.
OCTUBRE 2018 37
 No, no fueron a comer
al China Girl: están en
Singapur para conocer
a los papás del novio /
Los asiáticos también
sienten amor / Una
boda carísima... como
las de provincia.

38 OCTUBRE 2018
CINE
CRAZYRICHASIANS
++++ AHORA EN CINES /
120 MINUTOS
DIRECTOR Jon M. Chu
ELENCO Constance Wu, Henry Golding
y Michelle Yeoh
SINOPSIS Cuando Nick (Golding) invita
a su novia Rachel (Wu) a una boda en
Singapur, ella lo ve como la oportunidad
para conocer a la familia de él y descubrir
de dónde viene. Al llegar, Rachel
descubre que Nick tenía un secretito:
son la gente más rica del país.
NO PUEDES ACUSAR a Crazy Rich
Asians, ni por un momento, de errar
en su título. Casi cada uno de los
personajes tiene una cuenta bancaria
gordísima y no temen presumirla.
Ese título, tan juguetón y cursi,
es también algo más: una declaración
de que la diversidad significa un amplio
rango de orígenes étnicos y experiencias,
y todos deben estar incluidos. Es una
fiesta muy inteligente y de las mejores
comedias románticas de la década.
En el centro del enorme elenco están
Constance Wu y Henry Golding como
Rachel y Nick, una pareja joven
y atractiva que vive en Nueva York.
Las cosas se ponen serias cuando Nick
va a viajar a Singapur para la boda de
su mejor amigo y le pide a Rachel que lo
acompañe. Ella sabe que la familia de
Nick vive allí, pero lo que no imagina es
que ellos son dueños de casi todo
Singapur y él es el heredero de una
dinastía y fortuna de bienes raíces.
Conforme presenta a Rachel con toda su
familia, ella se da cuenta de que muchos
no quieren que el soltero más codiciado
del país se vaya con una estadounidense
entrometida. Desafortunadamente, ese
grupo está encabezado por la mamá de
Nick, Eleanor (Michelle Yeoh).
El CV del director Jon M. Chu
es muy errático e incluye dos cintas Step
Up, dos filmaciones de conciertos de
Justin Bieber, la secuela G.I. Joe y Now
You See Me 2. Lo que todo eso tiene
en común es una buena cantidad de
resplandor... Incluso una boda de
grandiosidad tan ridícula que el camino
al altar se convierte en un auténtico
arroyo de chismes.
Chu también muestra, mejor que
nunca, que está en control del carácter.
Inicialmente la cinta es festiva y dulce,
con bromas que provocan una sonrisa
y hasta una carcajada, pero se vuelve
más encantadora y chistosa cuando los
personajes se desarrollan y comienzas
a notar sus inseguridades verdaderas
bajo esa superficie tan cara. Rachel,
extraordinariamente interpretada
por Wu, se muestra como una mujer
fuerte en particular que está fuera
de su elemento pero se adapta rápido
y logra una comprensión auténtica
respecto a su consternación por salir
con un multimillonario secreto.
Es común que en las producciones
con tantos personajes las cosas se
vuelvan caóticas y que algunos parezcan
añadidos sólo para agregar otro ‘nombre’
al cast, pero Chu los entreteje con
fluidez. El elenco de reparto está lleno
de grandes giros, sobre todo Gemma
Chan como la multimillonaria con
un esposo inseguro, y Michelle Yeoh.
Sin embargo, quien los supera a todos
es Awkwafina como la mejor amiga de
Rachel, Goh Peik Lin, quien parece
ilustración de la cita de Dolly Parton:
“Se necesita mucho dinero para verse
así de corriente”. A pesar de ser
veinteañera tiene cualidades, como
si Joan Rivers hubiera intercambiado
su cuerpo con una millennial rica.
Entre toda esta diversión,
la adaptación de Peter Chiarelli y Adele
Lim de la novela de Kevin Kwan, de 2013,
funciona bien en algunas conversaciones
interesantes sobre los cambios en la
cultura asiática. La película es fantástica,
pero toca muchas cosas de la realidad
que hace que se sienta como si la
discusión apenas comenzara. Ya se
trabaja en una secuela... y no
aguantamos las ganas de verla.
OLLY RICHARDS
VEREDICTO Está muy sobrepasada
en estilo, lo cual le funciona y aterriza
gracias a sus personajes realistas
y encantadores. Es un parteaguas
de las comedias románticas y lo mejor
que le ha ocurrido al género en años.
Es desquiciadamente buena. Se vuelve
más encantadora y divertida entre
mejor conoces a los personajes. Es
una sorpresa que dejará huella.
OCTUBRE 2018 39
 CINE
MUSEO
++++ ESTRENO 26 DE OCTUBRE /
128 MINUTOS
DIRECTOR Alonso Ruizpalacios
ELENCO Gael García Bernal, Leonardo
Ortizgris e Ilse Salas
SINOPSIS Nadie sabe lo que tiene hasta
que lo ve perdido. Y los mexicanos
perdimos 140 piezas prehispánicas
el 25 de diciembre de 1985 en un robo
al MNA. Aquí una versión de tales hechos.
ESTA PELÍCULA ES una réplica
de la original o del evento original.
Es algo que te advierte el director Alonso
Ruizpalacios justo antes de arrancar
Museo, la ficción acerca de los dos tipos
que en plena Navidad de 1985 se llevaron
alrededor de 140 piezas prehispánicas
del Museo Nacional de Antropología
y que le dio al cineasta mexicano el Oso
de Plata a Mejor guion en la Berlinale.
Pero no por ser una versión un tanto
libre de los mencionados hechos significa
que carezca de relevancia; al contrario,
incluso tiene la intención de serte familiar
en algunos aspectos, como la forma en
40 OCTUBRE 2018
que el cineasta te acerca al relato.
El recorrido por aquel pasaje surrealista
de nuestra Historia comienza con las
Juan Nuñez
(Gael García Bernal)
le echa aguas a su
excursiones escolares desorientadas
en las que la visita al museo se reduce
compa Wilson
(Leonardo Ortizgris).
a copiar fichas y que, para muchos,
es su primer acercamiento con el MNA.
A partir de esa cuestión
relativamente universal, que refuerza
Ruizpalacios con una versión en flauta
dulce de La noche de los mayas de
Silvestre Revueltas, comienza un ir y
venir entre la realidad y la ficción. A
los primeros pertenecen, por mencionar
algo, imágenes de archivo para reforzar
el sentido de veracidad y el contexto,
mientras que para el resto de la trama
pesa más la imaginación de Ruizpalacios
y su coguionsita, Manuel Alcalá, en
especial con los protagonistas.
A partir de lo que investigaron sobre
Carlos Perches y Ramón Sardina,
los ladrones reales, Alcalá y Ruizpalacios
te entregan a Juan Nuñez (Gael García
Bernal) y Benjamín Wilson (Leonardo
Ortizgris), un par de jóvenes satelucos
que no encuentran su rumbo y piensan
en cualquier cosa para que les “pase algo”
en sus tediosas vidas.
Además, la fusión de la realidad
y ficción da como resultado una historia
ágil y diversa: lo mismo señala las
contradicciones de cada persona que
el desconocimiento que tenemos de
nuestra cultura; monta desde momentos
críticos familiares hasta escenas de
tensión propiciados por la persecución.
En medio de todo eso, Museo logra
ser divertida. Ruizpalacios aborda temas
críticos y emocionales de una forma
entretenida, como en Güeros, y como en
esa misma, las carcajadas son cortesía de
la dinámica de los protagonistas y de los
hermanos menores, que tienen prohibido
referirse a los primogénitos por sus
apodos —espera a oír el sobrenombre
de Nuñez y la reacción de éste—.
Pero la historia es apenas un
diamante en bruto que logra su brillo
debido al diseño de producción y la mezcla
de sonido. El ensamble de esta joya, y lo
que termina de amarrarte, es su dinámica
y creativa edición, en especial la secuencia
del atraco. Sumado esto a las reflexiones
de una voz en of que te lanza una que otra
frase abrumadora o sarcástica, la cinta
reúne todo para convertirse en noticia
por sí misma: pese a ser réplica del hecho
original, irónicamente, brilla por su
autenticidad. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO De las mejores cintas
mexicanas de 2018. Ruizpalacios
te regala una pieza ágil, entretenida
y de grandes valores de producción.
Querrás visitar pronto el MNA.
RESURRECCIÓN
++++
ESTRENO 19 DE OCTUBRE / 94 MINUTOS
DIRECTOR Eugenio Polgovsky
HACE MUCHOS AÑOS, hacia la mitad
del siglo pasado, la cascada de
El Salto de Juanacatlán, ubicada
en Jalisco, era considerada como
“el Niágara mexicano”: una maravilla
natural de enorme belleza.
Resurrección, el último trabajo
del fallecido cineasta mexicano
Eugenio Polgovsky —un referente
del género durante los últimos 15
años—, se acerca a este lugar
y aquello en lo que se ha convertido
para exponer una tragedia que
inicialmente se planta como un
mensaje de carácter ambientalista.
El filme pronto se convierte en un
retrato social directo y honesto de lo
que se ha perdido para una
comunidad, plasmado a través de las
voces y recuerdos de quienes vieron
mejores momentos de dicho sitio,
complementado con la particular
narrativa documental de Polgovsky,
que por igual puede ser poética,
hiperrealista, conceptual o emotiva.
Ese espacio de belleza natural
jalisciense cambió por completo
cuando, en la década de los 70, un
corredor industrial se estableció a
orillas del río Santiago, en
Guadalajara, volviendo sus aguas
venenosas y, bajo el argumento de la
modernidad, todo fue destruido y
desapareció. Hoy, en las márgenes del
río (o de carreteras asfaltadas que
alguna vez fueron ríos), escuchamos
anécdotas de quienes han sufrido por
ello y a la par observamos a una
familia en su lucha por sobrevivir.
Polgovsky, director de cintas
profundamente interesantes como
Trópico de Cáncer, Los herederos y
Mitote, se distinguió por realizar un
cine de enorme compromiso e interés
social. Un realizador tan polémico
como arriesgado y propositvo en su
forma de contar historias, así como en
la crudeza y humanismo/humildad con
la que retrataba realidades que nos
hacen cuestionarnos sobre nosotros,
nuestra sociedad y nuestro país. AA
VEREDICTO Es un retrato realista,
complejo y emotivo de lo que
sucede a partir de una pérdida y el
simbolismo filosófico de dicho
estrago.
CINE
THE PREDATOR
+++ AHORA EN CINES /
127 MINUTOS
DIRECTORShane Black
ELENCO Boyd Holbrook, Jacob Tremblay,
Keegan-Michael Key y Olivia Munn
SINOPSIS Tras los eventos de Predator y
Predator 2, la humanidad aún es cazada,
pero una organización gubernamental
llamada Project Stargazer está atenta a
las visitas del coleccionista extraterrestre.
Luego de capturar a una de las criaturas,
descubren que posee ADN humano.
HAY UNA REDONDEZ agradable
en el hecho de que la primera persona
que vimos asesinada por el Depredador
de Jim y John Thomas, en 1987, haya
regresado 31 años después para escribir
y dirigir su propio capítulo de la serie.
Shane Black (quien fue el desafortunado
Hawkins) ha confesado que tomó el
trabajo de escribir y dirigir The Predator
para recobrar algo de su juventud
perdida, lo cual significa que ésta,
la cuarta entrega en la serie, es más bien
un ejercicio de nostalgia.
Cómo respondas a eso determinará
más o menos cuánto disfrutes de la
película. El guion de Black y Fred Dekker
está lleno de cosas de la original. En una
escena, Olivia Munn (como Casey
Bracket) invierte la exclamación de
Arnold Schwarzenegger cuando ve al
cazador extraterrestre sin máscara
(“Eres un hermoso hijo de puta”); en otra,
Nebraska (Trevante Rhodes) apunta a
una hilera de Harley-Davidsons y grita:
“¡Corran a las Choppers!”. La historia
inicia en una jungla (como en la primera
cinta) y luego se mueve a la ciudad (como
en la segunda). Se centra en un equipo
de tipos rudos, unos exsoldados
¡Ya entendimos!
El monstruo de
los 90 no era
conocidos como “Los Locos” y, como "El Chupacabras".
en los filmes previos, es brutalmente
violenta y en extremo sangrienta.
Pero hay una alegría maliciosa en
la violencia que plaga la historia mientras
se desata la carnicería. Es una cosa que
los Depredadores fileteen y evisceren
a la gente por doquier, pero mostrar
a Quinn McKenna (Boyd Holbrook)
asesinando a un hombre a sangre fría
con un dardo tranquilizador —frente a su
hijo pequeño (Jacob Tremblay), para
colmo— y después bromear al respecto,
muestra una sospechosa falta de empatía.
Hay también una discontinuidad
en la acción, lo que hace que secuencias
posteriores carezcan prácticamente
de sentido. Black corta y zigzaguea tan
frenéticamente que los detalles finos son
borrosos y las partes potencialmente
buenas (incluyendo a la que involucra
al personaje que carga el cañón de
hombro de un Depredador) pasen casi
desapercibidas. Se está divirtiendo tanto
como adolescente ochentero fanático
del gore, que olvida que la audiencia
necesita conocer y seguir su juego.
Sin embargo, la trama se beneficia
de un intercambio sardónico y sórdido en
la interacción de los personajes (aunque
un tanto retrógrada en su actitud frente
a cuestiones mentales), con un elenco de
reparto sólido que incluye a Sterling K.
Brown como cazador de Depredadores.
Y Black y Dekker se basan en la tradición
de una manera tan intrigante, que
los fans podrán apreciar el respeto de los
guionistas a la original. DAN JOLIN
VEREDICTO Desigual, en ocasiones
insípida y a veces frustrantemente
confusa, pero hay suficiente diversión
sangrienta ochentera en The Predator
para que los fans de hueso colorado
la aprueben.
OCTUBRE 2018 41
 CINE
REBELDES
DEALTURA
+++ ESTRENO 19 DE OCTUBRE
/ 104 MINUTOS
DIRECTOR Sergio Sánchez Suárez
ELENCO Luis Arrieta, Oswaldo Zárate,
Javier Rivera y Carla Nieto
SINOPSIS Son los turbulentos 60
en Monterrey, Nuevo León, cuando
desaparece Beatriz (Nieto), una joven de
intercambio que se une a los movimientos
estudiantiles. A seis meses del arrebato,
el enamorado y conservador Mitch
(Arrieta) demuestra que es capaz hasta
de secuestrar un avión con tal de localizar
y liberar a su amiga.
EL SEGUNDO largometraje de Sergio
Sánchez Suárez quiere ir un poco más
allá de la comedia cuando toca el terreno
de la crítica política, religiosa y social;
42 OCTUBRE 2018
todo a partir de un “pirrurris” —los
“juniors” o “mirreyes” de finales de los 60
e inicios de los 70— enamorado que
quiere recuperar a su Julieta.
El relato comienza en algún punto
de 1968, cuando el universitario
regiomontano Mitch (Luis Arrieta) llega
en su carro deportivo a lo que parece una
imprenta saqueada, en la cual se supone
estaría su amigovia Beatriz (Carla Nieto)
imprimiendo propaganda del
movimiento estudiantil, y se sugiere que
ha desaparecido. Seis meses después
Mitch decide volar en el mismo avión que
el gobernador del estado para,
amablemente, solicitarle informes acerca
del paradero de su amada; sin embargo,
todo se sale de control y termina
secuestrando la aeronave.
En la superficie, Rebeldes de altura
convierte en secuestradores guerrilleros
a unos tipos adinerados, apegados al
sistema, mochos y acostumbrados a
nunca cuestionarse nada. Luego de ver
los primeros 15 minutos notarás que el
cineasta escarba hacia otra capa en la que
permanece el tono cómico; pero esta vez
para satirizar sobre la religión —apoyado
por una atinada y breve participación
de Édgar Vivar—, el arribismo y
La batalla en la pista
de aterrizaje está
la corrupción en los altos mandos.
Cuando menos lo imaginas, pese a
persistir en menor escala la comedia,
por empezar.
la cosa se pone un tanto seria para hablar
de las desapariciones forzadas, las
tácticas violentas de represión y la
deshumanización de los gobiernos;
el humor aligera la carga, pero no dejan
de ser perturbadoras las escenas
—algunas explícitas y otras apenas
sugeridas— de las torturas que se
retratan. La reflexión va más allá al notar
la vigencia de los discursos de la cinta.
Sánchez Suárez transmite
claramente el mensaje, aunque a veces
Rebeldes de altura se sale de forma: hay
actuaciones que de momento se suben de
tono, como la de Oswaldo Zárate; pero en
ese sentido, se mantiene todo en
equilibrio gracias a la parte más
experimentada del elenco (donde figura
Silverio Palacios) y a la intencional
caricaturización de algunos personajes.
Asimismo, te inquietarán las
resoluciones arbitrarias, la extensión de
algunos conflictos que terminan

alargando innecesariamente el vuelo del
filme y las inconsistencias en las que cae,
—se escuchan muy chilangos modernos
para ser regios sesenteros—.
El arco que siguen los personajes
centrales no es mas que para poner
el dedo sobre la llaga de que cualquier
persona o institución —incluso el propio
gobierno— con el mínimo sentido de la
humanidad tiene el potencial de detectar
y desaprobar la violencia y el abuso de
poder, pero en especial actuar para
detenerlo.
El filme se desarrolla a la par que sus
protagonistas: despega diciéndote que no
te tomes muy en serio lo que estás por
ver, luego abrocha adecuadamente los
asuntos que desea tratar y termina
aterrizando con seriedad sobre temas
delicados y aún oportunos. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Funciona como
entretenimiento para el fin de semana,
pero también para reflexionar. Nota al
pie: agradecerás que esta producción
mexicana sea sutil en su product
placement —es, tal vez, la que mejor lo
ha logrado en años recientes—.
A SIMPLE FAVOR
++ AHORA EN CINES /
117 MINUTOS
DIRECTOR Paul Feig
ELENCO Anna Kendrick, Blake Lively
y Henry Golding
SINOPSIS Emily (Lively) desapareció y
Stephanie (Kendrick) no se quedará con
los brazos cruzados. Con ayuda de su
videoblog y suspicacia tratará de resolver
el misterioso caso.
EL VIDEOBLOG DE Stephanie
(Anna Kendrick) no parece tener mucho
futuro, pero la desaparición de quien ella
considera su “mejor amiga” podría
ayudarle a incrementar la cantidad de
seguidores de su canal. Aunque claro que
esa no es la intención de la bondadosa y
amorosa mamá blogger: más bien quiere
aprovechar su espacio para encontrar a
Emily (Blake Lively).
Así arranca la tensión en el primer
thriller de crimen de Paul Feig, quien
parte de la novela homónima de Darcey
Bell (2017) para intentar enredarte entre
las pistas sueltas que dejó la
desaparecida, los presuntos culpables,
las cuentas de ahorro, el pasado de los
involucrados —incluso de la propia
Stephanie— y las posibles motivaciones
del extravío.
Sin embargo, pareciera que el
enredado resultó ser el propio Feig, pues
pasada la primera mitad del filme,
el desorden se apodera del relato. La
maraña que el cineasta quiere entretejer
posee aristas muy frágiles que te
permiten visualizar la resolución de los
conflictos, el rumbo que tomarán los
personajes y los tropezones que darán en
el camino; de tal forma que el tedio se
convierte involuntariamente en otro
misterio por resolver... o soportar.
Ante dicha flaqueza, y pese a la
experiencia de Feig en llevar a la pantalla
los desacuerdos femeninos, ya sea en
duos (The Heat) o en ensambles corales
(Bridesmaids o Ghostbusters), los
esfuerzos de Lively y Kendrick son
insuficientes para evitar el hastío que
provoca la investigación de Stephanie
y el pasado de Emily.
Por fortuna, te libran del bostezo los
escasos pero muy oportunos momentos
de humor —no esperes las carcajadas que
te provocó Spy, pero algo causarán—
y el diseño de vestuario, que si bien no
representa tan bien a las mamás
promedio, sí refleja mucho de la
personalidad de las protagonistas,
e incluso es un tanto obvio.
Con un soundtrack en particular
afrancesado, en el que figuran
interpretaciones de Brigitte Bardot,
a la cinta le sobra pretensión y frivolidad,
y le falta mucha intriga para cuajar la
tensión deseada. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO El pretexto que buscabas
para reunirte con una amistad que no
ves desde hace tiempo; encontrarán
una trama sencilla, predecible y en
momentos divertida. No esperes mucha
intrigra, aunque sí salir con ganas de ir
por unos gins.
OCTUBRE 2018 43
 CINE
PEPPERMINT
+++ ESTRENO 12 DE OCTUBRE /
102 MINUTOS
DIRECTOR Pierre Morel
ELENCO Jennifer Garner, John
Gallagher Jr. y John Ortiz
SINOPSISTras presenciar el asesinato de
su esposo e hija, Riley (Garner) se prepara
para hacer justicia con sus propias manos
y muchas armas.
CUANDO VEMOS UNA
PELÍCULA de acción, esperamos
determinadas escenas. Sabemos que no
saldremos por completo sorprendidos,
pero siempre se requiere que haya algo
novedoso o distinto en la historia,
en los personajes, en la forma
de trasladar el relato a la pantalla
o de hacer las secuencias de acción.
También tiene sentido aprovechar
el perfil o la experiencia (si ésta fue
exitosa o positiva) de ciertos actores
o actrices en determinado género, como
considerar a Jennifer Garner para volver
a interpretar a una letal mujer de acción,
tal y como lo hizo algunos años atrás
44 OCTUBRE 2018
en la serie televisiva Alias. Sin embargo,
en Peppermint, cinta dirigida por Pierre
Morel que marca el regreso de Garner
Dice Riley (Jennifer
Garner) que ella
dispara las chelas.
a la acción tras varios años de interpretar
sobre todo a madres de familia
en comedias o dramas, algo parece
fríamente familiar y no tan
excitantemente conocido.
El filme es un thriller de acción
que cuenta las vivencias de la joven
madre Riley North (Garner), quien sufre
la muerte de su esposo e hija cuando son
atacados por un grupo criminal. Tras
despertar del coma en el que cae luego
de la tragedia, la mujer decide
transformarse en una vengadora
profesional después de que un sistema
decepcionante protege a los asesinos.
Hasta aquí, la premisa parece lo
bastante atractiva y, hasta cierto punto,
habitual. La venganza paternal o maternal
ha sido un tema recurrente en las
producciones de acción en lo que llevamos
del siglo, pero cuando Riley se convierte
en la peor pesadilla de cualquier grupo
de criminales, las cosas saltan de lo
familiar y atractivo a lo poco creíble.
No esperamos que nos cuenten
absolutamente todo de cómo se convierte
en esa eficiente máquina de matar, pero
darlo por gratuito y normal sin ningún
tipo de explicación, y a niveles tan
extremos, desconecta de la historia
por más que se centren en el trauma
y dolor emocional de la madre ante
el recuerdo de su familia y la necesidad
de hacerle justicia a su muerte.
A Morel, director de otras exitosas
y eficientes cintas del género con
temáticas similares como Taken (con
Liam Neeson como el padre que rescata
a su hija secuestrada), no le cuesta
trabajo montar secuencias de acción,
mientras que Garner no se ve incómoda
en ese tipo de escenas, lo que regala
momentos que funcionan a nivel visual.
Dichas situaciones son disfrutables
y atractivas, y distraen por instantes
del argumento simplista y lo poco
desarrollado de los personajes.
Para amantes del género, esto podría
ser suficiente para querer ver a Garner
en este tipo de cintas otra vez.
No esperes mucho más, pues el guion
no esquiva los clichés —pon atención en
las frases antes de jalar el gatillo o de las
explicaciones sobre las motivaciones
de los personajes—, aunque ofrece un par
de giros que no dejan de atraerte... pese a
ser un tanto previsibles. ARTURO AGUILAR
VEREDICTO Todo resulta convencional,
aunque sabemos que suele ser así en
cintas de este tipo, pero falta emoción
y explicaciones, y sobra algo de
frialdad letal y asesina.

CINE
NITÚ NIYO
++ ESTRENO 12 DE OCTUBRE /
98 MINUTOS
DIRECTOR Noé Santillán-López
ELENCO César Rodríguez, Mauricio
Argüelles y Ana Paula Martínez
SINOPSIS “El Halcón Negro” (Argüelles)
fue una igura de la lucha libre gracias al
apoyo de su hermano (Rodríguez), pero él
fue también el responsable de su declive.
Tras varios años de separación deberán
limar asperezas para recuperar la gloria.
LOS ENMASCARADOS regresan a
la pantalla grande, pero no con
luchadores emblemáticos como ocurrió
hace algún tiempo y sin monstruos de por
medio. La nueva producción de Noé
Santillán-López (Purasangre) parte,
más bien, de dos personajes desconocidos
en la realidad y de un tono cómico para
desarrollar una crisis familiar y hablar
de las segundas oportunidades.
En esta ficción el cineasta te sumerge
en el ambiente luchístico con un guion
escrito por los mismos protagonistas de
esta historia, Mauricio Argüelles y César
Rodríguez. Todo parte de un momento
crítico en la carrera como luchador de
Guadalupe “El Halcón Negro”, situación
a la que llegó debido a la traición de su
ambicioso hermano y mánager, Gabino,
quien permanece desaparecido desde
aquel instante.
Durante una batalla clave para
el enmascarado técnico, la reaparición
de su hermano propicia su derrota y
pierde lo último que le quedaba, razón
por la cual, junto con su hija Giovanna
(Ana Paula Martínez), debe regresar
a casa de sus padres y comenzar de cero.
La comedia salta al cuadrilátero
a partir de esta convivencia obligada,
aunque no cae bien parada sobre la lona.
Si bien las dinámicas entre los hermanos
provocan algunas risas, la ríspida relación
de los padres y los flashbacks de las
travesuras infantiles disminuyen el
efecto de dichas situaciones ante su
reiterado uso; pasada la mitad del filme
ya sabes los parlamentos o acciones
que se ejecutarán a fin de causarte gracia.
Debido a que la fórmula de su
argumento y diálogos llevan a tu
imaginación hacia lugares muy
específicos, es asimismo fácil adivinar
la resolución que darán los hermanos
a su cúmulo de resentimientos y su
aparente fracaso profesional. Narrativa
y cinematográficamente no es una cinta
que tenga algo que ofrecerte o elementos
con los cuales sorprenderte.
Sin embargo, Ni tú ni yo resulta
entretenida gracias a lo espectacular
de sus secuencias en las arenas.
Santillán-López, apoyado del diseñador
de producción Juan Carlos Castillo, sabe
con qué elementos sumergirte en
el ambiente luchístico: desde llaves
y quebradoras —lucen gracias a la
fotografía de Mario Gallegos, quien te
coloca incluso sobre el encordado—,
hasta los personajes que son incidentales
para la trama pero indispensables en la
afición de la lucha libre.
El carisma de la pequeña Ana Paula
Martínez y la química entre Argüelles
y Rodríguez, sumado al nivel de comedia
de José Sefamí y Norma Angélica,
contribuyen a que todo fluya y pases un
rato divertido, siempre y cuando no te
tomes todo muy en serio. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Para una tarde relajada
en el cine. Es una opción para liberarte
del estrés de la semana y el pretexto
para llevar a tus papás a ver una
película entretenida. No merece un
cinturón de campeonato, una máscara
o una cabellera, pero sus secuencias
de lucha te harán pasar un buen rato;
incluso algunas resultan emocionantes.
EL HOMBRE
DETRÁS DE LA MÁSCARA
++
ESTRENO 26 DE OCTUBRE / 90 MINUTOS
DIRECTORA Gabriela Obregón
HABRÁ QUIENES cuestionen la forma
en que El Hijo del Santo decidió darle
continuidad al legado de la leyenda
más grande de la lucha libre mexicana
e ícono indiscutible de la cultura
Las peleas del “El
Halcón Negro”
fuera del
popular, quizá de forma mucho más
llamativa y brillante con su paso por
los cuadriláteros —poniéndose al nivel
cuadrilátero son
con su propio
en cuanto a recursos y logros— que
en lo referente a la cuestión mediática,
hermano, Gabino. pero de lo que no cabe duda es del
profundo respeto y admiración que
siempre le ha profesado.
Y es justo eso en lo que se enfoca
este documental que, a dos de tres
caídas, se convierte en una emotiva
declaración de amor de un hijo a su
padre, quien da la casualidad que
usaba capa y mallas, luchaba todos
los ines de semana, hacía películas
y era un superhéroe de carne y hueso
para muchas generaciones.
Entrañables secuencias que
develan parte de su relación con
el hombre detrás de la célebre
máscara de plata, en contraste con
la que tiene con su propio hijo, son
bien aprovechadas a nivel dramático
dentro de una propuesta que evita
a toda costa la tercera palmada y se
limita a seguir los lineamientos más
básicos del género.
Es una lástima que en cuanto a
contexto se quede corto y el punto
de vista con respecto a otros temas
más delicados que apenas se apuntan
no se contraste y hasta se instale
en una sola postura.
Estamos ante una producción
que, pese a nunca decidirse a subir
hasta la tercera cuerda para lanzarse
y planchar al oponente, cumple con
su cometido a ras de lona recopilando
testimonios y acomodándolos con el
suiciente sentido para enganchar
y, por momentos, incluso conmover.
JC
VEREDICTO Atractivo para
aicionados al cine de luchadores y
el llamado “arte del pancracio”, así
como entretenido y en momentos
hasta interesante para el público
fílmico en general.
OCTUBRE 2018 45
 CINE

DON’TWORRY,HEWON’T
GETFARONFOOT
ESTRENO 5 DE OCTUBRE /
++++ 114 MINUTOS

DIRECTOR Gus Van Sant

ELENCO Joaquin Phoenix, Jonah Hill,
Rooney Mara y Mark Webber

SINOPSIS Basada en el libro biográfico del mismo

nombre, la cinta explora los días del cartonista
John Callahan, quien de muy joven sufrió un accidente
que lo confinó a una silla de ruedas. Desde ahí tendrá
que enfrentar también su alcoholismo y encontrar en el
amor al arte la inspiración para ser un rebelde del dibujo
en la industria editorial setentera.

JOHN CALLAHAN FUE una persona que

siempre defendió su singularidad. Según el director
y escritor Gus Van Sant, quien hizo la adaptación de
Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot, el cartonista
siempre tuvo un sentido del humor afilado de su lado,
y ello siempre le hizo sobrellevar las circunstancias.
Incluso cuando un accidente lo amarró a una silla
de ruedas, el mismo Callahan gustaba de meter el
acelerador al motor de su montura y surcar las calles,
pese al riesgo de ser atropellado. Su sonrisa era más
semejante a la de un labrador asomándose por la
ventana del auto que la de un alcohólico rehabilitado,
como lo fue él.
Contando con un reparto de lujo, Van Sant sabe
crear una especie de himno al hombre común. En este
filme logra resaltar la nobleza de aquel que cae, pero
que siempre cree que, al menos, la oportunidad de
pelearse contra sí mismo hará que un día cualquiera
valga la pena.
Don’t Worry... consigue su principal meta de no
caer en el sentimentalismo —dadas las múltiples
oportunidades para tropezar en ello—, apuntando
siempre al aspecto humano y a la verdad de un hombre
que nunca perdió su punto de vista acerca de la vida.
Entre los mejores momentos de la historia resalta
la conexión en pantalla entre Callahan (Joaquin
Phoenix) y el director de su grupo de Alcohólicos
Anónimos, Donnie Green (Jonah Hill), quienes reflejan
que la existencia no se trata de ser superior a otro,
sino de compartir notas de momentos significativos
y personales para aprender juntos lo que representa
la experiencia de vivir.
MARIO P. SZÉKELY

VEREDICTO Aunque es uno de los largometrajes

más dialogados de Gus Van Sant (Drugstore Cowboy),
Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot consigue
que los personajes transmitan su urgencia por
trascender su realidad para ser mejores. Ahí es dónde
ellos se cruzan en nuestro camino.

