STAR WARS: ¿SABES QUIÉN ES EL ÚLTIMO JEDI?

JUNIO 2017
$59.00

I N P E A KS
TW E
E L L A D O I S TA PAPÁS DLA
S UR R E A L E N PELÍCURES
DE L CRIM ¡LOS MEJORES!
Y LOS PEO

A R Á C N I D O
E L NUE V O
E L S E T C ON
EN 26/06/2017
Cabo San Lucas, Baja California Sur.
©CPTM / foto: Ricardo Espinosa-reo
Unbox your phone
Infinity Display

Multi Window

Escáner de Iris

Selfie con
Autoenfoque

Resistente
al Agua
 66 SPIDER-MAN HOMECOMING
Me extraña que siendo araña se caiga de la
pader. Con los dos súper especiales que
preparamos, tu sentido arácnido estará
afiladísmo como preparación a la movie.

84 WONDER WOMAN
De rápida y furiosa pasó a ser maravillosa.
Gal Gadot está en el centro de atención, entre
fans y detractores. ¿Tú de qué lado estás?

90  TRANSFORMERS
Justo lo que necesita esta saga, que ha
perdido varios fans con vueltas innecesarias, es
que precisamente se transforme. Acá te pasamos
el dato de cómo prepararon la nueva entrega.

96 ¿CUÁNTO CUESTA HACER UNA

PELÍCULA EN MÉXICO?
De manera preeliminar te diremos que cuesta
una lana. ¡Y todo para que no las quieras ir a ver!

102 TWIN PEAKS

Simplemente, la mamá de todas las series
de crímenes y misterio, muy enfermitade sus
emociones, eso sí.

108 AAAH, LOS PAPÁS

Si tu papá fue por cigarros y ni fumaba, es
muy probable que haya salido en una de estas
películas.

114 MUY, MUY, MUY FRANCO

Le hicimos una entrevista al joven director
mexicano Michel Franco, quien ya es cara
conocida en los festivales internacionales y nos
respondió ¡con total franqueza!

22 DARK TOWER
No. No hubo apagón en Satélite. Sólo un
oscuro pistolero acapara la atención de una
movie de ciencia ficción y terror, que además
está basada en el trabajo de Stephen King.
42 GUARDIANES DE LA BAHÍA
Tanto ha evolucionado el mundo que
estamos viendo a Mitch Buchanan salvar el día
120 VIEWING GUIDE: LOGAN
Te llevamos de la garra a experimentar lo
que sentimos con cada cuadro de este peliculón.
entre trajes de baño y bromas cool.

46 GET OUT 124 LA OBRA CLÁSICA: CHILDREN OF

MEN

32 STAR WARS
Si estás hojeando esta revista en tu local
cerrado de preferencia, no seas marro y checa los
últimos dichos al respecto de El Último Jedi.
Open de door o me aviento por la window.
56 ORANGE IS THE NEW BLACK
Echa ojo a Litchfield 2.0, su tagline debería
decir: “La temporada 5 es mejor que la 3”.
Lo mejor que ha hecho Cuarón, totalmente Gael
free.
146 FIRST TAKE CLUB: SCOTT PILGRIM
El más bonito diálogo entre un cómic, un

38 CARS 3
Si ya viste el trailer, sabrás que a Rayo
59 SHARK TANK
videojuego, una rola y una peli.

McQueen se le abollaron sus partes. Si no lo has

visto, ya te abollamos la sorpresa.
Los héroes del corporativismo mexicano
estrenan temporada. ¿Y si se ponen a chambear? 149 EDITORS’ PICKS
¿Quieres ver (y recomendar) series? ; )

14 JUNIO 2017
 AQUÍ ESTAMOS
EditorIAL Ventas
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cumplió 21 años y no Editora
sólo actúa: también es Anaid Ramírez Marketing
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Diana Bonardel
aplaudió y elogió ArtE
cuando lo vio actuar Directora de Arte Coordinador de Circulación
Isabel Cisneros César Jacques
en Billy Elliot. Es
ávido promotor para Directora de Producción
la donación de médula Colaboradores María Refugio Michel
y no tiene empacho en Xavier Velasco Directora de Relaciones Públicas
Fernando Rivera Calderón Elmis Reyes
señalar a EMPIRE
Susana Moscatel
como su revista de Mario Székely
confianza. Este muchacho
sí que sabe res Óscar Uriel FINANZAS
ponder
a “¿cuál es tu
revista favorita? Jacqueline Waisser Director de Finanzas
”. Jesús Chavarría Oziel Fontecha
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EMPIRE DE ESTE MES Y ME Hace algunos años desapareció María Dolores Rodríguez
mi revista favorita de cine y María Guadalupe Alarcón
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ahora @RevistaEmpire llena ese Enyd González ATENCIÓN A SUSCRIPTORES
APLAUSOS A LAS 01 800 REVISTA
vacío. Si les gusta leer del
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¡Muy buen trabajo! Directora de operaciones online PÁGINA WEB
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LECTURA DIVERTIDA
¡Qué tremenda felicidad siento
al saber que una revista de la
talla de EMPIRE ahora tiene
edición en México! Me gusta
mucho la manera tan amena
en la que escriben sus textos.
Raúl Gutiérrez, vía email
@rulogtz7
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QUIERO EXPRESAR EL
ENORME GUSTO QUE ME DA
VER QUE UNA REVISTA DE
CINE TAN IMPOTANTE COMO
EMPIRE HAYA LLEGADO A
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SUS PREVIEWS Y REVIEWS!
Alejandro Zamora
Alberto González Joanna Moran
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Redactor web Liz Beardswoth
Emilio Rodríguez
EMPIRE EN ESPAÑOL. Marca en Trámite Año 1 N° 3. Fecha de publicación: 29-05-17. Revista mensual editada y
publicada por EDITORIAL TELEVISA, S.A. DE C.V., Av. Vasco de Quiroga N° 2000, Ediicio E, Col. Santa Fe, Del. Alvaro
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16 JUNIO 2017
 FÁBRICA DE EXPECTATIVAS POR LAS PRODUCCIONES QUE VIENEN

18 JUNIO 2017
 EXCLUSIVA
EN EL SET
PREACHER:
SEASON 2
ESPERA SU ESTRENO
POR CRACKLE

LA SEGUNDA
LLEGADA
La más loca y cómica adaptación
de la televisión está de vuelta.
POR JOHN NUGENT

“CUANDO ME OFRECIERON el trabajo,

estaba cubierto de mierda”, cuenta Joe Gilgun.
“De verdad, popó en mi cara. Acababa de andar
en bici a través de un campo lleno de vacas y
entonces recibí la llamada telefónica: ‘¿Quieres
ser un vampiro?’”. Es un escenario muy cercano
a Preacher, la adaptación para la pantalla chica de
los cómics loquísimos de Garth Ennis y Steve
Dillon sobre un clérigo que, por accidente, recibe
los poderes de Dios. Hasta ahora se ha metido en
peleas con motosierras, cienciólogos que
explotan, ángeles cockney y un vaquero
demoniaco imposible de matar —sin mencionar
un personaje con un trasero por cara—.
Al terminar la temporada con una explosión,
la dos cambia de velocidad y presenta nuevos
personajes, una historia de fondo más profunda y
una comedia más negra, mientras el trío
principal de Jesse Custer (Dominic Cooper),
Tulip O’Hare (Ruth Negga) y Cassidy (Gilgun) se
embarcan en un viaje para encontrar a Dios, cuyo
paradero es desconocido.
“Se siente como si trabajáramos en una serie
distinta”, afirma Cooper en un set de Nueva
Orleans donde se filma esta segunda temporada.
“Interpretamos a los mismos personajes pero el
tono cambió dramáticamente”. EMPIRE está en
la locación del episodio siete (de 13), el interior
de un departamento de techos altos, como la casa
de Tyler Durden en Fight Club: paredes
descuidadas, ceniceros que se desbordan, un
encuentro entre lo mundano y lo milagroso.
Aunque la primera entrega fue muy bien
recibida —fue una precuela efectiva para el
cómic—, también atrajo la ira de algunos fans por
Recuerda estos alejarse tanto de la fuente. Seth Rogen, Evan
nombres: Jesse Goldberg y Sam Catlin, los productores
(Dominic Cooper), el ejecutivos de la serie y los más altos sacerdotes,
vampiro Cassidy (Joe tomaron nota de esto. Cooper le asegura a
Gilgun) y Tulip (Ruth EMPIRE que en la temporada dos “se siente más
Negga) se dirigen a la esencia del cómic”. Mientras Jesse, Tulip y
un viaje en busca de Cassidy se embarcan en su segunda salida llena
Dios. No, en serio. de estragos y desastres, nadie planea terminar
con la cara llena de mierda.

JUNIO 2017 19
20 JUNIO 2017
 Exclusiva
Primer
vistazo
SPIDERMAN
HOMECOMING
ESTRENO 7 DE JULIO

CHAVIZA
ARÁCNIDA
Tom Holland le inyecta sangre
joven al ya conocido universo
cinemátográfico de Marvel.

POR DAN JOLIN

EN AQUELLA ÉPOCA EN LA QUE

SPIDER-MAN era el único superhéroe en
todo su mundo, resultaba fácil olvidar lo
malditamente escuincle que era. Pero cuando
Marvel Studios lo incluyó con Tony Stark y
compañía en Captain America: Civil War, la
diferencia en edad no pudo haber sido más
aparente. Como lo dijo War Machine: “Por dios,
Tony. ¿Cuántos años tiene este tipo?”.
Bueno, Tom Holland está por cumplir 21. Y
Peter Parker sigue todavía en la prepa (cuando
no está bien a gusto saltando sus puertas de diez
metros de alto). Eso, dice Holland, es una de las
mejores cosas de la primera aventura en solitario
de Spider-Man en el universo cinemátográfico de
Marvel. “Ya vimos al millonario, al dios, al
soldado... ahora nos toca ver al chavito”, señala
con una gran sonrisa.
Así que entre Civil War e Infinity Stone, la
vida de Spider-Man transcurre entre lidiar con
bullies, las chicas que le gustan y la tarea
—bueno, eso si no se salta la reja de la escuela
para ir al billar—. “Si vuelves a leer los primeros
cómics, su vida en la prepa juega un papel
central”, dice el productor Eric Hauserman
Carroll. Eso, insiste, no sólo diferencia a esta
película de otros filmes de Marvel, sino de las
previas encarnaciones cinematográficas del
personaje. “No estamos haciendo la sexta
película de Spider-Man”, insiste, “sino el primer
filme de Peter Parker”.

JUNIO 2017 21
 EXCLUSIVA
PRIMER
VISTAZO
THE DARK
TOWER
ESTRENO 18 DE AGOSTO

TIEMPO
DE BALAS
Conoce al misterioso pistolero
de The Dark Tower.

POR CHRIS HEWITT

A LAS PELÍCULAS NUNCA les han

faltado pistoleros. Ahí está Clint, claro. Han Solo.
Clint de nuevo. El Waco Kid de Blazing Saddles.
Otra vez Clint... Pero el Roland Deschain de Idris
Elba, el héroe de The Dark Tower, puede
enfrentarse al mejor. “Tiene una habilidad
ridícula”, dice Elba. “Tuve que prepararme
mucho para manejar la pistola y su mecánica.
Ese aspecto no quedó ignorado”.
Clint Eastwood fue una inspiración obvia
para Stephen King cuando creó a Roland para El
Pistolero en 1982, la primera parte de una serie
épica que King ha repasado a lo largo de su
carrera. Es un tipo taciturno que va por el
Mundo Medio (una versión de nuestro mundo
con grandes diferencias misteriosas) disparando.
Lo motiva su búsqueda de la Torre Oscura, el
nexo de la existencia, para salvarla del Hombre
de Negro de Matthew McConaughey.
En la adaptación de Nikolaj Arcel, la primera
parte de lo que podría ser una serie que abarque
el cine y la televisión, a Roland lo acompaña Jake
Chambers (Tom Taylor), un chico de nuestra
Tierra. “La relación es medular”, dice Elba. “Los
mundos son enormes y extraños, y debes
asimilar mucho si no tienes algo que te ayude”.
Parece que hay más sobre este pistolero que el
sólo dominar pistolas, pero cuando Roland la
carga, ten cuidado…

22 JUNIO 2017
JUNIO 2017 23
 EL DEBATE

¿THE
DEFENDERS
SALVARÁ EL
UNIVERSO
TELEVISIVO
DE MARVEL?
Pusimos al tú por tú a dos enterados de un tema
específico para leer sus argumentos y... sí, en el
fondo, dejar que tú decidas cuál de ellos tiene
razón.

SÍ
JESÚS CHAVARRÍA Por otro lado, es evidente que la base para pesar de que algunas de las piezas que formaron
COLABORADOR / toda la propuesta será lo planteado por la serie parte de las franquicias de Capitán América,
COMISIONADO Daredevil, una de las más acertadas adaptaciones Thor, El Increíble Hulk y Iron Man resultaron de
NACIONAL EN para televisión que se han hecho de un regular a malas.
DEFENSA DE LOS superhéroe y cuyo tono adulto —tan bien El punto de unión de las mismas, Avengers
DEFENDERS recibido por el público— es el que marcará el fue una buena película y se convirtió en un
camino a seguir. fenómeno de taquilla.
ES INNEGABLE QUE Jessica Jones, Luke A todo esto hay que agregar la inclusión de
Cage y Iron Fist, en mayor o menor medida, una actriz de la talla de Sigourney Weaver, que

resultaron fallidas.
Sin embargo, hay algo que sí hicieron bien y eso
puede ser factor determinante para que, con la
llegada a la pantalla chica de The Defenders, el
universo Marvel en Netflix retome el nivel de sus
películas: plantear los rasgos principales de cada
concepto.
La nueva serie ya no tiene la necesidad de
presentar a cada uno de los protagonistas y, con
los escenarios claramente establecidos, puede
dejar de lado cualquier rodeo innecesario para
concentrarse tanto en la relación entre los
personajes como en una trama con
reminiscencias a episodios memorables en los
cómics escritos por gente como Frank Miller.
NO
difícilmente decepcionará y quien será parte de
las anclas que logren ganarse al público. STIVI DE TIVI
Por si todo lo anterior fuera poco, la COLABORADOR /
producción cuenta con un as bajo la manga y su FISCAL ESPECIAL
nombre es Punisher. PARA LOS
Interpretado aquí por Jon Bernthal, se trata DECLIVES DE
de un personaje que desde su presentación dio la SERIES
réplica exacta a la personalidad de Daredevil y
que podría marcar la diferencia en favor del CONFORME SE ACERCA el estreno de la
desarrollo completo de The Defenders. serie The Defenders mi emoción disminuye. Este
Yo diría que te vayas preparando, porque mashup de superhéroes creado por Marvel y
estamos ante el primer gran crossover televisivo Netflix llega en un mal momento. Antes de que
para los superhéroes de Marvel. me ataques y me llames hipster-odia-cómics que
Algo muy similar a lo que sucedió con la sólo ve shows como Twin Peaks o The Wire, a mi
primera fase de este universo en el cine, donde a favor diré que tengo toda mi vida leyendo

24 JUNIO 2017

historietas de Marvel o DC y que, mientras más
ciencia ficción tenga un programa de televisión,
más feliz soy.
Cuando se estrenó Daredevil no dudé en
celebrar que por fin teníamos un show de
superhéroes adulto y que su creador, Drew
Goddard, logró redimir un personaje ninguneado
por el cine.
El punto más alto llegó con Jessica Jones,
que más que superheroína era un mujer marcada
por una relación llena de abusos y maltratos. Sin
embargo, vino el tiempo del declive. La historia
de la segunda temporada de Daredevil pudo
haberse contado en menos de 13 episodios.
Luego se lanzó Luke Cage, que presentó
muchos personajes sin que alguno de ellos
aportara mucho y, la más reciente, Iron Fist,
tardó en llegar a su punto y perdió a muchos en el
camino.
En el cine supieron cómo manejar una cinta
cargada de superhéroes, pero mientras más
personajes tienen las series de televisión, más
débil se desarrolla la historia, y eso me da más
razones para preocuparme por The Defenders.
Películas y series en marcha
Luke Cage, un
abuelito, Iron Fist,
Jessica Jones y
Daredevil fueron a un
restaurante chino y
había cucarachas
de las grandes.
Aquí no hay un “otro lado de la balanza” con el
honor del Capitán América, el sarcasmo de Iron
Man o la torpeza de Thor, responsables de la
agilidad y la comedia en Avengers. Los
personajes de la serie que estamos por ver son
muy parecidos: solitarios perseguidos por su
pasado y frustraciones, por lo que #tengomiedo
de ver una versión depresiva de Los Vengadores.
Desde 2008 tuvimos que aceptar que cada
año el cine y la TV nos atascaran de
superhéroes, por lo que con la unión de Marvel
con Netflix parecería que tendríamos una
bocanada de aire fresco. Al principio
aplaudimos que Netflix nos entregó historias
oscuras de seres humanos con poderes, pero al
final terminaron repitiendo la misma fórmula
de todos los demás shows. Esto nos hace pensar
que la plataforma de streaming no está
prestando mucha atención a lo que hace. Sí, el
tráiler de The Defenders luce fantástico, lo he
visto miles de veces. Eso, desafortunadamente,
no asegura nada.
THE DEFENDERS ESTRENA EL 18 DE AGOSTO
NOTAS DE
pRODUCCIÓN
(mientras tú lees esto)
1
La cocreadora de Catastrophe,
Sharon Horgan, se ha unido a Jason
Bateman y a Rachel McAdams en
Game Night, en la que los juegos
regulares de un grupo de parejas dan
un giro que deriva en un asesinato.
2
20th Century Fox tomó el musical
Atlantis, de Pharrell Williams, acerca
de su niñez. El músico hará equipo
con el premiado director de
Broadway, Michael Mayer, y el
guionista Martin Hynes.
3
Amy Schumer dejó Barbie por
conflictos de agenda. Tiene un nuevo
proyecto en marcha: protagonizará
She Came to Me, una comedia
dramática de Rebecca Miller, la
directora de Maggie’s Plan.
4
Robert Rodríguez hará el remake del
clásico de John Carpenter, Escape
From New York, de 1981. El creador
de Luther escribirá el guion y
Christoph Waltz y Rosa Salazar, de
Maze Runner, lo protagonizarán.
JUNIO 2017 25
 EXCLUSIVA
PRIMER
VISTAZO
THE BEGUILED
ESTRENO 14 DE JULIO

LAS
CAMPANAS
DE BELLE
La directora Sofía Coppola
regresa con un remake inespera-
do de un thriller sexista.
POR TERRI WHITE

LA ADAPTACIÓN de una película de

género, gótica y sureña de Don Siegel/Clint
Eastwood que ha sido etiquetada como misógina
(y, contrariamente, feminista) en los años
intermedios, no parece una elección obvia de
Sofía Coppola. Confirma esto con una sonrisa en
su oficina de edición en Nueva York.
“[Normalmente] no consideraría hacer un
remake de una película”, concede, “pero dio un
giro que no me esperaba y no podía dejar de
pensar en ello. Fue muy raro”.
Basada en la novela de 1966, A Painted Devil,
de Thomas Cullinan, y situada durante la Guerra
Civil estadounidense, es la historia de un soldado
herido de la Unión, John McBurney (Colin
Farrell), que es llevado a un internado exclusivo
para chicas para su convalecencia.
“Estaba pensando en Nicole mientras la
escribía”, dice Coppola. “Creo que es increíble,
pero cuando juega un tanto chueco…”. Chueco
parece poco a juzgar por el tráiler que apunta a
eventos sangrientos desencadenados por una
combinación tóxica de sexualidad reprimida y
celos (sin mencionar el llanto gutural de “¿qué
me han hecho, perras vengativas?”, de Farrell).
Uniéndose a Kidman y Farrell se encuentran
las colaboradoras frecuentes de Coppola, Kirsten
Dunst y Elle Fanning, así como Angourie Rice
the The Nice Guys. El infierno se queda corto si
se le compara con una mujer despreciada.

26 JUNIO 2017
JUNIO 2017 27
 De arriba
a abajo:
· Mija (Ahn Seo-hyun)
con Okja. ¡Ay ojón!
· El impresionante
elenco que incluye a
Devon Bostick,
Paul Dano, Daniel
Henshall, Lily Collins
y Steven Yeun;
sin olvidar a Jake
Gyllenhaal y
Tilda Swinton.

¿QUÉ ES
La idea para Okja le llegó mientras manejaba
por Seúl en 2010. “No quería que fuera algo
caricaturesco”, le dice a EMPIRE. “Aunque
nunca hayan visto un ser como éste, quería que
las audiencias sintieran que podía existir en la
vida real”.

ESTA COSA?
Bong Joon-ho, de Snowpiercer, lleva su última criatura a Netflix.
POR OWEN WILLIAMS
SI NO HAS VISTO SNOWPIERCER, de
Bong Joon-ho, no temas, en definitiva verás
Okja, su próxima rebanada de sci-fi distópica.
Para evitar los problemas de distribución que
tuvo con Snowpiercer, el autor coreano se dirigió
a la ventanilla única Netflix. Es una elección que
va en aumento entre los directores porque los
incentivos son atractivos. “Netflix me da cien por
ciento de libertad creativa”, nos confía. Tener el
mayor presupuesto de su carrera, estimado en 50
millones, tampoco duele.
Es una película diferente que incluye a una
criatura, Okja, que parece regresar al primer
amor del coreano: bestias aterradoras. Después
de todo, es conocido por The Host, su película de
2006 con un monstruo exuberante.
Sin embargo, esta nueva criatura es un
animal diferente. “The Host tenía un monstruo
aterrador”, explica Bong, “mientras que Okja es
tímido e introvertido”. En el centro de su historia
está la amistad entre Okja y una jovencita (Ahn
Seo-hyun) mientras emprenden un viaje juntos.
Bong se inspira en Tolkien para ilustrar su
fábula. “Así como Frodo y Sam viajaron de The
Shire a Mordor, Ahn y Okja viajan desde las
montañas rurales de Corea a Manhattan”.
La criatura fue refinada por el diseñador de
efectos especiales de The Host, Jang Heui-cheol,
y una nueva adición al equipo, el supervisor de
efectos visuales Erik De Boer (el hombre tras el
tigre de Life of Pi).
La bestia es un híbrido entre un hipopótamo,
un cerdo y un manatí. Es más un concepto de
ciencia ficción que algo sacado del folclor
coreano. Una cuestionable compañía
multinacional, encabezada por su fría directora,
Tilda Swinton, diseñó a Okja con ingeniería
genética para la industria alimenticia. “Quise
mostrar la relación más hermosa entre un
humano y un animal, así como la más horrenda”,
dice Bong. “Existe esa dualidad”.
Satisfecho con el resultado, lo único que
lamenta el director es que relativamente pocas
personas verán Okja en cines (aunque tendrá un
estreno limitado en algunos países).
“Pero Netflix tiene como 90 millones de
usuarios”, sonríe. Varios millones más que los
que vieron su anterior largometraje. Resulta que
perder la pantalla grande es a veces tan sólo un
pequeño sacrificio.
OKJA SE ESTRENA EN NETFLIX EL 28 DE JUNIO.