46 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 47
 CINE

HITCHCOCK: audiencia. Todas dejaron la vara muy alta

para cualquiera que les sustituya,
Esta curaduría permite que aquellos
que tienen sus primeros acercamientos

MÁS ALLÁ y corresponderá a Hitchcock: más allá del

suspenso continuar con la buena racha.
conozcan a detalle sus principales
influencias, mientras que los clavados

DELSUSPENSO Auspiciada por Fundación

++++ AHORA EN LA GALERÍA /
80 MINUTOS APROX.
CURADOR Pablo Llorca
SINOPSISUn recorrido por los aspectos
que moldearon el estilo del director Alfred
Hitchcock y consolidaron su carrera.
ALREDEDOR DE 160 MIL
espectadores respondieron al llamado de
Stanley Kubrick: la exposición, una de las
primeras exhibiciones que se montaron
en la Galería de Cineteca Nacional. A ese
éxito le siguió una muestra sobre Disney
y simultáneamente otra acerca de la
producción Coco, ambas con considerable
Telefónica, la muestra tiene
inherentemente a su favor la historia del
cineasta, su amplia trayectoria y sus
vastas aportaciones a la cinematografía
mundial. Por esta amplitud, los ángulos
sobrarían al momento de plantear la
exposición y sus salas, pero el curador
Pablo Llorca hábilmente optó por uno
que permite descubrir los elementos
primordiales en su filmografía.
Si en Stanley Kubrick: la exposición
recorriste y examinaste cada una de sus
películas, en este caso descubrirás uno
a uno los aspectos que forjaron al
realizador y definieron su estilo, para
lo cual deberás recorrer un vestíbulo
y cuatro módulos: El toque Hitchcock;
Mujeres y hombres; Hitchcock
y su tiempo, el arte y la arquitectura;
y El revés de la trama: Hitchcock,
las apariencias y los trucos.
podrán identificar aspectos más precisos
de la estética del cineasta. Pese a los
reducidos espacios y extensión —sólo
andarás por la planta baja de la Galería,
y la división de los módulos no es muy
clara—, saldrás conforme por
reencontrarte, por ejemplo, con escenas
clave en el cine de Hitchcock explicadas
con más detalle; asimismo, te sacará una
sonrisa descubrir los trucos que empleó
para no restarle estética a sus filmes ante
los bajos presupuestos.
Como buena exposición posterior
a los teléfonos inteligentes, hay
elementos —como la instalación sobre
The Birds y el uso de la perspectiva en sus
filmes— que te esperan para que te tomes
“la foto”. Pero lo que más disfrutamos
en nuestro recorrido fue hallar el
storyboard de la famosa secuencia de la
regadera de Psycho y los audiovisuales
que aterrizan el estilo del cineasta.

48 OCTUBRE 2018

¿Reconoces ese peril
entre las sombras? /
Las revistas de moda
y estilo de vida fueron
un referente para la
estética de Hitchcock /
Quedarás pasmado
con el estudio
de “los besos”
en el cine del
“maestro
del suspenso”.
Pese a ello, hay una sensación de
vacío cuando terminas la exposición
y no precisamente porque notes que
llegaste al fin del recorrido. Aunque
el curador explicó que fue una labor
titánica reunir el material —no lo
dudamos, en especial por los clips—,
extrañamos la presencia de artículos
de las producciones, como ha ocurrido
con muestras similares. Hay un par
de réplicas de vestuarios, mapas de
emplazamientos de cámara y algunos
bocetos, así como revistas que fueron
referencia para el cineasta; pero si
buscas ejemplos tridimensionales más
que audiovisuales, te recomendamos
cambiar tus expectativas.
Eso no quiere decir que salgas
insatisfecho: son suficientes para hacer
una interesante disección al legado del
enorme Hitchcock. ANAID RAMÍEZ
VEREDICTO Con una colección no tan
numerosa, la exposición no deja de
aportar a todo aprendiz o especialista
en el cine de Hitchcock.
VERANO DEL 84
++
AHORA EN CINES / 115 MINUTOS
DIRECTORES François Simard, Anouk
Whissell, Yoann-Karl Whissell
ELENCO Graham Verchere, Judah
Lewis, Caleb Emery
EL CINE DE REFERENCIA, es decir,
ese que tiene como principal materia
prima los elementos que deinieron el
entretenimiento de una época pasada
en especíico, sigue su curso sin perder
la fuerza. Ahora, apuntándose en esa
misma línea, llega la que quizá sea una
de las propuestas recientes que con
mayor descaro recurren a dicha
fórmula, que apuesta por hacer una
llamativa mezcla de nostalgia y terror
acertando en lo primero, pero fallando
miserablemente en lo segundo.
Si algo escasea en Verano del 84
son los sobresaltos que de inicio
promete, y se queda sólo como una
entretenida historia tipo homenaje a
películas como The Goonies, en
donde el encanto de los ingredientes,
cuyo origen y signiicado está muy
bien entendido, resulta de lo más
rescatable ante sus evidentes
deiciencias, incluyendo un guion que
se desdibuja constantemente entre
regodeos y diálogos pretenciosos.
Por otro lado, después del
desenfado y frescura que los
directores canadienses Anouk
Whissell, François Simard y Yoann-
Karl Whissell habían mostrado con esa
pequeña sorpresa llamada Turbo Kid,
se hubiera esperado que aquí lograran
mantenerse un poco más dentro de
los lineamientos del género.
Aún así, cabe reconocer el detalle
en la contextualizacion y convicción
de los actores que, aunque no
alcanzan a dimensionar sus
respectivos personajes, se mantienen
en el tono y permiten que el juego de
paranoia planteado con claridad en la
trama detone como una de esas
insólitas aventuras de vacaciones
veraniegas, propias de la idealización
ochentera que nos ha vendido la
cultura popular. JESÚS CHAVARRÍA
VEREDICTO Un vehículo de
entretenimiento que se vale bien de
la nostalgia, pero que no ofrece
mucho más allá. Pronto cae en
el artiicio y termina siendo víctima
de su propia identiicación.
OCTUBRE 2018 49
 CINE

LOSHAMBRIENTOS
ESTRENO 5 DE OCTUBRE /
++++ 100 MINUTOS

DIRECTOR Robin Aubert

ELENCO Marc-André Grondin, Monia Chokri
y Charlotte St-Martin

SINOPSISEn un pueblito remoto de Quebec descubres

una catástrofe para la humanidad. Las personas comen
desesperadamente carne humana y, como si fuera
epidemia, las mordeduras las transforman en entes
hambrientos y deambulan sin sentido aparente.

NADIE AQUÍ DICE la palabra zombi, porque no

hay quien dé explicación de lo que ocurre. Sin embargo,
el comportamiento de la plaga es digna de un muerto
viviente: los contagiados caminan con desequilibrio,
tienen un hambre incontrolable y desean la carne
humana. Así son los hambrientos de Robin Aubert.
En la epidemia conocerás a personajes como Céline
(Brigitte Poupart), una mujer de clase media que perdió
a su familia, o Pauline (Micheline Lanctôt) y Thérèse
(Marie-Ginette Guay), una pareja que se resguarda en
su hogar. También a Tania (Monia Chokri), una joven
que carga con un acordeón; Zoé (Charlotte St-Martin),
una niña y única sobreviviente de su estirpe, y Bonin
(Marc-André Grondin), un experto en huir de los
hambrientos y aniquilarlos. Estos tres últimos son el
eje central de la historia.
Más que gore desmedido, acción o comedia,
las persecuciones, ataques y aniquilaciones sangrientas
que muestra Aubert en este guion original retoman la
atmósfera dramática y de horror grupal de Night of the
Living Dead, aunque no desperdicia las oportunidades
para generar algunos momentos irrisorios e
intencionalmente bobos.
Aubert aporta al género al mostrar a esos
devoradores con una inteligencia considerablemente
mayor respecto a sus símiles de otras películas, o al
menos los dota del raciocinio necesario para que sacien
sus hambre, sobrevivan y construyan tótems con sus
respectivas sesiones de adoración. Hay algo humano
revoloteando todavía en esos seres: la maternidad, el
juego y el orden de un clan son ejemplo.
Los hambrientos te atrapa por la agilidad de su
ritmo, el inteligente manejo de su sonido —desde
el silencio, pasando por los sutiles ruidos de los
insectos, hasta los gritos de alerta de los infectados—
y sus composiciones fotográficas, que estremecen por
su belleza y desolación. ANAID RAMÍREZ

VEREDICTO Los fans de los zombis deben correr al

ataque en cuanto aparezca en cartelera. También
tiene elementos suicientes para atraer a cualquier
otro público que busca cintas con propuesta.

50 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 51
 tv & streaming
MANIAC
+++++ AHORA EN NETFLIX
EPISODIOS VISTOS10 / 39 minutos
CREADORES Patrick Somerville
y Cary Joji Fukunaga
ELENCO Emma Stone, Jonah Hill, Sonoya
Mizuno, Justin Theroux, Sally Field
y Gabriel Byrne
SINOPSIS Los desconocidos Annie (Emma
Stone) y Owen (Jonah Hill) se encuentran
en un laboratorio farmacéutico donde
esperan solucionar sus respectivos
conlictos: se ofrecen como voluntarios
a la prueba de un medicamento y sistema
milagroso que supuestamente, a através
de una computadora con inteligencia
artiicial, puede arreglar cualquier
problema de la mente... incluso un
corazón roto.
52 OCTUBRE 2018
ANNIE LANSBERG (Emma Stone)
y Owen Milgrim (Jonah Hill) no se
conocen, pero ambos tienen vidas grises
producto de pérdidas terribles. En el caso
de Annie, su madre la abandonó, su
hermana murió en un accidente por el
que ella se siente culpable y su papá se la
pasa escondido en una especie de nave en
el jardín trasero de su casa sin tener
contacto con nadie. A su vez, Owen es el
menor de una familia de cinco hermanos,
un grupo horrible en el cual no es
respetado ni querido, principalmente por
su padre (Gabriel Byrne), además está
diagnosticado con esquizofrenia, por lo
que la realidad se le presenta evasiva en
ocasiones. Owen sufre porque ya tuvo un
ataque que no resultó bonito y le angustia
mucho involucrar a su familia en un
escándalo por culpa suya.
La historia se ubica en un lugar
y tiempo paralelo al nuestro, aunque con
algunas sutiles diferencias que enfatizan
la alienación, la soledad y la
desesperación de los personajes. En este
mundo, el doctor James K. Mantleray
(Justin Theroux) descubre un sistema
para arreglar cualquier tipo de problema
que presente la mente humana, desde
Durante las etapas del
experimento los
voluntarios se
depresión hasta esquizofrenia o hasta el
mal de amores.
conectan a una
máquina con
Mantleray tiene su propia historia al inteligencia artiicial
ser hijo de una autora famosa de libros de tan avanzada que
superación personal (Sally Field) que le experimenta
jodió la existencia de chiquito al emociones casi
convertirlo en su cónyuge sustituto al humanas.
morir su esposo, incomodándolo hasta
llegar a la indecencia.
El sistema se basa en tres dosis con
la forma y el nombre de las tres primeras
letras del alfabeto, que representan
diferentes etapas de agonía (A),
comportamiento y mapeo (B
por behavior) y confrontación (C),
con reacciones, análisis de datos
y mejoramiento de la vida cortesía
de la computadora GRTA, creada
por la doctora Fujita (Sonoya Mizuno),
a quien se le pasó un poquis la mano
con eso de la inteligencia artificial.
Al someterse Annie y Owen al
sistema de reprogramación, algo pasa

con el hardware de GRTA y sus recién
descubiertas emociones por las que
accidentalmente provoca que las
historias de los protagonista se
intersecten en un mundo de fantasía con
un significado y un vínculo muchísimo
más profundo que lo que ellos mismos
quisieran tener con nadie más, y menos
entre ellos.
Desde Superbad (2007), Stone y Hill
no trabajaban juntos, y en esta locura
llamada Maniac además fungen
acertadamente como productores
y actores. Lo único malo que podemos
decir de esta serie es que no es original:
Somerville y Fukunaga vieron la serie
noruega para hacer de este remake algo
maravilloso. CÉSAR HERNÁNDEZ
VEREDICTO Una historia intensa,
graciosa, divertida y con un final
perfecto. El guion es superinteligente
y todas las actuaciones convencen
de la miseria humana, la fragilidad
y la esperanza que proyectan en
conjunto.
ÉLITE
++++ ESTRENO 5 DE OCTUBRE
/ POR NETFLIX
EPISODIOS VISTOS 1 / 54 minutos
CREADORES Darío Madrona
y Carlos Montero
ELENCO Danna Paola, Itzan Escamilla,
María Pedraza y Miguel Bernardeau
SINOPSIS Tras derrumbarse su escuela,
tres alumnos de clase trabajadora
son transferidos al colegio más exclusivo
del país, donde la discordia y el clasismo
terminan en un asesinato.
SI LA PREPARATORIA puede
ser un vertedero de cizaña, es aún peor
en los colegios para ricos, donde las
rencillas se infectan por el dinero
y el estatus. Si se añaden drogas, sexo
y clasismo a la mezcla, se obtendría
un chismezote con mucho estilo
y poca sustancia. Lo nuevo de Netflix,
sin embargo, ancla a sus personajes en
consecuencias que aplican para
prácticamente cualquier mortal.
Entre drama y thriller juvenil,
Élite inicia tras un terremoto que
derrumba una escuela en un barrio
español. Tres de sus estudiantes son
transferidos a Las Encinas, el selecto
instituto para los hijos de la élite
económica, donde son marginados
en automático.
Nadia (Mina El Hammani) sufre
islamofobia institucionalizada, mientras
Nano (Jaime Lorente), quien vende
drogas para pagar las cuentas, es
ridiculizado por no hablar inglés. Samuel
(Itzan Escamilla), apodado “Camarero”,
tiene un hermano exconvicto y se siente
atraído por la amigable Marina (María
Pedraza). Ella, que guarda un oscuro
secreto, es hija del constructor acusado del
derrumbe. Su hermano, Guzmán (Miguel
Bernardeau), se piensa rey de la escuela
junto a su novia, Lu (Danna Paola).
Así es el escenario para este acto
de equilibrismo narrativo al que aún hay
que añadir un homicidio dentro de los
muros del colegio. Élite introduce tantas
tramas que, mal llevadas, seguramente
se derrumbarían. Por fortuna no es el
caso, y los problemas de cada personaje
se van desarrollando en pequeñas partes
mediante flashbacks, mientras la tensión
alrededor del asesinato se mantiene
hasta la gran revelación de la víctima.
Otro acierto es retratar, sin tapujos,
los contrastes radicales entre clases, tan
típicos de España, México y muchos otros
puntos de Iberoamérica. Asimismo,
el elenco cumple para provocar
compasión y tirria por igual, y aquí
merecen mención especial Danna Paola
y Bernardeau, unos higaditos bastante
bien logrados.
Esto se vuelve un arma de doble filo,
pues varios personajes parecen cortados
con la tijera del estereotipo: los alumnos
de Las Encinas son unos “niños ricos” de
libro. Ya desde el episodio inicial se
asoman motivaciones para humanizarlos,
pero con la excepción de María, los
primeros 54 minutos los reducen a un
grupo de villanos adinerados.
Son los sitios comunes los que
pudieran convertir a Élite en otro drama
de adolescentes ponzoñosos. Sin
embargo, gracias a un guion que dosifica
sus secretos, su episodio de arranque
acaba con saldo positivo. LALO ORTEGA
VEREDICTO Debajo de su cubierta de
típico drama juvenil, Élite engancha
con un bien llevado misterio criminal y
su producción.
OCTUBRE 2018 53
 TV & Streaming
SEAL TEAM
+++ ESTRENO 4 DE
OCTUBRE / POR AXN
1 / 43 minutos
EPISODIOS VISTOS
CREADOR Benjamin Cavell
ELENCO David Boreanaz, Max Thieriot
y Jessica Paré
SINOPSIS Un drama militar que sigue
las travesías de los miembros de un
grupo de élite de los Navy SEALs;
desde las complicaciones y ausencias
familiares hasta los momentos de mayor
tensión en el campo de batalla, con Jason
Hayes (Boreanaz) como eje de la trama.
SEAL TEAM ES UNA serie
de acción que pone en primer plano
a varios miembros de un grupo
de las fuerzas de élite de la marina
estadounidense, conocidos como
Navy SEALs.
Para quien no lo sepa, los SEAL
son los equipos de Mar, Aire y Tierra
de la milicia (Sea, Air and Land en inglés;
de ahí el acrónimo) y es la más destacada
de todas las fuerzas armadas de Estados
Unidos —valga la pena recordar
54 OCTUBRE 2018
que fueron miembros de este orden
quienes encontraron y asesinaron
al líder de Al Qaeda, Osama bin Laden—.
Poniéndose de
acuerdo para ver
cómo estarán
La producción que aquí
te presentamos parte del Jefe
los trancazos.
de Operaciones Especiales de Guerra
Jason Hayes (David Boreanaz),
quien está al frente del equipo Bravo
de los SEALs. El comando se encuentra
en Afganistán entrenando para una
misión, para la que practican sobre
diferentes escenarios diseñados a fin de
probar la capacidad y preparación de
cada miembro del equipo.
A partir de esta premisa se traza una
historia que comienza cuando el equipo
Echo cae en una emboscada y sus
miembros son asesinados, provocando el
inmediato despliegue del grupo Bravo
con la intención de encontrar pronto las
respuestas sobre quién estuvo detrás del
ataque a la unidad y cuáles fueron sus
razones. Muchos reconocerán junto a
David Boreanaz (otrora famoso por su
participación en series como Bufy, Angel
o Bones) a Jessica Paré, quien participara
en Mad Men como la agente de la CIA
Mandy Ellis.
Al igual que los muchos otros
programas con temática o personajes
militares, SEAL Team funciona también
como un tributo u homenaje a los
militares estadounidenses y los
sacrificios que hacen, todo ello a través de
una serie de personajes con historias,
experiencias y perspectivas complejas
que buscan crear en el espectador
un vínculo más cercano y empático
hacia los veteranos y las tribulaciones,
fantasmas y dudas que estos enfrentan.
En definitiva, se trata de un
programa para quien gusta de los temas
de guerra y soldados, que bien podría ser
un género en sí mismo con sus propias
reglas. En este sentido, resulta previsible
aunque sin ciertos elementos,
una serie de guerra —como lo es ésta—
se terminaría convirtiendo en otra cosa,
perdiendo a los seguidores que buscan
experimentar, desde la comodidad
de su hogar, tanto los horrores como las
vicisitudes de la guerra, así como el día a
día de estos héroes excepcionales.
ARTURO AGUILAR
VEREDICTO Si bien la trama puede
resultar bastante predecible y
la acción no está ilmada o editada con
la mayor eicacia en cuanto a
secuencias de su tipo, la serie ofrece
personajes bastante convincentes con
historias propias y pistas sobre temas
y tramas que poseen la fuerza de
desarrollo dramático para ser amplios
y que terminan siendo potencialmente
interesantes.
CLOAK & DAGGER
+++
ESTRENO 16 DE OCTUBRE/ POR CANAL SONY
EPISODIOS VISTOS 1 / 44 minutos
CREADOr Joe Pokaski
ELENCO Olivia Holt y Aubrey Joseph
UNA HISTORIA en el mejor estilo
de Marvel: dos niños de extractos
diferentes se encuentran en el
momento y lugar equivocado.
Tandy Bowen y Tyrone Johnson
tienen un día difícil; la terrible
explosión de una planta afecta a los
dos pequeños que salvan la vida
milagrosamente pero sin saber que
nunca serán los mismos. Han seguido
sus caminos por separado pero la vida
los junta una vez más para enterarlos
de que tienen poderes y que juntos
son más fuertes.
Estamos para ver una serie que
sí sabe a cómic, por lo menos en el
inicio. Vale la pena ver cómo se
desarrolla esta historia que
esperábamos desde hace un rato. CH
UN EXTRAÑO ENEMIGO
++++
ESTRENO 2 DE OCTUBRE / POR AMAZON PRIME
EPISODIOS VISTOS 2 / 50 minutos
CREADOR Gabriel Ripstein
ELENCO Daniel Giménez Cacho,
Antonio de la Vega y Karina Gidi
A 50 AÑOS, esta serie ahonda en el
origen del movimiento estudiantil
de 1968 desde la perspectiva de un
político, en concreto de las vivencias
de Fernando Barrientos —la versión
ficcionada de Fernando Gutiérrez
Barrios—. La trama plantea que él
propició el movimiento estudiantil para
asegurarse un sitio como el siguiente
presidenciable del país.
La intriga aumenta conforme
avanzan los minutos y logra atraparte,
pero los aspectos de más valor de
esta producción son la caracterización
de sus figuras públicas y de la época,
la calidad de sus actuaciones
y la sensación de actualidad que
le acompaña. AR.
tv & streaming
POSE
++++ ESTRENO 5 DE OCTUBRE /
POR FOX PREMIUM
CREADORES Steven Canals, Brad Falchuk
y Ryan Murphy
ELENCO MJ Rodriguez, Ryan Jamaal
Swain, Indya Moore y Evan Peters
CAPÍTULOS VISTOS 1 / 58 minutos
SINOPSIS Es Nueva York a mediados de
los 80. La discriminación hacia la
comunidad LGBTQ persiste y el lujo
permea en la isla. En este entorno,
las drags afroamericanas encuentran en
el vogue un espacio de libre expresión.
DESDE UN ÁNGULO amplio, Pose
es una exposición de la violación de
—mínimo— dos artículos de la
Declaración Universal de Derechos
Humanos: el segundo, sobre “toda
persona tiene todos los derechos
y libertades proclamados en esta
Declaración, sin distinción alguna
de raza, color, sexo, idioma, religión,
opinión política o de cualquier otra
índole”; y el tercero, que indica “todo
individuo tiene derecho a la vida, a la
libertad y a la seguridad de su persona”.
Desde una perspectiva más sencilla
pero igualmente universal, esta
producción es una manifestación de todo
aquello que puede contrarrestar el efecto
de los mencionados incumplimientos:
la hermandad, las complicidades
y el afecto que uno puede encontrar en la
familia por elección.
Esto parte de una historia que nos
instala en Nueva York en 1986 y que gira
en torno a las vivencias de personas de la
comunidad LGBTQ que atraviesan, cada
una, por alguna crisis interna y tienen
deseos de cumplir sus sueños. Todo ello
entre retas de vogue —un baile tipo
desfile iniciado por las drags
afroamericanas a inicios de los 80—,
“It makes no
difference / If
you're black or
el auge como empresario de Donald
Trump y la pandemia del VIH.
white / If you're a
boy or a girl”.
Con estas intenciones y su trama, la
serie parece desfilar directo al éxito en la
pantalla chica, y lo concreta con el estilo
que derrocha sobre la pasarela del primer
episodio: el diseño de arte y vestuario te
trasladan de inmediato a la época a la que
hace referencia, y la ambientación de
los encuentros vogue provoca que te
emociones como si estuvieras en medio
de esos duelos, incluso si desconoces
todo sobre dicho estilo de baile.
Aunque en definitiva la firmeza de
cada paso que da este programa se debe
a las actuaciones de su diverso elenco,
como las actrices y activistas transgénero
MJ Rodriguez (Blanca), Dominique
Jackson (Elektra) e India Moore (Angel)
—¿ves cómo sí hay talento en los actores
trans, Hollywood?—, quienes tienen la
energía para contagiarte con sus
coreografías y la calidez o frialdad, según
sea el caso, que ameritan sus respectivos
personajes.
Claro que a esa firmeza también
aporta el guion, con parlamentos
llegadores acerca del rechazo familiar
y la soledad que tienen efecto
independientemente de tu género
o preferencia sexual. Pero también por
cómo el contexto repercute en
los personajes —mayoritariamente de
forma negativa— a través de escenas
dolorosas, cuando son abofeteados tanto
por el núcleo social como por el sistema
médico y gubernamental. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Vela tan pronto como puedas
y cerciórate de que tu barra de sonido
esté encendida. Es una serie enérgica y
honesta que te cautiva por su
impecable manufactura, y termina de
engancharte con el trazo de sus
personajes y la entrega de sus actores.
OCTUBRE 2018 55
 cómics
BATMAN:
WHITE KNIGHT
+++++ SALE A MEDIADOS
DE OCTUBRE
SINOPSIS Gracias a un tratamiento médico
que le hace recobrar la cordura,
Joker está sano, reformado y dispuesto
a proteger a Gotham City con el apoyo
de una opinión pública favorable.
Para mantener la ciudad segura, el
excriminal emprende una cruzada contra
el principal factor de desorden: Batman.
TAL VEZ SEA BATMAN quien más
historias alternativas tenga. Me refiero
a aquellos argumentos fuera de la línea
oficial del personaje que exploran de
mejor forma las muchas posibilidades
que el canon oficial no permite. El más
conocido y laureado de estos “universos
imaginarios” sin lugar a dudas es la
trilogía Dark Knight Returns de Frank
Miller, una obra crepuscular que retrata
un mundo violento donde los héroes han
sido retirados y el Hombre Murciélago
ha envejecido.
En la noventera propuesta llamada
Elseworlds también fue Batman a quien
más se explotó, llegando a verlo
56 OCTUBRE 2018
convertido en vampiro (Batman &
Dracula: Red Rain) o enfrentarse al
mismísimo Jack el Destripador (Gotham
by Gaslight), y ahora tenemos el inicio del
proyecto de lecturas más adultas, DC
Black Label, con Batman: White Knight,
de Sean Murphy.
Ya en The Killing Joke, Alan Moore
y Brian Bolland habían jugado con la idea
de la interdependencia existente entre
Batman y Joker, por lo cual, según esa
idea, el Príncipe Payaso sólo existe
porque existe el Caballero de la Noche.
Así como suponer que los cárteles de la
droga se arman hasta los dientes porque
la policía se arma de igual manera.
Partiendo de una base similar, en el
arco de ocho entregas White Knight,
Joker se ha reformado y bajo el nombre
de Jack Napier (el mismo que usó Jack
Nicholson en la Batman de Tim Burton,
de 1989) pone de cabeza los conceptos
sobre los que descansa el trabajo de los
superhéroes, llegando a cuestionar el uso
de la violencia “para el bien” y la
destrucción que dejan a su paso los actos
heroicos (un leitmotiv similar al utilizado
por Bruce Wayne en Batman v Superman:
Dawn of Justice).
Pero esta premisa es apenas un
pretexto para que el escritor y dibujante
Sean Murphy despliegue su impactante
destreza visual en una revisión más
profunda del personaje en la que lo
despoja de Alfred, su fiel mayordomo.
Un Joker cuerdo
pretende hacerse
Otro gran acierto lo representa la
incorporación de dos Harley Quinn: la
cargo de la seguridad
de Ciudad Gótica
y acabar con el
original, de Bruce Timm y Paul Dini,
aquella que debutó en Batman: The
Animated Series (1992) y solía aparecer
principal provocador
del desorden:
disfrazada de arlequín (sólo para volverse
el blanco de cualquier tipo de vejaciones
el Hombre Murciélago. por parte de Joker bajo la excusa del
enamoramiento), y la de la versión de
New 52, políticamente más correcta,
diseñada para un mundo con mayor
conciencia de género.
Si eres un fanático del Mejor
Detective del Mundo, a partir de este mes
la edición semanal de DC Comics México
presentará esta miniserie que arranca
el subsello Black Label, mismo que
en EU anunció que continuará con
Superman Year One de Frank Miller
y John Romita Jr., Batman: Damned
de Brian Azzarello y Lee Bermejo
y Wonder Woman Historia: The Amazons
de Kelly Sue DeConnick y Phil Jiménez,
entre otros. JORGE SALVADOR JURADO
VEREDICTO Un pieza altamente
disfrutable en donde Sean Murphy
despliega las mismas fortalezas
argumentales y visuales que le
conocimos en Punk Rock Jesus,
con la adición de una paleta de colores
trabajada con maestría, buscando
explorar los rincones más oscuros
de la justicia y de la locura.
PHOENIX RESURRECTION:
THE RETURN OF JEAN GREY
++++
SALE A MEDIADOS DE OCTUBRE
PHOENIX SUELE regresar de las
cenizas. En 1980 vimos a Jean Grey
perecer en Dark Phoenix Saga sólo
para aplaudir su regreso en las
páginas de Fantastic Four (1986)
y lamentar su vuelta a la tumba
en New X-Men #150 (2004).
También hemos presenciado que
intentaran ocupar su lugar tanto su
hija y una versión como adolescente
de ella, y como parte del evento
Legacy, Marvel decidió traer de vuelta
a la original Jean Grey, la X-Men
fundadora que tras años de amnesia
enfrentará un mundo que no reconoce
en el cual tanto sus amigos como
enemigos han cambiado o muerto.
Marvel Comics México publica
esta saga de cinco números de
Matthew Rosenberg y Leinil Yu. JSJ
VFORVENDETTA30THANNIVERSARY
DELUXE EDITION
+++++
SALE A MEDIADOS DE OCTUBRE
SE TRATA DEL ORIGEN de la máscara
de Anonymous como símbolo
globalifóbico y está en una película
de las hermanas Wachowski,
pero originalmente es un cómic que
este año cumple 30 años.
En V for Vendetta Alan Moore
y David Lloyd crearon una Inglaterra
distópica en un futuro cercano
posterior a una guerra devastadora
como un reflejo del totalitarismo
thatcherista, y de paso edificaron
una historieta de gran calidad que se
hermanó con la literatura de ciencia
ficción amarga, como 1984 o
Fahrenheit 451.
Ya se ha publicado en nuestro
país, pero Vertigo Comics México ha
anunciado una nueva edición de lujo
con un ensayo de Moore y algunos
bocetos de Lloyd. JSJ
cómics
HAUNTOFHORROR
+++++ SALE A MEDIADOS
DE OCTUBRE
SINOPSIS: Una leyenda de los cómics,
Richard Corben, nos ofrece su visión de
los relatos de dos maestros del terror por
antonomasia: Edgar Allan Poe y Howard
Phillips Lovecraft.
SE ACERCA HALLOWEEN
y Marvel Comics México decidió
celebrarlo a lo grande: con la edición
en un tomo de Haunt of Horror,
el par de miniseries publicadas
originalmente dentro de la línea Max,
la primera dedicada a Edgar Allan Poe
(2006) y la segunda acerca de H. P.
Lovecraft (2008).
Bajo el subsello MAX Comics,
desde 2001 Marvel dio salida a una serie
de relatos destinados a un público adulto,
narrados con mayores grados
de violencia gráfica y verbal, además
de líneas argumentales no propias
de los cómics de superhéroes.
Entre esas propuestas vimos,
por citar algunos casos, el máximo grado
de crueldad alcanzado por Punisher,
la consolidación de Deadpool como el
más grande guarro amoral del Universo
Marvel y el debut de la detective
alcohólica Jessica Jones, y se colaron
algunas ediciones que desde el primer
momento estaban llamadas a ser material
de colección de muy necesaria
reimpresión constante.
Entre esto sobresalen las dos
miniseries Haunt of Horror, obra del
maestro Richard Corben y su colaborador
de siempre, Rich Margopoulos.
Corben inició su carrera en la
industria del cómic a mediados de la
década de los 60 con una fuerza
No convoques
a los antiguos
monstruos, mejor
tal que alcanzó a colaborar en
publicaciones fundamentales del cómic
mantén callados
a tus muertos
de horror, como Creepy, Eerie con esta lectura
y Vampirella, para consolidarse en los extraordinaria.
máximos espacios de la ciencia ficción,
como Métal Hurlant y su versión
norteamericana, llamada Heavy Metal
(incluso se puede ver su trabajo en el
corto Den, que forma parte de la cinta
de 1981 Heavy Metal).
Para Haunt of Horror, Corben hizo
gala de sus años de carrera y entregó
un par de obras que respetan los
universos de dos autores fundamentales
de la literatura de “sustos”, aunque muy
distintos entre sí, recreándolos de tal
manera que con el simple hecho de
contemplar por primera vez las páginas
de Haunt of Horror se echa por tierra
cualquier atisbo de idea que cuestione
para qué hacer otra adaptación de estos
míticos escritores.
Por una parte, con obras de Allan Poe
como El Cuervo, El corazón delator
o Berenice, Corben entrega una gran
gráfica que respeta el ambiente
decimonónico del Romanticismo
estadounidense, mientras que en relatos
como Dagon, La música de Erich Zann y
Arthur Jermyn sabe respetar los
ambientes lovecraftianos que iban
de las culturas exóticas al horror cósmico.
Las historias de Lovecraft nunca
fueron ilustradas con tanta fidelidad.
Además, los capítulos están
acompañados de los textos originales
de ambos autores, lo que asegura que
la experiencia del miedo sea completa.
JORGE SALVADOR JURADO
VEREDICTO: Una pieza clásica
del cómic que hará que pases
la mejor temporada de miedo.
OCTUBRE 2018 57

gadgets
STARTREK
TNG COMBADGE
El Bluetooth que te hará sentir
como un tripulante más
de la Enterprise.
EN LA LISTA DE GADGETS que
surgieron en las historias de ciencia ficción
y que luego encontraron un lugar en nueestra
realidad figuran los dispositivos de
comunicación inalámbrica, como los qu ue usaron
los miembros de la tripulación de la nave
Enterprise. Por eso nos emocionó much ho cuando
encontramos este Bluetooth edición esp pecial que
se lanzó por el 30 aniversario de Star Trek: The
Next Generation.
Se trata de un aparato que tiene el diseño del
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m con el ob bjetivo de controlarlo a
mensajes de texto y escuchar música graacias a su
altavoz y micrófono.
El Star Trek TNG ComBadge funcio ona
con un botón que te permite aceptar o finalizar
llamadas, reproducir o pausar cancioness
y acceder a Siri o Google Now. Asimismo o, se
sincroniza con otras aplicaciones, como los
mapas y el traductor de tu dispositivo mmóvil.
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58 OCTUBRE 2018
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OSCURIDAD Que se cuide Lucerito.
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¿De dónde salió la niña?
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OCTUBRE 2018 59
 EL MIEDO ES A VECES A DEJAR QUE TU LADO
MALO S E MANIF IEST E, A PE RDE R E L CONTROL
Y DEJAR DE SER LA PERSONITA EDUCADA Y
MODERADA DE SIEMPRE. CUANDO ERES UNO CON
E L S I M B IONT E DEL ESPAC IO SIE MPRE PUE DE S
DEJARLO ROMPER UN BRAZO O DEVORAR UNA
CA B EZA ; PERO SÓLO DE GENTE MAL A.
POR JESÚS CHAVARRÍA

60 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 61
 ¿Es nuestra
impresión o Tom
Hardy le teme
a las inyecciones? /
Venom no siempre
se busca a uno
ALGUNA VEZ SPIDER-MAN se ha visto cara a cara con el miedo, de su tamaño / Eddie
ha sido al enfrentar al implacable Venom, peligrosa criatura Brock en un
cuya siniestra irrupción en su vida le causó estragos profundos día normal
a distintos niveles, tantos que impactaron en Mary Jane, quien como fotógrafo.
a pesar de su usual fuerza de carácter no pudo sino derrumbarse
ante la traumática experiencia. Aquella viñeta a página
completa con ella temblando horrorizada y acurrucada en
el piso, publicada en The Amazing Spider-Man #299, quedó para
la historia de los cómics.
Y es que dicho supervillano es la retorcida y casi perfecta
conjunción del odio hacia la persona del mencionado
superhéroe. Por un lado está Eddie Brock, un reportero
despedido del Daily Globe —competencia del Bugle editado por
J. J. Jameson— que siempre sufrió del menosprecio por parte de
su padre y engendró un enfermizo resentimiento contra
el arácnido debido a que éste se involucró involuntariamente en
su debacle profesional. Por el otro lado está un rencoroso
simbionte venido de otro mundo que no puede olvidar el
sufrimiento que le causó Peter Parker al negarse a ser su
huésped y despojarse de él con ayuda de los Fantastic Four.
Ciertamente, el dolor es otro de los sentimientos que
acompañan y motivan a este par de seres que al unirse dieron
origen al supervillano favorito de los cómics de Marvel en los
90, pues aunque su primera aparición se ubica unos años antes,
al permanecer sumergidos en un eterno episodio de enojo se
convirtieron en el fiel reflejo de uno de los rasgos característicos
de muchas de las historias de esa época. Luego, si a todo lo
anterior le agregamos que por más peligrosas que sean sus
acciones resulta indetectable para el sentido arácnido, y que
además conoce la identidad secreta de Parker (lo que no sólo
pone en peligro a sus seres queridos sino que le impide prever
los ataques y protegerlos), queda claro que han existido
suficientes razones para que Spidey sienta miedo, mucho miedo.
Pero el origen del personaje se ubica mucho más atrás y en
lo profundo del espacio, durante lo que se conoció como Guerras
Secretas, una serie limitada a sólo 12 entregas que, con un guion
de Jim Shooter y contando con Mike Zeck y Bob Layton como
responsables del trazo, por primera vez afectó a todo el universo

62 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 63
 Marvel, lo que allá por 1984 le convirtió en uno de los más
celebrados y referidos macroeventos, cuando éstos aún no eran
cosa de todos los días.
La trama contaba cómo un grupo de supervillanos
y superhéroes es llevado por un ente cósmico conocido como
Beyonder —renombrado en México como El Eterno— a un
planeta lejano para enfrentarse entre ellos, si es que quieren
regresar a la Tierra. Las batallas son cruentas y hay pérdidas
por ambos bandos. Al final, antes del regreso, encuentran un
artefacto que repara sus uniformes, pero cuando Spider-Man
lo utiliza, a diferencia de los demás, recibe uno de color negro
con una araña blanca en el pecho.
Eso representó el primer gran cambio en su apariencia
desde que fuera creado en 1962 por Stan Lee y Steve Ditko,
y hay que decir que además de que le sentó de maravilla,
fue bien aprovechado por los ilustradores a través de secuencias
llenas de contrastes entre la simpleza del diseño y lo elaborado
de los fondos. Pero eso en realidad fue sólo el principio, pues
lo importante aún estaría por venir. Tras descubrir que le
otorgaba habilidades únicas, como el aumento de su ya de
por sí fuerza sobrehumana y la capacidad de producir su propia
telaraña, Pete se dio cuenta de que el traje estaba vivo y había
comenzado a influir en su comportamiento, llevándolo a sacar
sus más oscuros sentimientos.
Aquello dio pie a unas las mejores historias protagonizadas
por el arácnido en las historietas. Escrita por Roger Stern en
complicidad de Tom DeFalco e ilustrada por Ron Frenz y Rick
Leonardi, llevó por título La saga del traje alienígena y en ella
le mostraban temible y trastornado, afectado por sueños
retorcidos y presa de una furia fuera de control. Se trató de una
pequeña muestra de las posibilidades del concepto que ya
sugería lo que podría pasar si el portador fuera alguien carente
de buenas intenciones como Parker.
Es evidente que la trama por sí misma daba suficiente para
que, junto con la presentación de los dos supervillanos en turno
—El Hijo de Green Goblin y Sandman—, hubiera sido mejor
explotada y con más calma dentro de la tercera entrega de la
saga fílmica dirigida por Sam Raimi, quien por desgracia cedió
ante la presión de los ejecutivos de los estudios y el entusiasmo
de los fans y terminó por llevar todo hasta el momento cumbre
en que el simbionte y un poco convincente Eddie Brock,
interpretado por Topher Grace, se encuentran para dar origen a
Venom, otorgándole así una prematura y desangelada primera
aparición en la pantalla grande, vía una lamentable película.

¡Quítenmelo! ¿Cómo, hay otro?

Pero no nos adelantemos: luego de la ya mencionada línea
argumental del traje, concretamente en 1988, uno de los artistas
que marcó la tendencia de finales del siglo pasado hizo su
entrada triunfal para llevar las aventuras de Spider-Man a
alcanzar una espectacularidad inesperada y de paso presentar
al más letal de sus enemigos.
Nos referimos al mismísimo Todd McFarlane, quien antes
de independizarse para fundar la editorial Image y crear al
célebre Spawn puso su estilo exacerbado de perspectivas y
posturas imposibles al servicio de una historia escrita por David
Michelinie, que apostó por diálogos salpicados de ironía, un
desarrollo agobiante y un tono cercano al terror. Fue el génesis
de Venom, quien llegó pisando fuerte, y aunque su trayecto

64 OCTUBRE 2018
 por las viñetas no puede entenderse sin su relación con el
“amigable vecino” de Nueva York, —al que eventualmente
enfrenta otra vez, llevándolo al borde de la muerte y la
incertidumbre—, fue adquiriendo la complejidad suficiente para
tener sus propio cómic. Así que aprovechando su popularidad
que subía como la espuma, Venom Lethal Protector salió al
mercado en 1994 y contó con Mark Bagley para sustituir en el
trazo a McFarlane, quien por cierto pretendió reclamar los
derechos como creador del personaje pero fracasó en el intento.
La historia, escrita por el mismo Michelinie, nos lleva a
seguir los pasos de Eddie y el simbionte en su intento por
alejarse de aquel que despierta sus más incontenibles deseos de
venganza e iniciar una nueva vida en San Francisco. Altercados
con la policía, el encuentro con una comunidad subterránea de
la que se convierte en protector, los acosos de una corporación
que pretende replicar a la criatura alienígena y la irrupción de
Spidey son parte de los ingredientes de una trama algo irregular
que, pese a quitarle protagonismo hacia la parte final, tuvo el
Cuando el simbionte acierto de explorar pasajes de su infancia tormentosa y le dio
se apoderó de el empujón definitivo para que comenzara el proceso de
Spider-Man / Pero convertirse en un antihéroe.
el traje negro no le Después vendrían otras líneas argumentales, entre ellas
duró mucho tiempo / Planet of the Symbiotes, que revela la historia de la especie a la
Una charla intensa que pertenece el letal organismo venido del espacio y que, junto
en el set / A Hardy no con Venom Lethal Protector, son los dos títulos que hoy sirven
le gustó que lo como base para la cinta dirigida por Ruben Fleischer. Esto,
ilmaran corriendo además de aparecer en series animadas como The Spectacular
de las inyecciones / Spider-Man y Ultimate Spider-Man, aunque la primera vez fue
La unión hace sólo en cuatro capítulos dentro de la serie Spider-Man de 1994,
la fuerza. todos muy llamativos. Los dos primeros porque adaptan la saga
de origen, el resto porque retomaron el momento en que dentro
de los cómics el simbionte se reproduce, dejando libre una
versión aún más poderosa de sí mismo que al unirse con el
excompañero de celda de Eddie, Cletus Kasady, da origen
a otro de los archienemigos más populares y significativos
de la trayectoria del “trepamuros”.
Lo anterior no sólo por los inusuales niveles de salvajismo
que muestra dentro del Universo Marvel, sino por que a
diferencia de la mayoría de sus rivales, que siempre resultaban
relacionados con la vida de Parker —padres de sus amigos,
compañeros de trabajo o hasta maestros de la universidad—,
este no tiene ningún tipo de lazo con él y su afán de ejercer la
maldad es por el simple hecho de que puede hacerlo. Nos
referimos a Carnage, personaje cuya espectacular apariencia
fue resultado del trabajo de Erik Larsen —creador de Savage
Dragon— y el ya mencionado Bagley, al que tal vez muy pronto
podremos ver en la pantalla grande si es que las cosas salen
según lo planeado con la actual producción de Venom.

El monstruo en mí
Claro que si de expandir universos fílmicos con base en
conceptos provenientes de los cómics de superhéroes se trata,
lo que por supuesto es una de las principales intensiones de
Sony, Venom sí que que tiene material, y de sobra. Basta
mencionar a aquellos que también han servido como huéspedes
para el simbionte, como en el caso de MacDonald “Mac” Gargan
y Flash Thompson. El primero, un enemigo clásico de Spidey
conocido como Escorpión, cuya primera aparición fue en 1967,
poseedor de las habilidades de dicho animal gracias

OCTUBRE 2018 65
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 a un proceso de mutación que, al vincularse con el organismo
alienígena, resultó un ser todavía más poderoso que cuando se
alojaba en Eddie, demente y voraz capaz incluso de engullir a
personas enteras.
Se le vio en Spider-Man: Homecoming de 2017, interpretado
por Michael Mando, así que podría ser una opción viable para
agregarse a esta franquicia. El segundo, un antiguo compañero
de escuela de Peter Parker que antes le hacía la vida imposible y
que perdió las piernas en la guerra en Irak, es de los pocos que
han tenido control sobre la criatura y prefirió usar para bien las
habilidades adquiridas, debutó en 2011 como Agent Venom y
llegó incluso a unirse a las filas de los Secret Avengers. Mención
aparte merece el caso de Superior Spider-Man, que no fue otra
cosa que el resultado de la muerte del héroe arácnido, quien
dejó su cuerpo bajo el control de la mente del Dr. Octopus, y ya
podemos imaginar qué pasó cuando se vio en las mismas
circunstancias de los arriba mencionados. Sin duda, son
personajes que ofrecen interesantes puntos de partida como
historia y resultan visualmente muy atractivos a la hora de
pensar en su traslado al live-action.
Llegó el turno a los malvados
Con todos estos antecedentes como punto de partida, y sobre
todo la faceta de antihéroe que le otorgó en su momento
tener su propio título, misma que ha refrendado en otras
ocasiones, se podría decir que Venom —amén de los Sinister Six
encabezados por Mysterio, que está por aparecer en Spider-
Man: Far From Home, pero eso es otra historia— es el
supervillano más adecuado del spideruniverso, no sólo para
protagonizar una producción en solitario, sino para iniciar toda
una franquicia a su alrededor.
Ahora, esto de desarrollar franquicias dedicadas a los
supervillanos es algo que ya probó DC Comics en 2016 con la
malograda Suicide Squad. Se trató de una película que, bien o
mal, sentó las bases para lo que vendrá con las producciones
sobre Harley Quinn, Poison Ivy y Catwoman, además de la cinta
Nos preguntamos si de The Joker por supuesto, quien siempre fue el candidato
el simbionte sabe natural para tal proyecto impulsado por Warner, y que al contar
manejar una moto / A con alguien de las capacidades de Joaquin Phoenix en el rol
Venom nunca le principal, comienza a parecer una apuesta segura.
aconsejaron no sacar Lo mismo se podría decir de Tom Hardy. Él ya se ha
la lengua / Ni cuál es vinculado con propuestas provenientes de los cómics:
la mejor manera de recordemos que entregó una poderosa versión de Bane en
deslindarse de su The Dark Knight Rises de 2012, y ahora se hace cargo de
otra personalidad. encarnar al atormentado Eddie Brock.
Según sus palabras, parece haber entendido a la perfección
de que se trata. “Venom es genial, hombre. Es multi-
personalidad; uno es un personaje humano y el otro es un
extraterrestre. Se trata de una enorme criatura venida del
espacio y Brock tiene que manejar esa vida dentro de él. Los dos
están juntos en uno. ‘Somos Venom’ es su mantra. Y encontré
eso muy emocionante”, le cuenta a EMPIRE durante la
entrevista que otorgó.
Aunque la interpretación sobre la que el actor trabaja va
mucho más allá. Según explica, “Venom tiene un apetito
insaciable y no se ajusta a ninguna de nuestras reglas humanas.
Es como el toque de Midas: tienes todo y nada”, agrega. “Los
dos, Eddie y Venom, se necesitan uno al otro. Si uno de ellos
muere, ambos mueren. Son como una pareja extraña. Uno es un
extraterrestre de siete pies de altura, el otro es un periodista de
investigación de 1.90 m que preferiría no correr por las paredes
de un edificio. Pero hay una imprevisibilidad sobre Eddie,
porque los simbiontes recogen las características de la persona
que habitan y si uno se conecta contigo, cumplirá tus deseos”.
Pero la relación entre ambos seres, sabemos, tiene otras
implicaciones... de entrada, Eddie Brock cuenta con su muy
particular código moral.
“Puedes ver que hay un trato pactado entre Eddie y
el simbionte de que si van a vivir juntos, éste sólo puede comer
gente malvada, no a cualquiera, aunque lo haría felizmente.
Había mucho alcance dentro de la dinámica psicológica de esta
película y me pareció muy alucinante”.
Pues bien, todo parece estar listo para la llegada a
la cartelera de Venom, una de las producciones que
determinarán si hay futuro para este tipo de universos
cinematográficos expandidos que buscan darle el total
protagonismo a los eternos rivales de los superhéroes.
Ya veremos si el tiempo de los supervillanos ha llegado de la
mano de un sujeto que, a pesar de que se ve a sí mismo como
algo diferente, pertenece a dicha casta, como bien nos comenta
finalmente Tom Hardy.
“Eddie no es realmente un héroe. En la búsqueda de hacer
lo correcto y demostrar que Drake está dañando a las personas,
Eddie daña lo que cree. Es una paradoja: reinar sobre tus seres
queridos para perseguir lo que consideras correcto. Él es un
antihéroe en ese aspecto. Él hará lo incorrecto para hacer lo
correcto”, concluye.
Entonces ya sabemos a qué le temen las arañas.
VENOM ESTRENA EL 5 DE OCTUBRE.
OCTUBRE 2018 67
 El actor de Gladiator y Her interpreta
a John Callahan, cartonista de los años 70
cuyo arte subversivo fue publicado en revistas
como Playboy. Su lucha por vencer su alcoholismo
y el coninamiento a una silla de ruedas es narrada
en Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot a cargo
del cineasta Gus Van Sant.

POR MARIO P. SZÉKELY

68 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 69
 fueron las últimas palabras q c un intoxicado John
Callahan a sus 21 años, minutos antes de que su amigo
de parranda estrellara el Volkswagen donde él iba en el asiento
del copiloto, partiéndosele la espina dorsal y dejándolo
paralítico de la cintura a los pies. El trágico despertar no sólo
significaba para este joven lidiar con su inmovilidad, sino con su
dependencia a la botella que había iniciado años atrás y la
posibilidad de abandonar su carrera de artista en el tintero.
En Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot, con Rooney
Mara y Jonah Hill en créditos, la trama se basa en las propias
memorias de Callahan (Joaquin Phoenix), un artista que
consiguió con sus cartones publicados en revistas y periódicos
de la década de los 70 apuntar a temas complicados como y hermanos. Esto ocurrió cuando, siendo parte de un culto Joaquin Phoenix y
el racismo, las diferencias entre religiones, el machismo, californiano llamado Children of God, todos salieron en Jonah Hill co
on looks
la política y la homofobia, dividiendo siempre a los lectores, estampida al descubrir que eso no era para ellos. En su familia raros / Rooney Mara
pues unos reían con la reflexión o crítica y otros lo consideraban ya habían cambiado su apellido, por lo que en dicho resurgir y Phoenix so
on pareja
irreverente y políticamente incorrecto. adoptaron la palabra Phoenix en honor al ave mítica que surge en la peli... y en la
El complejo proceso de salir de una situación definitoria de sus propias cenizas. vida real / Gus Van
es parte de lo que hizo a Callahan especial. Aun cuando tuvo “Creo que lo que John Callahan experimentó está ligado Sant y su pelo raro /
que arrastrarse y deslizarse con una autoestima de cero a sus primeros años. Posiblemente al descubrirse como hijo Van Sant y Phoenix
P
entre las botellas que detonaban su alcoholismo, el cartonista adoptado, cuando era aún muy niño y contrajo esa sensación yendo lejos a pie.
de alguna manera supo que estaba ahí la pluma, el carbón y el de que su madre biológica lo dejó atrás. Es muy significativo leer
lápiz para hacer los dibujos que suavizarían su realidad. en su autobiografía cómo, incluso en su edad adulta, siguió
A Phoenix, de 43 años, le tocó también su propio renacer, comportándose como un niño en muchas cosas”, medita
aún adolescente y con el beneficio de la compañía de sus padres Phoenix en una llamada telefónica con EMPIRE.

70 OCTUBRE 2018
ILUSTRACIONES DE JOHN CALLAHAN
La voz de Phoenix es como muchos de sus personajes,
navegando entre pausas, masticando pensamientos, con la
sensación de que estamos lo mismo ante un discípulo que ante
un maestro universitario, gustoso de explorar argumentos
existenciales. Su Emperador Commodus (Gladiator), su Merrill
Hess (Signs), su Freddie Quell (The Master), su Theodore
Twombly (Her) e incluso su Johnny Cash (Walk the Line),
provienen de un sitio donde el actor supo encontrar comunión
e identificación con ellos a nivel intelectual.
Phoenix siempre ha estado sobre las entrañas. Capaz de
pasar de la tranquilidad a la ira a velocidad de la luz, es
complicado sostenerle la mirada. Parece increíble que nadie
haya reclutado a este nativo de Puerto Rico para construir una
versión moderna de Hamlet, teniendo tanta nitroglicerina
recorriendo su sistema.
Cuando la tragedia también irrumpió en la vida de Phoenix
la noche de Halloween de 1993, al tener que hacer esa llamada
al 911 porque su hermano mayor, River, estaba agonizando en
sus brazos víctima de una sobredosis en plena esquina de
Sunset Blvd, su voz fue grabada y replicada por medios
sensacionalistas. Eso nunca se los perdonó. Se recluyó un año
entero en su cueva y le cerró la cortina al mundo.
Quien escribe este artículo se sentó en el año 2000 en una
mesa de periodistas alrededor de Phoenix cuando promovía
Gladiator. Su mirada verde fulminante hacia el reportero
que insinuó hablar de su relación con River dejó prueba
OCTUBRE 2018 71
 contundente de que con la vida personal de este hombre
no se juega ni se inquiere: sólo hay espacio para su arte.
“Callahan dibujaba desde niño y sabía que era especial
por eso; pero desde su accidente dejó de dibujar un tiempo.
Se limitaba a hacer caricaturas de las personas que se topaba
en su camino; aunque luego pudo hacer ese cambio radical en su
vida, floreciendo a través del arte. Su vida cambió para siempre.
“Me atrajo la creatividad e ingenio de Callahan, su sentido
del humor y perspectiva de la vida. Para algunas personas,
el oficio de cartonista les podría parecer un arte muy simplista;
pero hay un grado muy profundo de reflexión detrás de cada
dibujo y requiere el talento de decir algo que la mayoría de la
gente pueda entender. John le dedicaba horas a cada dibujo y
estaba obsesionado con su oficio”, describe Phoenix.
Esa obsesión meticulosa es perceptible en el oficio
de Phoenix. Su mera presencia en pantalla siempre nos lleva
a suspirar: “Algo va a ocurrir”. Esto impredecible de sus
actuaciones lo vuelve una bomba de tiempo que mantiene
alertas y a raya a los personajes cercanos.
“Cuando lo llamé para Gladiator, Joaquin provenía del cine
independiente, por lo que no creo que estuviera muy cómodo
siendo parte de un filme épico. Yo tenía esta idea de que
Phoenix podría ser ese Príncipe de la Oscuridad de Roma,
aunque Hollywood pensara que eso era un pensamiento
desatado. Yo estaba convencido.
“Me decía a mí mismo: ‘Este es el hombre que tiene toda
la complejidad y profundidad para construir la psicología
e imagen de Commodus. El talento de Joaquin proviene de
sus propias inseguridades y creo que es lo que le hace ser
tremendamente inusual’”, declaró alguna vez el director Ridley
Scott en una entrevista al promover la cinta épica que llevó
a Phoenix a su primera nominación al Oscar.
Como preparación antes de montarse en la silla de ruedas
de Callahan, Phoenix asegura haber visto el documental
del holandés Simone de Vries sobre la vida del cartonista:
Touch Me Where I Can Feel (2005).
“Descubrí que no importa qué tanto son similares las
heridas en los parapléjicos, cada cuerpo reacciona de forma
distinta; así que me sirvió ver videos caseros y el documental
sobre Callahan para conocer su comportamiento sobre la silla.
También hablé con sus familiares y con el director (Van Sant);
porque ellos se volvieron amigos años atrás, cuando Gus le dijo
que quería llevar su vida a la pantalla”, describe el actor.
El mismo Robin Williams, a quien Van Sant dirigió en su
actuación de Oscar, Good Will Hunting, iba a protagonizar a
Callahan en su momento. El tiempo y la tragedia personal
irrumpieron antes, pudiendo encontrar en Phoenix a un
histrión cuyo contacto con sus emociones y simpleza para
reflejarlas era vital.
En una escena de Don’t Worry..., Callahan, recién llegado a
la casa donde continuará viviendo, es atrapado ante la idea de
ver una botella de alcohol sobre un refrigerador. La sensación
de que esa dependencia es más fuerte que la incapacidad que lo
ata a su silla de ruedas es algo que podemos observar gracias a la
mirada de Joaquin, que es quien pone las emociones del artista
al alcance de quien tenga la fortuna de mirarlo actuar en esta
nueva producción.
Cuenta el cineasta Werner Herzog (Fitzcarraldo) que en su
vecindario de Hollywood Hills, un auto patinó en la angosta
avenida serpentina para salir volando y caer sobre su propio
techo. Ahí dentro estaba Phoenix y el veterano alemán vio ante
su asombro que Joaquin encendía un cigarrillo. Entonces el
realizador le dijo: “¡Relájate”, y el actor contestó: “Estoy
relajado...”. Segundos después vio cómo su tabaco era
confiscado por el europeo, quien lo protegía de estallar con todo
y auto si había alguna fuga de gasolina.

72 OCTUBRE 2018
 dos al consumo de alcohol,
e en centros de rehabilitación.
John Callahan y sus ora para que Callahan y él tuvieran
viñetas / Jonah Hill en onista falleció en 2010 en una
su personaje de riquillo do que algún día se filmaría su vida,
dueño hasta de su aquin la asumiría en pantalla.
propio grupo de AA / la de ruedas por ser alcohólico,
Una sesión del grupo de rtista gracias a que desde su situación
AA más exclusivo y fue nada fácil para él. El accidente
lujoso / Rooney Mara le sa manera, dándole un sentido de
con su pelito de Kate realización con el puedo identificarme como actor.
Mara / Alcohólicos. Amo ser actor”, enfatiza Phoenix con su voz ronca.
Al preguntarle a Joaquin sobre si el arte posee una cualidad
sanatoria para quien lo concibe y ejecuta, el actor medita:
“Absolutamente lo creo. Esta película explora eso, con la
empatía y el entendimiento que no nada más tenemos como
espectadores para con Callahan, sino que somos testigos de su
dinámica en Alcohólicos Anónimos, donde la meta es siempre
crear un sentido de conexión entre las personas que comparten
sus historias. Esos momentos personales que los llevan a
entenderse a sí mismos, al reflejarse en los demás”.
En Don’t Worry, He Won’t Get Far on Foot, descubrimos a
Callahan con un nuevo aliado de vida, Donnie Green (Jonah
Hill), gurú millonario que posee su propio grupo de AA y que se
vuelve mentor de John, compartiendo sus dudas existenciales
y subrayando aquello de “un día a la vez” en cada acción.
“Jonah es impresionante. Sabía que era muy buen actor,
pero me dejó sin habla más de una vez”, revela Phoenix, muy
posiblemente identificado en cómo, al igual que él, Hill ha
tomado muchos riesgos en su carrera con cintas que van desde
Knocked Up hasta Moneyball y The Wolf of Wall Street.
Sobre su compañera de pantalla, Rooney Mara, el tono se
mantiene profesional al hablar de ella, con quien Phoenix ha
filmado ya tres cintas, incluyendo Her y Mary Magdalene.
Es indudable que se ha vuelto su musa y compañera de vida,
pues ambos comparten departamento con vista a Hollywood.
“Ella es una gran actriz. Trae una gran luz en su personaje
de Annu, terapeuta, amiga e inspiración sentimental de
Callahan. Rooney como actriz es muy cálida. Siempre parece
estar en contacto con la verdad en la situación que aborde.
Es muy complicado como intérprete mantenerte en esa verdad,
porque todo alrededor tuyo es una imitación, y Rooney posee
esa habilidad de apuntar a la verdad del momento. A veces no
puedo creer lo maravillosa que es”.
Haciéndole honor a un apodo que adoptó en sus años
posteriores al culto religioso donde su familia participó, Leaf
(hoja de árbol), Phoenix ha sabido desprenderse de su
adolescencia para volverse un actor maduro, listo para dejarse
conducir por los vientos de la vida.
Amante de la música. Phoenix tiene un Grammy en su
vitrina por su disco de Walk the Line, donde interpretó a la
leyenda del country Johnny Cash. Aunque también su gusto por
cantar lo llevó a burlarse un tanto de sí mismo y su carrera
cuando dijo en el mockumentary (falso documental) I’m Still
Here que se retiraría del cine para abrazar al hip hop.
En ocasiones el humor no está del lado de Phoenix, quien
fue criticado por hasta haberle tomado el pelo a David
Letterman; pero eso no ha hecho que le pierdan el respeto.
Joaquin parece estar más en armonía que nunca con su arte
y vida personal, sin resistirse, sabiendo que puede elevarse
y luego caer en sí mismo como esa hoja que alguna vez
ambicionó ser. Si vienen más tormentas, eso después se verá.

DON'T WORRY, HE WON'T GET FAR ON FOOT ESTRENA

EL 5 DE OCTUBRE.

OCTUBRE 2018 73
 BAD TIMES AT THE EL ROYALE

Ell año pasado un guion del escritor

y director Drew Goddard llenó de
emoción a Hollywood. Ahora el thriller
criminal Bad Times at the El Royale
se encamina a convertirse en una de
las cintas más mencionadas del año.