28 JUNIO 2017

VESTIDA Y
ALBOROTADA
La preocupación de La novia es
conocer a la extraña familia de
su prometido.
POR ANAÍD RAMÍREZ
NI LA NOVIA MÁS ZEN DEL
PLANETA está exenta de toparse con una
pequeña falla que saque la fuerza kaiju que
lleva dentro. Esa furia con la que, sin
problema, podría hacerle frente al mejor de
los Jaeger y salir victoriosa. Y es así como se
transforma en Bridezilla.
La protagonista de La novia, Nastya (si tu
novia se llama Nastya, ¿qué esperabas, bobo?
¿Un ángel alado? ¡Nastya! Holy Moses!),
interpretada por Viktoriya Agalakova,
pertenecía a ese grupo selecto de personas que
asumen con serenidad los preparativos de su
boda hasta que conoce a la familia de su novio.
Con lo anterior, queda clarísimo que el
terror más bonito es el más real, el que sin
Primero te prometió
amarte y respetarte,
te prometió un amor
para toda la vida;
después conoció a
tus papás y se volvió
¡un monstruo!
duda hemos vivido y que con la sola mención
de la familia política hace que se nos salga
tantita pipí del susto, aquí la maldad proviene
de la familia de él.
En efecto, la premisa parece la de una cinta
de comedia como La familia de mi novia y su
secuela, Los Fockers: la familia de mi esposo,
pero en realidad el argumento pertenece al
tercer filme de Svyatoslav Podgayevskiy, quien
se especializa en cine de horror.
Nastya viaja con su recién esposo (casados
sólo por lo civil) para conocer a los suegros, el
resto de la familia política y afinar los detalles
para la celebración religiosa. En poco tiempo
se percata de que hay algo extraño en la
dinámica del clan y también de que hizo mal
en realizar esa visita: empieza a tener
alucinaciones extrañas que ponen a prueba
sus nervios y, de paso —promete el tráiler—,
los de nosotros como audiencia.
Con La novia, Podgayevskiy quiere que
confrontes a una Nastya “convertida” en
Bridezilla a raiz de la combinación de dos
factores: la tradición rusa del siglo XIX de
fotografiar a los seres queridos al morir, y un
supuesto rito eslavo que hace la familia de su
novio previo a cada boda —no, no es hacer
mole— y del cual ya no puede escapar.
Después de ver el tráiler no querrás cachar
el ramo por nada.
LA NOVIA ESTRENA EN CINES EL 14 DE JULIO.
JUNIO 2017 29
 exclusiva
en el set
JOURNEYMAN
ESTRENO OTOÑO 2017
SOPLAMOCOS
Paddy Considine se defiende con
su Journeyman.
POR CHRIS HEWITT
¿CUÁNDO, UNA PELÍCULA de boxeo no
es una película de boxeo? Cuando es
Journeyman, de Paddy Considine.
No te dejes engañar por los adornitos como
nuestras fotos, que muestran al campeón
mundial de peso mediano de Considine, Matty
Burton, en la cima de su capacidad para tirar
dientes. O lujos como la grandiosa habitación en
la que se encuentra EMPIRE, en las entrañas del
ayuntamiento de Sheield, que ha sido decorada
para una cena de gala en honor de Matty para
ayudar a que se recupere de una lesión en la
cabeza de esas que te cambian la vida.
Sí, el box está por todas partes y está
presente en la forma del actor guionista director,
quien sube al escenario como Matty y recibe una
ovación de pie. Esta es la última etapa de un
regreso que ha sido largo y difícil para el
30 JUNIO 2017
excampeón, quien da un discurso atropellado
pero enaltecedor y hermoso que toca el perdón,
la depresión y las segundas oportunidades. Pero
mientras habla con emoción y honestidad sobre
su amor por su esposa Emma (Jodie Whittaker),
de quien está separado, resulta evidente que
Journeyman no es, de ningún modo, sólo una
película de box.
“Ha sido percibida como un filme de boxeo,
pero yo sabía que era una historia de amor”,
afirma Considine. “Quería honrar a los fans del
box y hacer una película excelente de este
deporte, pero tiene que tratarse de otra cosa”.
Considine comenzó a escribir Journeyman
antes de iniciar a trabajar en Tyrannosaur, su
brillante debut como director. Pero cuando se
estrenó, la hizo a un lado tratando de arrancar su
De arriba a abajo:
siguiente filme como director, Years of the
· ¡Lo salvó la
Locust. Como no logró echarlo a andar, regresó a
campana!: Paddy
Journeyman. Considine estaba seguro de que no
Considine como el
quería ser él quien interpretara el papel
campeón de peso
principal, sin embargo, al final la verdad es que
mediano Matty
no había nadie más. Conscientemente o no, creó
Burton.
a Matty no sólo para alguien del tipo de Paddy
· El actor guionista
Considine, sino para él mismo. “Sentí como si
director que se
fuera parte de mí”, dice. “Todavía dirijo, pero
autodirige en una
ahora también estoy frente a la cámara. Estoy en
historia no de box,
la escena y sé cuándo la he conseguido. Voy a
sino de amor.
checar un par de reacciones y luego sigo adelante
con el resto”.
HIGHLANDERS
EN TERAPIA
Con Tupperware Party, Karen
Gillan se gradúa de secuaz de
ciencia ficción a ser la estrella
en control.
POR HAYLEY CAMPBELL
CUANDO NO LA ESTABAN pintando de
azul en Guardians of the Galaxy, Karen Gillan
tenía clavada su pelona en la compu del cuarto
de hotel londinense tapizado de Post-its,
escribiendo su primera película. Cuatro años
después está en Escocia dándole vida a ese filme,
Tupperware Party, como su directora y estrella,
interpretando a Liuseadh (se pronuncia
“Lucy”). Lee Pace, de Guardians, está
nuevamente a su lado, coprotagonizando como
un inglés llamado Dale. Sí, así es: ahora Ronan
obedece las órdenes de Nebula.
Gillan situó su película en Inverness, donde
creció, en parte porque lo conoce mejor que a
cualquier otro sitio y en parte porque el único
filme que ha visto y que se desarrolla en ese lugar
es Loch Ness. Cree que el lugar merece una
versión más realista en la pantalla —
preferentemente sin Ted Danson en una lancha
de remos buscando al buen Nessie—.
Como le dice a EMPIRE, la película es “como
una amalgama de comedia y drama” y se
encuentra entre Trainwreck y Trainspotting. A
pesar de todas esas referencias, no trata de
locomotoras. “Es sobre una chica de veintitantos
lidiando con el suicidio de su mejor amigo”,
explica. “Ha pasado un año y le cuesta mucho
trabajo conectar con alguien. Todos son
demasiado escoceses e incapaces de hablar de
sus emociones, así que todo se lo guardan y al
final termina saliendo de otras maneras”.
La génesis del filme fue una estadística con
la que Gillian se topó por casualidad. Revelaba
que las tasas de suicidio en la región conocida
como Highlands (Tierras Altas) son mayores que Desde arriba:
en el resto de Escocia, así que quiso explorar las · Karen Gillan
razones de ello: desde la falta de luz solar hasta la contrató a su
sensación de aislamiento experimentada por sus coestrella, Lee Pace
residentes. · Liuseadh (Gillan)
“Creciendo allí tuve experiencias deberá aprender a
maravillosas”, reflexiona, “por lo que leer algo así lidiar con la tragedia.
hace que te preguntes por qué”. A diferencia de · Ella dirige, todos
lo que sucede en el Lago Ness, los verdaderos callan.
monstruos están en tu cabeza.
La exestrella de Doctor Who cree que
siempre estuvo destinada a dirigir una película.
Para ella, la experiencia es como los horrores con
los que enlazó a sus amigos y padres cuando era
niña, sólo que más grande. Pero ¿dirigir y
protagonizar? “No es estresante; me ha liberado
más que nada”, nota. “Hay muchas cosas que he
querido hacer y estoy muy acostumbrada a que
me callen porque son raras y absurdas. Es genial
no tener que bajarle el tono a nada por nadie”.
TUPPERWARE PARTY SE ESTRENARÁ EN EL 2017.
JUNIO 2017 31
 STAR WARS:
EL FUTURO
DESPIERTA
EMPIRE estuvo en la celebración de Star Wars
sólo para investigar y confiarte qué es lo que
sigue dentro de la mayor franquicia del cine.
POR JAMES DYER
1 LEIA NO REGRESARÁ EN EL
EPISODIO IX
A pesar de que se habló de una mezcla de
imágenes generadas por computadora (qué
horror) y pietaje no usado para recrear a Leia, la
presidenta de Lucasfilm, Kathleen Kennedy,
confirmó que The Last Jedi verá la última
aparición del personaje. Al momento de su
muerte, Fisher había completado la filmación del
Episodio VIII. El IX ha sido reescrito sin
incluirla. ¿Significa eso que la princesa sufrirá
una muerte prematura? ¿O conducirá hacia un
atardecer como Paul Walker en Fast 7?
2 EL NUEVO PLANETA EN LA
TRAMA SE LLAMA CRAIT
Una de las imágenes más llamativas del primer
tráiler de The Last Jedi es de naves aterrizando
en salinas, levantando nubes de polvo carmesí
con sus aletas estabilizadoras. Rian Johnson
32 JUNIO 2017
reveló que ese planeta se llama Crait y es el hogar
de una base Rebelde abandonada y una
operación minera de la Resistencia. Los fans con
ojo de águila se habrán percatado de una
referencia a Crait dentro de Rogue One: Ultimate
Visual Guide.
3 LA BATALLA ESTÁ
TERMINANDO PARA LOS REBELDES
Durante un panel en el que se anunció que
Warwick Davis sería el guardaespaldas noghri
Rukh del Gran Almirante Thrawn, también se
confirmó que Forest Whitaker sería Saw Gerrera
y se insinuó un cameo del, por todos querido,
Boba Fett. Asimismo, Dave Filoni (el principal
productor de la serie Star Wars Rebel) dejó caer
la bomba de que la cuarta serie sería su última
participación dentro del universo de Star Wars,
por lo que se espera que sea una despedida por
todo lo alto.
4 LOS NUEVOS CORTOS DE STAR
WARS SE ENFOCARÁN EN LAS
MUJERES DE LA SAGA
Hablando de animación, Disney está lanzando
Forces of Destiny, una serie de cortos explorando
a las heroinas de la historia. “Estamos muy
emocionados de que muchos de los actores y
actrices hayan regresado para retomar sus
papeles”, apuntó Kennedy respecto a la serie.
Estas historias cortas llegarán a YouTube en
julio. Los personajes anunciados hasta ahora
incluyen a Rey, Jyn Erso, Leia, Ahsoka Tano, Maz
Kanata y Sabine Wren, de Rebels.
5 EL ÚLTIMO JEDI ES… LUKE
Después de infinitas especulaciones
(gramaticalmente pedantes), Rian Johnson
reveló que la palabra Jedi en el título es singular.
A insistencia de la prensa, también dijo que se
refiere a Luke y no a Rey.
 En sentido del reloj
desde la izquierda:
Josh Gad, la
presidenta de
Lucasilm, Kathleen
Kennedy, el director
Rian Johnson y
cuatro estrellas de
The Last Jedi.
Mark Hamill, Harrison
Ford y George Lucas.
Luke, el último Jedi.
Rose (Kelly Marie
Tran), Finn (John
Boyega) y Rey (Daisy
Ridley).
Las naves de
reconocimiento
vuelan sobre Crait.
Los Storm Troopers
adornaron el lugar.

6_ BB-8 ES EL INGREDIENTE
SECRETO DE LA SAGA
Espera encontrarte otra vez al boladroide en The
Last Jedi. Según Johnson, “el mejor consejo que
recibí al empezar con todo este proceso fue de
uno de los editores de J.J., quien me dijo que
nunca hay un exceso de BB-8. Y seguimos su
ACCELERATED INTELLIGENCE, ALAMY, GETTY
8 DESCUBRIRÁS QUÉ PASÓ
DESPUÉS DE RETURN OF THE JEDI
Las tres décadas entre Return of the Jedi y The
Force Awakens fueron deliberadamente turbias
por decisión de J.J. Abrams, esos años perdidos
serán contabilizados desde la perspectiva de una
soldado de las fuerzas especiales. Battlefront II
qué hace antes de The Last Jedi será contada en
Captain Phasma, una serie de cuatro partes a la
venta en septiembre.
10 LUKE PODRÍA NO SER QUIEN
CREEMOS
Después de toda una película tratando de

sugerencia”. Pulgares arriba de nuestra parte.
7 ROSE ES LA NUEVA HEROÍNA DE
STAR WARS
Kelly Marie Tran será Rose, una ingeniera de la
Resistencia que hace equipo con John Boyega.
“Esta posibilidad de que cualquiera de nosotros
pueda entrarle, ponerse en acción y convertirse
en héroe es de donde viene Rose”, explicó
Johnson. “No busca ser una heroína,
pero se ve involucrada en una
aventura con Finn”.
ubica a los jugadores en las botas de Iden Versio,
comandante de un grupo de élite de tropas
Imperiales. Después de ser testigo de la
destrucción de la segunda Estrella de la Muerte
desde Endor, motiva a los imperiales que quedan
para vengar al Emperador.
9 NOS PONDREMOS AL DÍA CON
LA CAPITANA PHASMA
Si has sentido curiosidad sobre cómo una
stormtrooper cromada logró escapar de la
destrucción de la base Starkiller, tus dudas
quedarán resueltas. La historia de cómo salió y
encontrarlo, la Resistencia —y Rey en
particular— podrían verse desilusionados ahora
que el hijo de Vader está de vuelta. “Rey tiene
ciertas espectativas de Luke”, dijo Daisy Ridley
sobre el maestro Jedi, “pero como mucha gente
sabe, conocer a tus héroes es complicado porque
pueden no ser lo que esperabas”. ¿Será que el
joven se ha vuelto un viejo irascible o es algo más
siniestro? ¿Hay alguna razón por la cual el sable
de luz del póster cambia de azul a rojo?
STAR WARS: THE LAST JEDI SE ESTRENA EN CINES
EL ANSIADO 15 DE DICIEMBRE.

JUNIO 2017 33
 “TE DECLARRO LA
GUERRA, CAMARRADA”
Conoce a Guardianes, los mutantes rusos que buscarán
hacerle frente a los blockbusters de superhéroes.
POR ANAID RAMÍREZ
RUSIA ALISTA A SU MEJOR
EJÉRCITO DE SUPERHÉROES. Con
un presupuesto que apenas alcanza los 330
millones de rublos, equivalentes a cinco millones
de dólares, mucha gente pensaría que es poca la
batalla que pueden darle al íntegro hombre de
acero de DC (Batman v Superman costó 250
mdd) o a los héroes parias de Marvel (Guardianes
de la Galaxia Vol. 2 tuvo una inversión de 200
mdd), pero la estrategia de Guardianes va por
otro camino.
34 JUNIO 2017
Esa falta de presupuesto quizá se refleje al
momento de recrear batallas, pero ello no
demerita el esfuerzo del director Sarik
Andreasyan y del guionista Andrei Gavrilov,
quienes prefirieron construir un guion no basado
en historietas, sino en el que se retomen
elementos de las leyendas y cuentos
tradicionales de Rusia.
Al tratarse de un batallón con integrantes de
reciente ingreso, seguro sus nombre no te son
familiares: Kseniya (Alina Lanina), quien será la
mujer aguja; Ler (Sebastien Sisak), el hombre
tierra que tiene la habilidad de mover piedras;
Khan (Sanjar Madi), con un control envidiable
de los sables, y Arsus (Anton Pampushnyy), el
hombre oso.
Pese a eso, el argumento no te será tan
desconocido. Corre la Guerra Fría y una
organización llamada Patriot crea un escuadrón
de superhéroes provenientes de diferentes
repúblicas soviéticas y su misión toma el nombre
de Guardianes. Durante mucho tiempo esos
héroes permanecieron en el anonimato, pero al
emerger una crisis deben salir otra vez y dar la
cara por su país... y el mundo.
En esta ocasión pelearán para detener a un
villano y su juguetito, un dispositivo que le
permite controlar cualquier tipo de máquina.
Con eso pretende apoderarse de Moscú y
después seguirse con otras ciudades del globo
terráqueo completito.
Hasta el momento se ha decidido que la cinta
estará disponible sólo en versiones dobladas:
español e inglés, aunque esta última con
subtítulos en español.
GURDIANES HARÁ SENTIR SU FURIA EN MÉXICO
A PARTIR DEL 11 DE AGOSTO.
 Algo no anda bien
aquí. Pero bueno,
nadie es perfecto.
¡Que siga la iesta!
DÉJÀ VU
Zoey Deutch está condenada a
vivir el mismo día en la cinta
Si no despierto.
POR ANAID RAMÍREZ
PARECE UN DÉJÀ VU, como si ya
hubieras vivido antes esta historia. Y es que hay
ciertos aires en común entre las novelas para
adolescentes Si decido quedarme (Gayle Forman)
y Si no despierto (Lauren Oliver): escenarios
invernales, personajes centrales femeninos y
preparatorianos, accidentes vehiculares que
marcan la vida de sus protagonistas, la manera
en que estos las obligan a hacer una retrospectiva
de sus acciones y, sobre todo, ambas ya cuentan
con una versión cinematográfica.
¡Spasiva! Se Sin embargo, sí hay suficientes motivos para
agradece una visión pensar que la versión que estrenó R.J. Cutler del
novedosa de una libro de Forman, en 2014, será rebasada por la
saga de superhéroes. adaptación de Si no despierto. En especial por las
Acepta que por lo personas responsables de trasladar la prosa de
menos, gana la Oliver en diálogos y de quién le pondrá imagen a
curiosidad. cada momento del libro.
La cineasta a cargo es Ry Russo-Young, quien
con pocos títulos en su filmografía ha
sorprendido por realizar un cine con propuesta:
en el festival de Chicago de 2005, su
cortometraje Marion fue galardonado como el
Mejor corto experimental, por ejemplo.
En cuanto a la adaptación, corrió a cargo de
Maria Maggenti (Princesa por accidente), y Gina
Prince-Bythewood (Love & Basketball) fue quien
le echó un segundo vistazo.
Si a estos valores le sumamos la escalofriante
fotografía de Michael Fimognari (Oculus), la
cinta promete tener una atmósfera más creepy
que empalagosa.
La actriz protagónica, en el papel de
Samantha, igualmente cuenta con herramientas
de peso para defenderse.
Si bien posee menos experiencia que Chloë
Grace Moretz, la estrella de Si decido quedarme,
Zoey Deutch se ha afianzado en la industria en
los últimos años al entrarle por igual y sin miedo
a comedias ácidas de líos familiares —Mi abuelo
es un peligro y ¿Por qué él?— que a filmes
atiborrados de elementos fantasiosos —
Academia de vampiros o Hermosas criaturas—.
Las intensas lecciones que vive Samantha en
esa semana igualmente le funcionan a la actriz
como examen final para ver qué tanto puede
erizarnos la piel y, quizá, sacarnos una que otra
lagrimilla —como la que ella muestra en el póster
de este filme—.
La película nos presenta a una estudiante de
preparatoria que goza de popularidad, al igual
que sus amigas y su galán, pero luego de un
accidente que la pone al borde de la muerte, nota
que siempre despierta el 12 de febrero. ¿Qué
sucederá cuando esta rutina llegue a su fin?
¿Cuál es el objetivo de ese encantamiento? Sólo
esperemos que tal día no sea un lunes...
SI NO DESPIERTO SE ESTRENA EN AGOSTO DE 2017.
JUNIO 2017 35
 MARAVILLA
DE MUJER
Wonder Woman llega con la
espada desenvainada a reivindi-
car no sólo a la superheroína de
la época de oro de los cómics
sino, seguro, al universo
cinematográfico de DC.

POR CÉSAR HERNÁNDEZ

ACEPTÉMOSLO: Batman v Superman tuvo

más detractores que defensores, pero en algo se
coincide al respecto de la película de Zack
Snyder: el momento más memorable es cuando
la Mujer Maravilla llega con su rif de guitarra a
salvarle el trasero a ese par de babosos.
Y además no llegó ninguneando ni tomó la
oportunidad para reprocharles sus errores a los
superamigos Bruce y Clark (hijos de Marthas),
sino que aclaró su superioridad divina al
demostrar una característica primordialmente
femenina: apareció, hizo lo que le correspondía
—y un poquito más— y no esperó las gracias.
Basta echarle un ojo a la cartelera actual
para notar que las cosas están cambiando. Por
años esperamos a que las mujeres (que no se
apelliden Coppola) trabajen con enormes
presupuestos para hacer filmes que compitan
con los grandes nombres y franquicias. Eso
parece que llevará un poco más de tiempo, pero
la causa feminista en el cine sí muestra avances.
En los 80, las protagonistas sobrevivían por
resistencia y no necesariamente por inteligencia,
mientras que la acción estaba destinada a Willis,
Gibson, Schwarzenegger y compañía.
En la década posterior las mujeres
empezaron a sobrevivir por no correr riesgos
imbéciles y sí porque son más inteligentes que el
monstruo o el maleante. Así tenemos a la Nikita
de Lola Rennt, por dar un ejemplo.
Todavía los dos miles mostraron esa lenta
transición. Angelina Jolie en Tomb Raider es una
mujer de acción que, sólo siendo fuerte y
desdeñando por completo su feminidad, podía
ponérsele al tú por tú a los hombres.
Entonces nos llegan Gal Gadot, la directora
Patty Jenkins, la productora Deborah Snyder y,
en fin, un equipo que demuestra que no hay
opresión para la superheroína más antigua de
DC y la segunda en existir en la vida. Wonder
Woman arriba cuando más la necesitamos,
rompiendo caras y salvando a los hombres sin
ningunearlos. Bienvenida sea.

36 JUNIO 2017
JUNIO 2017 37
 A nuestro vehículo
favorito de Disney
se le está acabando
la cuerda, pero
tiene muchos
amigos que, de no
pasarle energía, al
menos sí le darán
un empujoncito.

Si bien la segunda presentación de Rayo importantes para su vida profesional y, ante

RÁPIDOS Y
McQueen y compañía no fue muy placentera,
para el cierre de la saga se asegura —al menos
por lo que se ha mostrado hasta ahora con los
avances— la reconciliación con los seguidores
todo, la personal.
Aunque el famoso número 95 de color rojo
tiene las llantas bien puestas en el asfalto, no
quiere decir que tenga la mejor disposición para

VIEJITOS
Pese a lo gastada que está la
franquicia de Cars, hay varias
razones por las que no querrás
perderte la tercera vuelta.
POR ANAID RAMÍREZ
ESTRENAR EL TERCER EPISODIO
de Cars es, para Pixar, como ganarse la Copa
Pistón, pues es la segunda de sus franquicias que
se convierte en una trilogía. La primera fue Toy
Story —la cual reaparecerá en 2019 con una
nueva entrega—, así que hay mucho por superar.
iniciales al retomar muchos de los elementos que
ocupó la cinta original, así como los que a
continuación te presentamos. Sí, echaron mano
del efectivo factor nostalgia.
COMO TE VES, ME VI
La brecha generacional fue un elemento
importante en la primera entrega de Cars y lo
será también en la tercera.
Lo más interesante es que los papeles se
invertirán. Ahora Rayo McQueen será el auto
experimentado y la juventud estará representada
por Jackson Storm, una máquina superveloz y
con la más avanzada de las tecnologías.
ARROGANCIA
El nuevo modelito, Jackson Storm, retoma
muchas de las características que tenía McQueen
cuando lo conocimos: es arrogante y enojón, por
lo que le costará mucho aprender lecciones
asumir que ya necesita un cambio de llantas y, de
hacerse la verificación, tampoco obtendría la
calcomanía cero —no olvidemos que ya tiene más
de una década en circulación—.
Pese a los achaques y los dejos de soberbia
causados por su prematuro éxito, nuestro héroe
acepta atender las indicaciones de los mejores
asesores para mantener el retiro lejos de su
camino o, de ser inevitable, hacerlo de la manera
más digna posible. Cruz Ramírez, una joven
técnica de carreras, será quien lo discipline
nuevamente.
LOS VIEJOS AMIGOS
La nostalgia no podría concretarse de no ser por
la reaparición de los carros que, en la cinta
original, provocaron que McQueen nos cayera
bien y se convirtiera en uno de los personajes
favoritos de los niños que nacieron a la par del
siglo XXI.

38 JUNIO 2017

Otra vez veremos a Sally, Luigi, Lizzie,
Sargento, Guido, Mate y Flo. Por desgracia, el
veterano Hudson Hornet sólo se hará presente
en la inspiración del buen 95.
EL MISMO MENSAJE
Así como ocurrió con Cars, el cierre de la trilogía
se perfila para correr sobre la pista de los
mensajes optimistas, aunque muchos padres de
familia no están muy contentos con los avances
que se han mostrado, pues los ven violentos.
Pero antes de dar por hecho que el contenido
del nuevo filme inquietará a los más pequeños,
hay que reconocer que Intensamente no tenía
reflexiones más light o que, pese a la apariencia
colorida de sus personajes, tenía momentos
sombríos.
VOCES EN ESPAÑOL
En México no extrañaremos las voces que tan
bien encajaron en la primera película: Kuno
Becker prestará su voz a Rayo y César Bono a
Mate.
CARS 3 ARRANCARÁ EN CINES EL 3 DE JUNIO.
EL
VILLANO
DEL
VILLANO
Por querer robarse la luna en
la primera entrega, Gru afron-
tará a un villano que tiene
entre sus armas el moonwalk
de Michael Jackson.
POR ANAID RAMÍREZ
JUNIO LE TIENE preparadas noticias
buenas y malas a Gru (voz en español de
Andrés Bustamante). Las buenas son que
reaparecerá en la pantalla grande y que tiene
tres poderosas razones para festejar el Día del
Padre: Margo, Edith y Agnes, las tres niñas
huérfanas que lo convencieron de sacar su
lado tierno y descartar sus planes de robarse
la luna para convertirse en un papá ejemplar.
Al abrir el periódico también aparecerán
noticias no tan agradables, como que el
exvillano narizón tiene un hermano gemelo y
muy fastidioso, Dru, quien intentará
regresarlo al lado oscuro. Pero lo más
El villano es un
homenaje al crepé y
a las horribles
hombreras.
inquietante es que se topará con un viejo
conocido que, como es de esperarse, no tiene
las mejores intenciones.
Se trata de Balthazar Bratt, un tipo que
en su infancia protagonizó con éxito una
serie para niños llamada Evil Bratt hasta que
le llegó la adolescencia y el programa tuvo
que cancelarse. La frustración se apoderó de
él y empezó a buscar otras tácticas para no
perder fama: delinquir —cualquier parecido
con la vida real de exestrellas infantiles de
Disney es mera coincidencia—.
Es por eso que lo conocemos en su peor
momento como persona, pero en el mejor
como villano, ya que Bratt traza un malvado
plan para controlar a los seres humanos y a
los minions (¡banana!).
Pese a toda su maldad, el nuevo villano de
la franquicia tiene muchas cualidades
divertidas, tanto en habilidades como en
apariencia, mismas que ha presumido en
cuanto tráiler aparece. Todas ellas son dignas
de un chavorruco ochentero.
Y es que Balthazar puede hacer la goma
de mascar más grande y peligrosa, sus pasos
de baile son mortales y al mero estilo de
Michael Jackson —se rumora que el Rey del
Pop inspiró la creación de este personaje—, y
no dudará en utilizar la complejidad del cubo
Rubik para entretener al enemigo. Además,
aún es fan de las hombreras, los cassettes y
del cabello mullet.
Por si las cualidades del antagonista de
Mi villano favorito 3 no fueran suficientes, el
público latino tiene una razón extra para ya
querer conocer al señor del jumpsuit morado,
pues tendrá la voz de Jay de la Cueva. Sin
duda está hecho a la medida.
MI VILLANO FAVORITO 3 ESTARÁ EN CINES A
PARTIR DEL 30 DE JUNIO.
JUNIO 2017 39

NO HACÍA
FALTA VER
MÁS BOX
En esta esquina, un personaje
de peso completo para Luis
Gerardo Méndez.
POR ANAID RAMÍREZ
DESCUIDA. CLUB DE CUERVOS
no cambiará de rumbo. Si Luis Gerardo
Méndez aparece en la foto de arriba con
calzoncillos y guantes no es porque Chava
Iglesias se le vaya a poner al tú por tú a su
hermana Isabel (Mariana Treviño). Más
40 JUNIO 2017
bien viste así porque el actor tiene la
oportunidad de dejar en el ring al personaje
#hijodepapi por el cual se le reconoce a raíz de su
trabajo en la serie de Netflix y en la taquillera
Nosotros los Nobles, ambas de Gary Alazraki.
Con otras actuaciones y bajo la instrucción
de cineastas como Manolo Caro, Méndez ha
tenido la oportunidad de mandar a la lona a ese
par de juniors, aunque estos son una dupla
demasiado fuerte. Por fortuna, con Bayoneta hay
más esperanzas de que gane por KO.
La diferencia radica en que su actual coach
es menos comercial y más festivalero, Kyzza
Terrazas. El cineasta mexicano demostró desde
su debut (El lenguaje de los machetes) su
habilidad para trazar personajes complejos y
todo indica que su tercer largometraje
continuará por el mismo camino. Eso le
permitirá a Luis Gerardo encarnar un rol de
mucho mayor peso.
“Todo gira alrededor de un personaje
exiliado en un ambiente ajeno, desprendido de
todo lo que le es familiar. Sólo así comienza a
verse a sí mismo”, cuenta Terrazas.
Y es que Miguel “Bayoneta” Galindez, el
personaje principal y nuevo reto de Méndez, es
un boxeador mexicano que, por razones que se
Luis Gerardo Méndez
quitándose el tonito
de mirrey de pueblo
a trompadas.
revelarán a lo largo de la película, se encuentra
en una especie de destierro en Finlandia.
Acerca de filmar una cinta referente al box,
el también realizador de Somos lengua
argumenta que “en México hacía tiempo que no
se producía una película de este tema”.
Así que le platicó la propuesta al productor
Rafa Ley y le encantó, pusieron plumas a la obra
y empezaron a construir los conflictos del
pugilista con el apoyo del escritor Rodrigo
Márquez Tizano, a quien Terrazas describe como
“un erudito en el tema del boxeo”. Como podrás
vislumbrar hasta este punto, la cinta no se
convertirá en una especie de Rocky a la
mexicana.
De hecho, Terrazas confiesa que una de sus
principales referencias fue Fat City, “tanto la
novela de Leonard Gardner como la película de
John Huston”.
Méndez corre, prepara su mejor gancho al
hígado y también sus gestos más fulminantes. Y,
aunque todo se definirá al momento de la
función, en el cuadrilátero del cine hay muchas
razones para apostar por la victoria de Méndez el
actor y no la de Méndez el Noble.
BAYONETA ESTARENARÁ EN 2018.
¿A CÓMO
EL LITRO
DE
LECHE?
ZAC EFRON
¿Estará pasteurizada la estrella
de Baywatch?
POR CHRIS HEWITT
¿Cuánto es una pinta de leche?
¿Una pinta? Como 16 onzas.
Ok, ¿y cuánto cuesta?
Me la estoy pasando tan bien en estos días que no
tengo que preocuparme por el precio de la leche.
Así de bien estoy.
Piña en la pizza, ¿sí o no?
Por supuesto que sí. Me gusta lo ácido. Creo que
lo ácido mezclado con algo salado en la pizza va
muy bien con el queso y el sabor de la salsa de
tomate. Eso es lo que me dijo mi amigo chef.
¿Qué película has visto más veces?
La verdad es que sería algo que vi cuando niño.
Quizá Goonies. Pero también vi muchas veces
The Matrix cuando la estrenaron. Veo tantas
películas que mi mente se está convirtiendo en
una en sí misma.
¿Dónde guardas tus premios?
En un lugar muy seguro: se los doy a mis padres.
Mi mamá tiene algunos, mi papá otros. Tengo las
tablas de surf [de los MTV Movie Awards] en mi
casa porque se ven muy cool. Las tablas de surf
son siempre los mejores porque son por cosas
como Mejor Beso o Cantar sin camisa. Las cosas
importantes de verdad.
¿Tienes algún apodo?
La gente me dice Zee. Zac es técnicamente un
apodo, supongo, porque me llamo Zachary. Otras
personas me dice Shaggy y luego me pusieron
otro, Grem. No sé cómo me conseguí el último.
Estoy casi seguro de que significa Gremlin.
¿Quién es la persona más famosa con quien
podrías textear ahorita?
Salí a correr hace rato y no bromeo, estaba cerca
de mi casa y me topé con lo que parecía la
filmación de un video musical. Ahí encontré a
Millie Bobby Brown de Stranger Things, quien
estaba trabajando en eso. No nos conocíamos así
que nos dijimos hola. Supongo que podría
textearle ahora si quisiera.
Los alienígenas aterrizan y demandan ver
una doble función de Zac Efron o volarán
nuestro planeta. ¿Qué eliges?
¿Dos películas seguidas para salvar a la
humanidad? High School Musical y Baywatch.
Son los dos extremos del espectro. ¿Cómo
podrían destruir nuestro planeta después de
verlas? “¿Qué onda con este mundo? Deberíamos
largarnos antes de que nos contagien”.
¿A quién interpretaste en tu primera obra
de la escuela?
Fui Harold Hill en The Music Man. Yo era el
Music Man. Es un papel bastante complicado
para una obra escolar, pero la montamos
bastante bien. Allí es donde todo empezó, con esa
obra. Tenía 11 o 12 años.
¿Qué es lo mejor que te has robado de
algún hotel?
¿Qué no me he robado de un hotel? Siempre es
divertido usar las pantuflas en el aeropuerto al
día siguiente.
Fui a Dubai hace poco y empaqué mis zapatos
por accidente, así que ¿qué podía hacer? Usé las
pantuflas hasta que pasé Migración y volví a
Estados Unidos y comencé a hacer conferencias
de prensa usándolas.
En una escala del uno al diez, ¿qué tan
peludo es tu trasero?
[Se ríe] No es peludo por fuera. Es peludo donde
debe serlo. Diría que cinco y medio.
BAYWATCH SE ESTRENA EL 29 DE MAYO.
JUNIO 2017 41
 S I VA LE L A PENA Y ESTÁ EN CARTELERA, SEGURO ESTÁ AQUÍ

EXCELENTE BUENA PASABLE POBRE TERRIBLE

42 JUNIO 2017
 cine

GUARDIANES DE
LA BAHÍA
ESTRENO 16 DE JUNIO
116 MINUTOS

DIRECTOR Seth Gordon

ELENCO Dwayne Johnson, Zac Efron
y Alexandra Daddario

SINOPSISEl socorrista Mitch Buchannon

(Johnson) debe instruir al nuevo integrante del
equipo, Matt Brody (Efron), mientras tratan de
desmantelar a un grupo de mafiosos.

“CUANDO ESCASEAN LAS IDEAS

originales, lo mejor es ir al pasado”. Éste es el
lema actual de Hollywood y lo sigue fielmente.
En esta ocasión se fueron a buscar inspiración a
los 90 y encontraron la serie de TV más icónica
de dicha década, Guardianes de la bahía, que
duró 11 temporadas con David Hasselhof al
frente del elenco.
La historia actual presenta a Mitch
Buchannon (Dwayne Johnson), el líder del
equipo de rescate de una playa que se toma muy
en serio su trabajo, lo que le causa conflictos con
la policía local.
La cinta comienza con la entrada de nuevos
reclutas al escuadrón de rescate: la bella bióloga
marina Summer Quinn (Alexandra Daddario), el
torpe regordete Ronnie Greenbaum (Jon Bass) y
el rebelde excampeón olímpico Matt Brody (Zac
Efron). Todos tendrán que dejar a un lado sus
diferencias y empezar a trabajar juntos si
quieren proteger a la bahía de la fuerte droga que
amenaza sus aguas.
Seamos honestos: no podemos ponernos
exigentes cuando sabemos que la película está
basada en un programa que abusaba de escenas
en cámara lenta para ver, cuadro a cuadro (y con
la Phantom) cómo se movían las boobs de sus
protagonistas mientras corrían por la playa.
Hay problemas que impactan negativamente
a esta producción. La trama es tan elemental que
no necesita una duración de una hora con 45
minutos: después de la mitad la empiezas a
sentir pesada.
No todo está perdido para Guardianes de la
bahía. Hay un elemento salvavidas que se
mantiene gracias a la gran química entre Dwayne
Johnson y Zac Efron. Las mejores escenas son
cuando ambos se están peleando, insultando o
besando. Su carisma hace que este bote no se
hunda... tan rápido. STIVI DE TIVI
Daddario con su
carita de asustada y
VEREDICTO Existen tres razones para verla: los
Efron con su carita de
cuerpos de los actores; el exceso de chistes
menso: ambos lucen
sexuales ¡y David Hasselhoff!
bien en traje de baño
y de gala.

JUNIO 2017 43

cine
COLOSSAL
ESTRENO 18 DE MAYO
109 MIN
DIRECTOR Nacho Vigalondo
ELENCO Anne Hathaway, Jason Sudeikis,
Dan Stevens, Tim Blake Nelson
SINOPSIS En Seúl, una bestia enorme (un kaiju)
aparece intempestivamente para sembrar caos
en la ciudad. Mientras tanto, en Estados Unidos,
una desastrosa treintañera (Anne Hathaway) está
tocando fondo. Parece extraño, pero ¿podrían
estas dos situaciones estar conectadas?
LAS PELÍCULAS DE MONSTRUOS se
tratan de caos, confusión y desorden —las sirenas
resonando mientras las bestias con pantorrillas
del tamaño de rascacielos caminan pateando
44 JUNIO 2017
cuadras enteras—. Aquí entra el maverick
español Nacho Vigalondo. Su trabajo hasta ahora
tiene la forma de un montón de obras de género
de bajo presupuesto que se resisten a la
categorización.
Su debut en 2007 fue con Timecrimes, una
película de suspenso de viajes en el tiempo que te
pone las neuronas de cabeza y que fue rodada por
el precio de una llanta de un DeLorean.
Extraterrestrial, de 2011, es a su vez una farsa
romántica cuyo plus es una nave espacial.
Ahora, Colossal es un mejunje muy original
que parece un cruce entre un drama indie, como
para Sundance, y una película de cine B de mal
gusto. Al desplegar con inteligencia sólo pocos
efectos —el presupuesto fue de apenas 15
millones de dólares—, tiene la libertad de ir a
donde quiera. Y vaya que va a lugares extraños.
La heroína es Gloria (Anne Hathaway), una
fiestera en espiral descendente que no está muy
lejos de su personaje en Rachel Getting Married.
Cuando su novio la deja (un Stevens ligeramente
desperdiciado), regresa al pueblo donde creció.
Aquí: Ahorita sí
platican muy
tranquilos y risueños,
¡ah, pero anoche...!
Allí es donde las cosas comienzan a ponerse, no
sólo feas, sino lo que le sigue.
Después de una noche de borrachera —con
blackout incluido—, despierta y ve un noticiario
en la tele con imágenes de un monstruo tipo
mantis religiosa gigante que está desatado en
Corea del Sur. Eso es preocupante en sí mismo.
Pero lo que de verdad la saca de onda es notar que
comparte un tic nervioso con el monstruo:
rascarse la cabeza.
Y ahí nos detenemos —es mejor verla sin
saber más que esto—, pues todavía hay más giros
alucinantes. Aunque a primera vista parece que
Vigalondo mezcló dos tipos muy distintos de
filmes —Titanes del Pacífico con Invierno
profundo— lo que ha hecho es encontrar una
manera ingeniosa de explorar temas tan densos
como las relaciones abusivas, la empatía y la
adicción. Y aunque tiene bastantes momentos
graciosos, para el tercer acto ya se ha tornado en
algo tan oscuro como apasionante, lo que ocurre
gracias a las fuertes interpretaciones de
Hathaway y Jason Sudeikis. Es el mejor filme de

ella en años, turnándose entre ser agradable y
enloquecedora, y trabaja el arco dramático de
su personaje de forma que se siente posible
pese a la situación tan extraña.
Sin embargo, el trabajo más impresionante
es el de Sudeikis, un actor que ha rondado con
demasiada frecuencia los papeles de tipo
amable. Aquí, alegremente subvierte las
espectativas y podría ser lo mejor de su carrera.
En un verano dominado por películas
diseñadas para dar pie a otras, es refrescante
ver una que está claramente contenida en sí
misma. No hay ninguna posibilidad de que la
criatura de Colossal se enfrente a Godzilla o a
King Kong. Es el tipo más raro de filme de
monstruos: uno en el que los humanos son la
parte más interesante. NICK DE SEMLYEN
VEREDICTO Lograda con el presupuesto que
cubriría apenas el bicep de Kong, Colossal
es divertida e inteligentemente ilmada. Su
argumento será un tema del que se hablará
por mucho tiempo. O sea: corre a verla.
cine
DESPUÉS DE LA TORMENTA
DIRECTOR Hirokazu Koreeda
ELENCO Hiroshi Abe, Yoko Maki
y Yukiyoshi Ozawa
ESTRENO 26 DE MAYO / 117 MINUTOS
ENCONTRAMOS UN ERROR en el dicho
popular que reza: “Después de la tormenta
viene la calma”. En realidad debe ser:
“Después de la tormenta es momento de
reconstruirlo todo”. O por lo menos eso es
lo que sucede en el ilme del japonés
Hirokazu Koreeda, Después de la tormenta
(Umi yori mo mada fukaku), que estrenará a
casi un año de haberse proyectado en el
Festival de Cannes.
A menudo comparado erróneamente
con su compatriota Yasujiro Ozu —por la
sobria puesta en escena de ambos—,
Koreeda reairma en su más reciente relato
que posee la coherencia estética y temática
que sólo los grandes directores consiguen.
Es decir, el también director de Nuestra
pequeña hermana vuelve a sus
característicos planos prolongados, que
ofrecen un tempo narrativo dilatado, para
diseccionar a una familia en crisis por la
ausencia o incapacidad del padre, situación
ante la cual emerge la igura de la mujer
para ordenar el caos familiar con su palabra.
Todo lo contrario a lo que sucede en el cine
de Ozu, y ahí radica la diferencia entre
ambos cineastas.
Estamos, por tanto, en una sociedad
japonesa moderna, pero no por ello exenta
de problemas sociales: Shinoda Ryôta
(Hiroshi Abe) es un hombre maduro que,
como el árbol que plantó en la casa de sus
padres cuando era niño, se encuentra en la
plenitud de su vida pero es incapaz de dar frutos.
Y es que después de ganar un premio literario
hace mucho tiempo con su primera novela, ahora
vive de manera parasitaria y sueña con que las
apuestas o la lotería lo sacarán de pobre, algo
similar a lo que hacía su difunto padre.
Con el pretexto de documentarse para un
nuevo libro, Ryôta “se gana la vida” como
detective privado especialista en inidelidades.
Estafando vilmente a sus clientes y empeñando
objetos de la casa de su anciana y sabia madre,
el fracasado escritor intenta conseguir dinero
para pagar la pensión a su exesposa (ya en una
relación con otro hombre, por completo opuesto
a él) y así poder ver a su hijo una vez al mes.
Sin embargo, a Ryôta todo le sale mal. Así
que, desesperado, una tarde de domingo,
mientras se anuncia la devastadora presencia de
un tifón, urde un plan para solucionar sus
problemas. Después de la tormenta no habrá
marcha atrás. Ryôta debe reconstruir su vida o,
por lo menos, dejar de destruir la de sus seres
queridos. No hay punto de retorno para el
personaje, aunque se proteja de la lluvia:
sabemos que el agua se le ha iltrado hasta el
punto más interno de sí mismo.
Saber desprenderse de las cosas aunque sea
doloroso, el sacriicio por los hijos, la
reconciliación con los padres, la falta de espacios
y trabajos para personas con una sensibilidad
distinta en las sociedades contemporáneas y,
sobre todo, transformar el destino que parece
inexorable, son algunas de las temáticas que se
desprenden de este notable ilme. NOÉ SOTELO
VEREDICTO: Si algo aplaudirás de esta película,
es su enorme capacidad de despertar tu
relexión e imaginación al unísono.
JUNIO 2017 45
 CINE
¡HUYE!
AHORA EN CINES
104 MINUTOS
DIRECTOR Jordan Peele
ELENCO Daniel Kaluuya, Allison Williams
y Bradley Whitford
SINOPSIS Ese momento en el que hay que
conocer a los padres del novi@ ha llegado a
Chris, un hombre afroamericano, y a Rose, una
mujer blanca de familia acomodada. El plan es
pasar el fin de semana en la residencia de los
papás de ella, pero Chris pronto nota que, tanto
la familia como los invitados, tienen un
comportamiento por demás raro.
AQUÍ NO HAY MONSTRUOS, brujas o
poltergeists. Tampoco conocerás a exorcistas,
inquisidores o cazafantasmas, pero como si se
tratara de una película con elementos
demoniacos —el caso de aquellas que están bien
trabajadas—, con ¡Huye! de veras sentirás miedo.
El director Jordan Peel, reconocido por sus
guiones y actuaciones para la pantalla chica (Key
& Peele), desarrolla su primer largometraje con
base en una premisa digna de La dimensión
desconocida. Y es que se apoya de la ciencia
ficción, construida aquí a partir de la hipnosis,
para realizar una crítica hacia su contexto social,
que es ni más ni menos que el racismo aún
presente en la sociedad estadounidense.
Como le ocurre al protagonista de esta
película, Peel nos sumerge en un trance, sólo que
el director lo hace con la finalidad de obligarnos a
seguir el relato íntegramente. Para conseguirlo
recurre a “puntos focales” —citando a uno de los
personajes de la cinta—. Uno de ellos es la
dinámica amorosa de Chris Washington (Daniel
Kaluuya) y Rose Armitage (Allison Williams): él
es fotógrafo con buen ojo que está un poco
incómodo ante el primer encuentro con la
familia blanca y adinerada de su novia y le
preocupa que no les ha “advertido” que es de
raza negra.
Del otro lado del péndulo está el misterioso
vínculo que hay entre la profesión de la madre de
Rose, la psicoanalista Missy (Catherine Keener),
el resto de los invitados del fin de semana, que
46 JUNIO 2017
también son de raza blanca y burgueses, y los
sirvientes afroamericanos de los Armitage, cuyo
comportamiento es tan extraño que hablar de
algo tan cotidiano como la limpieza puede
desencadenar en ellos carcajadas o gestos de
tristeza, incluso el llanto.
Si crees que con esos elementos ya
desmenuzaste el misterio, estás en un error. Peel
construyó giros de tuerca no drásticos pero sí
interesantes que cobran sentido y forma
conforme avanza el fin de semana para Chris y
Rose. El realizador da pistas, momentos
turbulentos y situaciones que ponen a prueba la
angustia de cualquiera.
La parte crítica que acompaña ese ir y venir
se emplea de una manera inteligente. El cineasta
saca sus habilidades de comediante para
dibujarnos una sonrisa, incluso carcajadas, con
sus sarcásticas líneas acerca del racismo (“el
negro es lo de hoy”, “lo hacen para tener
esclavos... sexuales”); pero esos diálogos cambian
paulatinamente su intención y se convierten en
detonantes de tensión y de horror, sin por ello
dejar de ofrecernos situaciones cómicas.
A estas virtudes se suma el elemento gore
que se hace presente hacia las últimas
secuencias. No son muchas y apenas ofrecen
chorros —no litros— de sangre, pero nos dejan
satisfechos gracias a lo explícito de sus imágenes
y a la atinada mezcla y edición de sonido.
Las actuaciones están a la altura de la
producción y del tono que requiere el guion.
Daniel Kaluuya, quien logró clavarse en nuestra
memoria luego de trabajar en un capítulo de
Black Mirror (“Fifteen Million Merits”), nos
convence de sus dudas, miedos y bondad a través
de la expresión de sus ojos; además, logra buena
química con Allison Williams (Girls). El impulso
para ambos actores es, al menos lo que se refleja
en pantalla, la experiencia de Keener y de
Bradley Whitford, a quienes al final les tendrás
miedo. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO ¡Huye! no alcanza la perfección. Sin
embargo consigue su objetivo y, sin duda,
entrará al cuadro de honor cinematográfico de
familias con patologías, al lado de cintas
como la basada en hechos reales El clan
(Pablo Trapero), la incestuosa y sangrienta
Cita de sangre (Sean Byrne), y otras más
dignas de un intenso análisis psicológico.
JUNIO 2017 47
 CINE

MAQUINARIA EXISTEN VARIAS RAZONES para

considerar a Maquinaria Panamericana como
a resquebrajarse con la inesperada muerte del
dueño, quien al silenciar la quiebra de su

PANAMERICANA una de las más interesantes y bien logradas

ESTRENO JUNIO 2
90 MINUTOS
DIRECTOR Joaquín del Paso
ELENCO Javier Zaragoza, Irene Ramírez
y Ramiro Orozco
SINOPSIS El dueño de la empresa Maquinaria
Panamericana murió en las instalaciones. Todos
los empleados se entristecen por la pérdida de
este ser humano, pero cuando descubren que la
compañía estaba en quiebra y que el patrón
pagaba de su bolsa el sueldo de todos, discuten
y deciden unir esfuerzos para no revelar la crisis
hasta que encuentren la forma de no quedarse
sin trabajo.
óperas primas mexicanas que han llegado a la
cartelera en los últimos años, sobre todo por la
claridad y honestidad que se hacen efectivas en
la propuesta.
Se trata de una comedia negra en toda la
línea que originalmente se planteó para un
contexto rural, pero a raíz de que el director
Joaquín del Paso descubrió las instalaciones de
una nave industrial en la Ciudad de México a
punto de ser demolida, termina por desarrollarse
en las entrañas de la misma y convertirse en una
poderosa analogía del anacronismo social y la
despiadada orfandad que acecha a los empleados
atrapados en los sistemas empresariales.
Aquí vemos un microcosmos enraizado e
ignorado detrás de las paredes de las
instalaciones de una fábrica, que después de años
de estar sumergido en la mediocridad comienza
empresa se había convertido en un secreto
benefactor para sus trabajadores.
Estos, al ver alterada de manera tan drástica
su realidad, deciden ocultar la tragedia en un
desesperado intento por mantener su endeble y
somnolienta rutina que creían eterna, y ello los
empuja a enfrentar las situaciones más insólitas
e ir perdiendo el control de sus emociones.
Destaca la forma en que la película evita los
alardes técnicos, apostando por un desarrollo sin
efectismos o rodeos innecesarios. Aquí el humor
es igual al desencanto, y el contraste ideal para
hacer una reflexión sobre aquellos que han
quedado atrapados en los mecanismos obsoletos
de un sistema que se sumerge en el sinsentido.
Maquinaria Panamericana transpira
humanidad en cada instante, gracias a que gran
parte del elenco lo integran actores no
profesionales —algunos de ellos incluso fueron

48 JUNIO 2017

Los empleados de
la empresa
Maquinaria
Panamericana dan
cátedra de lo que es
el trabajo en equipo.
trabajadores de la fábrica en cuestión— y
también del buen quehacer del director que, en
términos generales, saca el mayor provecho de
los intérpretes.
Aún así, hay que decirlo, una de sus mayores
fortalezas es a la vez su debilidad. A raíz de no
apoyarse en actores naturales, la película no
alcanza el absurdo prometido hasta sus últimas
consecuencias, aflojando el ritmo a la hora de
llegar al clímax y perdiendo cierta contundencia
hacia su parte final. Por fortuna, su discurso no
pierde consistencia y mantiene enganchado al
espectador de principio a fin. JESÚS CHAVARRÍA
VEREDICTO Una cinta que encuentra en la
austeridad una de sus virtudes, en la
honestidad el sustento para el lenguaje fílmico
y en el humor la mejor forma de acentuar las
implicaciones de un discurso crítico,
inteligente y —tristemente— cargada de
enorme vigencia. No dejes de verla.
FAIRY TAIL: DRAGON CRY
AHORA EN CINES / 76 MINUTOS
DIRECTOR Tatsuma Minamikawa
VOCES Makoto Furukawa, Aya Hirano
y Yuri Horie
La puerta a través de la cuál empezaron a
llegar propuestas de animación japonesa a
las carteleras cinematográficas de nuestro
país —¡gracias, Studio Ghibli!—, y que se
entreabriera hace apenas algunos años, hoy
parece estar de par en par, en gran parte, a
raíz del trabajo colaborativo entre
Konnichiwa Festival y Cinépolis.
Es por eso que hoy en día incluso han
entrado producciones derivadas de
populares franquicias propias de la televisión
japonesa a nuestro país.
En esa situación se encuentra Dragon
Cry, dirigida porTatsuma Minamikawa. La
película retoma el manga Fairy Tail,
planteada dentro de un universo que gira
alrededor de unos supuestos gremios de
magia —algunos legales, otros clandestinos del sentido épico de la trama y el humor,
y oscuros—, entre los que Fairy Tail es el resultando muy entretenida tanto para el
más poderoso. público infantil como para los adultos.
A esta última agrupación pertenece el Sin embargo, lo disfrutable de la cinta va
personaje central del filme, Natsu Dragneel, mucho en función de qué tanto se tengan
uno de los pocos sujetos que poseen antecedentes de la saga y se conozca a los
habilidades tipo dragón —conocerás su roles principales.
encanto cuando veas la película—. El desarrollo es trepidante, no hay
En cuanto a la historia que veremos, se demasiados rodeos y estira adecuadamente
trata de la nueva misión para Natsu. Esta vez los puntos de tensión en los combates,
debe recuperar un artefacto místico capaz dándole su lugar a cada uno de los elementos
de acabar con el mundo y que, a causa de fantásticos que definen la fuente original.
un traidor, cae en manos del Reino de Stella, JESÚS CHAVARRÍA
el territorio enemigo.
La película resulta en un shonen —el VEREDICTO Una película que aprovecha las
subgénero del manga que engloba posibilidades que ofrece el anime para
conceptos de aventura enfocados al público montar un espectáculo muy divertido con
joven— en toda la extensión de la palabra. drama y momentos mágicos. No esperes
Y no sólo tiene las dosis necesarias de una obra de arte, su único objetivo es el de
acción y melodrama según dicta la receta, satisfacer a los fans y, toma nota: en eso
igualmente logra una estupenda conjunción no falla.
JUNIO 2017 49
49

cine
LAS HIJAS DE ABRIL
ESTRENO JUNIO 23
93 MINUTOS
DIRECTOR Michel Franco
ELENCO Ana Valeria Becerril, Emma Suárez
y Joanna Larequi
SINOPSIS Valeria (Ana Valeria Becerril) está en el
último tercio de su embarazo y ninguno de sus
padres lo sabe. Su hermana mayor, Clara
(Joanna Larequi) la convence de contárselo a
su madre y ésta vuela de inmediato para
encontrarse con ellas y apoyar a la menor,
pero su compañía resulta ser
contraproducente para todos.
NADA LE IMPIDE A EMMA
SUÁREZ saltar de un polo al otro y menos
hacerlo casi de inmediato. Mientras que en el
pasado su maternidad almodovariana
(Julieta) la condujo por un estado de soledad y
nostalgia, que tan sólo de mirarla y escucharla
daban ganas de correr a abrazarla, el rol
materno que asume en el nuevo largometraje
de Michel Franco, Las hijas de Abril, la lleva al
lado opuesto.
En los primeros minutos de la cinta
sabemos que esta vez es ella, con el personaje
50 JUNIO 2017
de Abril, la pieza ausente. Pero a diferencia de la
madre abandonada que encarnó en Julieta y que
emprende una travesía para encontrarse con su
descendiente, las dos hijas desterradas que traza
Michel deciden no buscar a la madre, pues
prefieren mantenerse alejadas de ella y marcan
aún más su territorio cuando la menor, Valeria,
queda embarazada apenas a sus 17 años y no se lo
ha contado a sus padres.
Los gastos médicos obligan a Clara (Joanna
Larequi), la mayor, a comunicarlo a Abril y ella
acude en su auxilio. Se aparece con maletas y los
brazos abiertos, con su acento español y un
montón de palabras para reconfortarlas luego de
su separación, con ideas emprendedoras y una
mente muy abierta. No hay regaños por parte de
la madre y tampoco las adolescentes desean
reprocharle nada.
Pero hay algo en ese armónico y perfecto
reencuentro que no encaja. La expresión de la
Abril de Suárez y la cámara fija de Franco
sugieren que algo no muy alentador ocurrirá. Y
es que estamos por ver a una de las peores
madres que ha mostrado el cine mexicano:
traición, venganza y más separaciones son una
manera sencilla de reducir lo que está por
suceder en pantalla.
Las hijas de Abril le funciona a Franco para
concretar su estilo. No es condescendiente con
sus personajes; cada acción y diálogo están
pensados para llevarlos a la asfixia. La triada de
mujeres de esta cinta, al no resistir, se ven
obligadas a tomar resoluciones drásticas y hasta
Abril, Clara y Valeria
esperando en Puerto
Vallarta la llegada de
junio, julio y agosto.
enfermizas, como antes lo hicieron Roberto
(Hernán Mendoza) cuando buscó justicia para su
hija (Tessa Ia), en Después de Lucía, y Mónica
(Mónica del Carmen), quien desesperada por la
falta de recursos hizo hasta lo imposible por
devolverle la vista a su hijo en A los ojos.
Y sí, otra vez son contados los movimientos
de cámara y hay escenas de sobra que
disminuyen el ritmo de la película, pero no creas
que verás más de lo mismo porque esta vez
Franco le da un pequeño giro al rol de la víctima
en turno. No te contaremos el desenlace, pero
podemos decir que, si no plenamente feliz, sí es
más digerible.
Asimismo, el filme le sirve al realizador
mexicano para construir, al lado y con el apoyo
de Suárez, al que quizá sea el personaje más
convincente de su cine. Además de ser un
impulso para sus jóvenes compañeras de elenco,
la actriz ibérica hace notar la fuerza de su rol
pese a mantenerse en un estado ausente. De
haber querido abrazarla hace un año, ahora
damos gracias de no hacerlo. Cada gesto que
muestra y cada decisión que toma nos hace
pensar que es preferible la orfandad a tener una
madre como ella. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO La trama es interesante gracias a
los giros que toma. Es sólo que para llegar a
ellos hay que alimentar un poco la paciencia.
El trazo de Abril es de lo más sobresaliente de
la cinta, pero es claro que no tendría el mismo
efecto de no ser por Emma Suárez.