POR TERRI WHITE

74 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 75

Son apenas las 9 am
y la temperatura ya es
de 38 ºC el día de julio
en que EMPIRE se reu
con Drew Goddard en
Dentro del edificio, el mismo Goddard, a pesar de estar en lo que
describe como “el momento de afinar” la edición de su segunda
producción, está sonriente, quizás hasta sorprendentemente
tranquilo. Tiene unas cuantas semanas para terminar la cinta
y entregarla al estudio; un deadline que describe como el
momento “en que me la arrebatan de las manos”.
Todo sobre Bad Times at the El Royale ha sido rápido y,
en muchos aspectos, sencillo. Se convirtió en una idea oficial
y formada en noviembre de 2016. Pero en realidad, Goddard
admite que es un proyecto en el que estuvo pensando por años.
Siempre quiso hacer un film noir, o más precisamente, un
largometraje inspirado en ficción criminal. Cuando era
adolescente, Goddard se graduó de Roald Dahl a Dashiell
76 OCTUBRE 2018
Hammett, Flannery O’Connor y James
Ellroy. Después vino un film noir en la
universidad: “Cuando comencé a
comprender no sólo el género, sino el
lugar del género en la historia del cine
y cómo eso se reflejaba con la época que
atravesamos”, y ha sostenido un romance
con eso desde entonces.
La ubicación de la historia —el hotel
El Royale— surgió en una conversación
con su esposa. “Trabajaba en algo que
tenía muchos efectos. Me quejaba de lo
desalmado que era porque sólo eran
interacciones en computadora, y le dije:
‘Mi próxima película tratará de un montón
de actores en una habitación’. Y lo que Billy Lee (Chris
pasó es que manejábamos aquí en el valle, Hemsworth), líder de
y hay muchos hotelitos, y me comentó que un culto / Cynthia Erivo
debería ubicarla justo ahí. Fue uno de los como la cantante
momentos que hacen ‘clic’”. Darlene Sweet /
La idea percoló un año, durante Laramie Seymour
el cual Goddard investigó los años 60 Sullivan (Jon Hamm), el
combinando la ubicación del hotel con la vendedor / El director
época. Cuando se trató de colocarle la Drew Goddard con
bala a la pistola, de nuevo fue su esposa Nick Offerman, Mark
quien lo puso en acción. “Me ordenó: ‘Ok, O’Brien y Jeff Bridges
ya es hora. Ve a escribir esa cinta del hotel en el set.
de la que tanto has hablado’”.
Para hacerlo, Goddard pasó tres semanas muy disciplinadas
en una habitación de hotel despertando a las ocho y escribiendo
un mínimo de 12 horas. Los siguientes dos meses los pasó
calculando la inversión sin haberle mostrado el guion a algún
estudio. “Contraté a un productor para que me ayudara”,
recuerda. Con un presupuesto y el guion, Goddard visitó las
productoras en marzo de 2017.
Los susurros y palabras se transmitieron en Hollywood.
Había un guion original y emocionante que salió de la nada.
Casi todos los estudios que lo leyeron lo querían, admite, pero
uno significaba más que los otros, el hogar de The Martian (que
le granjeó una nominación al Oscar): 20th Century Fox.
GODDARD TENÍA UNA HISTORIA, un estudio
y ahora necesitaba un elenco. Y no uno cualquiera: es una obra
de ensemble. El primer actor en la lista y en firmar fue Jef
Bridges, a quien Goddard describe como “la gran apuesta,
la persona ideal para interprtar al padre Flynn”, un sacerdote
desafortunado quien, como los otros seis personajes
principales, se registra en El Royale una noche lluviosa. Todos
son extraños y ninguno es lo que aparenta al inicio.
No sorprende que contar con Bridges tenga beneficios.
“Me encanta Jef desde hace mucho. Siempre quise trabajar
con él”, afirma Dakota Johnson, quien interpreta a la criminal
sureña Emily Summerspring. Para darle vida a su hermana está
Cailee Spaeny (Pacific Rim: Uprising), quien tuvo una
conversación de 45 minutos con Goddard antes de su audición
en la que hablaron de cosas como “su
política anticabrones: nadie en el set
tiene permitido ser un cabrón”.
Los requerimientos para su
hermana, la cantante Darlene Sweet,
eran un poco diferentes. Goddard quería
a alguien que cantara en vivo. Entrevistó
a varias actrices pero hubo magia con la
británica Cynthia Erivo. “Llegó a la
audición y fue uno de esos momentos
especiales. Comenzó a realizar su parte
y yo a sozollar. Luego, cuando cantó,
fue como si la Tierra se moviera”.
Quizá no sorprenda que Goddard
brincara ante la posibilidad de trabajar
de nuevo con Chris Hemsworth, fue “una
reunión feliz”, asegura. Hemsworth habla
del director con un afecto similar.
Drew es, después de todo, el hombre
que lo salvó. Hemsworth tenía una cuenta
bancaria vacía y pensaba rendirse cuando
consiguió Cabin —el debut como director
de Goddard y el filme que cambió todo
para Chris—. Pese a ello, Bad Times no fue
un trato sellado. “Drew y yo estuvimos en
contacto durante los años y siempre
hablamos de hacer algo más”,
OCTUBRE 2018 77
 recuerda Hemsworth. “Luego mi agente me llamó: ‘Hay un guion
genial del que todo mundo habla... es de Drew Goddard’.
Me senté de inmediato y respondí: ‘¡Espera un momento!
¿Por qué no me habló para decírmelo?’”. Hemsworth tuvo que
aguantarse y no decir que sí sin haberlo leído, pero lo leyó y le
encantó que fuera “preciso en el sentido de que es emocionante
y detallado”.
Al último llegó Jon Hamm, quien estaba en Sundance
cuando recibió la llamada de su agente: “Si lees el guion
y quieres hacerlo, tienes 48 horas y debes treparte a un avión
en 72”. Cumplió con ambos plazos por el director y el guion.
“Era una idea muy cool para una película, algo que no ves con
frecuencia, y me pareció emocionante”, revela Hamm. Con Jon
a bordo como el vendedor de aspiradoras Laramie Seymour
Sullivan, el casting se completó.

COMO EN CABIN IN THE WOODS, Goddard ocupa

el papel tanto de guionista como de director. “Hay dos partes en
el cerebro, ¿cierto? He aprendido a tratar al guionista y al
director casi como dos personas diferentes”. Dos personas que
no pueden coexistir. “Para mí, es ceremonial decir: ‘Ok.
El escritor ya terminó. Vamos a darnos la mano y desearle
un buen día y vayamos ahora al trabajo del director’”.
Pero no antes de que el elenco tenga la oportunidad
de pasar un rato con Drew Goddard el guionista para cuestionar,
intentar cosas nuevas, descubrir ideas diferentes y retar las
ya existentes. “Que alguien sea guionista y director es un
premio”, dice Hemsworth. “Y en especial en el caso de Drew.
No hay palabras en esa página, detalles en ese set, muebles
o prendas que no digan algo. Todo está analizado hasta el último
detalle y con capas de profundidad y trasfondo”.
Eso no significa, claro, que después de hacerse a un lado,
Drew Goddard el guionista no estuviera a la mano. “Siempre que
nos topábamos con un pequeño obstáculo invitaba a su lado de
escritor para lidiar con los retos”, comenta Bridges.
Sin importar qué saco se ponga en un momento preciso, en
el fondo Goddard cree en el poder perdurable de las historias
sin importar el negocio, el clima comercial o político. “Te tienes
que adaptar hasta cierto grado”, se sincera. “Las cosas cambian,
pero no los conceptos centrales. A la gente siguen gustándole las
historias. Le gusta la narrativa comunal”.
Lo que ha cambiado, sin duda, es el tipo de tramas que se
realizan. Están las que llenan las salas de cine el fin de semana
de estreno y más allá, las de taquillas multimillonarias. Y Drew
Goddard, como guionista de Deadpool 2 y X-Men: Dark Phoenix,
y director en desarrollo de X-Force, no es un extraño de las
franquicias o los universos cinemáticos. ¿Pero una película de
presupuesto medio como Bad Times..., impulsada por un guion
excelente? Eso es raro. “Hay ciertas cintas que representan la
mayor fuente de ingresos para los estudios y se chupan todo el
oxígeno”, dice Goddard, “pero lo hacen porque la gente quiere si podríamos hacerlo de esta otra forma’”, Hemsworth y Goddard
ver eso. Y yo también. Estoy ahí el fin de semana de estreno”. recuerda. “Y él estaba abierto para bromean entre tomas.
Chris Hemsworth también conoce su lugar en ese tipo de cambiar cosas o intentarlas de otra Bueno, Goddard lo
filmes, pero se siente atraído tanto por Goddard como por Bad manera. Sentí que me escuchaba”. hace / La trama se
Times... por razones similares: sus gustos y motivaciones son pone densa para
parecidas a las de su director. “Siento que hay un vacío en este SENTADOS CON GODDARD, Darlene / Los
tipo de historias. Las películas enormes son el pan mío de cada sabemos que puede trazar una línea entre miembros del culto
día y me encantan, pero hay algo diferente en ésta como actor”, sus filmes, las historias que cuentan y su hacen un viaje
expresa el intérprete. propia vida. “Creo que Bad Times... es liderados por Billy Lee
Y el trabajo impulsado por los personajes requiere una sobre el momento en el que estoy ahora. / Está armado, pero
labor intensa de cada actor. Colaborar, en todo el sentido de la Y la guerra que vivo. Y cómo la proceso ¿es peligroso?
palabra. Cynthia Erivo describe de manera similar un taller como artista”, confirma.
con el director donde hablaron durante una hora sobre lo que La guerra a la que se refiere Goddard
Darlene Sweet trataba de hacer, los muros que había levantado es Trump. No es coincidencia que al fin
y por qué. “Conforme avanzábamos y nos conocimos mejor, escribiera la película el mismo mes que
hubo momentos en los que yo leía algo y decía: ‘Me pregunto Trump entró a la Casa Blanca. Pero este

78 OCTUBRE 2018
 BAD TIMES AT THE EL ROYALE NO ES NI REMOTAMENTE LA
PRIMERA VEZ QUE MUESTRA EL TORSO DESNUDO.

10

8
5

1 4
11

3
9

no es un filme que se desarrolle en 2018

—ocurre en 1969, cuando otro hombre
que tenía una relación peligrosa con la 1. APERFECT escenas de actividad pone unos
verdad ocupó la misma residencia: GETAWAY _ 2009 física vigorosa. calzoncillos.
Richard Nixon—. Los 60 fue la década En una isla tropical,
que vio un incremento de cultos adiós playera. 6. THOR:THEDARK 10. THEHUNTSMAN:
y masacres, así como los asesinatos WORLD _ 2013 WINTER’S
de Martin Luther King, JFK y Robert 2. CA$H _ 2010 Thor se da ahora WAR _ 2016
Kennedy. “Hablé con mis papás, quienes Sam, un tipo un buen baño. El invierno no es
eran adolescentes en esa época. ¿Qué ordinario, encuentra suiciente para evitar
sintieron cuando eliminaron ante sus dinero robado y se 7. BLACKHAT _ 2015 que el cazador
ojos a esa gente en la que creían mete a la cama. El hacker Hathaway muestre el torso.
ideológicamente? Y después tener justo se desviste y usa
lo contrario en el poder (Nixon). Sentí 3. THOR _ 2011 revistas como 11. THOR:
que era el plato correcto para esta cinta”. Thor cambia de ropa. blindaje corporal. RAGNAROK _ 2017
De pronto tocan a la puerta y el Se recupera sin
guionista y director es requerido con 4. SNOWWHITE 8. AVENGERS:AGE camisa después de
urgencia. Y Goddard no es de los que &THEHUNTSMAN OFULTRON _ 2015 pelear contra Hulk.
pasa la batuta. Después de todo, vendrán _ 2012 Thor se mete al Agua
por ella en unas semanas. Vendrán a Los pectorales del de las Visiones. TIEMPOTOTAL
arrancársela de las manos. Y estará listo cazador son Nadie sabe con SINCAMISA:
porque es la historia que ha querido
contar toda su vida.
curados. Con hojitas. exactitud por qué.
14 MINUTOS
BAD TIMES AT THE EL ROYALE ESTRENA
EL 12 DE OCTUBRE.
5. RUSH _ 2013
Dos montajes de
9. VACATION _ 2015
El galán Stone se 45 SEGUNDOS

OCTUBRE 2018 79
 LOS CREADORES DE UN CLÁSICO DEL CINE DE HORROR
S E R EÚ NEN 40 AÑOS DESPUÉ S PA RA CONCLUIR
LA LEY ENDA DE T ERROR SUSPE NDIDA E N E L INCONSCIE NTE
COLECTIVO. JOHN CARPENTER Y JAMIE LEE CURTIS
REGRESAN A HADDONFIELD, ILLINOIS, PARA TERMINAR
CON UN ASUNTO PENDIENTE CON AQUEL ASESINO SERIAL
LLA M AD O MICHAEL MYERS.
POR ÓSCAR URIEL

80 OCTUBRE 2018
OCTUBRE 2018 81
 urante 40 años,
Laurie Strode
a insistido
en que Michael
Myers tarde
o emprano volverá
a casa. Aunque ha
traanscurrido un
period considerable
d i , aquel trauma
ace cuatro
décadas ha dejado consecuencias
en la protagonista con las cuales
ha tenido que aprender a vivir.
De la creatividad del inquieto
realizador John Carpenter llegó en 1978
una película de terror que innovaría
en el género. Su título llevaba
simplemente el nombre de Halloween
a propósito de la festividad americana
conocida como Noche de brujas
a celebrarse cada 31 de octubre. Era una
producción independiente que utilizó
todos los recursos de producción con
los que se contaba para crear un tétrico
universo en donde un insólito personaje
que aparecía en la noche perseguía a una
virginal adolescente.
La producción se convirtió en la
cinta independiente más redituable en la
historia del cine norteamericano
y también en origen de un buen número
82 OCTUBRE 2018
de secuelas y remakes que en realidad
nunca superaron a la original.
¿Qué hacer en 2018 con el mito
de Halloween? Teniendo como opciones
producir un reboot o una nueva versión
de la fábula de terror, los productores se
decantaron por realizar una secuela
directa de la original, aunque separadas
ambas por un puente de 40 años y
prescindiendo de las tramas que llegaron
luego de la presentación de aquella
primera historia setentera.
“Yo digo que lo que hizo David
Gordon Green fue tomar unas tijeras
para cortar todos los apéndices creados
después de estrenada la original.
Tampoco se trató de restarle crédito
a todas las secuelas producidas
posteriormente, de hecho en esta película
hay varios guiños a algunas de ellas. Creo
que para contar una historia que se lleva
a cabo cuarenta años después, tienes que
retornar a la original y enfocarte en los
acontecimientos sucedidos en esa
primera cinta. Justo este es el concepto
de esta cinta” sentencia de forma por
demás contundente Jamie Lee Curtis en
una entrevista exclusiva acontecida en
Los Ángeles, California, a unas semanas
de estrenarse esta anticipada producción
que formó parte de la exclusiva
programación del Festival de Cine
de Toronto. Algo insólito para un filme
con estas características.
Algún asunto especial habrían
encontrado los organizadores del evento
para considerar su proyección,
desmitificando de esa manera y con
contundencia que el cine del género sea
una categoría menor dentro de los
programas de los exclusivos festivales
internacionales de cine.

P ER O VAYAMOS
P O R PART ES: Esta versión
de Halloween cuenta con todo el soporte
y consentimiento de John Carpenter,
quien funge como productor de la
cinta. Jamie Lee Curtis regresa como
Laurie a pesar de que la intérprete ya ha
manifestado en varias ocasiones
su deseo de retirarse por completo
de la actuación; sin embargo,
la popular scream queen parece no poder
resistirse del todo a una invitación con
características como las de esta ocasión.
Sin embargo, la adición más
importante a esta versión es la
del director David Gordon Green,
un realizador de lo más representativo
del cine antiestablishment y de la
cinematografía independiente del país
vecino, que posee en su carrera
memorables dramas íntimos, como
George Washington, All the Real Girls y,
más recientemente, Stronger, con
Jake Gyllenhaal en el estelar.
“Todo es posible en el universo
de Halloween, pero lo que estamos
tratando de hacer es simplemente
relocalizar a un grupo de personajes que
de inmediato nos remiten a un momento
particular en nuestras vidas, pero en una
circunstancia por completo distinta esta
vez. Nos divertimos mucho haciendo esta
película, pero te confieso que no tenemos
idea de lo que sucederá ahora que al fin
llegará a los cines” nos confía Gordon
Green, cuyo muy particular estilo seguro
estará infiltrado en esta versión.
Para Lee Curtis, esta experiencia
representa el regreso a uno de los hitos
esenciales del cine de horror y al
personaje que la convirtió en una
de las actrices consentidas del fan base
del género thriller.
“Soy una actriz que toma las cosas
muy en serio. Existe una integridad muy
especial en mi aproximación a este
proyecto. En lo personal, no se trató de
una cuestión económica, ¿sabes?
Creo que todos los que participamos
en ella lo hicimos con el deseo de formar
parte de la trama y de colaborar
con David (Gordon Green), que es un
realizador muy talentoso. Es una
producción que habla del efecto de los
traumas provocados por la violencia
aleatoria. Es un asunto por demás
urgente hoy en día”, agrega la actriz,
quien interpreta a una mujer que durante
cuatro largas décadas se ha preparado
para el regreso de Myers, un verdugo
cuya sombra siempre estuvo presente en
la vida de la víctima en cuestión.
De acuerdo a la misma Jamie,
la historia de esta versión eliminará
la idea de que existe una conexión
familiar entre Michael y la protagonista,
un planteamiento que se descubrió
en alguna de las secuelas.
“Lo aterrorizante de este relato es
que un asesino serial elige de manera
casual a su víctima. Se trata de un acto vil
de terrorismo y esto convierte a la
anécdota en algo todavía más terrorífico
y actual”, complementa Lee Curtis,
quien durante años ha llevado con
honorabilidad el título de scream queen
A Laurie le vienen a otorgado por los propios seguidores del
cine de terror a la actuación más
cobrar los de Coppel
/ La espantosa convincente a la hora de “gritar pidiendo
máscara de Myers / ayuda” en una historia de horror. Ella ha
Laurie ya no es una portado el reconocimiento con mucho
adolescente orgullo, presentándose en distintas
asustada / En los 70, convenciones y eventos para fans donde
Cameron y Curtis se le reconoce ampliamente por su
usaban el trabajo en el género.
mismo corte. “Mira, para empezar, te cuento
que no hay un ejercicio previo como
actriz para ser una protagonista efectiva
en cintas de terror. Es algo que no te
enseñan en ninguna escuela de
actuación. Hay que contextualizar la
escena en donde te proponen que estás
tratando de salvar tu propia vida frente
a un enemigo inminente. Recuerdo a la
perfección cuando rodamos aquella
primera secuencia de huída en la cinta
original, en la cual Laurie escapa de la
OCTUBRE 2018 83
 cocina luego de enfrentarse con Michael
fugándose por una ventana y corriendo
por los alrededores, resbalándose para
tratar de entrar en la casa del vecino.
Todo eso se trató de una coreografía
que se llevó a cabo en un plano abierto.
Recuerdo que el director gritó: ‘¡Acción!’,
y rápidamente pensé: ‘¿Qué tengo que
hacer en esta circunstancia?’, por lo que
nada más decidí realizarla de manera
intuitiva. Esa primera secuencia fue la
que finalmente se utilizó en el corte de
exhibición y fue también la primera
ocasión que grité en la pantalla grande
buscando auxilio.” rememora la actriz
sobre el primer encuentro con el
universo de John Carpenter y con lo que
se convirtió, casi al instante, en el mito
de Halloween.

Y N O H AY
QU E O LV I DAR al verdadero
creador de toda esta leyenda
cinematográfica: John Carpenter
es uno de los directores más amados
por la comunidad fílmica. Un hombre
multitareas que durante el auge del
cine independiente en Estados Unidos
se desempeñó tanto como director
de arte, pasando por guionista, hasta
llegar a ser el compositor de las bandas
sonoras en sus propias cintas. Las nuevas
generaciones han imitado y admirado
sus patrones de producción. Es el
maestro en todo el sentido de la palabra.
“Hacer remakes hoy en día
es una práctica muy popular dentro
de los estudios en Hollywood. A fin de
cuentas, publicitar una película cuesta
mucho dinero. Es mucho más fácil
presentar a la audiencia una marca
o nombre ya reconocido y venderlo
contando con esa ventaja. Casi todos
los clásicos del cine de terror de la década
de los 70 se han vuelto a hacer porque los
ejecutivos piensan que tal vez ese título
pueda tener una resonancia particular
con las audiencias, ya que finalmente
existe una generación que la vio en video
junto a su familia y esto remite
Mike Myers está de inmediato a la nostalgia. El horror en
cómodo sin salir del el cine es un género que nace casi a la par
clóset / Jamie Lee de cuando surgió la cinematografía,
Curtis mantiene y es una categoría bastante popular entre
cerca a su enemigo la audiencia. Lo que resulta fascinante
de chavita... y de de todo esto es que el género se adapta
grande / Myers inherentemente a los cambios de la
disfruta de una bien sociedad, por lo que resulta interesante
fría, como le gustan / apreciar las nuevas versiones; sin
Nuevas generaciones embargo, David ( junto con Danny
de adolescentes McBride) me propusieron hacer una
asustadizas. continuación directa de lo que
planteamos en la versión de 1978,
algo que me pareció brillante”, considera
el legendario Carpenter, quien participa
en este proyecto como asesor y también
consejero, además de que se utilizó
su icónica música, convertida ya en uno
de los elementos distintivos más
importantes de toda la saga, para
completar la experiencia sensorial.
Carpenter es reconocido por ser
un director muy suspicaz respecto
a su obra. Por ejemplo, fue explícito
y decisivo en su descalificación de aquel
remake de Halloween realizado por Rob
Zombie hace algunos años (primero en
2007, y una secuela en 2009), aunque
después se retractó de lo dicho. Ahora
podemos asegurar que la versión de 2018
contó por completo con su visto bueno
desde el instante de su concepción.
Pese a la devoción y carácter de culto
con que cuenta el director
estadounidense dentro de la industria
y del círculo de nuevos realizadores,
Carpenter prefiere pasar como un
hombre común y ordinario que ama su
profesión como creativo cinematográfico.
“Me gustaría ser recordado nada más
como el fan número uno del baloncesto
de los Estados Unidos, no como un

84 OCTUBRE 2018
realizador célebre. Mi equipo favorito son
los Golden State Warriors. Que sean
campeones siempre; eso me hace feliz”,
comparte John divertido, que antes de
concluir la entrevista se refirió a la
cinematografía de género en nuestro país.
“El cine mexicano tiene un legado
importante con respecto al cine
de terror. Esto ha estado con nosotros
desde el cine silente. He visto las
películas de El Santo, como aquella en la
que se enfrentaba a las momias. Siento
que todo cambia de acuerdo a las
generaciones, o sea, la percepción del
público frente al horror, y esto es lo
atrayente de este tipo de cine. Mis padres
crecieron con la versión original de
Frankenstein... ¡Imagínate!
Se hacen muchas producciones
del género de horror al año; la mayoría
son muy malas, algunas son buenas
y sólo un par son excelentes, pero ese
par es lo que provoca que el cine de terror
siga imperante en las nuevas
generaciones”, finaliza el director.

HALLOWEEN ESTRENA EN 2019.

OCTUBRE 2018 85
 PRESUNTOS
EL 25 D E D ICIEMBRE D E 1985, EL M U S EO NAC I ONA L D E A NTR OP OLOGÍ A
LE FUERON ROBADAS ALREDEDOR DE 140 PIEZAS. A 33 AÑOS DE AQUEL
D E LO S H ECH O S EN MUSEO . POR ANAID RAMÍREZ

86 OCTUBRE 2018
CULPABLES
SUFRIÓ UNO DE LOS ATRACOS MÁS ESCANDALOSOS DE LA HISTORIA CUANDO
ACONTECIMIENTO, EL DIRECTOR ALONSO RUIZPALACIOS HACE UNA RÉPLICA

OCTUBRE 2018 87
 “Robadas en México 140 piezas de Juan (Gael García

las culturas prehispánicas”. Bernal) y Wilson

(Leonardo Ortizgris)
fascinados / Cuando

-AGENCIA EFE, 27 DE DICIEMBRE DE 1985. Jacobo Zabludovsky

anunció el robo /
Gael en el rodaje.

bastante al respecto y visitó en ocasiones

EL PLAN MAESTRO la periferia norte de la CDMX. Para
“Cuando piensas en 1985 te vas al terremoto inmediatamente”, Alonso también era importante plasmar
introduce el actor Leonardo Ortizgris. Pero empiezas a la “identidad sateluca”, como le llama.
investigar y descubres otro tipo de anécdotas. Mientras en Ya con el argumento delineado y
Hollywood hacen remakes de películas sobre momentos sabiendo hacia qué puerto querían
históricos para Estados Unidos o revisitan los mismos temas, en conducir la historia, Ruizpalacios decidió
nuestro país “hay una bonanza, una riqueza de historias”, que navegaría por el antiguo y estricto
reflexiona el cineasta Alonso Ruizpalacios; “levantas una piedra mar de la filmación en 35 mm. “Te obliga
y salen historias increíbles de todos lados”, agrega. a ser más certero. No puedes filmar tanto,
Para el autor de la aplaudida Güeros, “en el cine mexicano se no dejas la cámara corriendo, tienes que
está filmando mucho y tenemos que ponernos al corriente con ser mucho más cuidadoso con el
todos esos sucesos”. Así que tanto el realizador como su material... y eso lo hice deliberadamente,
coguionista, Manuel Alcalá, aportan a este objetivo. Quieren que quería ser mucho más riguroso con cada
con Museo nos pongamos al día acerca del llamado “robo del plano, y el 35 (mm) te lleva hacia allá”,
siglo”; el “más grande al patrimonio arqueológico mexicano argumenta con firmeza.
y el más grande e importante que ha sufrido ningún museo de Aunque esa decisión suena a navegar
nuestro país”, como citó en algún momento El Universal. en mar picado, a Alonso lo respaldaba
El plan para llevar esa historia a la pantalla grande surgió una familia ya conocida. “Parece (una
varios años atrás, cuando Manuel comenzó a investigar al cinta) más grande de lo que es,
respecto y armó un guion que le hizo llegar a Alonso. “No tenía ciertamente es mucho más grande que
planes de hacer algo que no escribiera yo”, confiesa Güeros; sin duda, en términos de que es
Ruizpalacios, “pero cuando leí esta historia dije: ‘¡Woow, está un viaje de construcción del museo, pero
increíble’; entonces me compartió su investigación y fue de: a mí me gusta conservarlo familiar”,
‘Va, le entro pero si la puedo reescribir’”. cuenta. Así que, al igual que su ópera
Ese proceso tomó dos años e implicó revisitar y ampliar prima, Museo es “una película de amigos,
la indagación que ya tenía Manuel, hijo de periodista y a quien de hecho está casi la misma gente que
Ruizpalacios define como alguien con “vena de reportero”. hizo Güeros”.
Leyeron diarios de la fecha y todos los que surgieron desde que
sucedió el robo hasta cuatro años después, cuando
las autoridades recuperaron las piezas y a uno de los
involucrados, Carlos Perches Treviño.
“También hablamos con mucha gente, con amigos de ellos.
La familia de uno de los responsables no quiso nada qué ver y
nos pidieron que no hiciéramos la película. Esa fue una de las
razones por las que decidimos cambiarles los nombres, un poco
dejar que la ficción nos dictara el camino”, comparte
Ruizpalacios para advertirte que este filme es una ficción. “En
ningún momento pretende ser un documental del asunto”.
Con la investigación hecha y al ser “una historia que está
llena de rumores”, como lo define Ortizgris —Wilson en la
cinta—, a los guionistas les fue sencillo separarse de la realidad.
“Fue un proceso muy intuitivo. Primero tratamos de hacer todo
lo que realmente había pasado, hasta que nos dimos cuenta de
que debíamos tomar la desviación de la ficción”.
De esta forma, en Museo te toparás con las vivencias de
Juan Nuñez y Benjamín Wilson, y no precisamente las de Carlos
Perches Treviño y Ramón Sardina García, los verdaderos
responsables. “¿Qué porcentaje es real y qué tanto es ficción? La
verdad es que ya no lo sé. Te diría que mitad y mitad”,
se sincera el realizador.
En ese asalto ficcionado, Ruizpalacios encontró la forma de
hablar de los temas que le apasionan y que también abordó en
Güeros, como la juventud extraviada, la paternidad y
la Ciudad de México; aunque en esta ocasión también halló
fascinante al propio museo y a Ciudad Satélite, para lo cual leyó

88 OCTUBRE 2018

“El robo arqueológico en México supone
la mayor pérdida artística sufrida por ese país”.
-EL PAÍS, 28 DE DICIEMBRE DE 1985.
LOS CULPABLES
Tras anunciarse el crimen, la mañana del
25 de diciembre de 1985, algunos medios
especularon que se trataba de una red
internacional de traficantes —“El robo al
Museo de Antropología se une a la cadena
de robos que han sufrido en los últimos
meses muchos importantes museos y
monumentos de Europa, Estados Unidos,
África y Asia”, mencionó El Informador el
26 de diciembre de 1985—. Otros
sugirieron que los vigilantes del MNA
estaban involucrados.
Sólo cuatro años después, con la detención de Carlos
Perches el 10 de junio de 1989, se esclarecieron —en parte— los
hechos: él y su amigo Ramón Sardina García eran los únicos que
planearon y ejecutaron el atraco. ¿Pero cuáles eran sus
motivaciones?, ¿quiénes son realmente esos sujetos? Manuel y
Alonso aprovecharon esos huecos para darle un giro a la historia
y entregarnos en Museo a dos personajes sin rumbo, “enemigos
de su historia y de su herencia”, pero entrañables.
“Cuando descubrí que el padre del personaje real (Perches)
era doctor y el hijo veterinario que no había terminado la
escuela y luego comete este robo infame, pensé: ‘Ahí hay una
gran historia de decepción y de expectativas’, entonces nos
pusimos a imaginar esa relación”, comenta el director acerca de
uno de los puntos de partida para delinear a su Carlos Perches,
que aquí se llama Juan Nuñez.
Leonardo Ortizgris define a su mejor amigo en la cinta
como alguien soberbio e inteligente; “sin embargo, Juan tiene
principios y creo que es muy legítimo: esto (las piezas robadas)
no va ni para los gringos ni para el British (Museum), esto es mi
identidad. Me puedo servir una cuba en estas piezas, pero es una
cuba en la playa”, considera el actor. “Creo que eso es lo
interesante de Juan: es un tipo contradictorio”, agrega.
OCTUBRE 2018 89
 Gael, el más carita /
Una noche en el
museo / Juan atando
los cabos sueltos /
Juan y Wilson son
ahora los hombres
de negro.