CINE
UN HOMBRE GRUÑÓN
ESTRENO 9 DE JUNIO
116 MINUTOS
DIRECTOR Hannes Holm
ELENCO Rolf Lassgård, Bahar Pars y Filip Berg
SINOPSIS El mal humor y Ove (Rolf Lassgård) son
uno mismo. Lo constan sobre todo sus vecinos,
pues toma medidas extremas para poner en
cintura a quien no acate las reglas de
convivencia, pero todo eso podría cambiar
cuando una nueva familia llega a la calle.
EN EL TRABAJO ACABAN de jubilarlo,
en su calle tiene unos vecinos muy molestos y en
el supermercado los precios no coinciden
—quieren cobrarle un ramo de flores como si
fueran dos—. Pareciera que el mundo no es muy
amable con Ove (Lassgård), pero lo que más le
pesa es que hace seis meses que falleció su
esposa. Así concluye que es tiempo de suicidarse.
Es por eso que Un hombre gruñón, el nuevo
largometraje de Hannes Holm (Behind Blue
Skies) nos convierte en acechadores de Ove. Los
intentos del don de 59 años por quitarse la vida
pronto se convierten en un ritual: busca su mejor
traje, se unta perfume, mira alguno de los
retratos de su esposa y luego elige alguna
estrategia para coquetearle al fin de su
existencia... pero siempre algo sale mal.
Ver a alguien morir no es sencillo. Observar a
Lassgård con el rostro cambiándosele de color y
gesticulando a causa de la asfixia requiere de
valor. Pero el director nos convence de aguantar
unos segundos esa desesperación y seguir la
trama gracias a que dota de significado esos
momentos. Los “ensayos” de suicidio tienen
como objetivo trasladarnos al pasado del
personaje central y entender las motivaciones de
su permanente estado grumpy.
Algunos otros flashbacks no son cortesía de
esos instantes previos a la muerte en los que “ves
tu vida pasar”, sino por la llegada de una nueva
vecina a la calle, Parvaneh (Bahar Pars), una
joven mujer que decide ignorar el malhumor de
Ove y logra descubrir su lado amable.
Esos saltos temporales entre el presente y el
pasado se acompañan de otros contrastes que
funcionan de manera individual. Por un lado está
el rol de Ove, a veces es personaje y otras más
narrador, lo que le da dinamismo y ritmo a la
película. Por otro, nos encontramos con la
sensación odio y luego amor que provoca el
protagonista, pues mientras escarbamos para
descubrir el origen de su pésima actitud, le
conocemos matices dulces y honestos que
provocan que se gane nuestro afecto.
Dichas dualidades también engranan para
conseguir logros en conjunto; nos muestran cada
ángulo del personaje que creó en 2012 Fredrik
Backman en la novela que sentó las bases y el
nombre de esta cinta, e igualmente convierten a
esta producción sueca en ejemplo para el cine
hollywoodense al momento de retratar de una
forma mejor estructurada la edad adulta.
Y todo ocurre de manera cotidiana: Ove
podría ser el vecino cascarrabias que no puede
faltar en la colonia; los momentos que te
quitarán la sonrisa no son causados a punta de
pellizcos (Antes de partir), sino por la nostalgia
que recrea, y la comedia no es una suerte de
pastelazos (Último viaje a Las Vegas), pues la risa
te llegará a cuentagotas pero será por la relación
del protagonista con su entorno inmediato.
Las actuaciones aportan al disfrute de la
película. Cada grito, insulto y mirada
melancólica del papel principal cobra vida y peso
gracias al trabajo de Lassgård, quien hace una
interpretación muy natural.
La cinta no está exenta de achaques. La
historia de amor que ofrece en paralelo no sale
triunfal. No puede evitar ser “más de lo mismo”
al momento de presentarnos a una pareja a
partir de una retrospectiva. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Un retrato natural sobre la edad
adulta y la dinámica vecinal, pero su guiño
romántico no ofrece alguna novedad, aunque
da algunos detalles que la libran del cliché.
EL HOMBRE QUE VIO DEMASIADO
ESTRENO 23 DE JUNIO / 88 MINUTOS
DIRECTOR Trisha Ziff
A SUS NUEVE AÑOS, Enrique Metinides ya
fotografiaba accidentes y cadáveres. A esa
misma edad se convirtió en periodista
gráfico de nota roja en La Prensa. Con más
de 50 años de oficio y retratos de tragedias
valuados como piezas de arte, hay mucho
que Metinides tiene para contar, y Trisha Ziff
(La maleta mexicana), te lo va a describir.
Si algo queda claro con El hombre que
vio demasiado es que, si la trayectoria de
Metidines ameritaba una película, además se
justifica por todas las lecturas que el tema
invita a hacer. Lo mismo reflexiona acerca de
la muerte en la cultura mexicana que las
discrepancias en el ejercicio del
fotoperiodismo en diferentes países, tanto
en cuestiones editoriales como en el marco
legal.
Para llevar a cabo estos ángulos, Ziff se
acerca a personas que se han involucrado
con el fotógrafo en diferentes esferas.
Platica con las hijas para conocer las
manías, las ausencias y su sensibilidad en la
cotidianidad. Charla con los colegas para
explorar el lado profesional y los riesgos que
se tienen en ese negocio. Entrevistó a
visitantes y curadores de su exposición en la
Galería Anton Kern, en Nueva York, entre
ellos el compositor Michael Nyman, para
descubrir las impresiones de su trabajo
como piezas de arte —“Te hace sentir como
un mirón en la carretera”, se dice en uno de
los testimonios—.
En esa recopilación de entrevistas, que
se alternan con imágenes capturadas por el
fotógrafo, no podían faltar las palabras del
propio Metidines. La charla que tiene Ziff
con él es para conocer el origen de todo —el
negocio de cámaras que tenía su padre y la
administración del cine Roxy por parte de su
hermana—, las peripecias que hizo para
conseguir las mejores capturas y la forma en
que lo conmociona ser testigo del aumento
de la violencia en México.
El ensamble de todos estos elementos
es ágil: se recopilan los testimonios
adecuados, las imágenes seleccionadas
aportan al relato y la música incidental hace
su parte para hipnotizar. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Un fotógrafo visto a través de
una lente, pero de una en movimiento que
permite un retrato dinámico y a la vez
estremecedor. No te la pierdas.
JUNIO 2017 51
 CINE
TODO, TODO
ESTRENO 23 DE JUNIO
156 MINUTOS
DIRECTORA Stella Meghie
ELENCO Amandla Stenberg, Nick Robinson,
Anika Noni Rose, Ana de la Reguera
SINOPSIS Maddy es una joven de 17 años con
inmunodeficiencia combinada grave (SCID, por
sus siglas en inglés), una rara enfermedad que la
ha obligado a encerrarse en un entorno
esterilizado desde que tiene uso de razón.
Cuando un nuevo chico se muda a la casa de al
lado, la cómoda vida que ha logrado en los
confines de su hogar comienza a quedarle corta.
LA LITERATURA JUVENIL está
teniendo su momento. De eso no hay duda. Y el
cine se está sirviendo a manos llenas de ella. El
más reciente ejemplo es Todo, todo, la novela
bestseller de Nicola Yoon.
Sin embargo, no todas las adaptaciones del
género YA (Young Adult) pueden convertirse en
la siguiente Bajo la misma estrella.
Todo, todo quedará desafortunadamente por
debajo del éxito de la mencionada cinta sobre el
libro de John Green, que arrasara en taquilla y
enloqueciera a las audiencias. Las razones son
múltiples: desde un material de origen más
reacio a traducirse al lenguaje visual, hasta un
reparto desigual y una dirección un tanto
dispersa.
En un principio el filme se toma el tiempo de
presentarte a Maddy e introducirte en su
pequeño mundo, un rico microcosmos que no
está limitado por las barreras físicas que
presupone no poder salir de casa. Conocerás a su
aprehensiva madre, doctora de profesión y
responsable de llevar su caso clínico. Está la
enfermera bonachona quien, además de cuidarla,
es quizá su única amiga. Verás el intrincado
sistema que mantiene el inmueble sellado y a los
gérmenes fuera, pues el más mínimo contacto
con ellos puede resultar en la muerte de la joven.
Es importante que el relato nos haga
partícipes de la intensa vida interior y rutina de
la protagonista —internet, chats, libros, películas,
rituales, cursos online— para darle un dejo de
credibilidad al hecho de que una adolescente sea
capaz de disfrutar tan constreñida existencia y
esté conforme con ella. Asimismo, es relevante
para perfilarla y justificar su personalidad alegre,
curiosa y hasta intelectualmente precoz.
Pero no es una bacteria la que viene a
romper su perfecto ecosistema, sino el chico que
52 JUNIO 2017
llega a vivir puerta con puerta. Su ropa negra, tan
fuera de lugar bajo el sol californiano, anuncia
que no se trata del típico chavito de prepa. Olly
porta su oscuridad también por dentro; lidia con
un padre alcohólico, anda en patineta y posee la
combinación perfecta de sarcasmo, sensibilidad
e inteligencia.
Sobra decir que Maddy se enamorará
irremediablemente de él y se rebelará en contra
de las rígidas reglas que la rodean.
Más allá de ser una historia sobre el
crecimiento y la fuerza del primer amor, la
premisa de la cinta (que recuerda un poco a la de
El chico de la burbuja de plástico, con John
Travolta) abre una interesante discusión en
torno a la sobreprotección y la dificultad de los
padres por soltar a los hijos. Además, de manera
indirecta plantea cómo la tecnología ha
cambiado la forma en que los seres humanos
interactúan, fomentando la creación de
sociedades aisladas y ermitañas. Porque, seamos
sinceros, ¿cuántos de ustedes elegirían salir a la
calle si pudieran vivir en un impresionante
caserón totalmente equipado, con wi-fi
ininterrumpido y todas sus necesidades
resueltas las 24 horas del día? Tal vez en este
mismo punto resida su debilidad narrativa:
buena parte del cortejo entre los chicos ocurre
de manera virtual y, aunque la directora intentó
darle la vuelta a este obstáculo, los recursos cuasi
oníricos que utiliza –Meghie dice haberse
inspirado en filmes como Eterno resplandor de
una mente sin recuerdos y La gran belleza–, no
funcionan del todo.
El elenco, por su parte, también queda a
deber. Si bien la pareja central tiene química y
Amandla Stenberg es una figura juvenil que está
llamando la atención no sólo como actriz sino
como activista, compositora, bloggera, icono de
moda y escritora de novelas gráficas, son los roles
adultos los que se sienten más débiles. Ana de la
Reguera (la enfermera Carla) y Anika Noni Rose
(la madre) hacen su mejor esfuerzo en papeles
desdibujados que, a todas luces, son producto de
un material poco trabajado.
Arriesgarse por amor, la intensidad de la
juventud y sobrepasar las barreras
autoimpuestas o externas son loables mensajes
que intenta transmitir la película, pero la
inverosimilitud de ciertas situaciones nos
impiden digerirlos del todo. JACQUELINE WAISSER
VEREDICTO Un intento mediano por adaptar un Arriba: Ana de la
exitoso libro que, sin embargo, no es muy Reguera en pleno
conocido en México. Recomendable para el chisme de lavadero.
target teen que disfruta de esta literatura y Abajo: Maddy y Olly
que quiere ver una tierna historia de amor anhelando estar en
posmillennial. El soundtrack amerita una un chisme de
mención aparte. lavadero.
JUNIO 2017 53
 JUEGO SINIESTRO
DIRECTOR Dorian Fernández-Moris
ELENCO Milene Vásquez, Matías Raygada
y Hernán Romero
AHORA EN CINES / 86 MINUTOS
ASÍ COMO ESTADOS UNIDOS tiene El Aro y
en México está Kilómetro 31, por dar
ejemplos, la franquicia peruana de horror se
llama Cementerio general; aunque aquí sólo
veremos la tercera entrega y será bajo el
nombre Juego siniestro. Y como los
modelos mencionados al inicio, la saga de
Dorian Fernández-Moris no es la de mejor
calidad que digamos.
El cineasta retoma dinámicas muy vistas
en el género, como la de madre soltera e
hijo, la confrontación de la ciencia con lo
sobrenatural y los juguetes que funcionan
solos. Aunque se nota el esfuerzo de
Fernánez-Moris por hacer con ellos lo mejor
posible, hay elementos que mantendrán al
margen los sobresaltos. AR
PELÉ: LA PELÍCULA
DIRECTORES Jeff Zimbalist y
Michael Zimbalist
ELENCO Kevin de Paula, Vincent D’Onofrio,
Rodrigo Santoro
ESTRENO JUNIO 2 / 107 MINUTOS
LA PELÍCULA BIOGRÁFICA del mejor
futbolista de todos los tiempos es un
autogol. Y no lo es por la historia, pues la
vida de Pelé es inspiradora: salió de una de
las zonas más pobres de Sâo Paulo y se
convirtió en el líder de la selección que le dio
a Brasil su primera Copa del Mundo.
El mal tino de la cinta radica en su
ejecución. La actuación de su protagonista
(Kevin de Paula) es un tanto incipiente, el
sentido nacionalista llega a opacar a la
igura y hay varias contradicciones
culturales. Pese a eso, puede ser
entretenida para los fans del balompié y se
agradece el cameo del mismísimo Pelé. AR
54 JUNIO 2017
cine
REY
ESTRENO JUNIO 10
91 MINUTOS
DIRECTOR Niles Atallah
ELENCO Rodrigo Lisboa y Claudio Riveros
SINOPSIS Corre el año 1860 y un abogado francés
sueña con convertirse en rey de la Patagonia. Y
como dicen por ahí, “ten cuidado con lo que
sueñas...”: el tipo consigue su objetivo o, al
menos, eso es lo que parece.
EXISTEN EPISODIOS EN LA
HISTORIA DE LAS NACIONES que
llegan a sonar tan inverosímiles y disparatados
que no necesitan ser revestidos de artificios para
volverse el punto de partida de filmes, cuando
menos, entretenidos.
Sin embargo, cuando además se les utiliza
para ahondar en la forma en que el transcurrir
del tiempo trastoca el significado y la
concordancia de los mismos con su contexto,
pueden entregar como resultado obras
seductoras y desconcertantes.
Tal es el caso de Rey, película del chileno
Niles Atallah, quien pese a las reticencias de los
descendientes de la comunidad que aborda en su
largometraje y las complicaciones para
conseguir los recursos —dada la naturaleza
evidentemente experimental del proyecto—,
logra redondear una poco usual pieza.
Y por inusual nos referimos a que se viste de
misterio y deambula entre el absurdo y la
solemnidad... o más bien dicho entre lo absurdo
de la solemnidad y viceversa.
Aquí seguirás los pasos de Orélie-Antoine de
Tounens (Rodrigo Lisboa), un francés que en
1860 llegó a las costas de América del Sur. Al
sujeto se le relaciona con logias masónicas y sus
verdaderas intenciones no terminan de ser
claras —supuestamente quería fundar el Reino
de la Araucanía—.
Al pisar tierra recibe una inesperada
bienvenida por parte de los mapuche —los
pobladores de la ahora región La Araucanía— y
termina autoproclamándose rey. Con ese título,
de paso, se convierte en personaje central de la
pérdida de la soberanía de dicho pueblo que,
después de 240 años de independencia, pasó a
formar parte de Chile.
El argumento se trata de un pedazo de
testimonio real y erosionado, pues no hay
evidencia concreta de ese hombre ni de su reino.
Esa incertidumbre se convierte en la materia
prima de un complejo juego de percepciones
para Atallah, quién a través de inserciones de
material de archivo hace referencia por igual a lo
tribal, a lo místico y lo mundano.
De la misma forma fusiona con acierto y
perspicacia el lenguaje cinematográfico con
convenciones propias del teatro, incluidos unos
estilizados saltos temporales al pasado en los que
vemos a los miembros de la comunidad usando
máscaras de sus propios rostros. Este recurso
viste la secuencia de un enrarecido dramatismo.
Es quizás el coquetear un tanto con ser
indescifrable lo que provoca que el segundo
largometraje de Atallah pase de lo sugerente a lo
pretencioso y, por momentos, se empape de
cierta petulancia.
Pese a ese aire pretencioso, Rey —que en el
Festival de Cine de Rotterdam se hizo con el
Premio Especial del Jurado— es un interesante
acercamiento a la historia, que no busca la
exactitud de los hechos sino la forma en que
llegan a ser recordados.
La película tendrá una exhibición breve en la
Ciudad de México durante la Semana de Cine
Chileno de la Cineteca Nacional, en cuya
programación figuran títulos como Violeta se fue
a los cielos (Andrés Wood) y tres piezas
galardonadas de la cineasta Alicia Scherson:
Play, Turistas y El futuro. JESÚS CHAVARRÍA
VERDICTO Soisticada e inquietante pieza
fílmica de corte experimental. Presume una
peculiar narrativa que invita a disfrutar de
cómo el paso del tiempo desdibuja la historia.
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NEON ÚNICO EN SU CLASE CON 7 AÑOS
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 TV & Streaming

ORANGE IS THE NEW PARA NADIE ES SECRETO que las

aventuras de Alex y Piper decayeron seriamente
interesantes, el drama personal de Piper y Alex
se difuminó, haciendo de su presencia una trama

BLACK TEMPORADA 5
ESTRENO 9 DE JUNIO
13 ESPISODIOS
CREADORA Jenji Kohan
ELENCO TaylorSchilling, Uzo Aduba, Kate
Mulgrew, Laura Prepon, Laverne Cox
SINOPSIS La muerte de Poussey convierte a
Litchfield en un infierno donde el coraje y la
impotencia provocan disturbios que llevan a las
presas a tomar el control del lugar.
para la temporada tres de este dramedy que es,
hasta hoy, la serie original de Netflix más vista.
Justamente pensamos que la decadencia se basó
en el desgaste de la historia de las dos
protagonistas a las que ya no sabían cómo
mantener juntas en la misma prisión a capricho
de los guionistas.
La cuarta temporada rescató la saga
introduciendo el elemento Piscatella, que
reformó Litchfield para mal y su reino de terror
le dio nueva vida a la historia de estas presas de
locura.
No sólo eso sino que, mientras los
acontecimientos en la prisión se volvían más
paralela que no provoca, sino que padece la
realidad impuesta por el nuevo amo.
Para esta nueva quinta temporada la tensión
aumenta por el acierto de los showrunners, que
ahora empoderaron a las presas tras el espantoso
asesinato de Poussey Washington, uno de los
personajes más queridos de la audiencia, que
demostró tres cosas muy claras para la
continuidad de la historia.
Uno, los personajes secundarios cobran
importancia por sí mismos y nadie puede
detener el hecho de que tienen una vida propia.
Dos, justo una lección que Game of Thrones
enseñó a toda serie: tienes que matar al

56 JUNIO 2017

personaje que más útil sea para disparar la
trama, sin importar qué tan querido sea.
Tres, que se aprecia mucho más en esta
quinta temporada, que Piper y Alex ahora son
básicamente expectadoras de la acción. Eso le da
más juego a este nuevo giro de la historia.
La quinta temporada de OITNB retoma el
momento en que la muerte de Poussey fue la
gota que derramó el vaso contra el tirano
Piscatella y, aunque esperábamos una fuerte
reacción a este brutal asesinato, accidental, pero
ojete, lo que obtuvimos fue una revolución en la
que las inmates obtienen por la fuerza el control
de la prisión.
Esta situación, sin duda, inyecta sangre a la
trama porque cada personaje secundario pelea
por atención y verás cómo cada una de las
facciones busca su momento de acomodarse de
mejor forma a las circunstancias, situación clave
que funge como clave para brindar horas de
diversión sin fin.
Desde ver que quien tiene la única pistola
tiene el poder, hasta notar cómo, quien puede se
adueña de la tiendita o de la farmacia, o se visten
como quieren y disfrutan de esta muy efímera
libertad ganada a la fuerza.
Es en este punto en el que la reflexión en
torno al concepto de libertad trasciende el hecho
de estar fuera de un cuarto con barrotes.
Cada personaje tiene su momento en esta
versión tomada de Litchfield: vemos un emotivo
intento por superar la muerte de Poussey por
Esta vez les toca a
Piper y Alex ser
testigos de la acción,
dejando de lado su
drama personal para
vivir la intensidad de
la toma de Litchfield.
parte de su exnovia y amigas mientras hacen
rehenes a los poco guardias que quedaban, con la
suerte de que hasta Caputo acaba en calzones y
capturado por el nuevo orden de la prisión, cuyo
poder se los da una méndiga pistola.
CÉSAR HERNÁNDEZ
VEREDICTO Por supuesto que mejoró desde la
cuarta temporada, demostrando que también
las series se caen y levantan, y a nosotros,
¿qué nos cuesta perdonar? Enorme acierto
poner en tercer plano a las ahora sosas
protagonistas; hasta parecen sindicalizadas
que hay que tener ahí aunque no aporten
nada. Esta temporada supera las dos
anteriores, sin duda alguna.
JUNIO 2017 57

tv & Streaming
GLOW
Estreno 23 DE JUNIO
EN NETFLIX
CREADORA Liz Flahive
ELENCO Alison Brie, Betty Gilpin y Marc Maron
SINOPSIS Unas actrices inadaptadas de
Hollywood tienen la oportunidad de su vida
cuando Sam Sylvia (Marc Maron), un director de
cine de series B que no tiene los mejores
modales, las recluta para formar el programa
Gorgeous Ladies of Wrestling.
LA DÉCADA DE LOS OCHENTA lleva
medio camino recorrido. Las mujeres no se
suben a un ring —bueno, en México sí, aquí
ocurre desde finales de los setenta—, no se
divorcian si se sienten infelices y pocas son las
que se atreven a alternar la maternidad con el
trabajo, sólo por mencionar algunas ataduras.
Pero estamos por conocer a un grupo de mujeres
de la época que no encajan en alguno de esos
modelos en absoluto.
El nuevo show de Netflix, creado por Liz
Flahive (Nurse Jackie) y de los mismos
productores de Orange is the New Black, nos
presenta a un grupo de chicas dispuestas a
subirse al cuadrilátero. Al no encajar en
58 JUNIO 2017
Hollywood, cada una de ellas ve la posibilidad de
materializar sus sueños en un programa de lucha
libre femenina que está bajo las manos —y
también los vicios— de un hombre llamado Sam
Sylvia (Marc Maron).
Los 10 episodios funcionan para seguirlas
como grupo, desde que se conocen en la audición
y a lo largo de su preparación para la grabación
del programa piloto; las vemos en la apropiación
de su respectivo personaje y en el dominio de
piruetas, llaves y quebradoras.
Pero también las observamos en sus
conflictos personales, los roces que pueden
surgir en la convivencia y los aspectos que las
convierten en una manada —no es ofensa, lo
entenderán cuando conozcan a Sheila the She
Wolf (Gayle Rankin)— muy unida.
Ese aspecto personal es lo que coloca a Glow
por encima de la tercera cuerda. El conflicto
central ocurre entre Ruth (Alison Brie), quien no
teme a los prejuicios de vivir sola y se muestra
dispuesta a tomar todas las decisiones necesarias
con tal de conseguir sus metas, y su mejor amiga,
Debbie (Betty Gilpin), una actriz que decidió
retirarse para convertirse en una acomodada
ama de casa... hasta que descubre el amorío que
su esposo mantiene con Ruth y le llega el
momento de ponerse leotardo, mallas y botas
para pelear contracorriente.
Las situaciones rudas también abofetean a
varios personajes secundarios; la mayoría, tal
como la pelea estelar, enfocadas al
empoderamiento de las mujeres en esos años, y
No es Flashdance ni
mucho menos: las
chicas se preparan
para saltar de la
tercera cuerda.
algunas de ellas tocando temas delicados que se
han colado hasta nuestros tiempos.
Pero antes de que le demos el cinturón de
oro al programa, que por cierto está inspirado en
el show ochentero G.L.O.W., es necesario señalar
también los fallos. Si la serie se pone solita
contra las cuerdas es por el arranque
desangelado de su personaje central; se muestra
el esfuerzo de Brie por sacar adelante su rol pero
fácilmente queda fuera de tono y la opacan sus
compañeras de reparto.
Si bien es necesario abordar todos los temas
que menciona a través de los personajes
secundarios, hay algunos líos que están de sobra
y no cuajan, lo que da la impresión de que se
aplican como una salida fácil —y fallida— para
aumentar el drama y no tener que reducirle
minutos al programa.
Pero bueno, al igual que sus luchadoras,
Glow aumenta fuerza y habilidades con la
práctica y agarra callo para reponerse una vez
más. Se levanta de la lona y se sacude. Nos deja
satisfechos con el desenlace. Sugiere que tiene la
destreza para luchar y ganarle a quien quiera
disputarse el trono, actualmente en manos de
Orange is the New Black, de las series femeninas
alejadas del glamour y las frivolidades.
ANAID RAMÍREZ.
VEREDICTO Tarda en tomar cuerpo pero no
dejes que te pierda en su inicio. Te va a gustar
el resultado inal: hay buenos momentos en
varias de sus escenas.

tv & streaming
HOUSE OF CARDS
AHORA EN NETFLIX
CREADOR Beau Willimon
ELENCO Kevin Spacey, Robin Wright
y Michael Kelly
SINOPSIS Hay tensión en el país del norte. La
combinación del horror que sembró la
organización ICO y las elecciones a la vuelta de
la esquina son la principal causa. Pero hay dos
personas que, si bien están nerviosas por la
situación, no se dejan achicar: Clarie (Robin
Wright) y Francis (Kevin Spacey), quienes
mantienen alerta su inteligencia en la adversidad
para ejecutar, como siempre, sus ideas
maquiavélicas.
LA PROMESA DE KEVIN SPACEY
como Presidente de los Estados Unidos de
América se mantiene. Y es que en su quinto
intento por ganar tu voto para una sesión de
Netflix and chill, el juramento de campaña del
partido House of Cards aún es mostrar los
complejos lazos que se tejen entre gobernantes,
políticos, periodistas y hackers cuando alguno o
muchos integrantes de estas esferas se enferman
de poder.
La ejecución de esta estrategia es darle a los
espectadores lo que un buen fan de los
maratones televisivos necesita: seguridad de que
en cada capítulo se efectuará una jugada digna,
intriga para querer reproducir inmediatamente
el siguiente episodio, una inversión
estratosférica en relaciones públicas (personajes
nuevos y oportunas reapariciones de otros) para
integrar más piezas y movimientos en el tablero
de ajedrez.
En esta ocasión, Francis (Spacey) y Claire
Underwood (Robin Wright) calientan motores
hacia el cierre de su maratónica campaña rumbo
a la reelección. Conforme avanzan los capítulos y
el poderío de los Underwood, son más crudas y
sorprendentes sus estratagemas para aferrarse al
poder tanto como puedan.
Los protagonistas están dispuestos a
mantenerse en la Casa Blanca a como dé lugar,
mientras que los productores de la serie tendrán
que demostrar que llegan a su quinta entrega sin
perder la esencia, sin falta de frescura,
dinamismo y factor sorpresa.
Es por ello que sumaron al equipo de
directores a Alik Sahkarov, Roxann Dawson y
Michael Morris, y aunque no es novedad —ya ha
estado al frente de varios capítulos en
temporadas pasadas—, no podemos ignorar el
trabajo de la mismísima Robin Wright, quien
esta vez lidera el barco de los realizadores.
Ellos, al lado de los guionistas Melissa James
Gibson y Frank Pugliese, se encargan de hacer
más trascendente que nunca la aparición de
personajes secundarios que hace mucho no
veíamos y, de paso, la desaparición de otros.
Igualmente siguen sorprendiendo las
decisiones que Frank y Claire toman en la
intimidad. La última, por cierto, esta vez ya
muestra interés sentimental por el redactor de
discursos, Thomas Yates (Paul Sparks). Será
incluso capaz de enviar a un investigador para
descubrir con quién se encuentra su amante en
sus salidas para “tomar aire fresco”, ¿es acaso
que Claire tiene pensado marcar territorio al
estilo Underwood?
House of Cards aún juega a darte lecciones
importantes de El nuevo príncipe, el libro de
Chuck Norris, y de política estadounidense a
través de los monólogos metafóricos de Francis,
cuando hace close ups a Spacey. Pero si algo
distingue a la nueva temporada es el giro de sus
personajes femeninos, desde las poderosas
Claire y Leann Harvey (Neve Campbell), hasta
los que parecen circunstanciales, como Lisa
(Kate Lyn Sheil). Este gobierno no tiene ninguna
intención de dejar cabos sueltos. ANAID RAMÍREZ
VEREDICTO Nada se pierde de la esencia de
House of Cards en esta temporada. Los
guionistas y productores aún juegan a darte
“pan y circo”, pero con más tensión (hay
elecciones de por medio) y más resoluciones
sorprendentes.
SHARK TANK MÉXICO
CANAL SONY
CREADOR Mark Burnett
ELENCO Jorge Vergara, Rodrigo Herrera
Aspra, Arturo Elías Ayub y Patricia
Armendáriz García
HOLA, MI NOMBRE ES Stivi De Tivi, soy un
emprendedor y te quiero ofrecer un
producto que enriquecerá tus ines de
semana. Se llama Shark Tank México
segunda temporada.
Mark Burnett, considerado como uno de
los productores televisivos más importantes
de los últimos 20 años, creó este programa
en 2009 inspirándose en el reality japonés
Dragon’s Den (2001). La idea era sencilla
pero majestuosa: darle la oportunidad a
jóvenes emprendedores de estar frente a
empresarios reconocidos y exitosos para
contarles sobre sus negocios, productos e
ideas con la inalidad de que los astutos y
colmilludos “tiburones” se conviertan en
socios a cambio de un porcentaje del valor
de lo que los emprendedores les ofrecen.
Shark Tank fue un éxito inmediato,
obteniendo altos índices de audiencia y
ganando varios premios Emmy, por lo que
se empezaron a desarrollar versiones en
distintos países.
El año pasado Canal Sony estrenó la
primera versión mexicana del reality, que es
el producto que hoy te ofrezco. ¿Por qué ver
Shark Tank México si puedes ver el original?
De entrda, porque las ideas o negocios son
totalmente regionales.
La segunda temporada incluye al
regiomontano Carlos Bremer, Arturo Elías
Ayub, Rodrigo Herrera, al tapatío Jorge
Vergara (los calcetines se venden por
separado) y el nuevo sabor lo agrega
Patricia Armendáriz Guerra, quien viene a
sustituir a Ana Victoria García. Ella es la
directora de Financiera Sustentable.
¿Me compraste la idea? STIVI DE TIVI
VERDICTO Es un producto completo que
conmueve y motiva a darle una segunda
oportunidad a esa idea que tienes
guardada y que no has llevado a cabo.
Pocos son los shows que inspiran como
lo hace Shark Tank México.
JUNIO 2017 59

TV & Streaming
WAR MACHINE
AHORA EN NETFLIX
120 MINUTOS
DIRECTOR David Michôd
ELENCO Brad Pitt, Anthony Hayes y John Magaro
SINOPSIS Basada en la novela The Operators, la
película es una sátira militar sobre un general de
alto rango, encarnado por Brad Pitt, que debe
comandar las fuerzas de la OTAN en Afganistán.
¿QUIÉN NO HA PENSADO que la guerra
es absurda por donde se le vea? Si así lo crees, la
nueva superproducción War Machine te ayudará
a reforzar la idea.
Brat Pitt encarna al personaje central, el
general Glen McMahon, un entregado y
experimentado militar que busca tener éxito al
comandar las fuerzas de la OTAN en Afganistán,
pero cuyos intentos, a veces poco ortodoxos, lo
llevan a él y a su equipo a vivir situaciones que
bien podrían formar parte de una puesta de
comedia ácida, pero que al mismo tiempo se
adivinan reales —patéticas con la guerra y en la
60 JUNIO 2017
vida real, o sea reales—.
Basada en el libro The Operators: The Wild &
Terrifying Inside Story of America’s War in
Afghanistan, escrito por el periodista Michael
Hastings, el guion fue adaptado por el también
director David Michôd.
De esta forma, la película relata con un
humor explosivo y casi inverosímil el horror y la
brutalidad de la experiencia de la gente en el
campo de batalla y la desconexión que existe con
los altos mandos, quienes alejados de la cara de la
guerra no la llegan a comprender del todo ni
tienen conocimiento real de las necesidades y
problemas con los que se batalla día a día en los
frentes y trincheras.
Pitt toma con talento y fuerza al personaje
de McMahon, dándole una voz y forma de
caminar peculiar, pero también una cierta
inocencia que parece salpicar a su equipo militar,
recreado por actores como John Magaro,
Anthony Michael Hall, Will Poulter, Keith
Stanfield y Aymen Hamdouchi, quienes se
mueven sigilosamente y colocan un par de
granadas cómicas para que las carcajadas
exploten como pocas veces.
La película revela personajes humanos y de
buenas intenciones, pero enfrentados a un
sistema irracional en donde las excusas parecen
inconcebibles. Todo se permite con tal de llegar a
Sir Ben Kingsley
aconsejando a Brad
Pitt (con su carita de
idiota) para que no
vuelva a creer en
ninguna mujer.
una meta que, por absurda, es cuestionada pero
no totalmente desmantelada.
La extravagancia se manifiesta también con
las actuaciones de Sir Ben Kinsgley, quien da
vida al presidente Karzai, un tipo cuya
personalidad no hace sino alimentar el mismo
absurdo de la historia en la que también
participa de manera especial la muy talentosa
Tilda Swinton.
Se trata de una movie acerca de la ambición,
sobre las consecuencias de decisiones que se
toman y también del acercamiento a las víctimas
de una cadena inquebrantable de justificaciones.
¿Por qué hablar de estos elementos? Todos
crecen juntos en una época en la que si bien la
comunicación parece estar en auge, no existen
acuerdos ni entendimiento; al contrario, parece
existir poco respeto y ninguna solución.
Asimismo, el tono irónico de la cinta, filmada
en locaciones como Londres, Abu Dabi y
Alemania, confronta al espectador a un final
inesperado donde el poder de la prensa también
juega un papel fundamental e igualmente
increíble. ANA LUCÍA ALTAMIRANO
VEREDICTO La lista de las películas que se
burlan de la guerra es larga, pero War Machine
lo hace con maestría a través de momentos
que, tras la risa, conducen a la relexión.
 tv & streaming
AMERICA’S
GOT TALENT
ESTRENO JUNIO 16
EN CANAL SONY
CREADORES Simon Cowell, Jason Raff
y Ken Warwick
ELENCO Simon Cowell, Heidi Klum, Howie
Mandel, Mel B y Tyra Banks
SINOPSIS Cantantes, músicos, bailarines,
comediantes, actores, malabaristas... Todos
tenemos un talento, pero hay quienes
sobresalen gracias a sus habilidades. Cada
semana tendrás la oportunidad de conocer un
grupo de valientes que mostrarán ante un
jurado eso que tú haces en la regadera.
DESDE QUE SE REALIZÓ EL
PRIMER Festival de la Canción Eurovision,
en 1956, los reality shows de búsqueda de
talentos no han parado. A 66 años de ese
programa, en el que representantes de varios
países europeos concursaban cantando,
actualmente existen miles de producciones
62 JUNIO 2017
televisivas dedicados a encontrar al mejor
cantante, modelo, chef, maquillista y fashionista,
sólo por mencionar algunas especialidades.
Pese a la gran diversidad, y quizá ése es el
mayor de los problemas, son muy pocos los
realitys que destacan o tienen un impacto fuerte
en la cultura, como es la situación de America’s
Got Talent, que este mes estrena su
décimosegunda temporada.
El programa es la adaptación gringa de
Britain’s Got Talent, creado por el villano de la
televisión, Simon Cowell, el juez más destacado
—y detestado— de American Idol. ¿Cómo olvidar
las historias de personalidades como Paul Potts o
Susan Boyle? ¡Conmocionaron al mundo entero!
Ya estamos muy familiarizados con la
dinámica. Bailarines, cantantes, magos,
acróbatas, ventrílocuos y comediantes de
distintas edades entran a un gran escenario
donde no sólo tienen que impresionar a los
cuatro jueces presentes, sino a las más de tres
mil personas en el auditorio.
Después de su actuación cada juez vota para
consensuar si el talentoso en cuestión continúa o
no. Y si los nervios invaden al concursante y a los
espectadores por igual, es porque el gran premio
es un millón de dólares y la posibilidad de formar
parte de un show permanente en Las Vegas.
Por fortuna, cada edición tiene algo que la
distingue del resto, y lo que hará especial a la
nueva temporada de America’s Got Talent es que
se trata de la más equilibrada de todas las que
hemos tenido hasta la fecha.
Por un lado, Cowell regresa como el juez que
hace sufrir a los participantes, mientras que
Heidi Klum aporta su lado humano. Igualmente
ayuda que ambos tienen gran experiencia en
otros reality shows; es decir, son expertos en
guiar el programa por momentos que funcionan
para la pantalla chica.
Entre los jueces también están el
comediante Howie Mendel, quien se ha
mantenido a lo largo de nueve temporadas
gracias a que tiene mucha química con el publico,
y Mel B (la ex Spice Girl), quien brinda sus poco
atinados, pero divertidos comentarios musicales.
Lo mejor de la temporada 12 es que la
supermodelo y conductora Tyra Banks debuta al
frente del show, eliminando por fin al antipático
de Nick Cannon —para ser host hay que ser
carismático y no nada más un ex de la mismísima
Mariah Carey—. STIVI DE TIVI
VEREDICTO La fórmula es la misma: sus
adictivas actuaciones de pena ajena, los
momentos para emocionar y las fantásticas
reacciones de los jueces. No cambiará tu vida,
pero de que te vas a divertir, te vas a divertir. Y
eso, al inal, es lo que uno busca cuando
decide ver un programa de talentos.

Juegos
TEKKEN 7
A LA VENTA 2 DE JUNIO
PARA PLAYSTATION 4
SINOPSIS Celebrando su aniversario número 20,
Tekken llega con la séptima edición y la
continuación del conflicto por el control de la
corporación Mishima a base de trancazos.
Prepárate para ver movimientos realistas y
personajes bien bizarros probando quién puede
patearle el cráneo más fuerte a su oponente.
TEKKEN PODRÁ no ser el título más
popular en videojuegos de peleas ni el más
violento o con la historia mejor diseñada, pero
vaya que es entretenido. La historia es
innecesariamente complicada, pero en modo
simplificado es ésta: Tekken (“puño de hierro” en
japonés) es un torneo de artes marciales
organizado por la corporación Mishima
Zaibatsu; el ganador del torneo recibe como
premio el puesto de CEO de la corporación (es
sorprendente la creatividad que le meten a los
juegos de peleas) hasta que alguien gane el
siguiente torneo y lo destrone. Podrá sonar
simple, pero además de tener el peor modelo de
negocios, Tekken también cuenta con un tipo con
cabeza de jaguar y demonios por alguna razón.
Tekken 7 mantiene casi todas las
modalidades de sus predecesores: cada personaje
tiene su estilo de pelea específico y basado en
una disciplina de arte marcial real como hapkido,
Krav Maga y varias más. Esto le brinda un toque
único al juego, pues la atención que le dan a los
detalles y la precisión de los movimientos es algo
especial y se agradece bastante. Las novedades
no son muy impresionantes: Power Crush es la
opción de continuar con un combo aún al recibir
daño, esto quiere decir que no te van a frenar el
combo ni con una rodilla en la nariz. Otra nueva
gracia es que los personajes “extranjeros” van a
hablar en su idioma original y no en inglés o
japonés, y aparte de todo eso, también tendrá un
crossover de Akuma, uno de los peleadores más
fuertes de Street Fighter. Si a eso le sumamos una
notoria mejora en las graficas y la forma de juego,
Tekken 7 puede ganarle por lo menos un round a
cualquier juego de peleas que salga este año.
EMILIO RODRÍGUEZ
VEREDICTO Nunca se pueden tener demasiados
juegos de pelea y Tekken 7 promete horas de
violenta diversión, así que trae a tus amigos y
revive los viejos, buenos tiempos de las
maquinitas de los Tekken pasados.
THE ELDER SCROLLS ONLINE:
MORROWIND
A LA VENTA EL 6 DE JUNIO
DISPONIBLE PARA PC, X BOX ONE Y PLAYSTATION 4
SINOPSIS Con esta adición al ya
impresionante Elder Scrolls Online tendrás
más de 30 horas de historia, modalidad de
jugador contra jugador en línea y todo en la
región de Morrowind, donde deberás salvar
una isla de un meteorito porque... eso es lo
que deben hacer los héroes como tú.
DOS COSAS SON INFINITAS: el universo y
las horas de juego que le hemos dedicado a
Elder Scrolls, ya sea Arena, Daggerfall,
Battlespire and Redguard, Morrowind,
Oblivion o Skyrim. Esto es porque Elder
Scrolls es el juego de acción y de rol en
mundo abierto que podría ser considerado
una obra de arte, y para muchos es la mejor
franquicia de videojuegos de todos los
tiempos.
Como todos los juegos de fantasía está
situado en un mundo icticio poblado por
elfos, orcos, gente gato, gente lagartija,
enanos y humanos. El atractivo de esta serie
es la sensación épica de aventuras en un
mundo masivo lleno de magia y arañas
gigantes.
Además de contar con misiones
principales, como destruir un imperio o
matar a un dragón ancestral, el jugador
puede tener minimisiones. Es por esto que
el juego es casi ininito, pues después de
matar a un jefe vampiro para vengar la
muerte de un aldeano te encuentras con una
escuela de magia que necesita que les
encuentres varios libros perdidos.
La única forma de hacer este juego aún
más adictivo fue realizando una versión en
línea: The Elder Scrolls Online, un juego de
rol masivo de multijugadores online
(MMORPG para los cuates). Ahora no estás
limitado a jugar en una sola zona o región de
Tamriel (el mundo de Elder Scrolls).
Elder Scrolls Online: Morrowind, es una
expansión para el juego que te da acceso a
Morrowind, nuevas misiones y detener un
meteorito antes de que destruya la ciudad.Ya
ves, cosas de un miércoles en la tarde. ER
VEREDICTO Este juego debería venir con
una advertencia: “Puede consumir tu
tiempo y desaparecer tu vida social”. Si lo
tuyo es sentirte guerrero antiguo y matar
cuanto bicho se ponga en frente, salvar a
toda una civilización y que te adoren
como un dios, deinitivamente es para ti.
JUNIO 2017
MONTH 63
 El sentido de la vista
nunca estuvo tan
consentido como con
estos gadgets de lujo.

Gadgets

VER EL MÁS ALLÁ para diseñar la tecnología que llevaría a la

Para que tus sueños y pesadillas
de Black Mirror se hagan
realidad.
LOS LENTES DE CONTACTO del futuro
funcionarán como si se tratara de una memoria
expandible para los humanos, al menos así lo
demostró el capítulo “The Entire History of You”
de Black Mirror.
El desarrollo de este artefacto ficticio se hizo
en 2011, cuando Charlie Brooker, creador de la
serie de la BBC, y del guionista del episodio,
Jesse Armstrong, echaron a volar su imaginación
catástrofe al protagonista en turno. Y es que al
grabar todo lo que uno ve y así tener acceso
ilimitado a la memoria de corto y largo plazo, se
corre el riesgo de perder los estribos.
Así que no sabemos si aterrorizarnos o
emocionarnos con las patentes de lentes de
contacto que, cinco años después del
lanzamiento de Black Mirror, en 2016, ya tienen
las grandes empresas de tecnología en el mundo,
entre ellas, Sony.
La diferencia entre la tecnología de esta
compañía y el resto, al menos hasta el momento,
que aún está en desarrollo, radica en el
almacenamiento. Mientras algunos lentes de
contacto enviarán los videos a un dispositivo de
almacenamiento externo, los de Sony harán esa
labor de manera interna, así que podrás acceder
con mayor facilidad a esas conversaciones
pasadas.
Pero esa ayudadita a la memoria no es lo
único que ofrecerá esta tecnología. Al contar
con sensores que puedan medir cambios en la
temperatura, presión, fuerza o aceleración,
también contribuirá en aspectos médicos.
Igualmente tendrá funciones
automáticas para favorecer la vista de quien
los porta, como enfoque, ajuste de exposición
y acercamiento.
A un año de haberse anunciado las
patentes, las principales compañías que están
desarrollando estos gadgets ya se reunieron
para hacer un extenso reporte del mercado
que incluye costos, importaciones y
exportaciones, oferta y cifras de consumo,
entre otros aspectos.

con calidad 4K, aquí está esta maravilla que es lo

MÁS TE VALDRÍA VER último que necesitas para ver tus Blu-ray UHD
(Ultra High Definition) y hasta 4K de verdad. Si

EN BLANCO Y NEGRO eres de esos privilegiados que pueden distinguir

la diferencia, este aparatillo suculento aguanta

COMO LOS ANIMALES
El Blu-ray más sofisticado del
mundo hasta ahora.
FUIMOS CRUELES, el Oppo UDP-205
Blu-ray Player es carísimo pero así es como hay
que ver todos, las películas o series.
Ahora que tanto se habla del video digital
HDR10 y hasta Dolby Vision HDR, es decir High
Dynamic Range, o un mayor rango de “amplitud
dinámica” que hace que las imágenes tengan un
detalle de verdad inverosímil entre lo oscuro y lo
iluminado.
El Oppo cuenta con 7.1 canales individuales
para salida análoga, una salida HDMI y una que
convierte digital a análogo para estéreo y 7.1.
Si entendiste una palabra de lo que
escribimos aquí, te mereces tu Oppo y más.
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64 JUNIO 2017

¡EN TU CARA,
GEEK!
Una sala de cine… ¿wearable?
Sí, y no muy cara y con buena
calidad.
PARECEN UN PAR DE AUDÍFONOS
un tanto aparatosos, pero serán tu mejor aliado
en viajes largos. Es el primer dispositivo de cine
móvil que se conecta a cualquier teléfono,
consola o dron. Los Glyph son una pantalla móvil
para recrear la sensación de estar en el cine,
particularmente útiles para tus viajes.
Si no has probado la
realidad virtual con
estas gafas, suelta
esta revista (bueno,
no es para tanto) y
corre a intentarlo.
Verás tus películas y juegos en HD en un
dispositivo que incluye más de 2 millones de
microespejos para presentar una imagen precisa
e inmersiva.
La experiencia es parecida a sentarte frente
a una pantalla de 65 pulgadas o a estar solo en las
butacas centrales de un cine con su pantallón de
15 metros, pero con la movie, serie o videojuego
que se te antoje. Podrás incluso ver esa vasta
colección de gatitos de YouTube que está en tu
tasklist.
El sonido es bastante bueno y la experiencia
es redonda, los vas a disfrutar muchísimo. El
único detalle en contra es que probablemente te
vas a sentir un tanto raro poniéndote el asa de
unos audífonos en tus ojos, pero si eres fan del
audio y video, ni lo pienses.
Alrededor de $15,000 en Amazon.
JUNIO 2017 65
KID
CÓMO UN DIREC TOR POCO CONOCIDO Y UN CHICO
BRITÁNICO REGRE S ARON A UNO DE LOS PERSONA JE S
MÁS POPUL ARE S DE MARVEL
POR DAN JOLIN

66 JUNIO 2017
JUNIO 2017 67
 JON WATTS
INTENTÓ GANARSE
UN PAPEL EN
MARVEL CUANDO
TENÍA SIETE AÑOS.
BUENO...
MÁS O MENOS.
En 1988, creciendo en Fountain, Colorado, una
franja rural del oeste de Estados Unidos a los pies
de las montañas Rocallosas, el futuro director de
Hollywood recibió un Marvel Comics Try-Out
Book. Invitaba a sus lectores a dibujar, entintar,
escribir los textos y colorear una aventura de
Spider-Man con la promesa de un posible empleo
en la casa editorial si enviaban lo que hacían. Sin
que le importara que el cómic “hazlo tú mismo”
tuviera cinco años y los ganadores ya hubieran
sido anunciados, el joven Watts se clavó de lleno,
pasando horas dibujando obsesivamente al héroe
que trepa por las paredes. “Esa fue mi
presentación personal con Spider-Man”, dice.
Al final, sin embargo, fue realizar películas y
no cómics lo que dominó su pasión creativa. Unos
años después, a principios de los 90, sus padres le
compraron una PC nueva, la cual venía con un
CD-ROM titulado Cinemania. Esta enciclopedia
digital introdujo al Watts adolescente a las
críticas de Pauline Kael y Roger Ebert e incluía
escenas tamaño estampilla postal de películas
como Chinatown, Blue Velvet y The Treasure of
the Sierra Madre. Quedó enganchado. Tenía que
saber más.
Pronto Watts estaba realizando viajes de 65
km desde su pueblo hasta la tienda de videos más
próxima. Curiosamente fue Ed Wood, de Tim
Burton, la que lo hizo darse cuenta de que podía
hacer filmes propios. “Le quitó todo el misterio y
el glamur a realizar una película”, dice Watts,
quien ahora tiene 35 años. “Fue como que sí,
cualquiera puede hacer un filme. Tú inténtalo
aunque la lápida se mueva”. Así que eso hizo,
68 JUNIO2017
convenciendo a sus amigos a hacer películas con
él usando una cámara de video, estudiando cine
en la Universidad de Nueva York y luego clavando
los dientes en comerciales y episodios de la Onion
News Network.
Fue la segunda película de Watts, Cop Car, del
2015, un drama independiente discreto y poco
visto, lo que le puso en la órbita de Marvel (y no
su debut del 2014, un filme de horror titulado
Clown). A pesar de que se sostenía con una
agujeta Ed Woodiana, Cop Car no era Plan 9 From
Outer Space. La historia trata de dos
preadolescentes que se fugan y roban el auto de
un policía corrupto (Kevin Bacon); es como Blood
Simple hecha por Amblin. “Es increíblemente
tensa, increíblemente inteligente e
increíblemente bien hecha”, dice Kevin Feige, el
jefe de Marvel Studios, quien de inmediato invitó
a Watts a lo que el director creyó sería un ‘vamos
a conocernos’ casual. De pronto, de la nada, Feige
le preguntó si le interesaría Spider-Man. Y fue
entonces cuando comenzó la verdadera prueba.
EN UN RARO ejemplo donde los estudios
dejan de lado la competencia, Sony Pictures,
dueña de los derechos de Spider-Man, aceptó
cederle en 2015 el control creativo de una de sus
propiedades más lucrativas a Marvel Studios,
propiedad de Disney. El amigable luchador del
GUTTER CREDIT
crimen del barrio, que fuera interpretado
anteriormente por Tobey Maguire y Andrew
Garfield, será reubicado en el mundo cinemático
de los Avengers, que es más amplio.
Es una marvel-illa:
Tom Holland
estelariza como Peter
Parker/Spider-Man.
Izquierda: Holland
vestido y calzado
como Spidey con el
director Jon Watts.
Abajo, izquierda: Su
compañera de clase,
Michelle (Zendaya)
tiene un ‘momento’
con Peter (Holland).