90 OCTUBRE 2018
 Casi desde el comienzo, Alonso
pensó en Gael García Bernal para ese
personaje. “Era importante que fuera
chaparro y tuviera una gama amplia de
emociones, que pudiera ser encantador
pero también perverso, y hasta tonto de
pronto”, explica, “Gael tiene una gama
amplia, por eso fue una gran elección”.
Ruizpalacios y Alcalá aún
desarrollaban el guion cuando el cineasta
le platicó al “Charolastra” del proyecto.
“Él tampoco recordaba bien (el caso), le
conté vagamente y le fascinó. En cuanto
supo que íbamos a armar la película, dijo:
‘Va’. No soltó al personaje”, cuenta Alonso.
Aunque había claridad en cuanto a
saber quién interpretaría a Juan, no se
corrió con la misma suerte para
encontrar a Benjamín Wilson. Alonso
hizo un casting muy intenso, probó
incluso con actores naturales y “tenía
otra idea del personaje”, reflexiona. Pero
“a veces, lo que está más cerca de ti no lo
ves, y eso fue lo que me pasó”.
El director ya había trabajado con
Ortizgris, pero tardó en llamarlo para las
pruebas. Le hicieron varias y la definitiva
fue al lado de Gael. “Creo que conectamos
muy bien. No lo conocía pero hubo buena
química”, recuerda Ortizgris. “Fue muy
claro que tenía que ser él. Gael hizo
casting con varios chicos pero en cuanto
vino Leo, luego, luego se sintió que
podían ser viejos amigos”, cuenta Alonso.
Eso era importante para
Ruizpalacios en su cinta de amistad.
“Siempre es entrañable ver la historia
amorosa, de confianza, de dos tipos que
van por un objetivo”, indica Leonardo.
Así veremos un bromance, pero no
esperes algo tipo Y tu mamá también,
sino más nostálgico. “Es la amistad, el
vínculo y la complicidad de una
generación que no sabemos ahora cómo
se relaciona, pero tuvieron esa
complicidad de irse al abismo”, dice Leo.
Este cobijo y hermandad también lo
proyecta el director a través de dinámicas
familiares. “Alonso quería reconstruir la
familia de Juan Nuñez para conocerlo
mejor y tratar de entender, para padecer
con él las malas decisiones que toma”,
comparte Ilse Salas, quien en el filme
interpreta a la hermana de Juan, Silvia.
Gracias a ello y todo un trabajo previo de
improvisación, Alonso logra transmitir
“esa dinámica y calidez que te regresa a
una familia típica mexicana sateluca de
los 80”, explica la actriz entre risas.
Es por eso que, pese al robo, no
puedes odiar al par de rateros. Como le
ocurrió a Ortizgris, podrías conmoverte
con ellos: “No dimensionan lo que pasó,
tienen fuego en las manos y tratan de
apagarlo. Es lo doloroso, lo divertido y lo
emocionante”, argumenta.
“Auxilio mundial para recuperar las joyas
arqueológicas robadas”.
-EL INFORMADOR, 27 DE DICIEMBRE DE 1985.
LAS JOYAS DE LA HISTORIA
Una de las razones por las que este filme valdrá oro es por su
reconstrucción del lugar de los hechos y la época ochentera. En
cuanto al museo, los permisos se consiguieron tras dos años de
cartas, charlas e insistencias. “Fue una labor de convencimiento,
de enamorarlos del proyecto y de hacerles ver que era un
homenaje al museo, a pesar del periodo infame”, explica Alonso.
La perseverancia les dio acceso sólo a los exteriores del
MNA. Fue gracias al trabajo de Sandra Cabriada, diseñadora de
arte, que reconstruyeron los interiores del museo en los
Estudios Churubusco. Igualmente se involucraron escultores y
restauradores del museo para hacer réplicas de las gemas
hurtadas. “Fue con lo primero que empezamos cuando
iniciamos la película, estuvieron como dos o tres meses
haciendo las 150 joyas”, amplía el director.
El resultado fue tal que las registraron ante el Instituto
Nacional de Historia y Antropología. “Hay un tema legal ahí”,
explica Alonso. “Tenía que haber cambiecitos porque no podían
ser idénticas y eran demasiado parecidas”, complementa Salas.
Otro tema a resolver fue la ambientación ochentera, en
especial para las secuencias de exteriores. “No teníamos el
dinero para vestir las calles de época como se debe”. Pero la
experiencia previa de Güeros, que transcurre en los 90, les
permitió aplicar algunos trucos: “El ingenio es como el pan de
cada día para filmar una peli”, cuenta el realizador.
“Hicimos muy poca profundidad de campo en los
exteriores. Casi todos los planos que son en coches están
filmados con la cámara muy cerca de los actores, con el foco en
todo el primer plano y al fondo se siente la ciudad, pero no se ve
a detalle”, confiesa Alonso. “Surgió como una solución obligada
y después se convirtió en parte del lenguaje de la película. Nos
gustó lo que hacía, encapsular a esos chicos en este espacio”.
Museo también te traslada a los 80 gracias a su diseño sonoro.
“Hay quien lo deja como decoración, pero para mí el sonido es la
mitad del discurso de la cinta”, asevera Ruizpalacios. Por eso
recurrió al “trabajo meticuloso” de Javier Gutiérrez, quien buscó
“sonidos originarios del lugar donde estábamos grabando, para
que fueran muy específicos y no como de librería”.
HACIA EL FINAL DE MUSEO escuchas una frase trivial pero
contundente: “Nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde”. ¿Los
mexicanos ya sabemos lo que tenemos pese a que lo perdimos
en algún momento? Le pregunta EMPIRE al cineasta. “Creo que
se nos sigue olvidando, pero considero que las películas también
tienen esa función de recordárnoslo”, reflexiona.
Lo que escuchas “es algo que dijo Carlos Monsiváis cuando
ocurrió el robo: ‘El regalo de los ladrones fue que nos recuerda
que nadie sabe lo que tiene hasta que lo pierde’. Mucha gente se
escandalizó por lo que dijo. Pero creo que tenía razón, sí sirvió
como una llamada de alerta de que es un área de la vida nacional
en la que debemos tener atención; la preservación de nuestro
pasado y de cómo educamos a los jóvenes en Historia, que deje
de ser una materia lejana y aburrida y que mejor sea una
relación viva con nuestros antepasados”.
MUSEO ESTRENA EL 26 DE OCTUBRE.
OCTUBRE 2018 91
92 OCTUBRE 2018
AL

La producción
de Rojo amanecer
tuvo tantos
contratiempos,
que bien se pudo
ilmar una película
sobre todos ellos.
Tenían todo en
contra, y a favor,
sólo unas ininitas
ganas de retratar
en un largometraje
la historia del
movimiento
estudiantil de 1968.
POR JULIO LÓPEZ

OCTUBRE 2018 93
 NTES DE QUE ROJO AMANECER
se concretara (1989), hubo varios
intentos por llevar al cine el movimiento
estudiantil que ocurrió en México
en 1968, pero todos fracasaron.
El largometraje que más se acercó fue
la película Canoa (1975), filmada por el
director Felipe Cazals.
Dicha cinta se basó en hechos reales,
de cuando unos trabajadores de la
Universidad de Puebla llegaron a San La familia protagonista
Miguel Canoa el 14 de septiembre del 68 de Rojo amanecer
con la intención de escalar el volcán La en un momento
Malinche. Nunca cumplieron su objetivo, de tranquilidad /
pues la gente los acusó de ser estudiantes Las cosas se pusieron
comunistas y boicoteadores de los Juegos tensas en uno
Olímpicos que habían llegado para quemar de los departamentos
cosechas y violar mujeres. La enardecida de Tlatelolco / Jorge
muchedumbre los linchó salvajemente. Fons recibe la medalla
La noticia tuvo poca relevancia a nivel Cátedra Ingmar
nacional, pero se convirtió en un presagio Bergman y presenta
de lo que sucedería tres semanas después Rojo amanecer
en la Plaza de las Tres Culturas de la en el Centro Cultural
Ciudad de México. Universitario, la versión
Y justo para llevar a la pantalla restaurada por la
la matanza que enmarcó Tlatelolco había Filmoteca de la UNAM.
que sortear dos grandes retos: burlar la
censura reinante y encontrar una historia
que financieramente fuera posible filmar.

RETOMAR
LA HISTORIA
Guadalupe Ortega y Xavier Robles,
activistas del movimiento estudiantil,

94 OCTUBRE 2018
resolvieron el segundo de los acertijos.
En 1987 entregaron una sinopsis de 10
cuartillas al Banco de Guiones, una
institución que apoyaba el desarrollo
de historias de calidad. Por decisión
unánime el jurado aprobó el proyecto
y así comenzó la escritura de la primera
trama de ficción que hablaba
frontalmente acerca de lo acontecido
aquel otoño en Tlatelolco.
La cinta que menos imaginarías
sirvió de inspiración para que los
guionistas dieran forma al texto: Alien,
del director Ridley Scott. Y es que para
rodar la masacre se necesitaría un gran
equipo de producción: tanques, armas,
uniformes, ropa de la época y miles de
extras, incluso un helicóptero; elementos
que encarecían el proyecto. En este
punto, Alien se vuelve clave porque en el
filme de 1979 el extraterrestre no se
muestra por completo, sólo se aprecian
algunas partes de su cuerpo; la tensión
aumenta cuando el monstruo de cabeza
alargada y dientes puntiagudos no está
en escena, pero se sugiere que está cerca.
Xavier Robles y Guadalupe Ortega harían
lo mismo con el 2 de octubre de 1968:
la matanza no se vería, sólo se escucharía.
Asimismo, los guionistas tomaron
como referencia los libros La noche
de Tlatelolco, de Elena Poniatowska;
las experiencias vividas y plasmadas
en Los días y los años, de Luis González
de Alba; y los testimonios recopilados por
el autor mexicano José Revueltas
y el escritor español Ramón Ramírez. El
argumento narraba lo que sucedía en el
mitin a través de la historia de una
familia encerrada entre los muros de un
modesto departamento ubicado en la
Plaza de las Tres Culturas, y en la trama
sólo participaba un número reducido de
personajes que actuaban en espacios
delimitados.
La historia de Rojo amanecer sucede
en 24 horas. El abuelo se levanta y
comienza con sus labores cotidianas.
La familia se reúne para desayunar, poco
después el abuelo y los hijos salen del
departamento. Dejan de funcionar el
teléfono y la luz. Los hijos menores
regresan de la escuela. Comienza el
mitin. El ejército y la policía toman
posiciones. Un helicóptero lanza dos
bengalas, con lo que da inicio el ataque
a los manifestantes. Y el resto es,
literalmente, historia.
Así, en 1988 quedaría terminado y
listo para filmarse el guion Bengalas en el
cielo, título que luego sería sustituido por
Rojo amanecer —uno de los productores
también sugirió el llamativo nombre de
Tlatelolco sangriento, el cual
evidentemente no sobrevivió—.
Sin embargo, no sucedió nada; a dos
décadas de los hechos nadie quería
apostar por un proyecto sobre el 68.
Había un distanciamiento con el caso,
el temor a las represalias era una de las
causas. En aquel entonces la censura era
rígida y nadie quería contradecir la orden
expresa que se había dado desde las altas
esferas del poder para que no se tocara
el tema bajo ninguna circunstancia.
La historia de cómo llegó el guion
a manos de Jorge Fons es incierta. La más
conocida afirma que por casualidad
o destino, la actriz María Rojo le entregó
una copia al director. Otra de las
versiones que más se conoce sugiere
que fue Héctor Bonilla quien le propuso
al cineasta hacer la película. Con el paso
de los años los rumores se han ido
modificando un poco, pero es un hecho
que Bonilla y Fons unieron esfuerzos
para llevar a buen puerto este argumento,
y no descansaron hasta conseguirlo.
¿Cómo filmar
una película
prohibida?
Fons y Bonilla buscaron a Fernando
Macotela, que en aquel entonces tenía
contactos en la Dirección General
de Radio, Televisión y Cinematografía;
él podía investigar si era posible hacer
la historia. Se juntaron en un café
y la respuesta fue tajante: les dijo que no
metieran el guion, que no les iban
a permitir filmarlo porque hacía
referencia al ejército. La estrategia era
bien conocida, recibían los documentos
y los archivaban hasta que se desistiera
de la idea de rodar o simplemente
el proyecto cayera en el olvido.
Ante la negativa, no tuvieron más
remedio que hacer la película de manera
clandestina. Bonilla hizo cuentas, vio que
financieramente era un proyecto factible
que comulgaba con su posición política
y decidió invertir en ella todos sus
ahorros. Fue un presupuesto bajísimo,
pero con eso comenzaron.
Para mantener en secreto el rodaje
evitaron filmar en Tlatelolco, ahí se
realizaron sólo algunas tomas: la fachada
del edificio Chihuahua, las escaleras,
los elevadores y la escena donde el abuelo
juega con el niño en el pasillo.
Evidentemente, tampoco tenían
los recursos para montar todo en un foro,
por lo que debieron conformarse con una
bodega mal iluminada ubicada al sur
OCTUBRE 2018 95
 del Distrito Federal. La precaria situación
financiera contrastaba con la libertad
creativa. Era su cinta y los autores podían
hacer la historia tal y como la imaginaron
de origen.
Hay que resaltar el trabajo
de Helmut Greiser, quien se encargó
del diseño de producción y de arte.
Literalmente reprodujo un
departamento de Tlatelolco con
la ventaja de que todo era desmontable.
Así comenzó el rodaje. Y a pesar
de que los llamados iniciaban a las siete
de la mañana y se prolongaban hasta bien
entrada la madrugada, en el set todo era
algarabía, todos querían ayudar.
La producción en verdad se convirtió
en un proyecto de amigos y familia.
Los asistentes de Jorge Fons fueron
su esposa e hijo, y uno de sus sobrinos
interpreta a un estudiante que es
golpeado en las escaleras. Héctor Bonilla
dio vida a Humberto y su hija, Leonor
Bonilla, aparece en escena junto con los
manifestantes heridos. María Rojo
interpreta a Alicia, la mamá, y su hijo
es uno de los estudiantes detenidos.
Jorge Fegán es el abuelo Roque; Bruno
y Demián Bichir son los hijos mayores.
Por su parte, los más jóvenes de la familia
fueron encarnados por Estela Robles,
hija de Xavier Robles, y Ademar Arau,
quien tuvo que ir al psicólogo durante
varios años debido a lo crudo de su
trabajo en esta cinta.
Pese al sigilo de la producción,
importantes figuras de la cultura
nacional visitaron el set en algún
momento, como el novelista Gabriel Alicia (María Rojo) Luego de tres arduos meses y un día, para el cierre: “Se llevaron los muertos
García Márquez. La regla era que y Carlos (Ademar Arau) concluyó el rodaje. El siguiente paso era quién sabe adónde. Llenaron de
cualquiera que pudiera ayudar atestiguan la masacre revelar los negativos, un acto delicado estudiantes las cárceles de la ciudad”,
y no los delatara, era bienvenido. desde la ventana de su y, al igual que cada punto del proceso versos que José Carlos Becerra escribió
Como era de esperarse, no alcanzó departamento / Héctor de este filme, tenía que hacerse en su poema “El espejo de piedra”.
el presupuesto. A la segunda semana Bonilla acompañando a escondidas. Durante varios días Bonilla Ahora venía la verdadera prueba:
de rodaje el dinero se terminó, aunque a Jorge Fons al recibir paseó los rollos de película en su vocho, lograr que la Dirección de Radio,
muchos de los involucrados no cobraban tratando de convencer a un trabajador Televisión y Cinematografía (RTC)
CORTESÍA FOTOS MEDALLA: INGMAR BERGMAN FILMOTECA

por su labor. Gracias a que el filme
se rodó en orden cronológico y a que
el personaje de Bonilla sólo aparece
al principio y cerca del final, pudo
ausentarse del rodaje para buscar
productores que desearan invertir.
Encontró su salvación en el actor
y productor Valentín Trujillo, a quien
le bastó ver quién participaba en la cinta
para decidirse a apostar por el proyecto,
que en ese momento pendía de un hilo.
Inclusive, llegaron a ofrecerle las
escrituras de una casa para que invirtiera
la cantidad que se necesitaba para
terminar la producción.
la medalla Cátedra
Ingmar Bergman / de los laboratorios de los Estudios
Jorge (Demián Bichir) Churubusco para que los revelara por
y don Roque (Jorge debajo del agua. Al final lo consiguió,
Fegán) atentos a todas pero por la premura y las condiciones
las noticias. en las que se realizó el trabajo,
no tomaron en cuenta las indicaciones
del director y las correcciones de color.
El material tenía un tono verdoso.
La edición y la posproducción
se realizaron sin contratiempos gracias
a que se hicieron en el Edificio de
Productores, donde Valentín Trujillo
tenía su oficina. Al momento del montaje
el guion se respetó a cabalidad, sólo se
omitió la frase que se tenía considerada
les otorgara una clasificación y certificara
su exhibición comercial. En una jugada
audaz Valentín Trujillo envió una copia
a Texas sólo por si acaso se les ocurría
“enlatar” el largometraje. La Ley
y Reglamento de la Industria
Cinematográfica decretada el 6 de agosto
de 1951 estipulaba en su artículo 67 que,
en un plazo no mayor a tres días hábiles,
RTC debía autorizar o prohibir
la exhibición pública de una película.
Para Rojo Amanecer el dictamen tardó
seis largos meses en llegar.
Durante este tiempo se habló mucho
de la historia y, como era de esperarse,

96 OCTUBRE 2018
 MEMORIAS
se filtró una copia que fue a parar a Tepito
al mercado pirata. La desesperación
pronto se apoderó de todos los
involucrados en el filme. El primero
DEL 68
MÁS CINEASTAS QUE EXPLORARON
en ejercer presión fue Xavier Robles. EL MOVIMIENTO ESTUDIANTIL
Él mismo cuenta que encaró a la
entonces directora de Cinematografía,
Mercedes Certuche, cuando coincidió
con ella en la Cineteca Nacional durante
la presentación de la película Muelle rojo,
cuyo guion era también de Robles.
Cuando pasó al estrado le reclamó
públicamente. Se armó un escándalo
que trascendió en todos los ámbitos.
Desde ese momento, el apoyo
de los medios de comunicación fue
fundamental para que Rojo amanecer
EL GRITO
(1968)
saliera a la luz. En cada oportunidad De los pocos testimonios
María Rojo exigía una solución. Héctor audiovisuales generados desde el
Bonilla llegó a decir que si no se exhibía interior del movimiento. Los alumnos
haría una función en el auditorio “Che” del CUEC ilmaron lo que sucedía, y
Guevara de la Facultad de Filosofía de la las ocho horas de material recopiladas
UNAM en la que regalaría la cinta a los las organizó Leobardo Lopez Arretche.
asistentes para que la difundieran.
El conflicto se solucionó cuando
el presidente en turno, rodeado del
Estado Mayor Presidencial, vio la
película acompañado por intelectuales
como Gabriel García Márquez, Héctor
Aguilar Camín y otros políticos
y funcionarios. Llegaron así a un acuerdo:
Rojo amanecer se exhibiría siempre
y cuando se borraran las referencias
al ejército, unos 100 segundos en total.
Se perdía poco y se ganaba mucho, pues
CANOA
(1979)
el filme logró instaurar de manera oficial Felipe Cazals dirige la primera icción
lo acontecido el 2 de octubre de 1968. que aborda el tema de forma paralela.
El estreno fue un éxito rotundo, En septiembre de 1968 un de grupo
el público y la critica la aclamaron. de trabajadores de la Universidad
Tanto así que en 1991 se coronó como de Puebla son linchados. ¿Su delito?
la gran triunfadora en la ceremonia de los Parecer estudiantes comunistas.
premios Ariel al obtener nueve de 11
posibles galardones, incluidos el de Mejor
película y director; mientras que en el
festival de San Sebastián, Jorge Fons se
llevó el Premio especial del jurado.
Mucho tiempo después, Fons dio con
la copia sin censura que años atrás
Valentín Trujillo había enviado a Estados
Unidos. Es por eso que circulan dos
versiones de la historia. Para beneplácito
de todos, la Filmoteca de la UNAM recién
terminó la restauración de la historia,
LOSROLLOSPERDIDOS
(2012)
aunque lamentablemente reparó Gibran Bazán plantea una hipótesis
la versión censurada. Y ahora Jorge Fons, sobre el material que se ilmó antes
a sus casi 80 años y cinco décadas y después del 2 de octubre: la antigua
después de la masacre, se dará a la tarea Cineteca Nacional fue incendiada
de buscar y remasterizar, una vez más, a propósito para eliminar cualquier
la versión del director. cinta que referenciara la matanza.

ROJO AMANECER ESTÁ DISPONIBLE EN DVD.

OCTUBRE 2018 97
98 OCTUBRE 2018
 la entrevista empire

ES ME JOR CONOCIDA COMO PSICÓPATA QUE BLANDE CUCHILLOS Y SE ROBA CACHORRI-

TOS, PERO COMO DESCUBRE LA EDITORA DE EMPIRE UK, TERRY WHITE, HAY MUCHO MÁS
TRAS LAS MUJERES QUE G LE N N C LOS E HA INTERPRETADO A LO LARGO DE CUATRO DÉCADAS
E XTR AO R D I NA R IA S.
FOTOS DAMON BAKER

UN ENCUENTRO CERCANO

Glenn Close en sesión

de fotos exclusiva para
EMPIRE en Somerset
House, Londres,
el 9 de agosto de 2018.

OCTUBRE 2018
99

GLENN CLOSE
Y YO MIRAMOS
AL CIELO CON
PREOCUPACIÓN.
Esta noche, la premiere de su nueva película, The Wife,
se realiza en el patio de Somerset House, en Londres. Después
de meses de un calor insoportable, hoy es el día en el que el cielo
luce gris y cargado con amenazas de lluvia.
Es un día importante. Uno que se ha cocinado desde hace
cinco años —cuando Close leyó el guion adaptado de un libro
que cuenta la historia de una esposa—, antes siquiera de
conseguir financiamiento para realizarse. Le intrigó Joan,
la esposa del título, a quien conocemos cuando su esposo,
el escritor Joe Castleman (Jonathan Pryce), recibe el premio
Nobel de Literatura. Cuando viajan a Estocolmo para la
ceremonia, su matrimonio comienza a desmoronarse bajo
el peso de un secreto que han mantenido durante 40 años.
Sin importar lo que el título sugiera, al igual que todos los
personajes de Close, Joan no es una mujer que se conforma con
los estereotipos tradicionales de género. No es una mujer típica
para nada —es decir, la mujer típica que ves en pantalla—. Quizá,
sugieren los rumores, esta será la cinta por la cual la Academia
reconozca, por fin, a Glenn Close después de seis nominaciones
sin victoria alguna.
Pero por ahora ella tiene otras cosas en mente. Volvemos a
mirar al cielo lanzando una oración: que no llueva en su desfile.
¿Por qué te atrajo el guion y Joan?
Era un tipo de personaje que no había interpretado nunca.
No tuve que dirigirme a territorios desconocidos, psicológica
o emocionalmente hablando.
¿De qué manera piensas que ella es diferente?
Más introvertida, creo, y eso es algo con lo que me identifico
(ríe). Ciertamente no es el tipo de mujer que yo... ya sabes,
100 OCTUBRE 2018
mucha gente cree que soy fuerte, interpretando mujeres en
mundos de hombres.
Con claridad vemos que hay un tipo de calma en ella,
pero también una furia cocinándose.
Bueno, es cómplice en lo que se ha convertido en un arreglo
sobre cómo viven su vida. Creo que mucha de esa rabia está
dirigida hacia él (Joe, el esposo), pero también a sí misma
por dejarse poner en esa situación. De lo que me di cuenta
cuando la vi es que se trata de un matrimonio muy complejo
y creíble. Hay un tipo de aminoramiento que resulta de estar
con un hombre que es básicamente un narcisista. Y las mujeres
pueden volverse habilitadoras de ello.
¿Consideras que las mujeres están mejorando en
articular, si no rabia, al menos frustración?
Sí. Creo que entre mejor lo articulemos desapasionadamente,
estaremos mejor. Porque la rabia es autodestructiva. Creo que
no puedes negarla, pero tienes que lidiar con ella de una manera
que no sea la única forma en que puedas expresarte. Pero sí,
pienso que mucha gente siente mucha rabia. Y eso no está
siendo considerado por nuestros líderes, nuestros íconos
culturales. A lo que me refiero es que creo que es donde el arte
puede ser muy importante, porque le damos una salida a eso
y tienes la capacidad de canalizar de forma positiva. Y puedes
contar una historia que haga que la gente piense y hable de
verdad sobre las cosas. No creo que salgas de esta película
sin preguntarte cómo está tu relación.
Ahora, el título. Es bastante sorprendente que un filme
llamado sólo The Wife se concretara. Pero no fue
financiado de una manera tradicional en Hollywood...
Es una película muy independiente. De verdad no tenía idea
de cómo iba a reaccionar la gente, así que sólo estar en el
Festival de Cine de Toronto y ver y escuchar a la audiencia,
darme cuenta de cómo notaban cada detalle... todavía puedo
Página anterior: saco, Zadig & Voltaire; blusa, Temperley London; pantalones, DKNY; zapatillas, Christian Louboutin;
recordar esa sensación, ¿sabes?, de que en ese momento estaba
tocando algo fundamental, y no sólo con las mujeres, sino
también con los hombres. La novela se escribió hace 14 años.
El guion, de Jane Anderson, no mucho después de eso. Y no se
había movido en todo ese tiempo. Piénsalo: dos mujeres
escritoras y una mujer productora —Rosalie Swedlin—. Es
sobresaliente. Representa lo que creo que puede ser el futuro.
¿Crees que le cuesta más trabajo a un actor sumarse a una
producción como esta?
Por supuesto. No puedo decirte lo agradecida que estoy de que,
aunque Jonathan (Pryce) vio que sería injuriado, se diera
cuenta de que era un papel sorprendente para él. Se necesita
un hombre consumado para lograr eso.
Tu hija Annie Starke interpreta a Joan más joven.
Cuando te dijo que quería ser actriz, ¿qué pensaste?
Me lo esperaba, aunque lo pospuso. Cuando estaba en prepa
no hizo mucho teatro. Creo que siempre se sintió muy
autoconsciente de ser superjuzgada, y eso fue difícil para ella.
Es una chica extraordinaria, tiene un gran grupo de amigos
y sabe que la quieren por ella misma. Pero cuando estaba
creciendo no sabía si alguien quería ser su amigo por ella
o porque tenía una mamá famosa. Eso es duro. Ya sabes: cuando
estás al principio de tu carrera lo último que quieres es que
aretes y collar, De Beers.
crean que se debe a la influencia de tu mamá. Así que incluso
audicionar (para The Wife) fue una decisión difícil para ella.
Pero se ganó el personaje por sus propios méritos y, cuando
trabajaba, yo me iba de la ciudad. No quería que se sintiera
obligada a toparse conmigo en los pasillos. Cuando ya la vi
en la película me sentí muy orgullosa de ella.
Glenn Close
y Jonathan Pryce en
The Wife.

OCTUBRE 2018 101

102 OCTUBRE 2018

Tu propio viaje para convertirte en actriz fue muy
diferente. Has dicho que fue viendo una entrevista a
Katharine Hepburn cuando estabas en la universidad.
Eso me puso en mi camino. Quería ser actriz desde los siete
Vestido, Jenny Packham; abrigo, Daks; zapatos, Gina; aretes, Fred Leighton.
años. Nunca hubo nada más que quisiera ser.
¿De dónde sacaste esa idea a los siete años?
Creo que en la infancia temprana era sólo... imaginación.
Cuando mi papá estudiaba medicina teníamos una casita en la
granja de mi abuelo materno, en Connecticut. Y había un campo
increíble donde correr. Siempre estábamos jugando. Cuando
me fui a la universidad estudié teatro cuatro años con un grado
en antropología. Era una escuela liberal de arte, no sabía cómo
proceder y entonces vi esa entrevista y algo en mí hizo clic:
“Si es lo que quieres hacer, hazlo”, pensé. Fui al día siguiente
con el director de ese departamento, quien fue mi mentor,
y era el último día en que podía mandar una carta
recomendándome para audiciones nacionales.
Hubo momentos difíciles cuando creciste (Close creció en
medio de un culto). ¿Crees que tu imaginación era una
manera de escapar, de crearte un mundo diferente?
Por supuesto que sí. Excepto... sí y no. Leí en algún lado que
los actores tienen una autogratificación inmediata,
definitivamente en el escenario. Creo que en todos los actores
hay esa necesidad de hacer lo que haces, pero también de
alimentarte de ello... ¿cuál es la palabra que lo define?
¿Validación?
Sí, creo que es validación.
¿O reconocimiento?
Sí. Cuando eres niño y creces en un culto, el grupo se convierte
en tus padres. En el mío, yo no era rebelde como mi hermana.
Traté de ser una buena soldado y eso de “¿quién quieres que
sea? Puedo ser lo que quieras” puede ser muy destructivo.
Así que con la actuación, ¿lo tomaste y transformaste en
algo positivo y saludable o crees que interpretar un papel
era sólo algo que estabas acostumbrada a hacer?
(Pausa) Buena pregunta. Creo que mi imaginación... era una
niña muy tímida, para empezar, y eso tal vez hacía que me
metiera más en mi cabeza.
¿Te tomó años desaprender las reglas y limitaciones que
eran parte de tu vida en esa época?
Considero que cuando eres tan joven y pasas de los siete a los 22
(en el culto), que son años formativos, te afecta. Es algo con lo
que he luchado toda mi vida. Y sólo hace unos cuatro años,
cuando estaba muy cansada de ello, finalmente fui con un
especialista de traumas infantiles. Porque eso es lo que era:
un trauma infantil profundo. A veces puedes lidiar con eso,
porque no es como que me echaran a la calle —siempre tuve
ropa y comida— pero era definitiva e increíblemente...
una jodidez mental. Creo que también la rabia que se formó
en mí impulsó mi arte de muchas maneras. Quizá por mi origen
siempre he sentido que el arte perdurable proviene de una
sensación de rabia contra algo. Algo nos impulsa. Si estás muy
bien y eres muy feliz, como que no hay ninguna razón para
expresarte de cualquier otra manera.
La gente asume que los personajes que has interpretado
son unas perras fuertes y locas. Por ejemplo, Alex Forrest
en Fatal Attraction.
Ella era la antagonista y debes tener antagonistas, y si no vas
a tener a un nazi o a alguien del EI, será alguien que tenga una
Dan Gallagher (Michael enfermedad o trastorno mental, ya sabes, que asuste a la gente.
Douglas) se enfrenta Así que ella era una antagonista muy fácil, sin que supiéramos
a su trastornada en realidad por qué se comportaba así. Tengo que encontrar
un lugar en donde pueda amar a mis personajes. Y la amaba
antagonista, Alex
Forrest, en Fatal a ella porque estaba encarnando a una mujer que fue víctima
Attraction / Dangerous de incesto a lo largo de muchos años cuando era joven, tanto
Liaisons: el vizconde como para dañarla de verdad. Sabía lo que hace eso y que puede
de Valmont (John desencadenar un trastorno de personalidad límite... Pero nunca
Malkovich) planea hubo lo suficiente en el guion para decirlo. He estado pensando
una intrigante artimaña que sería muy interesante contar la misma historia desde
con su rival su punto de vista y ver cómo lo toma la gente. Me refiero a que
y examante, sería interesante. De hecho, tal vez intente hacerlo.
la marquesa
de Merteuil (Close) / Ella es la peor pesadilla de cualquier hombre...
Un amor no tan infantil: y también la de cualquier esposa.
Close como Peleé por ella tanto como pude. Estoy orgullosa de ese personaje
la diabólica diseñadora y la adoro. Creo que si lo vieras desde su punto de vista dirías:
de modas Cruella “Esta mujer necesita ayuda. Está desesperada y podría ser un
de Vil peligro para sí misma”. Ese personaje pudo suicidarse antes
en 101 Dalmatians. que matar a alguien más. Fue una gran lección sobre lo que
necesitan las audiencias cuando estás tan alterada. Es como
las mujeres que matan de manera exagerada a quienes abusan
de ellas. No los apuñalan dos veces, sino 50. En su caso, no era
suficiente suicidarse, sino que tenía que ser asesinada.
OCTUBRE 2018 103
 Bueno, varias veces.
Varias veces.

Y de verdad fue castigada al final.

Sí, y eso es interesante porque el personaje que interpreté
en Dangerous Liaisons, la marquesa de Merteuil, fue prohibido
cuando se publicó el libro. Y luego al novelista, Pierre Choderlos
de Laclos, le hicieron agregar que contrajo sarampión.

Y luego, Cruella de Vil.

¡Que es un diablo! Negra, como el color. Es una bruja clásica
de cuentos de hadas.

Pero también has hecho cosas completamente distintas,

como el thriller británico de zombis The Girl With
All The Gifts...
¡Sí! Amé ese libreto. Estaba hermosamente escrito y me pareció
que la premisa era genial. No es interesante para mí sólo
interpretar a alguien que es considerado villano —y ella,

Pantalones, chaqueta y cinturón, Louis Vuitton; blusa, Daks; aretes y collar, De Beers. Styling: Mike Adler y Sascha Lilic @ ADB Agency. Asistente de moda: Mahatma Michael.
la Dra. Caroline Caldwell, ciertamente era señalada como
la villana—, pero tuvo momentos en los que era evidente
que había lo suficiente para hacerla interesante. Me encantó
eso. Me encanta el área gris de la vida en la que todos vivimos.

Y en Guardians of the Galaxy también fue distinta.

Esa fue como regresar a mi infancia. Para empezar, siempre
quise estar en una película como esa, así que me alegré cuando
me lo pidieron. Y estar en la habitación donde me encontraba,
el cuarto de controles, con la guerra afuera, pero que era nada
cuando lo filmábamos... Era sólo un tipo con una vara y una bola
de tenis en ella y me decían: “Mira a la bola e imagina”. Y pensé:
“¡Puedo hacerlo! ¡Puedo hacer esto! Es fácil”. Fue muy
divertido. Y tengo que decir que (el director) James Gunn

Maquillaje: Charlotte Hayward usando Suqqu. Peinado: Peta Dunstall usando Kevin Murphy. Imágenes adicionales: Alamy.
fue fantástico y encantador. Y lo que de verdad me pareció
extraordinario de él es que, en una cinta que estaba
en storyboards hasta el infinito, porque son necesarios debido
a tantos efectos especiales, nunca sentí que me empujaran
a algo que ya se había resuelto en ese sentido.

¿Qué piensas de Guardians sin él?

Es triste. Y creo que resalta cuestiones difíciles sobre este
movimiento. Lo menciono con todas las mujeres con quienes
hablo porque quiero saber qué siente la gente, ¿sabes? ¿Es esto
de verdad lo que deberíamos hacer? Especialmente en este caso,
con alguien (el blogger de ultraderecha Mike Cernovich) que es
conocido por arruinar a gente por algo que escribieron en un
contexto por completo diferente hace 10 o 12 años. ¿Qué vamos
a hacer? ¿Revisar nuestro pasado y asegurarnos de que todo lo
que dijimos fue políticamente correcto? ¿Quién puede vivir así? The Girl With all the
Siento que hay algo equivocado en eso. Somos criaturas con Gifts: la cientíica
fallas. Sólo fíjate en lo que le estamos haciendo a nuestro siniestra, la Dra.
planeta. Anoche hablaba con alguien sobre esto: tienes a un tipo Caroline Caldwell
con una energía creativa tal como para materializar algo como (Close), con la niña
Guardians of the Galaxy. Es un ser humano con fallas. Era un infectada de plaga
estúpido engreído en esa época y decía cosas para provocar a la zombi Melanie
gente. ¿Lo niega eso como artista? Personalmente no lo creo. (Sennia Nanua) /
Si no, estaríamos derribando edificios y destruyendo obras de Close se divierte
arte —ya sabes, destruyan todos los Picasso porque trataba como Nova Prime,
horriblemente a las mujeres—. Si va a ser una revolución líder de Nova Corps
cultural perdurable, lo cual es un gran 'sí, pero...', tenemos en Guardians
que tomar en consideración la naturaleza humana. of the Galaxy /
Comparte escena
¿Consideras que es un efecto directo del clima político con Jonathan Pryce
que tenemos actualmente? en The Wife.
Sí, por supuesto. Estamos en un momento salvaje en la historia
de Estados Unidos y es muy perturbador.
Pero todos estos acontecimientos se sienten
como algo global.
Todos se sienten muy inseguros y asustados.
¿Qué piensas que el arte puede hacer en esas
circunstancias?
El arte puede hacer que la gente vea el otro lado de las cosas.
Creo que el arte puede ser tranquilizador. Puede inspirar a la
gente a descubrir la mejor versión de sí mismos. Somos frágiles;
si tú sigues incitando con ira, violencia y crueldad, eso va a tener
un efecto y va a cambiar el comportamiento de la gente. La
humanidad se está volviendo muy ruda. Al hablarle a las cosas
buenas que eres capaz de hacer, se puede mejorar. Yo quiero
contar historias desde el lado sanador de las cosas, más que de
su lado destructivo.
THE WIFE ESTARÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA DIGITAL
A PARTIR DE OCTUBRE.