JUNIO 2017 69
 De arriba a abajo:
· Michael Keaton
como el supervillano
Adrian Toomes,
Para Feige siempre ha sido el clásico sueño “y también conocido
si..?” de Marvel. Ahora, gracias al acuerdo con la como Vulture, con su
entonces cabeza de Sony, Amy Pascal, iba a segundón, Phineas
presentar a un nuevo Spider-Man en Captain Mason/Tinkerer
America: Civil War, de 2016, antes de darle una (Michael Chernus).
aventura propia. El primer reto fue hacerlo sentir · Keaton listo para la
fresco para la audiencia; no sólo es ésta la sexta acción en su traje de
película de Spidey en 15 años (y el segundo Vulture.
relanzamiento), sino la 16ª de Marvel desde el · ¡Qué tela de araña
2008. Para ayudarle a lograrlo, Feige eligió a actor tan enredada teje
británico de 20 años Tom Holland, cuyo cameo en Spider-Man!
Civil War por fortuna enloqueció a las audiencias,
pero también tenía que encontrar al director
apropiado, y pronto.
“Me dijeron cuál era el concepto central, que
era tan sencillo como ‘se desarrolla en una
prepa’”, señala Watts de esa primera reunión.
“Bueno, yo estaba escribiendo el guion para una
película propia sobre el paso a la adultez, así que
había estado viendo todo tipo de cintas
preparatorianas: 400 Blows, la trilogía Apu y
Welcome to the Dollhouse, de Todd Solondz,
además de los filmes de John Hughes y Cameron
Crowe. Me encontraba muy versado en el idioma
que hablaban”.
A lo largo de las siguientes reuniones
presentó algunas animaciones caseras que
mostraban, por ejemplo, a Peter preguntándose si
su aracnosentido para detectar el peligro se
estaba disparando o si simplemente tenía esa
sensación extraña porque la chica que le gustaba
acababa de pasar a su lado. También realizó un
“corto falso humorístico” en el que juntó escenas
de películas de Marvel con escenas de filmes de
preparatoria (“Nick Fury gritándote como si te
hubieras quedado dormido en clase”).
Impresionado por su inventiva, Marvel le dio a
Watts el trabajo —se dice que incluso sobre otros
más experimentados, como Jared Hess y
Jonathan Levine—.
Cuando EMPIRE se reúnió por primera vez
en el set con Watts, en Queens, a finales de
septiembre de 2016, cubriéndose de la lluvia
neoyorquina en una plataforma elevada en la
estación de la Calle 75, nos preguntamos si le
preocupó hacerse cargo de un personaje que es ya
tan familiar. ¿No era este sólo el relanzamiento de
un relanzamiento?
“Si hubo algún sentimiento así, de inmediato
se desvaneció cuando comencé a hablar con el
equipo técnico de Marvel sobre lo que ellos tenían
en mente”, apunta. “Entonces la cosa se volvió:
‘Dios mío, ¿qué NO podemos hacer?’. Hay muchas
posibilidades cuando dices ‘no voy a contar la
historia sobre su origen: la voy a ubicar en el
LO QUE MARCA a Homecoming de manera
más obvia que las previas Spider-Man es, entonces,
tuviera que hacer su tarea?’”, explica Feige.
“Tienes un poco de eso en las otras películas [de
Spider-Man], pero nunca lo has visto tan joven
universo que ya existe’. Y cuando me dijeron lo de el universo de los cómics de Marvel. “Por primera como en la nuestra”.
presentarlo en Civil War y cómo Tony Stark vez podemos ver el medio en el que existía en los En Homecoming, Peter está en su segundo año
sacaría a Peter Parker de la oscuridad —el Peter cómics”, dice Feige. Pero no se trata sólo de la de prepa —en Midtown High, un establecimiento
de ocho años había visto a Sark decir: ‘Yo soy Iron emoción de que Holland comparta más escenas que es un magneto para los sobresalientes en
Man’ en la tele— pensé: ‘Claro que le entro’. Esta con Robert Downey Jr., sino que el nuevo contexto ciencias y matemáticas. Ha tenido sus poderes
va a ser una Spider-Man completamente diferente resalta lo que hace a Spider-Man diferente de los arácnidos por menos de un año y esta vez se debate
a lo que hayan visto antes. Y va a ser la más demás superhéroes. entre impresionar a la primera chica que le gusta,
cercana al espíritu de lo que Spider-Man era en “Lo genial de [sus creadores] Steve Ditko y Liz Allan (Laura Harrier) —quien fuera su interés
primer lugar. No es un relanzamiento para nada, Stan Lee fue decir: ‘Creamos este mundo lleno de romántico ocasional en los cómics—, unirse a su
sino un retorno adonde pertenece”. héroes. ¿No sería divertido tener a un chico que equipo de pentatlón académico e impresionar a
¿De ahí el título? “Exacto”, ríe Watts. “Oh, ¿lo fuera tan fuerte y poderoso y noble como Stark, su nuevo como que mentor. “Casi siento
hicimos a propósito?”. cualquiera de ellos, pero que de todos modos como si estuviera audicionando para ser un

70 JUNIO 2017
Avenger”, dice Holland cuando nos reunimos en
su tráiler bajo las vías del metro. “Y a veces hace
justo lo que está mal”.
La acción se desarrolla en lo que Watts
describe como “la planta baja” del mundo
cinemático de Marvel. “Recuerdo amar a John C.
Reilly como Corpsman Dey en Guardians of the
Galaxy”, explica. “Me preguntaba como sería su
vida en el día a día. Siempre he pensado eso cuando
veo estas películas enormes. Entiendo lo que los
superhéroes están haciendo, pero ¿cómo es la cosa
para aquel tipo?”. Homecoming se convirtió en la
oportunidad de jugar con esa idea”.
No es sólo el chico normal Peter Parker y sus
amigos quienes viven en esa planta baja, sino
también el villano del filme, Adrian Toomes,
mejor conocido como Vulture. Además de que no
fue utilizado en las películas previas (aunque los
rumores a lo largo de los años ligaban a John
Malkovich y a Larry David al papel) y de ofrecerle
a Watts una sensación agradable “de regreso a lo
básico” (porque el anciano villano alado es apenas
el segundo tipo malo con el que Spidey se
encuentra), Toomes también le dio la
oportunidad, como dice Watts, de “ver si puedes
tomar a un tipo cualquiera y convertirlo en un
verdadero villano”.
Resulta que el trabajo “normal” de ese tipo es
limpiar los líos de los superhéroes. Según el
coproductor Eric Hauserman Carroll, primero
encontramos a Toomes como parte del equipo
que está ‘reparando’ Nueva York después de los
eventos de Avengers Assemble… sólo para que su
equipo de rescate de tecnología extraterrestre sea
sustituido por una nueva organización llamada
Damage Control (nombrada así por una
miniserie de Marvel de finales de los 80), justo
cuando había incurrido en fuertes deudas. “Eso lo
pone en una situación bastante desesperada, así
que con uno de los camiones que ya cargaron, él y
su equipo, con la ayuda de un personaje llamado
Tinkerer (Michael Chernus), comienzan a robar
más de esta tecnología exótica —Chitauri, Dark
Elf, incluso algunas cosas de Stark— para vender
en el mercado negro”.
JUNIO 2017 71
 Este concepto le gustó a Michael Keaton
cuando Marvel se le acercó para interpretar a
Toomes. “Es una visión interesante de un villano”,
dice. “Adrian Toomes tiene un argumento bastante
convincente, que es: ‘todos han tomado su parte y
ellos están en una posición de poder. Bueno, pues
yo he sido un tipo trabajador toda mi vida, así que,
¿qué hay de mí?’. Eso me dio un buen lugar para
empezar su desarrollo”.
Aun después de sus experiencias
interpretando a Batman y Birdman, darle vida a
Vulture con un chico metiche que se la pasa
colgado de telarañas fue un proceso que dejó
exhausto al actor de 65 años. “Es difícil llevarle el
paso a Thomas”, ríe Keaton. “Él aguanta”.

Y VAYA QUE AGUANTA. El 1 de octubre,

EMPIRE es invitada al Franklin K. Lane
Educational Center en la frontera de Queens y
Brooklin para ver a Peter Parker irse de pinta
como sólo Peter Parker podría hacerlo.
Hoy, Tom Holland está vestido de civil en
lugar de los spandex de Spidey, y se para en un lado
de una imponente valla de hierro con puntas
amenazantes. Una grúa se eleva por encima con
dos cables bajando desde su punta hasta un arnés
bajo la ropa de Holland. Listo y concentrado, estira
el cuello de lado a lado y practica una pose de salto
de ballet que recuerda un poco a Trinity de The
Matrix, y que nos hace pensar que este chico
alguna vez interpretó a Billy Elliot en un escenario
del West End.
Watts dice acción y Holland camina muy
casualmente hacia la valla, lejos de la entrada del Vaya dilema:

campus de la prepa Midtown, echa una mirada Spider-Man se

furtiva sobre su hombro y luego salta, con ambos debate si debe

brazos y una pierna levantados. La grúa lo eleva buscar su tarjeta de

sobre las puntas —que no por estar enfundadas débito en lo que fue

con relleno de espuma parecen menos la ila del cajero.

amenazadoras— y de vuelta al piso del otro lado, Abajo, izquierda: al

sobre un montón de cajas de cartón y tapetes de productor Kevin

impacto. No se requirió de un doble. Feige y a Holland les

Esta es la última cosa que hace a Homecoming encantan los chistes

diferente de todas las anteriores. No sólo es Tom de Robert Downey Jr.

Holland el actor más joven que ha interpretado a Abajo, derecha: Iron

Peter Parker, sino que tiene una habilidad Man y Spider-Man,

gimnástica genuina. De acuerdo con Feige, “todo dispuestos a

lo que ves es Tom en un traje o Tom realizando la hanguear.

captura de movimiento para lo que será el traje”.

Holland admite que ha sido un rodaje
bastante brutal. “Me la pasé en cables casi en cada
toma. De cabeza, trepando paredes, meciéndome,
volando... todo tipo de cosas”. La película tiene
tres secuencias mayores de acción, incluyendo
una pelea en el Monumento a Washington, una
batalla climática en el exterior de un jet sobre
Nueva York y un intento de rescate espectacular
que involucra al ferry de Staten Island, para la que
se montó un escenario de cuatro pisos con base
hidráulica para replicarlo después en los
Pinewood Atlanta Studios.
Todas son, promete Watts, “secuencias
enormes con muchas partes en movimiento”. A
pesar del hecho de que nunca había hecho acción
—“Hice como un tiroteo en Cop Car”—, suena a
que se ha inspirado en las mejores fuentes. “Me

72 JUNIO 2017
 gusta cómo dirige Spielberg las secuencias de
acción, porque sabes exactamente qué está
pasando, y tienen muchas minihistorias divertidas
dentro de la trama mayor que escalan lentamente
con el tiempo. Como las escenas de la pelea en el
aeroplano en Raiders y la que se presenta en el
tanque en Last Crusade”.
Puede que Holland aguante, como dice
Keaton, pero hoy es el penúltimo día de la
fotografía principal y está hecho polvo. “Pero me
ha encantado, no me malinterpretes”, cuenta
devorando un bagel con queso crema. “Pero me ha
dejado molido. Lo más difícil es saltar de lugares
altos y aterrizar en posición de Spidey. Tengo la
rodilla derecha destrozada y necesita un descanso
bastante largo”.
NO PARECE QUE vaya a tener uno. Holland
regresó en febrero como Spider-Man para
Avengers: Infinity War, y vienen más. “Hay una
estrategia que abarca las próximas cuatro
películas”, dice Feige, refiriéndose a Homecoming,
los dos filmes Infinity War de Avengers y “como
sea que vaya a llamarse Homecoming 2”.
Parece que ni siquiera las payasadas de Thanos
que amenazan al mundo pueden evitar la
educación de Peter Parker. Antes, Feige y su equipo
estuvieron de acuerdo sobre que quieren
mantenerlo en la prepa tanto como puedan. “Harry
Potter se volvió el ejemplo, aunque Peter
claramente no es tan joven como Harry en su
primera película”, dice. “Ciertamente hay un
potencial divertido en una estructura de tres
películas hasta que llega al último año de prepa”.
En cuanto a Holland, no tiene prisa por
graduarse. “Ha sido un sueño hecho realidad”,
indica. “He querido ser Spider-Man desde que era
niño. Ya sabes, hasta tenía sábanas de Spider-Man”.
Describe el ponerse por primera vez el traje hecho
por Stark como “una experiencia mágica” (aunque
un corte para ir al baño requiera un aviso de 45
minutos) y confiesa hacer sonidos de lanzar la
telaraña —“¡Fsss! ¡Fsss!”— tras la máscara cada vez
que el puño de Spidey lanza sus fluidos pegajosos.
También menciona crípticamente una idea
que ha tenido que, si es adoptada, lo tendrá
interpretando a Peter más allá del plan de cuatro
películas. “Peter Parker es un personaje que vemos
[en los cómics] como un chico de 15 años y luego
como un hombre de 35”, dice cuando EMPIRE se
reúne con él en abril en los Sony Pictures Studios
de Culver City, Los Ángeles. “Así que tengo una idea
de lo que quisiera hacer y ya la presenté, y ha sido
llevada al consejo. Sería genial si resulta porque
significaría que sería Spider-Man durante mucho
tiempo más”.
Hemos visto mucho de Peter en pantalla
últimamente, pero Holland insiste en que el
personaje tiene mucho que dar. “Al final de la cinta
no estaremos ni a la tercera parte de que sepa cómo
FEATURES
funcionan sus poderes”.
Holland se ha probado a sí mismo. Jon Watts
CREDIT
pasó la prueba con excelencia... Pero Spider-Man
GUTTERREX
todavía tiene que crecer mucho.
GETTY,
SPIDER-MAN: HOMECOMING ESTRENA EN JULIO.
El Club Tom Tom  
TOM HOLLAND
(EL HISTORIADOR)
“NUNCA HE CONOCIDO a Tom pero he
conocido a su papá, Dom Holland, quien es un
muy buen comediante. Cuando se dio la noticia
de que había obtenido el papel, de inmediato
todos comenzaron a hacer bromas al respecto.
Luego me confundían con él en Twitter.
Ocasionalmente me copian en cosas de Marvel,
pero sobre todo son tuits interminables de
adolescentes brasileños diciendo: ‘¡Te
amamos!’. Sospecho que no se trata de que
súbitamente hayan desarrollado una pasión por
la historia clásica…
No me interesan los superhéroes, aunque mi
hija menor está obsesionada con los X-Men, así
que he visto ésas. Y tengo que decir que una de
mis películas favoritas es Kick-Ass —así que he
visto la parodia sin haber visto la original—.
Spider-Man es básicamente Batman con un
traje de araña, ¿no? Creo que sí veré
Homecoming. Me interesa la carrera del chico”.
TOM HOLLAND ES EL AUTOR DE RUBICON: THE LAST
YEARS OF THE ROMAN.
TOM HOLLAND
(EL DIRECTOR)
“¡PARECE QUE ESTÁS HASTA EL TOPE de Tom
Hollands! Hace un par de años alguien mandó a
mi website THTerrorTime un Photoshop de
Spider-Man con mi cabeza. Pensamos que era
muy chistoso. Vi la primera película de Spider-
Man y me gustó, pero luego los defensores
encapados hicieron que perdiera el interés.
Cuando trataba de convertirme en actor tuve
que usar el nombre Tom Fielding porque ya
había otro Tom Holland. Luego, cuando comencé
a escribir, descubrí al escritor británico Tom
Holland. Comenzó como novelista de horror
victoriano que disfruté, aunque no tanto como
sus libros históricos.
Finalmente noté a otro Tom Holland en The
Impossible y pensé que era muy bueno, un actor
con mucho talento. Me encanta que le vaya tan
bien. Pero conseguí el nombre @RealTomHolland
en Twitter. ¿Cuál es su cuenta de Twitter?
¿@TomHolland1996? ¡Dios! ¿Pero cuántos años
tiene el tipo?”.
TOM HOLLAND ES EL DIRECTOR DE FRIGHT NIGHT
(1985) Y CHILD’S PLAY (1988)
JUNIO 2017 73
 EN CASA CON LOS
PROTAGONISTAS
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
EMPIRE ENTREVISTÓ en la Ciudad de
México a los dos protagonistas de Spider-Man:
Homecoming para realizar el tipo de preguntas
que te hacen sonreír y que podrían reforzar tu
ya casi incontrolable deseo de ver la película.
Sin duda lo más impactante del encuentro
con Tom Holland y Laura Harrier fue lo viejo
que me hicieron sentir, así que dejemos que su
juventud hable:
A Laura: ¿Fue un reto seguir en la línea de
Kirsten Dunst y Emma Stone como Mary
Jane y Gwen Stacy, respectivamente?
Ambas son actrices que yo respeto mucho,
¿sabes?, las admiro y creo que han hecho cosas
superimportantes con sus propias carreras,
pero no siento ninguna presión con respecto a
mi personaje. Ellas interpretaron a Mary Jane
y Gwen Stacy, mientras que yo soy Liz Allan,
así que no creo que el público espere que yo
haga cierta versión del personaje para
compararlo. Ésta es una nueva persona
completamente.
74 JUNIO 2017
A Tom: Tú vienes de ser Billy Elliot en teatro y a
tu familia se la llevó un tsunami; ¿cómo diablos
llegas a ser Spider-Man, qué clase de viaje te
trajo hasta aquí?
Uno muy divertido. He sido muy afortunado. He
estado en el lugar correcto en el momento
adecuado. He amado cada oportunidad que se me
dio, he aprendido un chorro de esta industria. Y
simplemente estoy muy honrado: siento que cada
trabajo que he hecho ha sido un paso que me acercó
más a éste y estoy muy agradecido de que mi trabajo
duro haya dado frutos, pero también he sido lo
bastante afortunado por obtener este papel y de que
se me brindó un estupendo equipo de gente que me
cuida, que se asegura de que yo esté bien y de que la
peli sea todo lo buena que puede ser.
A Laura: ¿Kirsten Dunst o Emma Stone (se
queja y hace cara de “no mames”)? Tienes que
elegir a una.
No es jus… Bueno, ellas dos son increíbles, de verdad
lo son, o sea, ambas son diferentes pero en realidad
amé a Emma Stone en La La Land, así que ella
tendría que ser.
A Tom: ¿Tobey Maguire o Andrew Garfield?
Me gusta Tobey por vulnerable y por el arco que
vivió su personaje en Spider-Man. Creo que
Andrew es un actor fantástico; de hecho, creo
que vi cuatro veces The Amazing Spider-Man en
el cine. Así que probablemente Andrew.
A Tom: ¿Y qué piensas acerca de que los dos
últimos Spideys sean ingleses?
Creo que está de bolas y lo más cool no es sólo
que somos ingleses, sino que vivimos como a 20
minutos uno del otro.
A Laura: ¿Qué parte de ser modelo te ayudó
a darle vida a Liz Allan?
Ninguna.
¿Y cuánto de Laura tiene Liz?
Creo que Liz tiende a sobrepensar las cosas.
Imagino que ella sabe qué quiere en la vida y
tiene el camino libre, pero a lo mejor necesita
ser mejor y más flexible en cuanto a cómo va a
acceder a ese camino. Tiene que aprender a
esquivar los trancazos.

A Tom: ¿Y qué tanto de ti tiene Spider-
Man? ¿Tu trabajo como bailarín le brindó
una corporalidad especial al personaje?
Sí, claro. O sea, creo que esta versión de
Spider-Man, físicamente, es yo por completo.
Es joven, divertido, corpóreo, un tipo fácil de
llevar y yo creo que sí soy así. Me gusta pensar
que soy así. En definitiva hay mucho de Tom
Holland en Peter Parker.
A ambos: ¿Les gustaban los cómics antes
de ser casteados para esta cinta?
Tom: Sí. Los amo. Aunque no los había leído
antes, en cuanto lo hice me enamoré de ellos y
estoy muy molesto conmigo de que no he
seguido leyéndolos.
¿Es un asunto generacional o cuál
consideras que es la razón?
Creo que sí pero también creo que están
teniendo un regreso.
Laura: Yo leí toneladas de comics de Archie
cuando era niña.
Tom y Laura visitaron
México para hablar
de Spider-Man y su
impacto en sus
actividades actorales.
¿Entonces qué piensas de la nueva serie de
Archie, Riverdale?
No la he visto todavía, pero sé que la debo de
ver. Y lo haré.
¿Qué nos pueden platicar de trabajar con
gente como Michael Keaton, Robert
Downey Jr. o Marisa Tomei?
Tom: ¿Sabes qué? Yo trabajé mucho y muy de
cerca con Marisa Tomei (pequeño bastardo)
que es mi tía en la película. Nos hicimos
superbuenos amigos. Ella es la persona a la que
acudo para que me aconseje en cuanto a
relaciones con chicas. Andaba con una en
Londres mientras filmaba la película y siempre
que tenía alguna pregunta le llamaba a Marisa
para pedirle consejos, qué decir o qué debía
hacer y ella era la neta. Fue como una tía de
verdad, pero además una muy buena amiga. Yo
la adoro y fue increíble trabajar a su lado.
Laura: Yo sólo tuve escenas con Michael
Keaton y fue increíble. Él es obviamente un
gran actor. Es alguien con quien crecí viendo
Batman. Él es Batman. Y fue impresionante
trabajar con él como actriz y mis papás estaban
vueltos locos también.
¿Qué piensan de estas enormes
megaproducciones de superhéroes en las
que los universos se conectan y hay
superhéroes conociendo y trabajando con
más superhéroes y etcétera?
Tom: Es una cosa fantástica que Kevin (Feige,
presidente de Marvel Studios) ha armado; es
decir, me acuerdo de haber visto Iron Man 1 y
2, Thor 1 y 2 y la primera del Cap, y cuando
llegó Avengers dije: “A ver, ¿o sea que todos
ellos viven en el mismo mundo?”. Y me quedé
menso y el hecho de que ahora yo sea parte de
este mundo es la cosa más loca.
Eso sólo hace a estas películas más excitantes
porque es como si fuera un programa de tele
gigante donde cada filme es un nuevo episodio,
y por eso estoy tan feliz de tener a Iron Man en
nuestra peli, porque es un monstruo y todos lo
aman. Imagínate lo que es ver las secuencias en
las que Iron Man está junto a Spider-Man otra
vez en pantalla.
¿Y acerca del universo DC? ¿Quién te
gustaría ver haciendo un crossover con el
de Marvel?
Tom: Eso nunca va a suceder. Pero aun así es
excitante ver lo que DC está haciendo. Estoy
muy emocionado por la película de Mujer
Maravilla. Estoy seguro de que va a ser muy
divertida. Además de que me senté junto a Gal
Gadot en los premios MTV y desde entonces he
estado pensando en Wonder Woman.
¿Por qué piensas que nunca va a suceder?
Tom: Porque ya hemos avanzado demasiado en
el proceso del UCM. Si apenas estuviéramos
empezando, igual y sí. Estaría bueno que
pasara en el futuro. Ojalá, pero no creo que
ocurra pronto.
A Laura: ¿Qué sigue para ti?
No lo sé. O sea, estoy leyendo un montón de
guiones tratando de que alguno me hable.
Quisiera hacer algo diferente de Spider-Man.
Estoy checando mis opciones.
¿Sobrevives al final de la cinta? ¿Nos
puedes decir eso?
(Risas) Claro, Liz no muere.
¿Entonces hay más películas para ustedes?
Tom: Tendrás que esperar a ver qué pasa.
¿Y qué sigue para ti entonces?
Todavía no lo sé. Espero volver a los escenarios
en enero. Tengo unas cintas independientes
que quiero que se armen. Deseo hacer cosas
diferentes. Diferentes a Spider-Man.
¿Conocieron a Stan Lee?
Laura: No lo conocimos, pero lo conoceremos
mañana ¡aquí en México!
JUNIO 2017 75
 RADO
SALVADOR JU
POR JORGE

76 MONTH
JUNIO 2017
2017
JUNIO 2017 77

En sus escasas 15 ediciones, en esta
publicación antológica de historias de
monstruos y ciencia ficción se habían aplicado
con poca fortuna distintas fórmulas que
llevaron a titularla Amazing Adventures y
Amazing Adult Fantasy para, en su edición
final, prescindir del “Adult” y aparecer
simplemente como Amazing Fantasy.
Pero su suerte estaba echada. La
competencia, National Periodical (DC
Comics), veía el renacer de los superhéroes
con el encumbramiento de Justice League of
America, Flash y Green Lantern, así que se
buscó incursionar en el género, y apenas unos
meses antes de que llegara a su fin Amazing
Fantasy, títulos como Fantastic Four y The
Incredible Hulk se habían incorporado al
catálogo de la naciente Marvel Comics
78 JUNIO 2017
—primero se llamó Timely Productions y
posteriormente Atlas Comics, hasta mayo de
1963— con un puñado de superhéroes para
quienes los poderes se presentaban como una
carga adicional a sus imperfectas
personalidades, con vicios de carácter y
problemas personales que los dones
adquiridos no eran capaces de enderezar.
“Superhéroes con superproblemas”, como
los definió un periódico neoyorkino en los
años sesenta. Héroes demasiado humanos. Y
el éxito no tardó en mostrarse, indicando
también que una publicación dedicada a los
monstruos ya no tenía cabida en una editorial
que encontraba las ventas en los superhéroes.
Comenzó así la lluvia de ideas de títulos y
personajes que presentaba el editor literario
Stan Lee con sus dibujantes de plantilla: Jack
Kirby, Steve Ditko, Don Heck, Joe Sinnott,
Dick Ayers y Paul Reinman, mismas que
dieron origen a una constelación de poderosos
entre los que destacan los ya mencionados
Hulk y Fantastic Four además de Iron Man,
Thor, los X-Men, Doctor Strange, Daredevil,
Nick Fury, Wasp y Ant-Man, por mencionar a
algunos de esos pioneros.
Y entre las propuestas estaba la historia
de un héroe adolescente con poderes de araña.
Una idea que no tenía futuro a ojos de Martin
Goodman, dueño y editor general de Marvel
Comics —quien había nombrado editor
literario y guionista a su primo político,
Stanley Lieber, a.k.a. Stan Lee—. Haciendo
cuentas, Amazing Adult Fantasy y los
adolescentes araña eran una mancuerna
destinada al fracaso. Así que no había nada
que perder en un título que se extinguía y se
dio luz verde al proyecto.
Para el dibujo de la historieta, Stan Lee
llamó a su hombre de confianza, Jack “The