104 OCTUBRE 2018

OCTUBRE 2018 105
Eddie Brock
Tom Hardy es un intrépido reportero más empático
que el del cómic, quien cayó en desgracia
(de la que culpa a Peter Parker, Spider-Man)
y está atrapado en una mala racha que incluyó
su divorcio y cáncer. Todo se complica cuando
un ente extraterrestre decide residir en su cuerpo.
Simbionte
Miembro de la raza klyntar, esta es una criatura
que forma una codependencia con el cuerpo
de su anfitrión. Originalmente benigno y hasta
heroico, ha sido corrompido por el mal uso que
le dieron antes de que llegase a la Tierra.

Fue el dibujante Erik

SIMBIONTE Larsen quien le acabó
de dar el toque de
personalidad a Venom
cuando agregó los
Adrenalina
colmillos y la baba que
lo caracterizan, en
En la simbiosis, el alien consume Adrenalina lugar de sólo una
generada por Brock, y a cambio le otorga exagerada boca
gran tamaño y fuerza, además de humana que le dio la
habilidades regenerativas, que en el leyenda Tom
caso de Brock, detuvieron el cáncer. McFarlane.

EDDIE BROCK

El simbionte reside
en el cuerpo de Eddie
y se comunica con él a través de
habilidades telepáticas.

Vulnerable a las ondas

 El simbionte ha sónicas y al fuego, la
integrado a su prolongada exposición
repertorio los poderes a estos puede causarle
del Spider-Man, los gran dolor y drenarlo
que comparte con de energía.
KLYNTAR quienes se une.

Recientemente se reveló que los klyntar

son una raza que se une a otras para
convertirse en guerreros nobles
denominados los Agentes del Cosmos. Una “apertura
Buscan la mezcla perfecta de ideal dimensional”
moral y físico. controlada por el alien
le permite absorber
objetos sin añadir El traje formado por la
masa al traje. unión con el simbionte
otorga habilidades de
maleabilidad para
transformar el cuerpo del
anfitrión en cuchillas y
picos, así como expandir
su tamaño. Poderes que
LA OTRA HISTORIA han aprovechado mejor las
siguientes generaciones.

Sony
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Spid nte las IDER-
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por r, quien el traje más f aba
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OTROS ANFITRIONES
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i a ió su policía, y a quien, como
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den enom do n pareciera ser el instinto
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Son cuatro los personajes con los que se acoplado significativamente el ner ni Spid Carnag
sin e de los padres simbiontes,
simbionte Venom a lo largo de su historia. Tres de los posibles huéspedes unir er-Man ,
fuer trataría de matar.
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aparecieron ya en el Universo de Marvel (Spider-Man: Homecoming).
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(SCORPION) THOMPSON Sin e hace Eddie B alva a
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El portador original no estará ni a Sa sed d las pac ock, Ve
Resistencia remotamente presente (según dicen) en Al separarse de Brock, el simbionte le ofrece El bully compañero de Peter Parker n Fr e ven es c nom
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el universo de Venom, lo que demandó al supervillano Scorpion nuevas habilidades controló al simbionte y se convirtió en r de y ac se m
como el segundo Venom, pero acabó cediendo un operativo gubernamental. Muy los túa uda
que la historia fuese diferente. des c
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el control y su personalidad fue casi extinta distinto al personaje de Homecoming. LEE PRICE para
bajo la brutalidad y violencia de Venom. dos VEN
Energía . O
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dominó a Venom para usarlo en sus Fou m es a
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empresas criminales. Cuando perdió extr dat on, r s ona
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Eddie Brock y Venom
hicieron su primer
Velocidad intento en la pantalla
grande en Spider-Man 3
(2007).
Lamentablemente, un
Fuerza Interpretado Interpretado Interpretado Sam Raimi desinspirado
en el Universo en el Universo en el Universo no pudo hacerle justicia
de Marvel por: de Marvel por: de Marvel por: a este personaje, que se
Tom Holland Michael Mando Tony Revolori hundió con esta Topher
MARVEL DATABASE franquicia. Grace
 ALERTA:
SPOILERS

NO ES BETA NI VHS, PERO SÍ ESTÁ EN EL PASADO

106 OCTUBRE 2018

 LA GUÍA
DE EMPIRE
PARA VER
EN CASA

DEADPOOL 2
Los guionistas y productores
Paul Wernick y Rhett Reese
le quitan el muro a la comedia
del superhéroe.

POR CHRIS HEWITT

00:12:51
UN REFRI DEMASIADO LEJOS __
Quienes esperaban muchas risas en Deadpool 2
se sorprenden al inicio por el asesinato de la novia
de Deadpool, Vanessa (Morena Baccarin).
Eso provocó una discusión con los guionistas,
acusados de ‘refrigerarla’, lo que signiica matar
a un personaje femenino para motivar a un héroe
a la acción. “No fue algo de lo que estuviéramos
conscientes”, admite Rhett Reese.

OCTUBRE 2018 107

 00:14:48
EL NOMBRE ES POOL... DEADPOOL
__ La muerte de Vanessa sigue en una secuencia
de títulos muy divertida y bondiana, completada
con muchos jugueteos de Reynolds y Celine Dion
cantando “Ashes”. “Nos enamoramos de esa
canción”, dice Wernick. “Hicimos la secuencia de
créditos alrededor de ella. Fue difícil, la escena
de créditos en la primera película fue adorada, así
que, ¿cómo podíamos hacerla mejor?” cuenta.
00:58:37
UN PETER PUEDE VOLAR __ La toma
que lanzó mil gifs: Rob Delaney como el tipo
amable Peter, que sale volando por el aire con
sus compañeros de X-Force. “Es un personaje
que inventamos para X-Force”, comparte Reese.
Peter tuvo tal impacto que la cinta lo trae de
vuelta de una desafortunada desaparición. “Nos
encantó que la audiencia reaccionara a esto de
Peter”, agrega Wernick.
01:17:15
TENGO CAMISA, NO ROPA
INTERIOR __ La escena más larga del ilme,
durante el cual Deadpool y Cable son medio
amables, da origen a la palabra ‘shirtcocking’,
que describe el acto de vestir camisa sin ropa
interior. El término lo inventó Blake Lively en el
set. “Terminó siendo una broma de marca”, ríe
Wernick. “Nunca he hecho eso del ‘shirtcocking’
en toda mi vida”. Ajá. Claro.
108 OCTUBRE 2018
00:22:49
X-MEN MARCA EL LUGAR __ Mientras
que Wade Wilson habla de que nunca ve a otros
X-Men en la Mansión-X, hay una toma de ellos
cerrándole la puerta silenciosamente. Es un
chiste gracioso ilmado por Simon Kinberg,
director de X-Men: Dark Phoenix, pero no pienses
demasiado en cómo es posible que el equipo de
X-Men de 1993 esté en el presente. “Nos fuimos
por lo divertido y no lo lógico”, señala Wernick.
00:59:14
EX-FORCE __ La secuencia en que la X-Force,
el supergrupo que junta Deadpool para enfrentar
a Cable, es asesinado en una serie hilarante de
accidentes tipo La Profecía se metió “en el tercer
borrador”, recuerda Reese. “Afectó la inclusión
de personajes como Bedlam (Terry Crews) y
Zeitgeist (Bill Skarsgård). “Queríamos usar
personajes que no pensaríamos utilizar en una
verdadera trama de X-Force”, coniesa.
01:36:47
DE VERDAD DEADPOOL __ Hacia el inal,
Deadpool estira la pata (aunque brevemente) con
una escena de muerte maravillosamente absurda,
pythonesca y extendida en la que Wade prueba
la paciencia de los demás héroes simulando su
muerte y regresando para un último monólogo. O
tres. “Deadpool es tan narcisista que querría que
la gente pasara por una escena larga de
despedida”, cuenta Reese.
00:34:23
MAAAAAT DAAAAAMON __ Cuando
Cable (Josh Brolin) llega a un lugar remoto,
elimina a dos pueblerinos. El de la derecha es
Alan Tudyk y está allí para distraerte del tipo que
interpreta al pueblerino #1. En los créditos
aparece como Dickie Greenleaf, pero EMPIRE
conirma que es Matt Damon. “Fue un secreto
muy bien guardado”, ríe Wernick. “¡Hay quienes
no saben que está en la película!”. Ya no más.
00:59:43
EL VANISHER APARECE __ “Nunca vimos
a The Vanisher en nuestro borrador”, explica
Wernick, “pero pensamos que sería un cameo
perfecto”. Y así lo comprobó con Brad Pitt, un
actor clase A que ha transitado por Marvel y DC,
apareciendo por dos electrizantes segundos
como otro miembro de X-Force con mala suerte.
“Ryan lo llamó y él dijo que sí fácilmente. Un café
fue la negociación”.
01:48:49
REGRESA EN EL TIEMPO __ Deadpool
usa una chunche para matar al proto-Deadpool
de X-Men Origins: Wolverine y a Ryan Reynolds
mientras lee el guión de Green Lantern.
“Queríamos divertirnos con eso”, termina Wernick.
“Ryan ama divertirse con sus elecciones
—buenas o malas—”, agrega.
DEADPOOL 2 ESTÁ EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.
 Dale la
vuelta al
cassette
Steven Soderbergh regresa
al principio de donde
comenzó todo: Sex, lies,
and videotape.
POR NEV PIERCE
“ES COMO RARO”, dice Steven
Soderbergh, sobre hablar de su ópera
prima 30 años después de realizarla y casi
15 desde que la vio por última vez para un
relanzamiento. Una nota en este nuevo
disco te pide destruir las copias
anteriores. Remasterizada y remezclada,
la edición Criterion Collection es una
Sex, lies, and videotape tan actual y
elegante como siempre se le ha visto.
Obra de cámara íntima acreditada
con reiniciar la producción
independiente en Estados Unidos, ganó
la Palma de Oro en 1989, causando que el
director de entonces 26 años revelara:
“Bueno, supongo que todo es de bajada
desde aquí”, lo cual no ha resultado ser el
caso, pues ganó el Oscar a Mejor director
por Traffic en 2001 y aún nos deleita con
realizaciones prolíficas y sobresalientes.
110 OCTUBRE 2018
Sin embargo, al volver adonde inició todo
se percata de que todo pudo salir mal. “Lo
veo ahora y me doy cuenta de que si
alguno de los actores no hubiera estado
siguiendo el compás de manera precisa,
todo hubiera colapsado”.
James Spader interpreta a un
solitario de ojos tristes que se excita
grabando a mujeres hablando de sus
experiencias sexuales. Visitando su lugar
de nacimiento, se queda con su amigo
John (Peter Gallagher), quien tiene un
romance con Cynthia (Laura San
Giacomo), hermana de su esposa Ann
(Andie MacDowell). “Hay algo al respecto
de ella. Te jala a lo largo de la película”,
comenta Soderbergh sobre la modelo
convertida en actriz cuya carrera fue
transformada por ese papel. “Parecía la
persona menos hip en la cinta, la que no
percibe todas las partes involucradas y,
sin embargo, hay un momento cuando
finalmente se da la vuelta y lo hace con tal
compasión que te hipnotiza”.
Es cierto: viendo el filme de nuevo
(y de nuevo), hay una calidez aquí que te
sostiene de manera que producciones
agudas similares de las políticas sexuales
no tienen —digamos, Carnal Knowledge,
Graham (James
Spader), demasiado
cerca de la esposa de
su amigo, Ann (Andie
MacDowell) / Ann
también es
camarógrafa / que fue una inspiración—. “Dentro de 10
Cynthia (Laura San años podría pensar otra cosa, pero esta
Giacomo) es hermana vez sentí que ella era en realidad como el
de Ann / Steven corazón de la trama”, expresa el director.
Soderbergh A finales de los 80 Soderbergh era, si
en el set con Spader no inconsciente, al menos sí muy relajado
y San Giacomo. sobre cómo debía comportarse la
película. “En mi mente sería una tarjeta
de presentación más que algo que
resultaría tan bien”. Ahora sabe que un
drama que consiste sobre todo de escena
tras escena de gente hablando era muy
precario. “Pero lo que es interesante
reconocer o entender es que he regresado
una y otra vez a esto de tener a dos
personas en una habitación. Es
claramente algo que me atrae mucho”.
Reflexionando sobre ello, cree que quizá
sea por largometrajes que vio a una edad
formativa, pero también por “ser el tipo
de testigo que ve el matrimonio de sus
padres disolverse gradualmente. Y todo
eso ocurría fuera de la pantalla. Muy
pintoresco. Tenía que tratar de descifrar
para mí mismo qué ocurría entre ellos a
puertas cerradas”.
Después de su estreno se especuló
mucho sobre qué tan autobiográfico era
el material. Pero aunque Soderbergh no
tenía censura emocional en el libreto, no
tomó claves específicas de su propia vida.
“La meta es que tomes tus experiencias y
las conviertas en algo que es mejor, más
elevado y más dramático que todo
aquello que te ocurrió a ti”.
Estos días Steven no escribe los
guiones de sus propios títulos —pues
prefiere trabajar con un escritor—, pero
EMPIRE le pregunto cómo sería una
secuela de Sex, lies... si de verdad tuviera
que realizarla. “Creo que trataría de sus
hijos. El primer lugar al que iría sería al
personaje de Andie, quien ahora tiene
una hija que se mete en relaciones que
parecen autodestructivas. ¿Cómo lidia
ella con eso entonces?”.
La mayoría de los clásicos deberían
ser dejados por la paz, pero esa noción de
hecho suena intrigante, reconsiderando
las ideas originales sobre la intimidad y el
ser visto en la edad de la superansiedad y
las redes antisociales.
Mirando ahora a Sex, lies, and
videotape aceptamos que es erótica, pero
resulta más bien modesta, a pesar de su
sugerente título. Hay de hecho poco sexo
y nada de desnudezen absoluto. “Creo
que el título, que es clave en la vida del
filme y su éxito comercial, tenía que ver
más con la provocación”, amplía
Soderbergh, reflexionando en que la
combinación de palabras le permitió una
ambigüedad que ayudó a despertar el
interés de la gente sin ser demasiado
descriptivo. “Tenemos algo que era
intrigante, pero que no sugería algo
demasiado específico. Estaban
interesados pero no tenían idea de
qué iban a ver”.
No le vendría mal una Soderbergh escribió un diario en esa
podada a ese época, publicado con el guion de rodaje
caballero... / ... o a su en 1990, el cual resulta una lectura
enredadera. fascinante para cualquier aspirante a
cineasta o cinéfilo, y no sólo porque
además muestra los estrechos márgenes
entre el triunfo y el desastre. Incluye
también una lista alternativa de títulos
que consideró para la película:
46.02
8 Millimeter
Charged Coupling Device
Retinal Retention
Mode: Visual
Hidden Agendas
¿Cuán diferente cree el cineasta que
habría sido su carrera si hubiera elegido,
digamos, Mode: Visual? Se ríe.
“Probablemente yo te estaría
entrevistando a ti”.
SEX, LIES, AND VIDEOTAPE ESTÁ
DISPONIBLE EN BLU-RAY.
OCTUBRE 2018 111
 Clases
de piano
La guionista y directora Jane Campion relexiona por
los 25 años del drama erótico ganador del Oscar, The Piano.
POR TERRI WHITE
THE PIANO TENÍA todas las
características de un sueño febril. Un
drama virtuoso de una realizadora de
treinta y tantos quien sólo había dirigido
dos películas modestas hasta entonces.
Ubicada en la Nueva Zelanda del siglo
XIX, la historia trata de una madre muda
(Holly Hunter como Ada) y su joven y
precoz hija (Anna Paquin como Flora) en
una lucha contra el patriarcado en una
época de matrimonios arreglados y
represión sexual. The Piano ganó la
Palma de Oro y tres Oscar y convirtió a
Campion en una de las directoras más
significativas de la noche a la mañana.
25 años después, la neozelandesa vuelve
al filme que le cambió todo —profesional
y personalmente hablando—.
¿Qué te inspiró a escribir The Piano?
Estaba obsesionada con George Eliot
y las hermanas Brontë —en particular
con Emily—.
¿Así empezó el personaje de Ada?
Bueno, la idea era un triángulo amoroso.
Y de hecho, era mucho más que eso
porque eran Ada, su piano, su esposo
y Baines.
¿Cuándo se subió a bordo la
productora Jan Chapman?
Muy al principio —le mostré el esbozo—.
Y ella sabe cómo... bueno, yo nunca he
intentado jugar con el ego de los tipos
para que hagan algo por mí. Ella no tenía
problema con eso. La adoro porque sabe
cómo realizar el viaje contigo.
¿Y qué hay de encontrar a Holly
Hunter? En tu guion era alta y oscura.
112 OCTUBRE 2018
Lo era. Janet Patterson era la diseñadora
de vestuario y una amiga cercana
—falleció hace un par de años y eso nos
devastó— pero Janet era una de las
mujeres más hermosas que he visto, y
muy fuerte. La cara más hermosa, 1.75 de
estatura y pensé que era mi modelo para
Ada. Y después me contactó el agente de
Holly y pensé: “Es una gran actriz, pero
mide uno cincuenta y tantos”. Su agente
fue muy persistente —Holly leyó la voz en
of y me dio una cinta diciendo: “Esta soy
yo tocando el piano. He tocado muchos
años”—. De inmediato me resultó obvio
que se comunicaba con los ojos, y si no
iba a hablar, necesitabas eso. Y aunque no
fuera convencionalmente la mujer más
hermosa que conocimos, su tipo
particular de belleza te hacía mirarla.
Y es una mujer con la que no quieres
meterte en absoluto.
¿Cómo fue tu colaboración con
Michael Nyman para la música? Dijo Amé todo eso. Janet me dijo que la ropa
que básicamente lo encerraste en una interior que usaban no estaba unida en la
habitación de hotel y no lo dejaste entrepierna. Eso es como sexy. Muchas
salir hasta que la terminara. capas y bajo todas ellas están
¡Como si hubiera podido hacer eso (ríe)! completamente desnudos.
No quería interrumpir su proceso, pero lo
que sí hice —y quizá sea a lo que se ¿Y cómo funciona eso en la
refiere— es que cuando me indicó: “Voy a articulación del deseo —está la
conseguir música escocesa y piezas famosa escena que sólo muestra
antiguas y a trabajar a partir de eso. ¿Qué un cuadro de piel—?
opinas?”, le respondí: “¿Podrías no Creo que el deseo y la sexualidad tratan
hacerlo como lo haces con la música para de la atención, una muy enfocada. Y la
Peter Greenaway, con todos esos calidad de la atención. Harvey (Keitel)
acordes fuertes?”. es muy bueno con eso.
Mencionaste a Janet: el vestuario y Cuéntanos del casting de los hombres.
específicamente la ropa interior son Harvey de hecho disfruta el shock,
claves en la narrativa. sentirse vulnerable. En verdad que tenía
la sensación de ello. Creo que fue por el
momento que atravesaba: acababa de
terminar con su esposa y estaba muy
dañado. Lo conocí en Los Ángeles —yo
soy neozelandesa y nosotros no
mostramos emociones—, estábamos
sentados frente a una mesa y él estaba
llorando. Cuando entrevistaba a actores
en Nueva York llamé a uno Harvey
y pensé que eso era una señal.
¡Para ellos también, quizás!
Sí. Llamé a Harvey y le dije: “Me
encantaría verte interpretar este papel,
pero tú tienes mucha experiencia y yo soy
una directora joven, así que, ¿cómo
vamos a trabajar juntos considerando
que yo quiero estar a cargo de la visión?”,
y me respondió: “¿Qué tal si me das la
oportunidad de mostrarte mis ideas y si
tú tienes otra idea diferente, prometo
poner todo mi empeño en eso”. Y lo
cumplió de esa forma.
Ada (Holly
Hunter), su
¿Cómo encontraste a Anna Paquin?
piano e hija Flora
Es un papel muy demandante para una
(Anna Paquin)
actriz joven. Anna vino con su hermana.
llegan a las
Cuando llegaron las cintas, Diana
costas de su
(Rowan, agente de casting) señaló: “Creo
nuevo hogar en
que hay alguien muy especial. No voy a
Nueva Zelanda /
decirte quién es, sólo mira”. Y a mí me
Ada con su nuevo
pareció genial porque creía que iba a
esposo, Alisdair
tener que cambiar el guion para hacerlo
Stewart (Sam
más fácil. No sabía si alguna de las chicas
Neill) / La
podría hablar con acento escocés y
directora Jane manejar todas estas ideas complicadas y
Campion en las fabulaciones del personaje de Flora.
locación con Pero ahí estaba esa niñita, hermosa y con
Anna Paquin / El una concentración tremenda, contando
simpatizante de esta historia y era perfecta. Así de
los maoris sencillo. No la dirigí para nada.
George Baines
(Harvey Keitel). ¿Qué recuerdas de Cannes?
Lo de Cannes es mejor en retrospectiva
(ríe). Es tan complicado y te cae de lleno...
Si algo es emocionalmente muy cargado,

OCTUBRE 2018 113


tiendo a apagarme, y ciertamente lo hice
y como que lo navegué nada más. Encima,
estaba muy embarazada en ese momento
y tuve la tragedia de perder a ese bebe
poco después. El bebé nació, Jasper, y
vivió menos de un día, así que por
supuesto fue el mejor y peor momento de
mi vida. Tenía 40 años y no creí que
podría tener otro niño, así que fue
terrible. Realizar una película y tener un
bebé que muere son dos cosas
extraordinariamente diferentes. Habría
dado lo que fuera por tener al pequeño y
no la cinta, ¿sabes? En ese y en cualquier
momento. Yo era una mujer que se
enfrentaba a ello y es muy difícil, con
nuestros relojes biológicos y todo lo que
queremos en nuestras vidas, tanto en lo
familiar como en lo profesional. Ahora
114 OCTUBRE 2018
diría que fue algo muy, muy Los amantes que apenas recordaba. Todavía tenía una
difícil y doloroso, pero seguirán fuerza y frescura sorprendente. Eran las
siento que me cambió de la aprendiendo cosas que di por hecho en su momento
mejor manera posible. a tocar / Baines —contar la historia desde el punto de
Creo que después de esa le hace saber sus vista de una mujer—, lo que fue increíble
experiencia comprendí lo deseos a Ada pero es muy raro. Sobre todo, desde el
que es el sufrimiento, de verdad que sí. Te mientras ella punto de vista erótico de una mujer con
hace parte de un lado especial de la toca... / ... y respecto al deseo femenino.
humanidad, de quienes de verdad descubre un hoyo
entienden qué es el dolor. Es algo muy en las medias de Sobre el final, una vez dijiste que
importante para mí ahora. Tuve suerte Ada / El nuevo lamentabas no haber dejado que Ada
porque seis meses después estaba dedo de metal de se ahogara...
embarazada y nació mi hija Alice. Me di Ada, hecho para Sí, pero no sé ahora. Después de verla de
cuenta después de salir de la niebla que ella por Baines, le nuevo me alegra que esté viva.
estaba completamente devastada por el permite seguir
dolor y que mi vida había cambiado como tocando el piano ¿Cómo decidiste que terminara
realizadora. Ganar la Palma de Oro / Stewart, el de esa forma?
modificó todo, y después ganar tres Oscar esposo de Ada, Tenía una terquedad que era poderosa,
fue asimismo extraordinario. se pone guapo. quería que llegara a un sitio donde
estuviera casi muerta y pensara: “No
Luego de 25 años, el filme debe tengo que ser definida por no hablar.
representar emociones muy Puedo cambiar eso y tener una vida”.
complejas para ti.
Sí. Recién por el 25º aniversario de su THE PIANO ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
estreno, me sorprendió ver una película BLU-RAY Y DESCARGA.
 EFECTOS SECUNDARIOS
Redes
A tu colección de películas
le urge este título del cine
mexicano dirigido por
Emilio Gómez Muriel
y Fred Zinnemann.
POR ANAID RAMÍREZ
SE VE Y OYE A MAR
Una de las mayores virtudes de este
drama mexicano —denominado como
docuficción— que denuncia las
condiciones laborales de los pescadores
veracruzanos en 1936, fue la fotografía
de Paul Strand. El neoyorquino se
encontraba en nuestro país para tomar
algunas fotografías cuando por azar llegó
al proyecto de Emilio Gómez Muriel,
por lo que Redes se convirtió en el debut
de Paul como cinefotógrafo. “Es Paul
Strand quien primero orienta la estética
del cine mexicano, con sus equivalencias
del paisaje fisonómico y el paisaje
natural, con su serie de transfiguraciones
de la vida cotidiana”, relató Carlos
Monsiváis en un texto que publicó
en 1978. Pese a ser un principiante de la
imagen en movimiento, el trabajo de
Strand fue lo que más se alabó de esta
cinta, al igual que las composiciones del
notable Silvestre Revueltas.
El trabajo de Revueltas no fue menor.
Gracias a sus aportaciones a este
proyecto, al que llegó para sustituir a
su colega Carlos Chávez, quien no pudo
unirse a Redes por sus compromisos
administrativos —en ese momento era
director del Departamento de Bellas
Artes de la Secretaría de Educación
Pública—, Revueltas saltó a la fama
mundial. El compositor trabajó
agudamente sus partituras para enfatizar
los efectos que requería el guion, ya que
no hay diálogos en la cinta. Fue su primer
trabajo en el séptimo arte y el resultado
propició que su música acompañara otras
cintas, como ¡Vámonos con Pancho Villa!
MANITA DE (PEZ) GATO
Tal es la importancia narrativa y visual
de esta producción mexicana que el
cineasta Martin Scorsese la consideró
como “testimonio cinematográfico
del mundo”, razón suficiente para que
Los pescadores decidiera rescatarla y restaurarla en la
protagonistas de Cinemateca de Bolonia, Italia, a través
esta docuicción. de su organización World Cinema
Foundation. Gracias a esta pimpeada
hecha en 2007, la cinta se sigue
mostrando alrededor del planeta a poco
más de ocho décadas de su estreno.
La versión restaurada se ha exhibido en
México en algunas ocasiones, como en el
49º aniversario de la Filmoteca de la
UNAM y para conmemorar los 70 años
de los Estudios Churubusco.
DE COLECCIÓN
Esta joya del cine mundial figura en
The Criterion Collection como parte del
paquete Martin Scorsese's World Cinema
Project, en donde comparte disco con el
filme senegalés Touki Bouki. En la página
de la famosa distribuidora de video, la
cinta de Gómez Muriel y Zinnemann
se define como “un singular encuentro
de talentos encargado por un gobierno
mexicano progresista” y que fue “escrito
y magníficamente fotografiado por el
legendario fotógrafo Paul Strand”.
REDES ESTÁ DISPONIBLE EN DVD.
OCTUBRE 2018 115
 El culto a
la vampira
Hace 40 años se estrenó la obra maldita de Juan López
Moctezuma: Alucarda, la hija de las tinieblas.
POR LALO ORTEGA
DEFINIR A QUÉ DIABLOS
se refiere la expresión “cine de culto”
es parte de su encanto. Se suele aplicar
a películas que, por unos azares u otros,
han sido salvadas del averno de la
memoria muchos años después de su
estreno original. Aunque esto nos deja un
espectro todavía muy amplio. Si fue
veneno de taquilla y entonces parecía
condenada al cruel olvido, suena a que es
de culto. Si en su momento fue rechazada
por su estética o temas transgresores,
también lo es. ¿Tiene una dedicada base
de seguidores, por pequeña que sea?
De culto será.
Si lo anterior fuera una lista,
Alucarda, la hija de las tinieblas habría
palomeado todos los requisitos. Si por
algo destaca —motivos no le faltan para
hacerlo— es por el seguimiento que ha
inspirado. Mi primer contacto con ésta,
la obra cumbre de Juan López
Moctezuma, no fue con la cinta en sí, sino
con un subproducto de su adoración.
Como si me ofrecieran drogas
clandestinas en mi cineclub de confianza,
llegó a mis manos un DVD de Alucardos:
retrato de un vampiro, documental de
2011 que a punta de entrevistas
y dramatizaciones reconstruye el mito
alrededor de Alucarda, el infame destino
de su creador y la devoción de dos
muchachos por la cinta de 1978.
Es decir, este año la pesadilla
vampírica de Moctezuma cumplió cuatro
décadas de haberse proyectado en
México por primera vez, y ya ha sido
116 OCTUBRE 2018
objeto de un documental, un libro,
retrospectivas internacionales y un
reconocimiento a su protagonista, Tina
Romero, otorgado por el Festival
Macabro (que atinadamente lo bautizó
como el Premio Juan López Moctezuma).
Y eso es sólo por mencionar algunas
alabanzas hacia esta obra.
Pero la adoración no se vislumbró en
sus inicios. Luego de su estreno en enero
de aquel año, el filme apenas duró dos
semanas en cartelera. Su contexto y los
temas que abordaba fueron el caldo de
cultivo perfecto para un rechazo
generalizado entre público y críticos,
quienes enviaron a Alucarda a su
temprana tumba.
Satanismo, aquelarres, erotismo
lésbico y muerte son algunos de los
pasajes retratados en el largometraje. Es así como Alucarda oscila entre
La historia es sobre la atracción entre dos su estatus de “incoherente” y “visceral
chicas adolescentes y huérfanas que y grotesca” —calificativos que le asignó
viven en un convento católico; ahí son el crítico Jorge Ayala Blanco en su
seducidas por las fuerzas de Satanás momento—, y de una obra que aborda
y desatan posesiones demoniacas con un el horror, en palabras de Guillermo
desenlace iconoclasta en el que arden del Toro, con la visión fresca de un ávido
monjas y cruces por igual. Tranquila lector y cinéfilo conocedor de las
la cosa. tradiciones literarias. Sería difícil
Para el guion, Moctezuma se inspiró encontrar más contrariedad en una
vagamente en Carmilla, texto pionero de misma pieza.
la literatura vampírica, de Joseph Mirándola en la actualidad, con ojos
Thomas Sheridan Le Fanu. Resulta que habituados a imágenes más radicales en
el también locutor de radio era un televisión cualquier día de la semana,
anglófilo que, en su brillantez Alucarda parece tener pocos elementos
autodidacta, aprendió inglés gracias para alarmarse, aunque se entiende
a los cómics, además de ser versado el repudio de una sociedad que, aún a 40
en el romanticismo del siglo XIX. años de distancia, tiene la religión tan
arraigada en la mente como el maíz en
la dieta habitual.
Su ecléctica idiosincrasia la convertía
en una fantasía difícil de asimilar y situar
en espacio y en tiempo. Producida entre
el Desierto de los Leones y los Estudios
América de la capital, la trama de hecho
fue rodada en inglés con posterior
doblaje al español. El vestuario parece
más del siglo XIX, salvo por las monjas
con aspecto de momias andantes, aunque
los diálogos nos ubican en 1750. Hay
pocas cosas más setenteras que los
sintetizadores de la banda sonora,
mientras que los sets barrocos,
fotografiados al claroscuro, parecen
evocar la pintura romántica.
Desde siempre, la amalgama fue
mejor apreciada en Europa. Allá se
proyectó en el 10º Festival de Sitges
—antes de estrenarse en México—
y obtuvo una nominación. En la edición
de 1991 de dicho festival, Alucarda
El tétrico póster
resurgió de las tinieblas cuando formó
de Alucarda con
parte de una retrospectiva de cine
su protagonista de horror mexicano, mientras acá
en primer plano / permanecía olvidada. Sólo hasta el
Pacto con el rescate de la producción por parte de los
diablo / Alucarda ingleses de Mondo Macabro, para
(Tina Romero) editarla en DVD, y el homenaje a
lanzándote unas Moctezuma en el Festival Macabro 2004,
miraditas que dan logró ser revalorada.
miedo / A Justine En su momento se pensó en una
(Susana Kamini) secuela: Alucarda regresa de la tumba,
no le gustan las un título apropiado para el tardío
dietas veganas. segundo aire de la obra de Juan López
Moctezuma. Sin embargo, el cineasta
sucumbió a la depresión y el Alzheimer
en 1995 —se habla de que terminó en una
clínica sometido a electroshocks—,
mucho tiempo antes de que el inesperado
culto le otorgara algo parecido a la
inmortalidad vampírica.
ALUCARDA, LA HIJA DE LAS TINIEBLAS ESTÁ
DISPONIBLE EN DESCARGA DIGITAL Y DVD.
OCTUBRE 2018 117
 OBRA MAESTRA EMPIRE
Santo y Blue Demon en
el mundo de los muertos
Con esta cinta, Santo
y Blue Demon consolidaron
lo que hoy se denomina
“universo expandido”.
POR JESÚS CHAVARRÍA
BIEN DECÍA LA CANCIÓN
de Botellita de Jerez: “Hay hombres que
luchan un día y son buenos; hay hombres
que luchan un año y son mejores;
hay quienes luchan muchos años y son
muy buenos... pero hay quienes luchan
todos los domingos: esos son los chidos”,
y el máximo representante de todos ellos,
Rodolfo Guzmán Huerta “Santo,
el Enmascarado de Plata”, se lanzó
en plancha desde el cuadrilátero para
conquistar el cine y las historietas
aplicando “la de a caballo” —llave que
hizo suya pero que fue creada por Gory
Guerrero—, con un vestuario
118 OCTUBRE 2018
que implicaba mallas y capa, sin olvidar
un primoroso convertible Plymouth
Valiant como vehículo.
Sin embargo, por encima de todo
eso, hubo algo que terminó por
redondear el concepto del personaje
y provocó que se arraigará en lo más
profundo de la cultura popular mexicana,
despertando en el respetable más que el
simple gusto. Y es que desde su nombre
mismo ya era una peculiar interpretación
de la fe, “Santo”, un luchador
y aventurero al que, así como se le podía
ver en la pantalla grande o la televisión
derrotando criaturas malignas y usando
hasta la llave de cruz del auto como
símbolo religioso, también se le
observaba postrarse ante un altar
dedicado a la Virgen de Guadalupe antes
de subir al ring para enfrentar a los más
rudísimos rivales.
Las connotaciones religiosas son
inherentes, pero hay un filme en el que
alcanzan los más disparatados niveles.
Nos referimos a Santo y Blue Demon Con este póster se
en el mundo de los muertos, que fue publicitó Santo y Blue
dirigida por Gilberto Martinez Solares. Demon en el mundo
Y vaya que es una curiosidad. de los muertos.
Escrita por Rafael García Travesí
y Jesús Sotomayor Martínez, la historia
transcurre a dos tiempos: en el México
colonial de 1676 y el de la década de 1970.
De entrada vemos cómo, quien es
conocido como el Caballero Plateado,
asiste a la ejecución de una bruja de cuya
captura es responsable, en un macabro
evento presidido por los más altos
representantes de la Santa Inquisición.
Así es: nada más extravagante que
ver al antepasado del legendario Santo
vestido como para representación teatral
de Don Juan Tenorio: con capa, botas,
florete y, por supuesto, su respectiva
máscara. Pero lo más llamativo
e interesante es la abierta militancia
del héroe dentro de las filas de una
de las instituciones más oscuras
y polémicas de la iglesia católica,