King” Kirby, el cocreador de la mayor parte
del Universo Marvel inicial, pero a Stan le
pareció que los bocetos que presentó Kirby
mostraban a alguien demasiado superheróico
para lo que buscaba, necesitaba a un personaje
más poca cosa, así llegó al proyecto Steve
Ditko, quien trazó al adolescente Peter Parker
ILUSTRACIONES CORTESÍA DE MARVEL MÉXICO
cegatón y debilucho, y dio un giro al traje
diseñado por Kirby, dotándolo de una hechura
más “casera”.
Mientras es ampliamente conocida la vida
y obra del prolífico Stan Lee, el joven que
buscaba ser actor o novelista pero cuya
necesidad lo llevó a las historietas y en plena
crisis de los cuarenta ideó a la mayor parte de
sus creaciones, Steve Ditko es un artista no
siempre valorado, quien luego de cocrear a
Spider-Man y a Doctor Strange para Marvel ha
tenido una carrera accidentada por los
mensajes filosóficos que imprime a sus
propuestas, pero quien supo capturar en sus
Stan Lee
mostrándote la
cara que deberías
estar poniendo
mientras lees esta
revista
trazos para el arácnido la angustia y la soledad
clásicos en adolescentes.
Las once páginas de Amazing Fantasy que
introdujeron al mundo de los cómics a
Spider-Man presentaban a un chico marginal,
un huérfano para el que los estudios eran el
camino a la mejora económica, que sufría el
acoso de sus compañeros y el rechazo de las
chicas; con una historia tan sólida que de tan
contada ya forma parte de la cultura general:
el joven tímido que es mordido por una araña
radiactiva que le dota de poderes, y al querer
buscar el éxito económico al usarlos en el
espectáculo, llega la tragedia a su vida con el
asesinato de su tío en un crimen que él pudo
evitar. Y para rematar esa culpa eterna, esa
poderosa y única motivación para redimirse
salvando a otros, el narrador, Stan Lee,
presenta en el último cuadro la frase rectora
del universo Spider-Man: “Con un gran poder
viene una gran responsabilidad”.
A inales de la década de los setenta,
Marvel inició una estrategia para
capitalizarse y exportar sus personajes a
distintas plataformas, como videojuegos,
libros, cine y televisión, pero a raíz de la
creación de Marvel Studios en agosto de
1996, la empresa debió recular y buscó
recuperar sus licencias para formar su
propio Universo Cinematográico. A la
fecha han regresado a casa:
Iron Man. Marvel recuperó los derechos
en 2005. Estaban en poder de New Line
Cinema pero la opción expiró. Aunque
Paramount Pictures, que era parte de
los licenciatarios anteriores a New
Line, conservó los derechos de su
nueva distribución.
Hulk. Marvel los recobró de
Universal Studios en 2005.
Vencieron debido a una cláusula
que indicaba que cada cierto tiempo
debía iniciarse el rodaje de una nueva
película. La última fue Hulk (2003) de Ang
Lee y la secuela se retrasó. Sin embargo,
Universal conserva los derechos de
distribución de cualquier película en
solitario de este personaje.
Black Panther. Marvel recuperó los
derechos del personaje de un acuerdo con
Artisan Entertainment. En 2005 se anunció
que sería uno de los ilmes desarrollados
por Marvel Studios y distribuidos por
Paramount Pictures. La cinta al in será
distribuida por Walt Disney Studios.
Black Widow. Marvel recuperó los
derechos del personaje en 2006. Los tenía
Lionsgate pero no concretó su propuesta.
Thor. En 2007, Marvel Studios llegó a un
acuerdo con Paramount Pictures para que
el primero produjera la cinta y el segundo
la distribuyera, pero en julio de 2013 los
derechos de distribución de la película se
transirieron de Paramount Pictures a Walt
Disney Studios.
Daredevil, Punisher, Blade y Ghost
Rider. Los recuperó en 2013 de 20th
Century Fox, Lionsgate, NewLine Cinema
y Columbia Pictures, respectivamente.
Spider-Man. Sin recuperar del todo los
derechos, Marvel llegó a un acuerdo con
Sony Pictures para que el personaje
participara en el UCM y ambos
compartieran los derechos.
Namor. Regresó en 2016 de manos de
Universal Pictures.
JUNIO 2017 79
 001 PORTADA
VARIANTE

Spider-Man: Homecoming ofrecerá una

nueva interpretación de viejos villanos del
cómic donde deja claro que el sistema
vuelve criminales a los más grandes
genios tecnológicos. O sea, ¿cómo?

$ 35
270316

El Buitre / Adrian Toomes

(Michael Keaton)
En la película será un exingeniero que
busca vengarse de Tony Stark después de
que éste lo sacara del negocio. Su ingenio
lo lleva a desarrollar un arnés mecánico
que le permite volar.
En el cómic debutó en Amazing Spider-
Man #2 (1963), con la diferencia de que se
inició en el camino del crimen luego de
que su socio, Gregory Bestman,
malversara fondos de su compañía.

Shocker / Herman Schultz

(Bokeem Woodbine)
En la película se trata del socio criminal de
El Buitre, y también es un exingeniero que
usa una versión modiicada de los guantes
de Crossbones.
En el cómic debutó en Amazing Spider-
Man #46 (1967). A pesar de su genio como
inventor, que lo llevó a desarrollar unos
guantes que le permiten controlar las
vibraciones y usarlas como un arma, a
Shocker se le hizo fácil y buscó ser el
mejor ladrón de cajas fuertes.
The Tinkerer / Phineas Mason
(Michael Chernus)
Otro de los socios de El Buitre, quien
también basará su poder en la capacidad
bélica de la tecnología.
En el cómic debutó igualmente en The
Amazing Spider-Man #2 (1963) y se trata
del genio inventor del traje de Mysterio.
Spider-Man era un nuevo tipo de héroe,
un adolescente solitario que no era un
sidekick de un personaje mayor, como el
Robin de Batman, ni tampoco pertenecía a un
equipo de paladines, y que pese a su drama
personal tenía sentido del humor. Y el éxito de
ventas inmediato de la publicación que
terminaba lo llevó a ganarse su propio título:
The Amazing Spider-Man, en marzo de 1963.
Amazing Fantasy #15 inició una historia de
más de 50 años de publicaciones
ininterrumpidas hasta ahora.
Una copia en buen estado de ese cómic,
cuyo costo original fue de 12 centavos de
dólar, a inicios de 2011 fue vendida por 1.1
millones de dólares según comicconnect.com,
el monto más alto que ha alcanzado una
historieta proveniente de la época de plata de
los cómics, apenas superado por dos
publicaciones de la época de oro: Action
Comics #1 (1938) y Detective Comics #27
(1939), las primeras apariciones de Superman
y Batman, respectivamente.
Iniciaba la década de los años sesenta y
parecía que las propuestas de Marvel Comics
tenían la fórmula que el público juvenil
necesitaba. Por ello, en 1966 llegó la primera
adaptación de sus personajes a la pantalla chica
con la serie The Marvel Super Heroes,
producción canadiense que contaba con un
Hulk, Iron Man, Capitán América, Thor y
Namor. Un año después debutaron en la barra de
caricaturas Fantastic Four y Spider-Man. Esta
última, a pesar de su bajo presupuesto, alcanzó
un éxito suficiente como para completar tres
temporadas, finalizando emisiones en 1970 y
dejando como legado el tema musical de Paul
Francis Webster y Robert “Bob” Harris, el cual
suele tararearse como referencia a Spider-Man,
además de uno de los memes de internet más
recurridos en el mundo. Esa sería la primera de
nueve series de animación protagonizadas por el
álter ego de Peter Parker.
La segunda mitad de los años setenta fue una

80 JUNIO 2017

época fértil para las series de televisión sobre
superhéroes, la mayoría con poca fortuna y
una vida muy corta, con propuestas como
Legends of the Superheroes, The Secret of Isis,
Wonder Woman y las dos apuestas de Marvel:
la aún recordada The Incredible Hulk y la
justamente olvidada Spider-Man. Esta última
interpretada por un ya no tan joven Nicholas
Hammond. Según palabras de Stan Lee: “No
había corazón en la serie. Algún villano hacía
algo y él se trasformaba en Spider-Man.
Perseguía al villano y lo atrapaba. Trepaba un
edificio y eso era todo. Comprendí que no iría a
ninguna parte”. Y luego remata: “Por suerte,
[la serie] no arruinó al personaje para otras
cosas”.
A pesar de ello, entre 1977 y 1981 se lanzó
la primera trilogía de filmes del Cabeza de Red
con las cintas Spider-Man (que en realidad era
el piloto de la serie), Spider-Man Strikes Back
(1978) y Spider-Man: The Dragon’s Challenge
(cada una se componía de la reunión de dos
capítulos de la serie).
Los años ochenta y noventa vieron llegar a
la pantalla grande un puñado de películas
basadas en personajes de Marvel, las cuales se
acercaban a estos de manera simplona, con
tanta superficialidad que desaparecían las
motivaciones que les llevó al éxito en los
cómics. “Stan ponía esas emociones y fallas en
cada uno de los personajes, y te hacía voltear la
página y seguir leyendo. Las personas habían
hecho eso por décadas en las historietas, lo que
no necesariamente se había trasladado al cine.
Hubo películas en los ochenta y noventa que no
fueron muy buenas. Creo que fue por la
traducción superficial que se había hecho en
varias de las películas sobre historietas”,
afirmó con certeza Kevin Feige, presidente de
Marvel Studios.
Como parte de una política de
capitalización por medio de licenciar sus
productos, los derechos para cine de Spider-
El traje del arácnido ha
variado más que los actores
que lo han interpretado.
Man a principios de los años ochenta los tuvo
el legendario director Roger Corman; al expirar
estos en 1985 los adquirió Cannon Films y
barajaron el nombre del maestro del cine
sangriento, Tobe Hooper, como cabeza de una
cinta en ciernes, pues los dueños de Cannon
malinterpretaron el concepto del personaje y
supusieron que era como el Hombre Lobo,
donde el poder de Peter Parker era fruto de la
experimentación de un científico loco. La
alarma sonó en Marvel y Stan Lee propuso una
nueva historia en la que incluía al Doctor
Octopus, y entre los nombres para interpretar
a Peter llegó a mencionarse el de Tom Cruise,
aunque se dieron a conocer imágenes con el
stuntman Scott Leva en el traje azul y rojo.
A la venta de Cannon Films en 1989, uno de
sus anteriores propietarios, Menahem Golan,
marchó de la empresa conservando los
derechos del arácnido y buscó a un estudio
grande para llevar a cabo el proyecto. El mismo
año, 21st Century Film Corporation anunciaba
el inicio del rodaje para el próximo septiembre.
JUNIO 2017 81

Al mismo tiempo, Golan vendió los
derechos de televisión a Viacom y los de video
a Columbia Pictures. Poco después se anunció
que Carolco Pictures —una productora
independiente— había recibido un primer
guion de James Cameron y meses más tarde
un segundo que incluía escenas de sexo entre
Peter y Mary Jane en el Puente de Brooklyn.
Pero una serie de litigios entre Menahem
Golan, Carolco, Viacom y Columbia aplazaron
cualquier producción, hasta que en 1996
Carolco, 21st Century y Marvel se declararon
en quiebra.
Tras recuperar los derechos en 1998,
Marvel los licenció a Columbia, una
subsidiaria de Sony Pictures Entertainment, y
luego con otra serie de litigios y arreglos con
MGM, que argumentaba ser la empresa titular
de estos al comprarlos vía Cannon, 21st
Century y Carolco, finalmente se sentaban las
condiciones para iniciar la superproducción
que el personaje se merecía.
Además, por fortuna para el cine basado
82 JUNIO 2017
Todos tenemos
nuestro
favorito, ¿cuál
es el tuyo:
Tobey Maguire,
Andrew Garield
o Tom Holland?
en los cómics, llegó un hombre clave para el
correcto traslado de los personajes de Marvel
a la pantalla grande: Avi Arad, un productor
que dotó a los filmes de este género de una
mayor seriedad en el tratamiento de los temas
y producciones con un gran cuidado en los
aspectos meramente cinematográficos, como
el guion, la fotografía, la actuación y los
efectos especiales. Arad había llegado a
Marvel en 1990 como cabeza de Toy Biz, la
división de juguetes de la empresa, y poco
después se asumió como cabeza de la
compañía al lado de Isaac Pelmutter tras
haberla salvado de la quiebra en 1996.
Este israelí-estadounidense tuvo como
área de prueba las series animadas de Iron
Man, Fantastic Four o Spider-Man, las tres de
1994, para al fin contribuir a la madurez del
género con la producción ejecutiva de las
cintas de tema mutante X-Men (2000) y
X-Men 2 (2003), ambas dirigidas por Bryan
Singer, y el Spider-Man de Sam Raimi (2002).
“Es irónico que pasara tanto tiempo para
entender el viaje emocional de los personajes
y lo que esperas, con eso comienzas y a eso le
eres fiel”, dijo Kevin Feige.
Con Tobey Maguire en el papel de Peter
Parker y Kirsten Dunst dando vida a Mary
Jane Watson, Spider-Man (2002), dirigida por
Sam Raimi, expuso virtudes similares a la
cinta de X-Men (2000) de Bryan Singer, dando
continuidad a lo que se convertiría en una
tradición con los cameos de Stan Lee, y
conservando los altos estándares de
producción y efectos especiales que
permitieron gozar en pantalla de movimientos
con mayor verosimilitud cuando el arácnido
se columpiaba a través de Nueva York —los
cuales recordaban mucho a los cómics—,
además del acierto en la recreación del traje y
las telarañas.
El ciclo del Spider-Man de Sam Raimi
(2002, 2004 y 2007), a pesar de alejarse en
varios aspectos de la mitología del cómic, supo
ser fiel al espíritu del Universo Spider-Man
con suficiente talento para que la legión de
lectores que habían acompañado al personaje
durante décadas sirvieran como primeros
voceros de una nueva era del cine de Marvel,
además de un reparto de soporte bien
seleccionado, como se recuerda al mencionar
a los villanos Green Goblin (Willem Dafoe),
Dr. Octopus (Alfred Molina) y Sandman
(Thomas Haden Church).
Lamentablemente, a pesar de los planes
de Raimi para Spider-Man 4, donde se vería la
transformación del Dr. Curt Connors en El
Lagarto y las posibles apariciones de
Mysterio, Gata Negra, El Buitre, Shocker,
Prowler y Rhino, los cada vez más frecuentes
desacuerdos entre el director y el estudio
llevaron a Sony a dar por terminada por
completo la saga en 2010.
The Amazing Spider-Man (2012) fue el
relanzamiento de la franquicia, ahora dirigida
por Marc Webb y con un reparto que incluyó a
Andrew Garfield como Peter Parker y Emma
Stone como Gwen Stacy, en una primera
aventura en la que Spider-Man enfrentaba a
El Lagarto, pero a pesar de su altísima
taquilla, las buenas críticas recibidas y de
conservar muchos de los valores narrativos
introducidos por Sam Raimi, el mal
desempeño de su secuela, The Amazing
Spider-Man 2: Rise of Electro (2014) y tras
anuncios de retrasos de las posteriores
entregas, la 3 y 4, en 2015 se hizo oficial la
cancelación del proyecto.
En 1996, a raíz de la creación de Marvel
Studios, la empresa planeó un mayor control
de sus creaciones y una participación más
generosa de la recaudación por taquilla, por

ello buscó recuperar los derechos comerciales
sobre las propiedades intelectuales que su
anterior política de licencias les había llevado
a vender (en 2009, la empresa sería adquirida
por The Walt Disney Company).
En 2005, una línea de crédito por 525
millones de dólares para la realización de
hasta diez filmes anunciaba el debut del
Universo Cinematográfico de Marvel (UCM),
y si bien el estudio pudo recuperar los
derechos de suficientes héroes para reunir a
los Avengers, algunas de sus creaciones, entre
las que se incluyen los personajes principales
y secundarios de los mutantes, Fantastic Four
y Spider-Man, aún pertenecen a otras
compañías productoras.
Sin embargo, en febrero de 2015 Sony
Pictures y Marvel Studios anunciaron que
Spider-Man aparecería en el UCM y se harían
coproducciones entre los estudios. Sony
seguiría siendo dueña de los derechos, la
distribución y el control creativo final. En
marzo de 2016, un tráiler de la tercera cinta
¿Y no te
hubiera
gustado que
Tony Stark
fungiera como
tu mentor?
del Capitán América (Captain America: Civil
War), un mes antes del estreno, mostraba a un
muy joven Spider-Man, interpretado por Tom
Holland, con un traje con mayor tecnología,
cierta dependencia con Iron Man / Tony Stark
(Robert Downey Jr.) y las acrobacias y
telarañas más impresionantes de la historia
del cine arácnido.
En abril de 2016 se anunció que el título
de la primera cinta del Spider-Man del UCM
sería Homecoming. A pesar de cambios
fundamentales en la historia del héroe —como
la edad de la Tía May y la figura “paterna” de
Iron Man—, esta nueva cinta representa el
regreso a muchas bases del personaje, como el
asombro adolescente, el mundo escolar
preuniversitario, la escasez económica, la
dificultad para conjugar correctamente un
mundo de justiciero con una vida normal y el
descubrimiento del sacrificio que significa
aprender a ser un héroe Marvel.
Y como todo el que aprende a caminar
sabe, los primeros pasos se dan en casa.
Para el reparto de Spider-Man:
Homecoming se han anunciado
personajes fundamentales en la vida del
Peter Parker del cómic.
Tía May (Marisa Tomei)
Mientras en el cómic la hemos visto como
la eterna anciana y único familiar vivo del
huérfano Peter Parker, en el UCM se ha
buscado una versión más joven, pues
resulta poco probable que mientras ella
vive su vejez criara a un adolescente hijo
de un familiar muerto, a menos que le
doblara la edad a dicho familiar o que éste
a una edad muy avanzada haya
engendrado a Peter. El personaje debutó
en Amazing Fantasy #15 (1962).
Ned Leeds (Jacob Batalon)
Se trata del mejor amigo de Peter Parker.
Aunque el Ned del cómic es un intrépido
reportero que tras una serie de aventuras
se convierte en el villano Hobgoblin, el
Ned que veremos en la pantalla resulta de
la amalgama de varios personajes de
Marvel, el más reconocible es Ganke Lee,
el amigo de Miles Morales, también
conocido como el Spider-Man de la
Tierra-1610.
Liz Allan (Laura Harrier)
Ella es uno de los primeros intereses
románticos del preparatoriano Peter
Parker en los cómics.
Es la chica popular que
desprecia al “cerebrito”
para salir con el
deportista. Parece estar
llamada a retomar el
papel con el que debutó
en Amazing Fantasy #15
(1962).
Michelle (Zendaya)
Es una compañera de
clase de Peter, muy
rara, tímida y bastante
inteligente.
Flash Thompson (Tony Revolori)
Es el rival de Parker en la escuela. El
deportista exitoso, capitán del equipo y
quien sale con las chicas más lindas y
gusta humillar a los nerds como Peter,
aunque para la película se presentará
como “un niño rico y presumido”. Debutó
en Amazing Fantasy #15 (1962).
Iron Man / Tony Stark
(Robert Downey Jr.)
Figura inicial del UCM, el playboy
multimillonario se presenta ahora como el
mentor de Peter Parker y proveedor de la
tecnología del traje de Spider-Man.
JUNIO 2017 83
 LE BASTAN UN LAZO Y UNA ESPADA, PARA QUE WONDER WOMAN
SEPA LO QUE ES IR EN CONTRA DE LAS PROBABILIDADES,
ALGO QUE TAMBIÉN SABE EL EQUIPO RESPONSABLE
DE SU PRIMER TRABAJO EN SOLITARIO
POR HELEN O’HARA TIPOGRAFÍA JACEY
DE PRIMERA VISTA, el set de Wonder
Woman está muy lejos de ser maravilloso. Mientras
EMPIRE observa, una cansada columna de tropas
aliadas de la Primera Guerra Mundial pasa con
dificultad, las botas llenas de mugre, las caras
empanizadas de tierra. El lodo comienza a secarse
lentamente bajo el sol de febrero —nos dijeron que
el día anterior llegaba a los tobillos—; es apenas
posible pasar sin hundirte en él. En las trincheras a
nuestro alrededor hay ratas muertas, un asqueroso
olor que sugiere que sus pequeños cadáveres
representan un compromiso bastante poco
saludable con el realismo. Todo y todos están sucios
y mojados.
Excepto, claro, Gal Gadot, quien pasa a
zancadas en su atuendo de Wonder Woman
pareciendo una diosa. Un águila de oro se aprecia en
su coraza de cuero rojo. Un lazo enrollado en su
cadera. Su tiara y brazaletes de plata reflejan la luz
cuando se mueve. Le da a este paisaje sombrío, lleno
84 JUNIO 2017
de colillas de cigarro y roedores muertos, un toque
de elegancia, una nota de nobleza.
Al menos, durante un momento. La toma
requiere que Gadot se desabroche una capa pesada
revelando la armadura debajo. Es un momento
crucial, un alto en la función donde se suelta el
cabello y emerge como Wonder Woman por primera
vez. Sólo que las cosas no están saliendo como se
planearon. Primero, el broche que asegura el cabello
del chongo de Gadot no sale. Después, una súbita
ráfaga la despeina. Con razón Superman sólo usa
anteojos para disfrazarse.
Por fin lo logran. Con su escudo en la espalda, la
espada en mano y una estatura de 1.80 m con todo y
sus botas doradas, Gadot comienza a subir a la
Tierra de Nadie. “Recuerda: movimientos con
propósito”, le dice la directora Patty Jenkins, y su
forma de subir la escalera se vuelve más fluida y
poderosa. Jenkins brilla. “Literalmente estás viendo
a Wonder Woman cobrar vida frente a tus ojos”, le
dice a EMPIRE.
JUNIO 2017 85
 “¡Es muy emocionante!”. Está confiriendo su
emoción a sus camarógrafos y echándole porras a su
estrella entre tomas.
Sin embargo, el momento de euforia no dura
mucho —al menos para Gadot—. Cada vez que llega
a la parte alta de la escalera, se encuentra con un
viento helado y cero protección. Se encorva para
mantener el calor y en cuanto le dicen que todo está
bien regresa a la seguridad de una chamarra
abrigadora durante un par de minutos. Después es
hora de volver a subir. “¡Viviendo el sueño!”, grita el
primer asistente de la directora, Tommy Gormley.
“¡Hagámoslo de nuevo!”.
Después, Jenkins se ríe de eso. “Fue una toma
fría y miserable”, admite. “Pero era perfecta para la
escena. Funcionó a nuestro favor”.