algo que, según la trama, también hacía
el Caballero Azul hasta que, por
desgracia, se dejó seducir por el lado
del mal y se pasó a las huestes infernales.
Lo primero, sin duda, es el claro
reflejo de una visión religiosa
conservadora, y lo segundo, una muy
adecuada forma de aprovechar
la naturaleza del personaje de Blue
Demon, quien viste como el paladín
caído en desgracia, y cuya aparición
además funciona como una especie de
crossover. Sin saberlo, esta colaboración
colocó al largometraje como una pieza
clave en la consolidación de lo que hoy
se denominaría como un universo
expandido… sólo que para el cine
de luchadores, hace casi 50 años
—¡tomen eso, DC y Marvel!—.
A lo anterior hay que agregar un
juego dramático que sirve bien para
acentuar las conexiones entre pasado
y presente, pues los actores —entre ellos
Pilar Pellicer, Carlos León y Guillermo
Álvarez Bianchi— llevan un doble papel;
interpretan tanto a los implicados en
la mencionada ejecución como a sus
descendientes, quienes serán
alcanzados por la maldición de la
vengativa servidora del demonio.
Es de ahí que parte todo el conflicto,
pues “El Enmascarado de Plata” de la
actualidad hará hasta lo imposible
por salvar a su chica, y a él mismo,
de tan terrible sentencia. Por ello lo
vemos enfrentarse con los peligrosos
ataques de los enviados del infierno
—incluyendo a su viejo aliado,
el Caballero Azul—, tanto abajo como
arriba del pancracio, en una serie de
secuencias con coreografías repetitivas
y descuidadas. Incluso atestiguamos
cómo es apuñalado en el pecho durante
una función de lucha libre, lo que por
cierto dio pie para que se incluyera en
el metraje material de archivo de una
operación a corazón abierto real,
dotándole así de un tono choqueante
muy cercano al gore.
Por supuesto, los objetos sagrados
son una presencia constante y, de nueva
cuenta, se convierten en armas letales;
como en la escena donde, para
ahuyentar a los enviados de la bruja,
el protagonista toma una cruz de
madera que cuelga de la pared, amén
de que el sacerdote descendiente de uno
de los inquisidores se convierte en su
más cercano colaborador durante la
aventura que le llevará a internarse
en el mundo de los muertos, en una
Santo como todo un especie de versión pesadillezca
Don Juan... Tenorio, y disparatada de las visiones del
por supuesto / Blue inframundo de la cinta Macario.
Demon preiere jugar Es ahí en donde recibirá la ayuda
a las coleadas. de Blue Demon cuando todo parece
perdido, y así su colega encuentra
la redención y salva su alma.
Es cierto que las incongruencias
están a la orden del día, igual que una
serie de lugares comunes propios del
cine de luchadores, pero es de llamar
la atención cómo al acomodar todo
dentro de una trama de aventuras con
aspiraciones de terror y un contexto
religioso que redunda de forma
involuntaria en un discurso
evangelizador recalcitrante que
al mismo tiempo redimensiona
a Santo y a Blue Demon, enriqueciendo
sus roles acostumbrados dentro de una
obra de insólito sincretismo.
SANTO Y BLUE DEMON EN EL MUNDO
DE LOS MUERTOS ESTÁ DISPONIBLE EN DVD.
DIEZ REGLAS
DE EMPIRE PARA
LAS BRUJAS
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
El cine tiene reglas para hacerse y para
verse; EMPIRE enlista 10 cada mes.
1. Origen. El inicio de las brujas es
incierto, pero si quieres ser una, lo serás.
2. Pequeñas malditas. Las más
chiquitas siempre son adorables, parecen
muñequitas, pero por como se ven
las brujas viejas, debe ser un trabajo
muy desgastante físicamente.
3. WILFs. Las brujas de mediana
edad, sin embargo,
son arrebatadoramente atractivas.
4. The nun. Las brujas son como
monjas porque son las novias de Satanás,
aunque son menos propensas al coraje
y al pellizco de pulguita.
5. Superpoderes. Al parecer, las
brujas tienen poderes ilimitados, vuelan y
se convierten en bichos. Hacen de todo.
6. Magia blanca. Se supone que hay
brujas buenas, que son hermosas
y ayudan a la gente, aunque siempre
alguien las rechaza... pues por ser brujas.
7. Instinto maternal. Las brujas
y los niños tienen una relación especial:
ellos les temen y ellas los convierten en
ratones, les chupan la sangre, se los
comen o los muelen para hacer brujerías.
8. Cacería de brujas. La envidia
provoca la dichosa “cacería de brujas”:
si mi ex me caía mal y yo vivía
en Salem en 1692, bastaba con decir que
la vi platicando con su cabrita mascota
para que se la llevaran y la quemaran viva.
9. No era bruja, qué bueno y que
en paz descanse. No bastaba con
señalarlas. Unos sacerdotes revisaban
cada parte del cuerpo de las acusadas para
encontrar las marcas del diablo; luego las
metían al río amarradas a un poste y, si no
se ahogaban, eran brujas; si sí, pus no.
10. Brujas, mis tías.
Los rasgos ligados a la brujería son
el odio, la envidia, el chisme, la
maledicencia, el maltrato a los niños... en
fin, no sólo en el cine salen para asustarte.
OCTUBRE 2018 119
 EL CRÍTICO EMPIRE
MUSEO
Seguimos con la mira en
el cine mexicano gracias a
la calidad de esta cinta.
POR ÓSCAR URIEL
HACE ALGUNOS AÑOS tuvimos
oportunidad de observar una de
las ópera primas mexicanas más
originales y disfrutables de los últimos
años bajo el título de Güeros, una roadtrip
por la Ciudad de México filmada en
blanco y negro con una exquisita puesta
en escena a la nouvelle vague cargada de
ironía y sarcasmo cuyo marco era una
huelga universitaria. Por cuestiones de
mera casualidad fuimos testigos de su
presentación dentro de la programación
del Festival Internacional de Berlín de
2014. La respuesta no pudo ser más
satisfactoria y halagadora. Alonso
Ruizpalacios salía de la Berlinale
120 OCTUBRE 2018
convertido en uno de los directores a
seguir y en una de las voces más
novedosas del cine nacional.
Cuatro años después llega Museo
(apuesta aún más ambiciosa que Güeros),
la cual deriva en un atípico thriller
cargado de sentido del humor y basado en
uno de los atracos más extraños de la
historia de México. La noche de Navidad
de 1985, el Museo de Antropología sufrió
el robo de 140 emblemas mayas y aztecas,
y todo indicaba que había sido un
sofisticado saqueo. Sin embargo, ante la
sorpresa del país, expectante en conocer
la identidad de los ladrones, los
saqueadores terminaron por ser dos
jóvenes de Ciudad Satélite.
La tesis de la cinta termina por ser
fascinante: ¿qué sucede en la cabeza de
quienes visitamos los museos en plan de
espectadores? ¿Que nos motiva a
cometer este tipo de actos? Juan (Gael
García Bernal, espléndido, como es su
costumbre) y Wilson (el carismático
Leonardo Ortizgris), interpretan a un par
de estudiantes de veterinaria que parecen
estacionados en la carrera sin el menor En lugar de robar
interés de titularse, algo que solicitan sus el MNA, Juan
respectivos padres con vehemencia. y Wilson debieron
Ambos pertenecen a familias de ser guías de zonas
la clase media trabajadora y son arqueológicas.
personajes coloridos y excéntricos,
manifiestan abiertamente sus ideas
opinando practicamente de todo en
la mesa: desde asuntos de política
internacional hasta sus respectivos temas
personales. Un buen día Juan tiene una
idea, y Wilson —el típico amigo devoto
que parece no cuestionarle nada al
compañero— decide seguirlo en la hazaña
de robar el célebre museo durante la
celebración de plena Navidad.
Lo atrayente de la circunstancia que
plantea Ruizpalacios es que el espectador
no esté por completo seguro del móvil
por el cual los protagonistas deciden
cometer el hurto, mismo que fue
realizado sin contar siquiera con
compradores de piezas arqueológicas
previamente pactados. El plan era tan
descabellado como la eficacia con la que
se concretó y, visto desde lejos, daba

la impresión de haberse ejecutado por
dos expertos en la materia. Pero no: eran
sólo dos estudiantes de Satélite atrapados
en el aburrimiento y en el sinsentido de
la vida que se niegan a dar el paso a
la propia adultez.
Desde un inicio, el director plantea
que se trata de una versión trama “réplica
de la original” con la intención de
ofrecernos una versión lúdica e
irreverente de lo acontecido en verdad.
Al igual que en Güeros, Ruizpalacios
emprende en conjunto con sus
protagonistas un viaje físico y emocional
con apariencia de una prueba
contradictoria, pero a medida que se
desarrolla, reconocemos que aborda
asuntos como la inmadurez provocada
por un país con escasas oportunidades
para sus habitantes o lo abrumador de
la expectativas que los padres de familia
de clase media ponen en sus vástagos.
Ruizpalacios sigue explorando en
el tono tragicómico visto en Güeros, pero
—paradójicamente a sus protagonistas—
denota una mayor madurez, amén de
la ejecución de su exquisita puesta en
escena, respaldado por la dirección de
cinematografía de Damián García.
Por otro lado, llama la atención que
en una producción tan mexicana como
puede ser Museo se cuente con la
presencia de un elenco internacional que
va desde el chileno Alfredo Castro hasta
el británico Simon Russell Beale, pasando
por la argentina Leticia Brédice, y no se
sienta como un pretexto para llamar la
atención de la audiencia fuera de México,
ya lo comprobarás. Contrario a ese
pensamiento, el director realiza una
película por demás chilanga sobre dos
chavorrucos cuya intención al robar
el Museo Nacional de Antropología
simplemente haya sido un acto para
llamar la atención, gritar nada más:
“¡Aquí estamos!”, en medio de una
metrópoli que parece estar ahogando a
sus propios habitantes.
MOVIE SHOTS
SERIE: HOW I MET
YOUR MOTHER (2005-2014)
SHOT: THE ROBIN
SCHERBATSKY
A VECES RECORDAMOS a las
décadas como si en lugar de tiempo
representaran un espacio y sus
personas fueran extraterrestres con
características especíicas y una
atmósfera única para cada uno.
Entonces, la gente de los 90 tenía
Friends para ubicar las vidas que
desearían tener al rendirle un culto
exagerado a la supericialidad en
las relaciones y volviendo aspiracional
el estilo de vida de los solteros de
Nueva York.
La gente de los dosmiles sólo tuvo
una copia de Friends llamada How I
Met Your Mother, que resultó casi
de inmediato exitosa dada la
necesidad que cada década/planeta
tiene de llenarse de mentiras acerca
de la vida a cierta edad.
El éxito de HIMYM se debe,
en esencia, a que está escrito
extraordinariamente y al ensamble
de actores que sostuvieron su premisa
a lo largo de nueve temporadas.
Su cómico análisis de la naturaleza
humana los llevo a generar todo tipo
de impacto en la cultura con sus
running gags.
Deja que EMPIRE sea
tu bartender.
tragos de película
sin moderación.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
Otra similitud de la serie con su
inspiración noventera es que pasaban
su tiempo en el negocio de abajo de su
ediicio. En Friends era el aburrido café
Central Perk; en HlMYM fue el
McClaren’s Pub y, justo ahí, luego de
sorprender a todos con su elaboración,
el dueño decidió llamar a su nuevo y
peligrosamente dulce trago The Robin
Scherbatsky (en honor al personaje de
Cobie Smulders) y ponerlo de forma
permanente en el menú.
INGREDIENTES:
Ron de coco
Licor de durazno
Vodka de vainilla
Licor de crema de fresa
Jugo de arándano
Azúcar
Cerezas al marrasquino
CÓMO HACERLO:
Mezcla los ingredientes en la licuadora,
excepto las cerezas. Sírvelo en un vaso
hurricane, decora con las cerezas y usa
un popote divertido.
OCTUBRE 2018 121
 HISTORIA
DE UNA
TOMA

THE APARTMENT
POR IAN FREER

SI LOS HÉROES CANTADOS de The Apartment son el

guionista y director Billy Wilder, el coguionista I.A.L. Diamond
y un elenco perfecto, el héroe no reconocido es el director de
arte, Alexandre Trauner. El genio húngaro de la investigación
meticulosa y los detalles intrincados se muestra en la
impresionante toma de C.C. ‘Bud’ Baxter (Jack Lemmon) en su
escritorio (el número 861) en Consolidated Life Insurance,
donde él se queda hasta tarde porque le prestó su departamento
a sus superiores para sus encuentros extramaritales, esperando
que así le den un ascenso.
La toma se inspiró en un set similar del clásico mudo de
King Vidor, The Crowd, otra mirada del efecto deshumanizante
del estilo actual de trabajo y una de las favoritas de Wilder.
El set se creó en el Estudio 4 de Goldwyn Studios y se llenó
con 2.5 millones de dólares de equipo de oficina de IBM,
media hectárea de piso de linóleo y un techo de aluminio.
“El espectador simplemente llena el trasfondo por su cuenta
y se concentra en el primer plano”. Sin embargo, el set
sólo medía 40 m2. Se necesitó de la genialidad de
Trauner para que pareciera un infierno corporativo
kafkiano, usando trucos de perspectiva para crear la
Datos clavados
ilusión de profundidad en un espacio confinado: 800 1_
escritorios grandes con hombres altos en primer plano, Otros títulos que se
200 escritorios más pequeños atrás y una escena consideraron para la
pintada en el fondo que se perdía en el infinito. película incluyeron
“Trauner era único”, explicó Wilder. “Creó esa ¿Quién duerme en mi
ilusión. Es entonces cuando hacer películas se vuelve cama? y Alguien ha
divertido, cuando la haces con espejos, como mago. estado durmiendo en
Sacas conejos del sombrero”. Respecto al momento mi cama.
en que la oficina está llena de empleados, Wilder le
decía a los entrevistadores que en los escritorios del 2_
fondo había nada más enanos. Eso es crear mitos, The Apartment dio
pero la verdad es igual de colorida: niños vestidos origen a una parodia
de traje y marionetas interpretaron a los empleados porno: Breast and
de Consolidated Life. Beyond (Pecho y más
Wilder describió trabajar en el set de la oficina allá), estelarizada por
como “una carrera de carrozas”, un guiño a Ben-Hur. Jon Dough, quien
Filmando en diciembre de 1959, el equipo técnico también protagonizó
completó el trabajo del set en un día y medio. Para otra porno inspirada
Wilder, la cinta se trataba de “cómo ascendías en la en Wilder: Some Like it
vida corporativa y te mantenías como buena persona, Big (A algunos les
conservabas tu humanidad no sólo hacia los demás gusta grande).
sino hacia ti mismo”. La fotografía Cinemascope
(de Joseph LaShelle) hace lo mejor para minimizar a 3_
Baxter como un hombre pequeño en un mundo grande. Sam Mendes estudió
El Estudio 4 de Goldwyn es ahora un The Apartment como
estacionamiento, pero el impacto del trabajo de preparación para
Trauner sigue en pie. Él ganó uno de los cinco premios American Beauty.
de la Academia a este filme por, aparentemente,
este set, convirtiendo una prisión de cromo y vidrio
en auténtico oro de Oscar.

THE APARTMENT ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y DESCARGA.

122 OCTUBRE 2018

OCTUBRE 2018 123
 El principio de certi-
dumbre de Heisenberg
En el 10º aniversario de Breaking Bad, el creador Vince Bryan Cranston
Gilligan recuerda de dónde viene el jefe criminal Heisenberg. y Aaron Paul /
Walter White y
Jesse Pinkman

8
Walter le dispara a Mike

GILLIGAN quería que el Sr. Chips, tan
benigno, se convirtiera en Scarface. “Eso
es todo lo que teníamos”. Y contaban
también con Bryan Cranston.
4
Walter deja que Jane (Krysten (Jonathan Banks).
Ritter) se ahoge. ‘SAY MY NAME’, TEMPORADA 5
‘MANDALA’, TEMPORADA 2 “El equipo técnico llevaba bandas negras
“Este fue el momento de la serie que en el brazo ese día. Fue duro porque estás
asustó tanto a la cadena de tele como al matando a uno de tus héroes”.

1
Walter (Bryan Cranston) ataca estudio. De hecho, asustó a los guionistas”.

9
al bully (Aaron Hill) que se burla Walt organiza 10 asesinatos

de Walter Jr. (RJ Mitte).
‘PILOT’, TEMPORADA 1
“Sí, esa es quizá la primera manifestación
de Heisenberg, mucho antes de que
a White se le ocurra el nombre”.
5
El discurso de Walt: “Yo soy en tres prisiones en dos minutos.
quien toca”. ‘GLIDING OVER ALL’, TEMPORADA 5
‘CORNERED’, TEMPORADA 4 “Ese fue escrito con maestría por Moira
“Así que cuando dice: ‘¿Con quién crees Walley-Beckett y dirigido brillantemente
que hablas? Yo no estoy en peligro... yo soy por Michelle MacLaren”.
el peligro’, se está mintiendo a sí mismo”.

2 10
Walter estrangula a Krazy-8 (Max El último adiós de Walter y Skyler.

Arciniega) con un candado de bici.
‘… AND THE BAG’S IN THE RIVER’,
TEMPORADA 1
“Cuando estábamos escribiendo este
episodio me dije: ‘No lo evadamos.
6
El lento zoom al lirio de los valles.
‘FACE OFF’, TEMPORADA 4
“Y después te das cuenta: ‘¡Eres una
mierda! ¡Envenenaste a un niño!’”.
‘FELINA’, TEMPORADA 5
“Sam Catlin dijo: ‘Creo que
en el momento en que Walter White sea
autoconsciente, se acaba la serie’. Y tenía
razón. Se acaba cuando Walt explica: ‘Lo

7
Para Walter esta es la consecuencia Walter deja que Todd (Jesse hice por mí. Me gustaba y era bueno
real de entrar al mundo criminal’”. Plemons) le dispare a Drew (Sam haciéndolo’. Esa es su despedida a su
Webb), el niño en la bici. familia. El acto final es un tiroteo, mucho

3
White rechaza a los Schwarzes
(Jessica Hecht y Adam Godley).
‘GRAY MATTER’, TEMPORADA 1
“¿Cuánto tiempo podíamos tener
a Walt justificandose? ”.
‘DEAD FREIGHT’, TEMPORADA 5
“No creo que a Walter le dé gusto lo de
Drew Sharp, pero lo ve como: ‘La mierda
ocurre, lo malo pasa, y esto ocurrió como
debía ocurrir’”.
drama y cine, pero termina cuando admite
que lo hizo para él mismo”. DAN JOLIN
BREAKING BAD ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
BLU-RAY Y DESCARGA.

124 OCTUBRE 2018

REALIDADES DE PELÍCULA
MR. MOORE
El documentalista que
ha hecho blockbusters
de los documentales.
POR SUSANA MOSCATEL
“HOW THE FUCK DID THIS
HAPPEN?”, se pregunta quien es
probablemente el documentalista más
famoso del mundo. Dudo mucho que
la pregunta requiera de una traducción,
pero considerando la cantidad de temas
duros que este hombre tlaquea con sus
producciones, quizá no está de más
aclarar que se pregunta: “¿Cómo carajos
ocurrió que tenemos a Donald Trump
de presidente?”.
Es una buena pregunta para muchos.
Para otros, si vemos Fahrenheit 11/9, nos
daremos cuenta de que no es la pesadilla
que varios consideramos. Pero si algo es
cierto, es que Moore sabe tomar
los temas más extremos de la vida
estadounidense y ha logrado, con humor,
hacer del formato documental lo que no
suele ser (por más extraordinarios que
resulten los trabajos): un blockbuster.
Empecemos por aclarar a los tres o
cuatro confundidos que piensan que ya
hizo una cinta con ese titulo. Esa era
Fahrenheit 9/11, cuyo nombre era en
homenaje a la novela de Ray Bradbury,
Fahrenheit 451. Ese filme hablaba de otro
presidente, de una dinastía de hecho:
los Bush y todos sus nexos con quienes
más adelante serían los enemigos del
mundo en el medio oriente.
Si bien es cierto que esa película
logró más de 222 millones de dólares en
taquilla, no logró lo que realmente se
buscaba: evitar la reelección de George
Bush unos meses después. Pero Moore no
se rinde y con su sentido de cínico humor,
ahora va por Trump. Si aún se preguntan
por qué el nombre de esta ocasión, es
muy sencillo. Será o no una ironía o señal,
pero este presidente fue electo el nueve
de noviembre. Una linda casualidad para
una serie de cosas aterradoras que tal vez
sabemos ya, pero que no hemos visto
presentadas de esta manera.
A Moore lo suelen acusar de
exagerar. Por ejemplo, a la derecha no le
ha parecido nada simpático que asegure
que Trump bien podría ser el último
presidente que tenga Estados Unidos.
Que se niegue a dejar el poder. Que acabe
con todo. Y sí, la grande: compara a su
presidente con Hitler. Considerando que
la gente del Führer fue quien perfeccionó
el “arte” del cine como propaganda
política, esto cobra dimensiones más
que interesantes.
Por supuesto que hablar de Michael
Moore siempre nos llevará a interesantes
discusiones. ¿Qué tan objetivo puede ser
alguien que ya decidió lo que quiere decir Donde Michael Moore
antes de empezar su investigación? pone el ojo, pone la
¿Alguien que sabe editar de una forma bala... y ahora apunta
tan brillante que puede narrar cualquier hacia Donald Trump.
cosa? Hay que tener estas cosas en cuenta
porque hoy en día solemos buscar nada
más la información que afirme lo que ya
creemos. Y vaya que Moore lo hace en
muchos casos. Pero no dejemos de ver las
trampitas que puede hacer en su
narrativa para demostrar su punto.
Michael Moore es un hombre que
cree firmemente en su trabajo, aunque no
siempre vea los resultados sociales que
quisiera. Sicko, por ejemplo, es una obra
maestra acerca de lo que es un sistema de
salud desmoronado. Y todo eso fue antes
de la batalla por el Obama Care, el
desmantelamiento del mismo y la falta
de algo para sustituirlo.
Y sí, el humor de este hombre es lo
que hace que sus producciones triunfen
en taquilla. Ahora la pregunta es, ¿podrá
el documentalista más visto del orbe
realmente afectar un cambio esta vez? Ya
vienen las elecciones de medio periodo.
Aquí se determinará si hay suficientes
congresistas (probable) y senadores
(improbable) como para quitarle la
presidencia a Trump. ¿Habrá funciones
gratuitas de este nuevo Fahrenheit 11/9
esos días, o ya llegamos al punto en que,
aunque nos demuestren las cosas de
forma entretenida, nadie va a cambiar de
opinión con nada? Veremos.
OCTUBRE 2018 125
 TOP 10 EMPIRE
Lunas de octubre
Que no te deslumbre la luna:
puedes quedarte adentro
para verla en la tele.
POR ISA CISNEROS
NO SABEMOS SI el fenómeno
de las brillantes y grandes lunas
de octubre se debe a una serie
de casualidades o a la fascinación del
hombre con el espacio. Sea cuál sea la
razón, enlistamos las mejores cintas que
tratan sobre este astro:
LE VOYAGE DANS LA LUNE (1902)
Sin duda, una de las películas clásicas
y pioneras del cine en general. Dirigida
por el mago del cine George Méliès
(inspirado en un cuento de Julio Verne),
cuenta la historia de un grupo de
astrónomos que planean el primer viaje
del hombre a la Luna. Después de algunas
discusiones y trabajo llegan a ella en una
bala de cañón, estrellándose en el ojo del
satélite, logrando una de las escenas más
conocidas del cine. Conocen a unos
extraños habitantes y, al fin, regresan
como héroes a la Tierra.
126 OCTUBRE 2018
MOON (2009)
El primer filme dirigido por Duncan Jones
(hijo de David Bowie) llegó en 2009 con la
historia de Sam Bell, un astronauta que
acepta un solitario trabajo por el que debe
vivir en una estación lunar durante tres
años. GERTY, una computadora
inteligente, se vuelve su única amiga. A
poco de regresar, el hombre pierde la
cabeza tras un accidente en donde
comienza a cuestionarse si su realidad es
verdadera o nada más se ha convertido
en un... lunático.
THE TRUMAN SHOW (1998)
El mejor reality show hecho largometraje
que hayas visto en tu vida. Andrew Niccol
escribió el guion de The Truman Show
basándose en un episodio de The Twilight
Zone y el resultado fue esta maravillosa
historia dirigida por Peter Weir que sigue
la vida del primer bebé adoptado por una
empresa televisiva. Mientras toda su vida
ha sido televisada en un reality controlado
desde la luna del estudio, el único que no
sabe que todo es mentira es Truman.
LA LUNA (2011)
El corto italiano de Pixar dirigido y escrito
por Enrico Casarosa es, sin duda, uno de
Dos Sam Rockwells los más memorables en los últimos años.
parecen demasiado, Es la historia de un pequeño niño italiano
pero la Luna es muy al que su padre y abuelo llevan por
grande para ambos. primera vez a ejercer el oficio que
han llevado a cabo de generación
en generación: limpiar la luna de estrellas
para ir construyendo ahí las fases lunares.
BITTER MOON (1992)
Quien dijo que las lunas de miel o películas
de amor son todo risas y cursilería estaba
equivocado, y por eso apareció Roman
Polanski con esta controvertida cinta en
donde conoces la historia de amor de
Mimi y Oscar, dos sadomasoquistas cuya
obsesión del uno por el otro crece hasta
hacerse enfermiza y afectar el matrimonio
de la perfecta pareja inglesa protagonizada
por Hugh Grant y Kristin Scott Thomas.
BRUCE ALMIGHTY (2003)
Todos disfrutamos una buena historia
de comedia, y en esta primera entrega
del director Tom Shadyac apareció una
de las mejores referencias de lo que podría
ocurrir si la Luna cambia de órbita: basta
el gesto romántico que hace Bruce (Jim
Carrey) por Grace (Jennifer Aniston)
cuando, al ser Dios, le acerca la luna hasta
la ventana.
APOLLO 11 (1996)
La historia del astronauta
Neil Armstrong, el primer hombre
en la Luna, es una por demás conocida,
pero el filme de Norberto Barba
retrata a la perfección esa tensión
e incertidumbre por parte de la NASA
y las familias de la tripulación
al acelerar el proyecto de enviar
un hombre a nuestro satélite y ganarle
(una vez más, ¿será?) a Rusia.
Además de todo, cuenta con las
actuaciones de Carmen Argenziano
y Jefrey Nordling.
OPÉRATION LUNE (2004)
Ya que nos fuimos adentrando
al tema de Apollo 11, aparece
el documental del francés William
Karel, quien pretende dar a conocer
cómo la llegada del hombre a la luna
había sido una película mandada
a hacer por el presidente
norteamericano Richard Nixon y
dirigida por el famoso Stanley Kubrick,
quien ya contaba con algunos “ases bajo
la manga” por 2001: A Space Odyssey. A
lo largo del documental, Karel muestra
algunas entrevistas sacadas de contexto
con los participantes de Apollo 11
y la viuda de Kubrick, pero descubre
que simplemente era una pequeña
broma del Día de los inocentes.
MOONRISE KINGDOM (2012)
Del adorado director Wes Anderson
que, con su particular estilo, cuenta
la historia de dos niños: una rebelde
incomprendida por sus padres y un
boy scout que se escapan de sus casas
para vivir juntos, porque sólo entre
ellos se comprenden. Y si te preguntas
qué tiene que ver eso con la luna, pues
es que ambos viven una pequeña luna
de miel en sus días como fugitivos y
tienen su íntimo y particular reino
a la luz de la Luna... recordemos la
escena de baile en la playa.
VIAJE A LA LUNA (1958)
Una joya del cine mexicano
dirigida por Fernando Cortés
en la cual puedes ver a todos los
comediantes de la época:
Alfonso Arau, Tin Tan, Chabelo,
Manuel “Loco” Valdés, Viruta y
Capulina y muchos más. En esta
comedia, la luna es utilizada para
referirse a un lunático: una pareja
de bailarines son recluidos en un
hospital psiquiátrico del cual tienen que
escapar, no sin antes vivir una serie de
locuras y entretenidas catástrofes sin
mayor pretensión que divertir.
Xavier Velasco La huella de la pantera
LAS FUNCIONES VITALES
“¡TODAVÍA ESTÁN los cortos!”, Lo cierto es que el de La Pantera
alertaban mis padres para Rosa es el caso rarísimo de una
tranquilizarme cuando se hacía tarde animación creada apenas para
para llegar al cine. Lo anunciaban tal cual acompañar los títulos de un largometraje
la cartelera, con una hora precisa para los que al paso de los años consigue
“cortos” y otra —veinte, treinta minutos trascenderlo y superarlo. Todo sin
después— para el inicio de la película. palabras, aunque no sin sonido porque la
¿Qué eran exactamente los cortos? Un música de Henry Mancini es al menos
curioso amasijo de noticias, reportajes, igual de popular que el felino sarcástico
notas chuscas, publicidad y, si muy que deja tras su paso huellas color
bien nos iba, dibujos rosa y hace sufrir sin límite al
animados. MI obrero incoloro que en mala
A falta de internet o RECOMENDACIÓN hora vino a contradecirle.
cosa similar, la Bugsy Malone. Tan astuto, sardónico
información del Un musical de gánsteres y risueño es el tema
Noticiero Continental actuado íntegramente musical de nuestro héroe
aparecía de algún modo por niños. rosado que se repite en
fresca, aun tras seis o más Dirigido por Alan Parker, uno y otro ritmo, a lo largo
meses de haber sido con Jodie Foster. de 124 episodios, sin jamás
editada. Las modas de París, agotarse ni resultar chocante.
un congreso científico en Bonn, el Hace ya tiempo que los tengo
salón europeo del automóvil... Cosas de todos. Compré la colección completa de
adultos que uno toleraba en la medida episodios con la ilusión del niño
que hacían crecer su expectativa, no nada consentido que obtiene lo que quiere
más en torno a la cinta, sino a la cuando le da la gana... y al día siguiente
posibilidad siempre latente de que cambia de interés. Son demasiados, claro.
vinieran luego las caricaturas. ¿Cómo dosificar más de 12 horas de
Tom y Jerry, El Pájaro Loco, los genialidad sin empacharse a los treinta
chistes de Pomponio o El Coyote y el minutos? Y ahí es donde uno añora el
Correcaminos eran siempre motivo de poder sorpresivo de los cortos. Ya no
jolgorio para gente menuda como yo, y recuerdo en qué año se extirparon los
acaso divertían también a los mayores; cortos de la programación; sólo que cada
pero había un personaje que nos ponía a vez lucían más ridículos y prescindibles,
todos en sintonía y ya nos atrapaba desde con sus noticias viejas y esos
la misma música (socarrona, elocuente, documentales panorámicos tan tediosos
pegajosa). Carecía de nombre, de voz y como decorativos. Hoy que acelero para
hasta de sexo, si bien solía uno hallarlo no llegar tarde al filme, cuento apenas
femenino en atención al género con unos pocos avances de próximos
gramatical, aunque evidentemente no estrenos de tolerancia a la
todas las panteras serían hembras y sólo impuntualidad. Algo me falta o me sobra,
ella, o él, fuera de color rosa. pero al felino rosa sí que lo extraño.
OCTUBRE 2018 127
 SOBREDOSIS
DE TV
Antologías
de horror
¿Cuántas películas
son demasiadas?
POR ALEX GODFREY
ILUSTRACIÓN WANT SOME STUDIO
LAS ANTOLOGÍAS DE horror son una
manera medio tramposa de trasladar el formato
de las historias cortas a la pantalla grande. Esta
noche estoy a punto de tragarme seis. Serán 12
horas sin parar de oscuridad sin cortes y más
de 30 historias, lo cual podría ser agotador
en el mejor de los casos, pero me llena de miedo
porque no he dormido bien en una semana
y, debido a un error administrativo, mi maratón
empieza a las tres de la tarde. Bien hecho.
Va a ser una noche muy larga.
3:04 PM Dead Of Night
Es el compendio de los Ealing Studios de 1945,
el padre del formato. Las historias incluyen
a un fantasma besando a una adolescente
y a un tipo que ve un mundo paralelo a través
de un espejo (“¿Lo compraste en una tienda de
trucos?”, le pregunta a su esposa). Honestamente
no me siento aterrado, aunque la revelación del
clímax, que muestra a nuestro héroe atrapado
en un bucle temporal, sea relativamente molesta.
¿Por qué la gente bien de tiempos pasados
hablaba tan fuerte? “¿Cómo está usted?”,
se gritan unos a otros.
5:10 PM Black Sabbath
Las tres historias en la cinta de 1963 de Mario
Bava son ligeras en trama pero pesadas en
ambiente, con gatos chillones, perros que aúllan
y un viento maldito (viento climático, no del tipo
que sale por el trasero). “¿Qué pasa, mujer?”,
pregunta el vampiro (Boris Karlof ). “¿No puedo
mimar a mi propio nieto?”. Tal vez no. La música
es bastante histérica y me parece que la banda
sonora italiana original fue reemplazada por
128 OCTUBRE 2018
una del compositor estadounidense Les Baxter.
He investigado a ese tal Baxter, quien también
hizo la banda sonora de Beach Party, Muscle
Beach Party, Bikini Beach, How to Stuf a Wild
Bikini y The Ghost in the Invisible Bikini. Eso sí
que es un legado.
7:24 PM Dr. Terror’s House Of Horrors
¡Christopher Lee! ¡Peter Cushing! ¡Donald
Sutherland! ¡Roy Castle! ¡Alan ‘Fluf’ Freeman!
Espera... ¿qué? Así es. El mejor de Radio 1
se encuentra frente a una planta diabólica.
Sutherland está casado con una vampira. Castle
llega a su final después de meterse con el vudú.
Su primer diálogo es sobre un pájaro que le cagó
encima. Y yo ya comencé a beber.
9:15 PM Creepshow
Ahora estamos volviéndonos autoconscientes
con el homenaje de George A. Romero y Stephen
King a los cómics de horror de EC y DC de los 50.
Sonrío y aguanto mientras King, interpretando
a un idiota, se convierte en árbol, y Leslie Nielsen
aterroriza a Ted Danson. Es divertida —Danson
encarnando a un pez-hombre zombi es algo
gracioso, como imaginarás— pero no es la clase
de equipo que esperas de dos titanes. Como
cuando Michael Jackson y Stevie Wonder
hicieron “Just Good Friends”.
11:25 PM V/H/S
Esta es horrible de inmediato, empezando
con un abuso sexual. Todo en V/H/S, estrenada
en 2012, es horrible —cada parte, creo, incluye
desmembramientos—, pero el pietaje
encontrado de seis cortos es ejecutado
creativamente, y parte de eso es de hecho
muy bueno. Por primera vez en ocho horas estoy
atemorizado de verdad. Debo decir que me
despertó. Ya pasa de la media noche, que es
el momento perfecto para ver esto, solo en la
oscuridad. Los fantasmas de Joe Swanberg
me producen escalofríos.
1:20 am Ghost Stories
Si V/H/S trajo el formato de antología al siglo
XXI, Ghost Stories es un tributo amoroso a las
raíces del horror —los guionistas/directores
Andy Nyman y Jeremy Dyson crecieron viéndolo
y lo aman a muerte—. Y en contexto, ésta
sobresale con su dispositivo de encuadre, que
trasciende su función de manera más profunda
y perturbadora que las historias en ella. Y eso es
todo. Ya son las tres de la mañana y necesito
dormir, pero quién sabe cómo lo lograré con todo
lo que me metieron en la cabeza.
GHOST STORIES ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
BLU-RAY Y DESCARGA.
 Circuito de Cortos
Batman Dead End (2003)
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
PRODUCIDO POR Montauk Films y Level 7
DIRECTOR Sandy Collora
GUION Sandy Collora
ELENCO Clark Bartram, Andrew Koenig,
Kurt Carley, Jake McKinnon
DURACIÓN 8 minutos
ENCONTRARÁS CURIOSO EL ORIGEN DE
ESTE CORTO: lo hizo un fan y lo presentó
el 19 de julio de 2003 en la famosa Comic-
Con de San Diego. El breve trabajo
audiovisual ahora vive en internet,
en YouTube en particular.
Una vez más, el Príncipe Payaso, Joker,
escapó del Arkham Asylum y, de nuevo,
Batman lo persigue durante una fabulosa
tormenta. Cuando al in Joker es acorralado
por el Hombre Murciélago en un callejón,
empieza una pelea brutal entre
los dos archienemigos que termina de la
manera más inesperada: un alien (de la cinta
Alien de 1979) toma al Guasón —como lo
conocemos en Latinoamérica— y lo hace
desaparecer en una de las azoteas de la urbe.
Esto desencadena un enfrentamiento entre
Batman y el xenomorfo, que sorpresivamente
es eliminado por... ¿quién crees? ¡Un
depredador (¡sí, el de la película de 1986!)!
Eso nos conduce hacia una fabulosa batalla
entre el cazador del espacio y el Caballero de
la Noche que cualquiera de los dos podría
ganar en realidad.
El ambiente del corto es fascinante, el traje de
Batman es impresionante y la actuación de
Joker, aunque breve, es inolvidable.
La historia es ultrasimple pero entrega ocho
minutos llenos de acción en un cortometraje
que los fans han alabado como superior a
cualquier ilme de enorme presupuesto.
Será muy bien aprovechado cada minuto,
porque la cinta nos recuerda de qué está
hecho Batman.
BATMAN DEAD END ESTÁ DISPONIBLE
EN YOUTUBE.
MIS
ENTREVISTAS
SIGOURNEY WEAVER
Nuestro corresponsal en LA
recuerda sus mejores charlas
con cineastas y actores.
POR MARIO P. SZÉKELY
SU CARRERA INICIÓ donde “nadie
podría escuchar sus gritos”, a bordo de la nave
tipo refinería Nostromo, lugar donde su
personaje de la oficial Ripley hizo la hazaña no
sólo de sobrevivir y lanzar al espacio a la
criatura xenomorfa de Alien (1979), sino que
pudo asirse del timón de una carrera que
apuntaba a ser uno de los roles femeninos en
cine más importantes de finales del siglo XX.
Ella es Sigourney Weaver.
En el Hotel Hard Rock, en plena San Diego
Comic-Con, a unas cuadras de la bahía, la figura
de 1.83 m de Weaver se disimula un poco
cuando la rodean una decena de periodistas.
Todo se acentúa más cuando la actriz abre la
boca y acomoda sus largos brazos en la mesa.
No hay duda de que pudo ser basquetbolista ni
que cargó a una niña llamada Newt en los
pasillos infectados de Aliens en 1986.
La ocasión para entrevistar a Sigourney
—de 60 años por cumplir ese 2009— fue
someternos a un interrogatorio del cual
sabíamos de antemano que no saldríamos
victoriosos, pues como periodistas
necesitábamos pistas de cómo sería la tan
esperada Avatar de James Cameron, a
estrenarse ese año.
“Cuando estábamos en el rodaje de Avatar,
enfundados en trajes verdes con sensores
colgando en cada parte del cuerpo, Jim Cameron
me dijo: ‘Va a haber muchos que se reirán de
nosotros por esmerarnos mucho con esta
película; pero al final ellos serán los primeros
interesados en que consigamos nuestra meta.
Los fans de la sci-fi serán los primeros que
noten cada detalle, detalles por los que ahora al
filmar nos estamos volviendo locos para
tenerlos de manera correcta. Esta es nuestra
audiencia’”, compartió ella dándole la razón a
su jefe, socio y compinche de aventuras
fílmicas, que la cortejó en su nominación al
Oscar de Mejor actriz por Aliens.
El rodaje, que tomó meses en Nueva
Zelanda, sucedió en un encierro total en foros,
ya que no hubo una hoja real en toda la
producción de Avatar por apostarse al crear un
universo totalmente virtual. El filme ganaría el
Oscar de Mejores efectos visuales, pero eso en
el verano de 2009 aún no se sabía.
“Cuando vi la película por primera vez en
una función privada, lloré al final. Recordé que
cuando leí el guion me dije: ‘¿Cómo van a crear
esto?’. No creía que hubiera una manera de
presentar esas imágenes en pantalla y James lo
logró. Al final, estaba tan orgullosa de él por
ponerse el reto de hacer de Avatar un proyecto
tan ambicioso, que ni la tecnología existía para
lograrlo, obligándolo a él mismo y a su equipo
de colaboradores a ingeniarla y montarla”,
recordó con orgullo Weaver.
Y es que Avatar, además de convertirse en
el largometraje más taquillero de la historia,
arrojando su ola sobre el mismísimo Titanic
(1997) de Cameron, y se convirtió en la
confirmación de que no hay límites para
la imaginación de un escritor o director en
el cine al poderse forjar cualquier criatura o
planeta con la tecnología virtual de
performance capture y motion capture.
“Fue realmente divertido. Era emular
cuando era niña. Fue como esconderte abajo de
la mesa que imaginabas que era un castillo y
afuera había una criatura que te perseguía. Me
encantó esta filmación y para mí fue un proceso
muy fácil por remontarme al básico instinto de
actuación”, concluyó la intérprete,
asomándosele una sonrisa de pícara, al tener la
certeza de que su gran amigo Jim siempre la
invitará a jugar con sus juguetes.
OCTUBRE 2018 129
 ALERTA:
SPOILERS
LA ÚLTIMA ESCENA
THE VVITCH
Hay cintas que no terminan de acabar
y otras que no quisiéramos que lo hicieran:
ésta te dejará un tanto perturbado y embrujado.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
DE LO MÁS IMPACTANTE que recuerdo de ver The VVitch es
el extremo silencio que hubo en la sala durante la hora y media que dura.
Toda la película, filmada con luz natural, se va construyendo a sí misma
a través de cada toma, escena y palabra. Es sabido ahora que la mayoría
de los diálogos provienen de textos reales de la época y de juicios que hubo
por causa de creer en la existencia de brujas reales ubicadas en los bosques
de Nueva Inglaterra.
Hacia el final, con base en la fanática religiosidad de los personajes
y los terribles eventos que han padecido, hasta tú terminas creyendo que
hay algo horrible empecinado en acabar con este pobre clan de pioneros.
La dirección de Roberte Eggers es impecable al edificar una historia sin
sobresaltos pendejos, efectos o monstruos, y la termina (siento), si no de
forma terrorífica, sí espeluznante.
Los eventos del filme se desarrollan en 1630, poco más de medio siglo
antes de los famosos juicios de brujas en Salem. La familia ha padecido el
aislamiento, la pérdida de un bebé, la falla de sus cosechas, otro de los hijos
130 OCTUBRE 2018
muere superembrujado, la cabra buena onda en vez de leche da sangre
y una serie de hechos que, si no fueron provocados por la brujería, culminas
deseando que así sea para tener al menos un pretexto de por qué les va
como les va —aunque hay indicios de que podrían ser alucinaciones
producto de un hongo del maíz que, evidentemente, no es huitlacoche—.
Ya todos se han vuelto contra todos. Los pequeños Jonas y Mercy
acusan a su hermana mayor, Thomasin, de ser una bruja aunque durante
el delirio de su hermano Caleb son ellos los que no recuerdan sus oraciones
—según las creencias de la época, el diablo provoca que te olvides de tus
rezos—. Son ellos los que llevan toda la trama cantándole a Black Phillip,
una cabra negra más demoniaca que las intenciones de mi tía Tere.
Al morir Caleb, Kate, la madre, pierde la razón y corre a Thomasin de la
casa, ya completamente convencida de que ella es una bruja. Afuera, su
padre la confronta y ella le dice toda la verdad: que es un menso para
sembrar y cazar, que ha dejado que su esposa lo ningunee de forma terrible,
y que la granja está embrujada por la cabra y los dos gemelitos satánicos.
 William, el padre, trata de confiar, pero Kate está convencida y no
puede creer que sus minidemonios hayan pactado con el diablo a través de
la cabra. El padre no atina más que a encerrar a Thomasin con los diantres
y las cabras.
La familia está destrozada por completo y William cree que es su culpa,
por lo que reza vuelto loco para que Dios lo lleve pero redima a sus vástagos.
Kate está peor: como en filme de Pedro Infante, durante la noche se le
aparecen Caleb y Sam (el bebé que se perdió al principio), al que ella
amamanta en su locura. Ahí, Eggers te confronta con una de las imágenes
más perturbadoras, pues la mujer en realidad amamanta a un cuervo que le
devora a picotazos el seno mientras ella ríe de locura.
En el cobertizo, Thomasin y los gemelos atestiguan aterrorizados
la llegada de una bruja que bebe la sangre de Flora (la cabra buena onda) y
ríe espantosamente.
De aquí todo va para abajo y, al otro día, antes de que Will pueda
echarse siquiera un cafecito, ve a sus gemelos y a sus otras cabras
destrozadas, y Black Phillip lo corna violentamente y lo sepulta bajo una
pila de leña mientras Thomasin grita del pánico. Su madre no necesita más
prueba de que la bruja es ella y la insulta: que si sedujo a su hermano y a su
padre y los mató; luego la tira al piso y pelea con ella. La joven se defiende
y, para salvarse, termina con la vida de su mamá en una escena difícil de ver.
Thomasin no era bruja, se ha quedado sola y duerme todo el día para,
al anochecer, ir al cobertizo donde la espera Black Phillip. La cabra por fin
habla con ella, con una voz profunda que le ofrece vivir deliciosamente:
“Wouldst thou like to live deliciously?”. Black Francis le presenta su libro
para que lo firme pero ella no sabe escribir su nombre y él guía su mano.
Al final observas a Thomasin internarse desnuda en el bosque seguida
por la cabra. Al llegar a un paraje ve a unas mujeres que cantan y bailan,
y después se elevan hacia el cielo. Cuando Thomasin se empieza a elevar,
ella también ríe. Thomasin no era bruja: la hicieron una.
THE VVITCH ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y ON DEMAND.
OCTUBRE 2018 131
 1¿En qué compañía trabaja David (Jeff
Goldblum) en Independence Day?
¡Ay, no! Era una compañía de cable. ¿ACME?
Medio punto. Es Compact Cable.

2 En Stargate, ¿cuál es el apodo de

Jack (Kurt Russell) para Daniel
MOVIE (James Spader)?

MASTERMIND ¡Chicken Man! (Hombre Pollo). Es porque

cuando Daniel se come a la criatura dice que
sabe a pollo.
Correcto.

3 En The Patriot, ¿cómo se llaman

los perros?
¡No inventes! ¿Cómo se llaman (e decimos la

DEAN DEVLIN respuesta)? Ah, sí. No eran los perros más

inteligentes, pero sí los más dulces.
La respuesta correcta es Jupiter y Mars.

Es actor, escritor y productor. ¿Pero el director de

Bad Samaritan es bueno con la memoria?
4 ¿Qué tipo de plantas están junto a la cama
del Dr. Okun en Independence Day:
Resurgence?
¿Eran orquídeas?
Correcto.

5
POR JAMES WHITE
¿Cómo traduces lo que decía en francés
la insignia de Reed Cassidy (Martin
Henderson) en Flyboys?

132 OCTUBRE 2018


Tenía una cabeza de indio, pero también la otra
cosa... ¡No me acuerdo (se lo decimos)!
¡Sí, es cierto!
La respuesta correcta es “Je vois tout”, que
significa “Veo todo”.
6
¿Quién interpretó al maestro en el famoso
‘museo’ del teaser de Godzilla, la versión
de 1998?
Creo que el hermano del hombre que interpreta
al alcalde Ebert en la película. ¡Debería saberlo
(le decimos la respuesta)! ¡Ken Lerner! Ken y yo
estuvimos en la misma clase de actuación en los
80. Elegí a su hermano Michael como el alcalde y
trajimos a Ken para el teaser antes de la cinta.
La respuesta correcta es Ken Lerner.
7
En Real Genius, tu personaje (Milton)
calcula la relación entre chicos y chicas en
el Tecnológico Pacific. ¿Cuál es?
¡Ni idea (se lo decimos)! No había una parte para
mí en el filme. Había audicionado para
el papel principal que obtuvo Gabriel (Jarret).
Martha Coolidge, la directora, me dijo que me
contrataría como actor de improvisación.
Trabajé cuatro meses y pensé que tenía una
parte grande, pero cuando la vi, ¡tenía dos líneas!
La respuesta correcta es una relación
de 4.93 a 1.
de taquilla al cierre de esta edición,
RESULTADO FINAL
3.5
8
¿Cómo se llama Jake (Gerard Butler)
cuando está de camino al ISS en
Geostorm?
¡No lo sé! (Le decimos la respuesta). Creo que si
analizas mi carrera, verás muchas referencias a
Bowie y a Doctor Who.
La respuesta correcta es Major Tom.
9
Tienes un cameo en Cellular. ¿Quién tiene
también uno como un hombre iracundo en
una estación de policía?
¡Era el director del estudio! Robert Shaye. Y su
hermana Lin está en la película.
Correcto.
10
¿Cuál es el código numérico de Andrew
Scott (Dolph Lundgren) en Universal
Soldier?
Ay... Sé que Jean-Claude Van Damme era el 44,
porque era un número recurrente para nuestras
cosas. Roland (Emmerich) y yo nos conocimos
en la cinta Moon 44, así que aparece una y otra
vez, pero no recuerdo el de Dolph (se lo
decimos). ¡Ah, sí! Tiene sentido porque piensas
en un viernes 13 de mala suerte.
La respuesta correcta es GR-13.
BAD SAMARITAN ESTÁ DISPONIBLE EN
DVD Y DESCARGA.
EL PÓDIUM
Con base en los resultados
EMPIRE asigna medallas de oro,
plata y bronce a las cintas
que has visto últimamente.
1º THE MEG
380.94 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
492.47 MILLONES DE
DÓLARES EN EL MUNDO
Realizada con un presupuesto de 130
millones de dólares, esta cinta
comprobó que el terror acuático sigue
siendo atractivo para las audiencias
y que la recomendación de boca en
boca es la mejor publicidad. A cuatro
semanas de su estreno, la cinta
protagonizada por “The Rock”
se mantiene en el box ofice nacional
y se coloca, al cierre de esta edición,
en el cuarto sitio del top ten.
2º THE NUN
200.03 MILLONES DE
PESOS EN MÉXICO
136.63 MILLONES DE
DÓLARES EN EL MUNDO
Apenas con un in de semana en
cartelera, la nueva entrega del universo
The Conjuring aparece en nuestro
pódium. No dudamos que el ilme
de Corin Hardy aumente sus ingresos,
aunque tiene en contra las pésimas
críticas que ha recibido. Aún así,
los dólares acumulados por el mundo
ya garantizan una ganancia,
pues la producción costó alrededor de
22 millones de billetes verdes.
3º SLENDERMAN
6.2 MILLONES DE PESOS
EN MÉXICO
47.16 MILLONES DE
DÓLARES EN EL MUNDO
La tercera de la lista se coló para cerrar
una triada de horror. Este ilme consigue
una de nuestras medallas, pero es claro
que al hombre delgado no le bastó ser
la creepypasta más popular de internet
para atraer a los cibernautas a las salas
—¿o estarán esperando a que salga en
streaming?—. Los millones acumulados
son decorosos, pero no trascendentes.
Este mito va a morir pronto.
OCTUBRE 2018 133
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sus favoritas del mes y te dicen

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editores de EMPIRE te abren

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sus razones. ¿Les das play?

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Es cuestión de gustos, pero

m a r xcele i n g g ejor ISA pu l ent a

efe nte ag es. tan tecno n g rad
re nc s ch s, N ren d e mpo
aquí tienes garantía. Los

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s crim omed At a c mera d s u sp le
Cu
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zar un ri ebe ña a má iicab
lq in a . las la p yd a es
u a le co ca eng naj ent
como arte, y las reacciones de los visitantes a su exposición en Nueva York.

ie r se s yp n Es chi a s o id
Dis ton r s k.
A la relexión que Michael Nyman hace acerca del trabajo de Metinides

rie ol e á
p p ic ein n p ra m oo
Br
on
oo ible
o licia
ia cas a tr y co n e
ac
eb
ca. Un os ma
kly
n en tod na nF .
le e gers
La historia de Metinides se hace más emocionante gracias

N ine Netl eu nib

ls d n

¿POR QUÉ LA RECOMIENDO?

Documental acerca de Enrique Metinides, periodista

-N ine x.
i Gir po Stra
Dis
gráico que traspasó las fronteras de la nota roja.

.
favorito, pero con imágenes muy crudas.
EDITORS’ CHOICE

Como el documental de tu rockstar

PELÍCULA O SERIE
El hombre que vio demasiado.

PONLE PAUSA
a la edición de la película.

SE PARECE A

¿DE QUÉ VA?

Disponible en DVD.
ANAID RAMÍREZ

Sp g
Dis lend ttin
La or Ge
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t ra n ibl in the Ca . n.
alg ma d e in etlix rde
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134

PLAY IT AGAIN
JUNO (2007)
EMPIRE presenta:
“Obsesiónate también
con el soundtrack”.
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
LA PELÍCULA QUE puso en el mapa
a todos los involucrados en ella parte
de una anécdota relativamente simple.
La stripper convertida en bloguera Diablo
Cody había subido varios guiones a su sitio
y el de Juno fue el que llamó la atención
de Jason Reitman para hacer su segundo
largometraje —antes realizó la fabulosa
Thank You for Smoking—.
El espíritu de la comedia era sin duda
el guion de Cody (de hecho, le valió un
Oscar y la puso en el radar
cinematográfico), pero igual de
importante era encontrar a la adolescente
que hiciera entrega de las palabras
de Cody, no sólo como ella había pensado
que sonarían sino de forma que
sostuvieran al ensamble y a la cinta.
La elegida fue Ellen Page, quien
acompañada de los magníficos Michael
Cera, J.K. Simmons, Allison Janney, Jason
Bateman y Jennifer Gardner, concretaron
una trama inolvidable cuyo aderezo
indiscutible es su fabuloso soundtrack.
Esta selección musical está
encantadoramente plagada de
composiciones folk; no muy mainstream
pero deliciosa, sobre todo en la voz
de la talentosa Kimya Dawson y su ex
banda, los Moldy Peaches. Ellos entregan,
digamos, el “sencillo” de la cinta: Anyone
Else but You, que es el tema que ya en la
historia cantan juntos los protagonistas.
La versión interpretada por Ellen
Page y Michael Cera también la
encuentras para despedir un soundtrack
de lo más indie en el cual lo mismo
conviven bandas como The Velvet
Underground, Belle & Sebastian y Sonic
Youth, que los Kinks, Mott The Hoople
y los ya mencionados Moldy Peaches.
JUNO ESTÁ DISPONIBLE EN DVD,
BLU-RAY Y ON DEMAND.
EL SOUNDTRACK ESTÁ EN CD,
LP Y DESCARGA DIGITAL.
Seguro ya intentaste
tocar “Anyone Else but
You” en tu ukulele.
TRACKLIST
1. All I Want is You; Barry Louis Polisar
2. My Rollercoaster (Juno Film Version);
Kimya Dawson
3. A Well Respected Man; The Kinks
4. Dearest; Buddy Holly
5. Up the Spout; Mateo Messina
6. Tire Swing; Kimya Dawson
7. Piazza, New York Catcher;
Belle & Sebastian
8. Loose Lips; Kimya Dawson
9. Superstar; Sonic Youth
10. Sleep (Instrumental); Kimya Dawson
11. Expectations (Remastered Version);
Belle & Sebastian
12. All the Young Dudes; Mott The Hoople
13. So Nice So Smart; Kimya Dawson
14. Sea of Love (Remastered Version);
Cat Power
15. Tree Hugger; Kimya Dawson
& Antsy Pants
16. I’m Sticking with You;
The Velvet Underground
17. Anyone Else but You; The Moldy
Peaches
18. Vampire; Antsy Pants
19. Anyone Else but You;
Michael Cera & Ellen Page
OCTUBRE 2018 135
 MIS FAVORITAS
EMPIRE le pide cada mes a una figura del cine,
la sociedad o la cultura que enliste sus cinco cintas
predilectas. Algunos aplican la presidencial y no
las recuerdan; otros las tienen muy presentes.
De ahí, EMPIRE emite un diagnóstico de la salud
ELEGIDAS POR cinematográfica del pacientito.

JON LANDAU
POR CÉSAR HERNÁNDEZ

o amigo
D U C T OR, íntim
ES PRO haber
ESTE S
UJETO y c o n el ojo de
n , tas
J a m e s Camero t a r, la s dos cin
de y Av a o
o Titanic supuest APOCALYPSE NOW (1979)
producid e m á s alto pre s
yd u
uilleras be que s
más taq e l c in e . Jon sa c o menta q
ue DIRIGIDA POR Francis Ford Coppola.
t o r ia d p o , y
de la his el tiem can EMPIRE DICE Una pesadilla de guerra
a s c a m bian con s , p e ro le signii también para su producción; pero todos los
favor it e
s mejor utó.
q u e sean la u e las disfr THE STING (1973) involucrados ofrecieron su vida a esta
n o e s o e n q lículas
p o r e l moment o v e s estas pe DIRIGIDA POR George Roy Hill. película. Es una obra maestra que volvió loco
algo d
es cuán xiona.
ortante n”, rele
“Lo imp o te a fe c t a EMPIRE DICE Es un clásico de ladrones a Martin Sheen y que nos presentó las
a y cóm
en tu vid en el que se unen dos artistas del engaño: terribles consecuencias e impacto
uno experimentado y el otro talentoso, psicológico de la guerra de Vietnam. La
pero novato, para armar el golpe de sus vidas recordamos por la música de Wagner y The
alrededor de la amenaza de un maioso. Doors y las actuaciones de los protagonistas.
Con Paul Newman y Robert Redford,
es una estupenda y divertida pieza.

LAS PELÍCULAS DEL

NACIMIENTO DE SUS HIJOS
EMPIRE DICE Evidentemente, aún con la
visión de Landau para el cine, no hay mucho
valor de producción en los ilmes que él
mismo hizo del nacimiento de sus chamacos.
El hombre ríe con mi chiste de: “¡Ésas sí que
SCHINDLER’S LIST (1993) han de haber sido historias sangrientas!”.
DIRIGIDA POR Steven Spielberg. Pero creo que no le hizo la menor gracia.
EMPIRE DICE Uno de los ilmes mejor
producidos acerca del Holocausto. Dirigida TERMS OF ENDEARMENT (1983)
magistralmente por Spielberg, cuenta la DIRIGIDA POR James L. Brooks.
historia de un empresario polaco que logró EMPIRE DICE Si hay una cinta íntima acerca DIAGNÓSTICO Es claro que
salvar la vida de más de mil judíos cuando de las relaciones madre-hija, es ésta. Shirley Landau se la sabe. Si no,
convirtió su fábrica en un refugio. Filmada en MacLaine y Debra Winger son mamá e hija ahí están sus millones invertidos
impactante blanco y negro, la película que viven las tribulaciones propias de ese y ganados nada más con las dos pelis
presenta el drama humano que signiicó tipo de vínculo en un drama perfecto. que mencionamos al inicio de la
el exterminio de personas durante la Segunda Es superinteligente la manera en que retrata sección. Parece que las cintas que
Guerra Mundial. Cabe mencionar que, el conlicto de ambas mujeres, que se enlistó no tienen nada en común, pero
por ser descendiente de sobrevivientes odiaban en la vida real pero que en la película si las vemos bien se trata de grandes
del Holocausto, Spielberg considera a te ofrecen una conexión extraordinaria historias en sí mismas que además
Schindler’s List como la obra de su vida a través de sus conmovedoras actuaciones. se llevaron magistralmente al cine.
y, por lo mismo, no cobró por realizarla. Ideal para verse en familia.

136 OCTUBRE 2018

Disponible en toda la República Mexicana. Promoción válida con pago en una sola exhibición de $499 por 12 ejemplares mensuales. Precio sujeto a
cambio sin previo aviso. No aplican cancelaciones ni devoluciones. Al suscribirte podrás recibir beneicios y promociones exclusivas. Consulta nuestro
aviso de privacidad en http://bases.editorialtelevisa.com.mx/editorial-televisa#aviso. Dudas y aclaraciones al 01 800 REVISTA (738 4782). Promoción por
tiempo limitado.