EN CUANTO A LA PANTALLA grande se

refiere, ha tomado mucho tiempo que algo funcione
para Wonder Woman. Han pasado más de 75 años
entre su primera aparición en cómic y el momento
en que las audiencias vean la escena que EMPIRE
acaba de presenciar. ¿Habrá valido la pena esta
larga espera?
Las señales son buenas. En su primera
aparición, en Batman v Superman: Dawn of Justice,
se robó la película salvando a sus dos coestrellas y,
literalmente, riendo en la cara del peligro. The New
Yorker escribió que “se metió
en la fiesta y dejó pasmados [a Batman y
Superman]”; para Rolling Stone fue “la revelación
que patea traseros”.
La cálida bienvenida fue un alivio para el equipo
de Wonder Woman que llevaba dos meses en
producción. “La gente de verdad respondió a ella a
pesar de que su aparición en pantalla fue breve”,
dice la productora Deborah Snyder. “Yo estaba más
que encantada”.
Pero a pesar del alboroto, el equipo responsable
por realizar la primera película en solitario de Diana
de Themyscira enfrentaba un reto gigantesco.
Desde su concepción, Wonder Woman había
planteado preguntas escabrosas: ¿cómo podía
sentirse realista una isla habitada sólo por mujeres?
¿Cómo lidiar con su interés romántico mortal,
Steve Trevor? Y, sobre todo, ¿en qué época debería
desarrollarse la trama?
La última pregunta fue decidida mientras
Batman v Superman todavía estaba en producción.
Habiendo presentado a una Diana adulta con el uso
pleno de sus poderes, Wonder Woman regresaría
casi 100 años, a principios de noviembre de 1918,
días antes del armisticio que dio fin a la Gran
Guerra. “Fue un proceso muy extraño porque
básicamente comenzamos al final, y luego nos
lanzamos a buscar el origen de este personaje”, dice
Gadot. Ella y Snyder ya habían delineado la historia
de fondo de Diana para Batman v Superman y la
establecieron en un daguerrotipo encontrado en
línea por Bruce Wayne que emergió de Themyscira
al “mundo de los hombres” durante la Primera
Guerra Mundial y no en la Segunda, como en sus
cómics. Esto tenía la ventaja de diferenciarla de
otros héroes de cómics de los 40 —Captain America,
The Rocketeer— e incrementar el shock cultural de
Diana. Criada para creer en el honor, justicia y la

86 JUNIO 2017

guerra sólo por una causa noble, es lanzada a un
conflicto que es tecnológicamente sofisticado y
moralmente turbio.
“Fue la primera guerra mecanizada”, nota
Jenkins. “Quebrantaron reglas de guerra como
nunca: echarle gas a gente que ni siquiera puedes
ver; cero contacto con las personas que estás
matando indiscriminadamente; devastación
masiva. Jugamos con la experiencia de una guerra
muy confusa”.
Jenkins, una fan de las películas basadas en
cómics, disfruta particularmente de las historias de
origen (las primeras Spider-Man y Superman están
entre sus diez favoritas de todos los tiempos).
También le atraía la oportunidad de contar una
historia que entra en el Universo Extendido de DC
mientras que a la vez se separa cronológicamente de
éste. “El universo compartido nos habría limitado si
estuviera haciendo algo radicalmente diferente con
el personaje”, admite, “pero entramos antes de
todas esas películas, así que no hay conflicto”.
Además del casting de Gadot, el disfraz y esa
foto, tenía camino abierto. Pero eso significaba que
el equipo enfrentaba el reto de orientar a una
semidiosa y su sociedad con el resto del mundo; a fin
de cuentas un mundo que ya había recibido al dios
hijo de Kriptón y al Hombre Murciélago como si
fuera cualquier cosa.
LA HISTORIA DEL ORIGEN de Diana
involucra una fuerte dosis de mitología griega. Las
amazonas, creadas en la antigüedad para ayudar a la
humanidad, fueron esclavizadas por mandato del
dios Ares. Cuando por fin escaparon, Zeus las
desapareció y cubrió su isla, Themyscira, dentro de
una barrera protectora. Lideradas por la reina
Hippolyta (Connie Nielsen) y su hermana guerrera
Antiope (Robin Wright), han vivido en una
seclusión idílica desde entonces, entrenando para
volver a emerger y ayudar de nuevo a la humanidad.
Entre ellas se encuentra la hija de Hippolyta, Diana,
que es medio marimacha. Como dice el productor
Charles Roven, “si tu madre es Hippolyta, la reina
de las Amazonas, y tu tía es Antiope, la mejor
guerrera de todos los tiempos, ¿qué otra cosa
puedes hacer? Ni modo de que te quedes en casa
jugando con muñecas”.
Es una existencia sencilla. Y luego, justo cuando
Diana alcanza la adultez, un avión dañado que le
pertenece al piloto Steve Trevor (Chris Pine)
atraviesa la barrera de la isla y se estrella en la playa.
Cuando Diana salta al rescate, se entera de su
misión de reportarle al gobierno británico los
planes potencialmente devastadores de los
alemanes. El general Lundendorf (Danny Huston)
ha desarrollado un gas mortal que no puede ser
evitado ni con máscaras. Diana encuentra su
inspiración: ayudará a Steve y con seguridad se
topará con Ares en las líneas enemigas de esta
guerra monstruosa.
Patty Jenkins y la diseñadora de producción,
Aline Bonetto, recorrieron el mundo para encontrar
la réplica de Themyscira. Finalmente lo lograron en
Matera, al sur de Italia, extendiendo sus antiguas
moradas trogloditas con sets en Londres e
incorporando paisajes de lugares tan lejanos como
China para crear un mundo idílico. Poblarlo con
guerreras feroces, todas graduadas del programa de
entrenamiento “Amazon Boot Camp” de la película,
resultó un placer.
“Fue muy divertido”, ríe Jenkins. “Teníamos a
80 mujeres increíbles, todas viviendo en un
campamento de verano, desde supermodelos hasta
la mejor boxeadora del mundo. Eran muchas
mujeres andando por todos lados con sus
movimientos aguerridos, todas volviéndose
mejores amigas y muy intrigadas por las demás”.
Los meses de preparación física —más de una
hora al día de cabalgata, dos horas de levantamiento
de pesas y otras dos de entrenamiento de combate,
sin mencionar una dieta estricta de batidos de
proteínas—, estuvieron lejos de disuadir al elenco.
Robin Wright cita que una de las razones para
aceptar fue “ponerme en la mejor condición física
de mi vida a los 50 años de edad”. Connie Nielsen se
encontró en un “programa de aumento masivo de
peso”, comiendo más de lo que jamás había comido
e instalando un gimasio en el garage de su casa.
Hasta la actriz principal tuvo que trabajar duro. “Mi
cuerpo me odiaba”, dice Gadot. “Pero no puedes
fingir la fuerza”. Felizmente descubrió que tenía
afinidad con el arma que es el sello de Diana. “Hubo
otras cosas para las que tuve que entrenar, pero el
lazo no fue una de ellas. Amo el lazo”.
Todo ese tiempo en el garage consumiendo los
batidos dio resultado cuando las amazonas
entraron en acción. Un contingente alemán
persigue a Steve Trevor hasta la isla sólo para
toparse con Antiope y su ejército. “Gracias a Dios
que yo tenía una doble excelente, Nicky”, ríe
฀
Wright. “Mi personaje es ambidiestra, así que
JUNIO 2017 87
 tuve que aprender a disparar flechas con la mano
izquierda también. Te sientes como guerrera
cuando estás en esa condición, vistes ese traje de
cuero y luego sacas la cadera, pero todas lo hacían
así que pensé que no podía ser una debilucha”.
No todo el trabajo de preparación fue físico, con
Nielsen clavándose en libros de historia. “Me
encantó que muchos antropólogos digan que las
guerreras son un hecho histórico”, dice. “Llevé eso
conmigo a Hippolyta: el conocimiento de que las
guerreras datan de hace miles de años y que lo que
muestro allí no es pura fantasía, sino bastante real”.
El truco para crear el paraíso de Themyscira resultó
ser acercarlo a la imperfecta Tierra.

NO OBSTANTE, DIANA tiene que irse. “Viene

de un lugar celestial”, dice Gadot. “Y luego se va a la
lodosa y sangrienta Europa, con la muerte por todos
lados. Esto es alucinante para ella”. Moverse sin
atraer las miradas requiere maquillaje, cortesía de
la amigable Etta Cande (Lucy Davis). Después, con
el gobierno británico restándole importancia a la
amenaza, se dirige al frente sólo con Steve y su
banda de reprobados militares como único respaldo
bélico (Ewen Bremner, Saïd Taghmaoui y Eugene
Brave Rock).
Gradualmente, Steve y Diana se vuelven más
que camaradas de armas, porque la historia sobre su
origen es también una historia de amor. “Tiene que
ser esta superheroína de ojos brillantes que nunca
ha visto a un hombre antes”, dice Pine. “Y tampoco
ha visto la guerra, la muerte ni nada malo.
Interpretar ese tipo de inocencia sin parecer
estúpidamente ingenua y risible es muy, muy difícil,
y Gal lo logró con una gracia increíble. Por supuesto
que Steve encuentra difícil resistirse. Y si le enseña
sobre las realidades del mundo fuera de su isla, ella
restaura un nivel de optimismo a su visión cínica del
mundo. Como dice Gadot, ‘sacan lo mejor de sí’”.
Algunas estrellas masculinas podrían resentir
la idea de estar en segundo plano con una coestrella
femenina. Pine no es uno de ellos. “Chris es una de
mis personas favoritas”, cuenta Jenkins. “Le dije a
Gal: ‘Necesitamos a alguien que no sienta que su
virilidad está en riesgo si tú eres una superheroína y
destrozas una habitación. Alguien con quien puedas
reírte de eso”. Estoy casada con uno de esos
hombres [el autor Sam Sheridan] así que sé que sí
los hay. ¡Y Chris es así! Fue justo la dinámica que
quería, donde él era tipo: ‘¡Es hermosa! ¡Eso fue
increíble! ¡Y yo no lo hago tan mal!”.
Pine es más modesto sobre su contribución.
“Me enamoro de ella, hago algunos chistes, me
golpean en la cara y hago mi mejor esfuerzo para
eliminar a algunos tipos malos”, dice como si nada.
“Me divertí mucho. Son sólo dos seres humanos
enamorándose: él es superfalible y normal y ella es
supertremenda y la hija de Zeus y cero normal”.
Woman nos dimos cuenta que nunca podría dejar
de creer en ella, así que cuando comencé a
interpretar a Diana en Justice League amaba y
aceptaba las complejidades de la humanidad”.
Apenas un día después de la fiesta por el final
del rodaje, Gadot levantó su lazo nuevamente para
comenzar a trabajar en Justice League. “Es una
guerrera”, dice Deborah Snyder. “También es
chistoso. Nuestros tipos son enormes: Ben [Aleck],
Jason [Momoa] y hasta Ezra [Miller] miden más de
1.80, pero ella casi tiene esa estatura, así que cuando
se pone las botas, olvídate: son una presencia
gigantesca. Se sienten como un equipo”.
Claro que ya sabíamos que ella podía llevarle el
paso a los superhéroes masculinos. La pregunta
fundamental que Wonder Woman tiene que
responder es la Elektra en la habitación: a las
superheroínas les ha ido muy mal, ¿podrá ella ser la
excepción? “Creo que muchas veces las películas
eran sólo deleite visual”, responde Snyder. “Las
mujeres se volvieron muy unidimensionales. Pero
ahora estamos viendo a estas heroínas de acción
multidimensionales y es muchísimo más
interesante. Wonder Woman puede ser compasiva y
emocional, feroz y sexy —no sólo una cosa—. Lucha
por el bien como todos los superhéroes, pero siente
compasión ante todo. Eso es genial”.
“Estoy segura de que estamos haciendo lo
correcto al contar esta historia ahora”, dice Gadot.

DE LA MISMA FORMA que Batman v

Superman ayudó a darle forma a Wonder Woman,
su película como solista alteró al personaje que
veremos en Justice League. “En BvS hay un
momento donde casi parece que Diana ha perdido
su esperanza en la humanidad, pero en Wonder
Cuando pone de lado las convenciones de la
femineidad para enfrentarse a ejércitos completos,
es difícil no concordar. Wonder Woman puede lidiar
con los poderes centrales y con ratas muertas. La
taquilla mundial debe ser pan comido.
WONDER WOMAN SE ESTRENA EL 2 DE JUNIO.

88 JUNIO 2017
LISTOS PARA EL COMBATE
LA PRIMERA VEZ QUE VIMOS LA UNIDAD
DE COMBATE DE WONDER WOMAN FUE EN UNA
FOTO EN BATMAN V SUPERMAN. ASÍ OCURRIÓ:
Deborah Snyder: Cuando
comenzamos a hablar del
proyecto pensamos que la
fotografía [arriba] era una
idea muy interesante.
¿Cómo fue el viaje para
llegar hasta este momento?
¡Creamos la historia
alrededor de esta foto!
Chris Pine: Básicamente
somos un montón disparejo
de tipos que no hacen nada
bien. Cada [miembro del
escuadrón] tiene su propia
historia. Ewen y Saïd,
especialmente, le ponen
humor. Son un montón de
tipos geniales.
Ewen Bremner: Fue
tomada en un lote de
Leavesden, lo primero que se
ilmó para la película.
Tuvimos que mantener
nuestra posición durante un
tiempo larguísimo sin
movernos, porque era una
cámara auténtica de
daguerrotipos, con un tiempo
de exposición muy largo.
Eugene Brave Rock: Fue
un día genial, llegar
ataviados con nuestros
vestuarios por primera vez,
como una semana antes de
que Wonder Woman
empezara de lleno. El collar
que llevo es mi propia
gargantilla, y encontré una
foto de principios del siglo
pasado de un indio nativo
americano con un rifle, con
un diseño tachonado. Pude
incorporar eso en el mío.
Bremner: Recuerdo que
Zack Snyder estaba por ahí
ese día. Le encantó vestirse
y salir en algunas de las
fotos que tomamos. Nos
concentrábamos en no
regarla porque no quieres
que Zack Snyder diga
nunca: “Ewen, fue bueno
trabajar contigo, pero
quizás esto no sea para ti”.
Además tenía una
ametralladora imponente
en sus manos.
Brave Rock: Yo ni siquiera
tenía idea de que la foto era
para Batman v Superman.
Ni he visto la película —no
supe nada hasta que
alguien me lo dijo—.
Bremner: Yo sí vi Batman v
Superman. Y sí, sentí
emoción cuando vi la foto.
Cinco meses después
tuvimos que replicarla en
un escenario de 360
grados, lo cual fue muy
doloroso. Pero fue una
buena manera de empezar.
PHIL DE SEMLYEN
JUNIO 2017 89
90 JUNIO 2017
CON TRANSFORMERS: THE LAST KNIGHT,
MICHAEL BAY ESTÁ EXPANDIENDO
SU SERIE DE ROBOTS A UN UNIVERSO
CINEMÁTICO QUE ABARCA 14 MIL
MILLONES DE AÑOS. ¿PODRÁ BAY
SUPERAR A MARVEL?
POR ALEX GODFREY

JUNIO 2017 91

PARECÍA UNA PREGUNTA INOCUA:
cuando se armó la junta de escritores de
Transformers en junio de 2015 para planificar
secuelas y spin-ofs potenciales, ¿estuvo allí
Michael Bay desde el Día Uno?
Sin saberlo, la pregunta de EMPIRE ha
hecho que el director tenga el recuerdo de uno de
los momentos más aterradores en su vida.
“¡Mierda!”, susurra mirando sus tenis. “Estaba
en Malta…”. Una pausa. “Fue escalofriante”. Es
Michael Bay en su mejor momento.
Estaba en un edificio en Malta filmando una
secuencia de fuego para su drama de la vida real,
13 Hours. “Habíamos practicado nuestro plan de
escape tres veces. Teníamos bomberos de ambos
lados. Lo que ocurrió fue —y esto siempre pasa
en el set cuando no estás mirando— que los
chicos del video tras las cámaras comenzaron a
meterse a escondidas. Y eso hizo que la salida
fuera más peligrosa para todos. Yo estoy en un
92 JUNIO 2017
traje contra fuego con un visor dorado, guantes,
lo que sea. Y cuando lanzas fuego hay algo raro
en la psique humana que se vuelve simplemente
hermoso —se te va la cabeza durante una
fracción de segundo—. Pero todos nos vamos dos
segundos más de lo que deberíamos y de pronto
el calor se vuelve muy intenso, muy rápido, y
nuestro encargado de seguridad grita:
‘¡FUERA!’”.
“Yo era el penúltimo en salir y el fuego
comienza a subir, buscando aire por encima de
nosotros como en Backdraft”, continúa Bay. “Mi
pobre grip tenía el cabello muy largo y se le
quemó. Mi traje protegió a mucha gente, pero a
él le fue muy mal. Su cabello se derritió. Yo perdí
todo el mío allí”.
Hace un movimiento en la parte de atrás de
su melena. “Se vaporizó. Vaporizado. Y todos
temblaban. Wow. Luego tuve mi primera reunión
por Skype con los guionistas en la sala de
Michael Bay
indicando de dónde
van a venir los
trancazos.
Transformers, justo después. “Hola, chicos.
Acabo de perder 8 cm de cabello, ¿cómo están
ustedes?’”. Se ríe por lo loco que fue todo.
“Entonces, ¿cuál era la pregunta”.
SU CABELLO ha vuelto a crecer y,
poniendo de lado la experiencia cercana a la
muerte, no puede quejarse. Las películas de
Transformers de Bay han sido estrepitosamente
exitosas. Las últimas dos han ganado más de mil
millones de dólares cada una; en total, la
franquicia lleva casi cuatro mil millones. Así que
cuando nos reunimos con Bay en abril de 2017,
fuera del cuarto de edición de su nueva entrega,
The Last Knight, nos da curiosidad saber por qué
Paramount reclutó a 12 escritores para una

A Cade Yeager (Mark
Wahlberg) nunca se le
acaban las armas.
reunión de tres semanas sobre Transformers.
Después de que Shia LaBeouf abandonara el
barco y fuera reemplazado por Mark Wahlberg
como Cade Yeager, Bay todavía estaba
preocupado. “Fui con Brad Grey [el exdirector de
Paramount] y le dije: ‘Esta franquicia se va a
morir’”. Paramount le había pedido a Bay
realizar un quinto filme; él no estaba seguro de si
quería dirigirlo o no. De cualquier manera, no
deseaba “sacar otro guion y hacer una y ya”. En
lugar de eso le dijo a Grey que Paramount tenía
que invertir “varios millones de dólares” en un
equipo de escritores.
“Nos preocupaba que se estuviera volviendo
insípida”, concuerda el productor Lorenzo di
Bonaventura, reuniéndose con EMPIRE en su
oficina, que está decorada con la pintura de un
tiburón de Deep Blue Sea. “Sentíamos la
necesidad de una narrativa más robusta y no
Bay lidiando con otra
escena pequeña y
subestimada.
creíamos que la fuéramos a obtener del proceso
de una y ya”. Consultando con Bay, Bonaventura,
el productor ejecutivo Steven Spielberg y el
escritor Akiva Goldsman, quien fue contratado
para liderar la sala, un equipo ecléctico de
guionistas fue reclutado.
“No eran un montón de tipos de ciencia
ficción; ni siquiera fans de Transformers”, dice
Bonaventura. “Había mujeres que nunca habían
escrito nada de este género. Teníamos escritores
que empezaban y otros con muchísima
experiencia”. Por ejemplo, Steven S. DeKnight, el
director original de la serie Daredevil de Netflix;
Christina Hodson, quien escribió la película de
horror Shut In, con Naomi Watts; Zak Penn,
quien ha trabajado en películas de Marvel.
Antes de visitar a Bay, EMPIRE desayunó
con los tres que terminaron escribiendo The Last
Knight: Ken Nolan, quien escribió Black Hawk
Down, y Art Marcum y Matt Holloway, un dúo
que trabajó en el primer filme de Iron Man.
“Akiva me llamó una mañana”, dice Nolan, quien
parece un Mark Wahlberg mayor, más
desgarbado y que es consistentemente divertido.
“Me dijo: ‘Esto es lo que va a pasar: tendremos
una increíble sala, llena de cosas, en Paramount.
Un Bumblebee de tamaño real. Un pinball’. Y le
dije que continuara, así que preguntó:
‘¿Tentempiés?’. Y aseguré: ‘¡Tentempiés!’”.
La sala, enorme, era como un escenario
pequeño con una mesa blanca en forma de L, así
que nadie estaba en la cabecera. Además de
Bumblebee, estaba llena de props de las
películas, televisores enormes con las cintas y las
caricaturas, y 10,000 piezas de arte relacionado a
la franquicia. “Una dulcería para un adicto a
Transformers”, resalta Bay. (Además de que
efectivamente era una dulcería: toda una pared
estaba repleta de golosinas). En la primera
mañana del lunes, Goldsman les dijo que la gente
de Hasbro iba a venir para hacerlos cursar dos
días de “escuela Transformers”, examinando
cada aproximación a la marca en microdetalle.
De allí, los escritores elegirían eras y crearían
historias para películas potenciales.
Esa mañana, un Bay con el cabello quemado
llamó via video desde Malta. Y luego se fueron a
clase. Hasbro les enseñó “14 mil millones de años
de historia”, dice Marcum, con cara de jugador
de póker. “No bromeo. Fueron 14 mil millones”.
Holloway se ríe con ganas.
Geek confeso de Transformers, creció
amando las caricaturas y amó el viaje por la línea
del tiempo. Nolan, por el contrario, no había
visto ninguna de las películas. “Así que las vi de
corrido antes de presentarme en la sala de
escritores”, revela. “Estuve a punto de terminar
en un manicomio”.
Cuando terminó la escuelita se pusieron a
trabajar. Tenían la libertad de proponer lo que
quisieran —bueno, casi todo lo que quisieran—.
“Pregunté si podíamos hacer Transformers para
adultos al estilo de French Connection y los de
Hasbro respondieron: ‘Nah, en realidad no’”,
cuenta Nolan. Después se le ocurrió una
“Transformers samurai basada en Japón”, pero
tampoco voló.
Eventualmente se fue al siglo V. Durante
años había trabajado en su propio guion del rey
Arturo, pero no había tomado forma. Así que
cuando pudo agarrar el año 492 d.C. se emocionó
desarrollando una historia sobre el mago de
Arturo, Merlín, como un charlatán ebrio que
salva a la sociedad gracias a los poderes que le
confirió un Transformer.
Marcum y Holloway, mientras tanto, se
fueron a la Segunda Guerra Mundial, jugando
con ideas que involucraban a tanques y nazis.
“Pensamos en todo ese equipo mecanizado, y un
bien y mal maniqueo que involucra Autobots y
Decepticons”, menciona Holloway.
Después de tres semanas, los escritores se
dispersaron, de regreso a sus vidas no-robóticas,
pero cada escritor (o equipo) trabajó sus ideas
hasta tener un tratamiento y regresó en
septiembre para presentárselas a Bay y a los
productores, y luego vía videollamada a
Spielberg. A Bay le encantaron las historias del
rey Arturo, de Nolan, y la de la Segunda Guerra
Mundial, de Marcum y Holloway, y se decidió
juntarlas con una trama que Goldsman ya tenía
para una secuela de Age of Extinction. Marcum,
Holloway y Nolan fueron contratados para
labores oficiales de guionismo, un entusiasmado
Bay se apuntó para dirigir... y arrancaron.
Los guionistas se dieron cuenta muy rápido
de que cualquier cosa que pidieran, la obtenían.
Habían escrito a un inglés que vivía en un
castillo, llamado Sir Edmund Burton, quien tiene
secretos de sabiduría Transformer. “Dijimos: ‘Es
un personaje tipo Anthony Hopkins’, y dos días
después Michael nos dice: ‘Ya tenemos a
Anthony Hopkins’”, cuenta Nolan. Otro
personaje nuevo es Cogman, un robot
mayordomo psicótico (“constantemente quiere
asesinar gente”, dice Marcum) que ha sido
descrito con emoción por Spielberg como “el
mejor personaje de 1.35 m desde Yoda”.
Holloway, un fan de Downton Abbey, dijo
bromeando: “Sería muy gracioso si Jim Carter le
diera voz a este personaje”. Un rato después, Bay
anunció: “Jim Carter, ¡lo tenemos!”.
“Es bueno ser Bay”, dice Nolan. “Todos te
dicen que sí”.
JUNIO 2017 93
 AUTO-MALOS Y
DECEPTI-PEORES
Los Transformers más raros que podrían
usarse en futuras películas

Perceptor
En las caricaturas de los 80,
Perceptor es un robot de
nueve metros que se
convierte en un microscopio
de tamaño normal. Imagínate
que tuvieras el juguete: sería
el peor.

Wheelie
Un personaje llamado Wheelie
aparece en las películas, pero
este tipo es de la caricatura
original: un Transformer niño
que sólo habla en verso, lo
cual se vuelve tedioso muy
rápido, especialmente porque
no siempre rima.

Autoceptor
Un Autobot que se convierte
en un reloj de pulsera. La
explicación para esto en el
mundo de los Transformers es
que eso le permite iniltrar
bases enemigas. La
explicación en el mundo real:
Hasbro pudo vender relojes
digitales baratos.
Venom
El concepto inicial de
Transofmers, robots y
vehículos, lo tenemos
completamente comprado.
Los robots convirtiéndose en
dinosaurios es una idea que
podemos aceptar. Pero
Venom es un robot que se
convierte en una cigarra. Su
nombre prometía mucho más.
Ratbat
Esta versión de Ratbat debutó
en 2009, y es un robot
vampiro con la habilidad de
controlar mentes que puede
transformarse en un teclado
en forma de guitarra. Lo cual,
quizá, lo transforme en el
mejor Transformer de todos
los tiempos.
JONATHAN PILE
Arriba: ¡A correr!
Derecha: El Dr.
Lecter le entra a la
mecatrónica.
BAY HA ESTADO teniendo sueños
de director, admite, mientras caminamos hacia
su centro de control de posproducción. Sueños
de estar de vuelta en el set, planeando tomas,
dirigiendo metal imaginario que se retuerce.
Faltan dos meses para el estreno de The Last
Knight y está consumido por él: ni siquiera el
sueño le quita la concentración en Optimus
Prime y sus soldados de acero. En la habitación
hay cinco monitores. Tiene a cinco editores
trabajando en la película y él también está en la
misma labor. Todos sus esfuerzos van a un folder
en su desktop llamado “La nueva mierda de Bay”.
Tiene un sistema de videollamadas que le
permite llamar a cualquiera de estos editores,
quienes parecen estar constantemente
preparados para cuando lo haga, si no es que un
poco sobresaltados cuando ocurre. Llama a uno y
aparece la imagen del tipo trabajando. “¿Qué
estás haciendo?”, ladra Bay, saltándose los
saludos. El editor lo guía por la escena de John
Turturro en la que está trabajando, filmada por
Bay sólo unos días antes. A Bay le gusta, pero
quiere que la ajuste más y busca un tono que sea
menos cómico.
Age of Extintion, Bay le dice a EMPIRE, era
“algo muy diferentes después de perder a Shia y
tratando de ver hacia dónde iríamos”. Revisa la
secuencia inicial de The Last Knight, mostrando
al Merlín ebrio de Ken Nolan (interpretado por
Santiago Cabrera), y una batalla enorme,
intensa, ensordecedora y medieval, con muchas
armaduras chocando, bolas de fuego, catapultas
y, claro, Transformers. Fue difícil, cuenta, porque
tuvieron que rodarla rápido, pero también
porque uno de sus perros murió justo la noche
anterior. ¿Cuál de ellos? “Bonecrusher”, suspira.

94 JUNIO 2017
 Arriba: Megatron
(Frank Welker) le dará
deinición a la patilla
de Lennox.
Derecha: Otra dama
que batea al pobre
Transformer.

El can fue llamado así por un Decepticon de la
primera Transformers de Bay. “Era un mastín.
Tenía a 400 extras, 90 dobles, 65 caballos, y
tienes que mantenerte ecuánime. ‘¿Cómo estás?’.
‘Ni me preguntes’”.
Está clara —y justificadamente— orgulloso
del trabajo de efectos visuales realizado en estos
filmes. El primero, dice, fue un pionero en
términos de fotorrealismo robótico y las
complejidades de cómo reflejan la luz.
“Y sí, nos robaron el Óscar ese año porque
fue un logro mayor. Cada película de superhéroes
ha usado las cosas que creamos. Fueron esos osos
polares [que ganaron el Óscar; se refiere a The
Golden Compass]. No lloro por lo que ya pasó.
Sólo digo que me sentí mal por mi equipo porque
fueron innovadores”.
Hay más por innovar. Doce historias fueron
presentadas en la sala de escritores. Tres fueron
consolidadas para The Last Knight. Un spin-of
de Bumblebee, concebido y escrito por Christina
Hodson, está siendo dirigido por Travis Knight,
de Kubo and the Two String, para ser estrenada
en 2018. Se desarrolla en los 80 y mostrará a
muchos menos Transformers, concentrándose
en la gran estrella amarilla y quizá dirigida a un
público más joven, por su tono.
También está próxima una precuela animada
sobre el mito del origen del planeta de los
Transformers, Cybertron, escrito por Andrew
Barrer y Gabriel Ferrari, de Ant-Man, que se
desarrolla hace miles de millones de años. Y hay
discusiones sobre una más que ocurre en la
antigua Roma.
Bay aseguró hace poco que no dirigirá otra.
Sin embargo aquí, en el cuarto de edición, no dice
eso, sino lo opuesto. Más temprano EMPIRE le
preguntó a Bonaventura sobre los reportes de
una Transformers clasificación C. “No creo que
estas sean películas para esa clasificación”,
respondió de inmediato.
Son las 6 pm y Bay resucita uno de sus
monitores —ahora estamos en una sala de
proyección, donde un puñado de gente de ILM se
reúne para ponerse al día—. Bay lo apaga un
momento para esperar y luego suena un teléfono.
“Soy como el conmutador aquí”. La pantalla se
enciende de nuevo; el grupo se ha reunido para
mostrarle a Bay en qué han estado trabajando.
Hay un par de minutos de conversación amable,
pero luego Bay se suelta: no le gusta cómo ha sido
iluminado Optimus. “Ok, ¿quién está haciendo
esta jodida luz naranja? ¿Quién?”, pregunta.
“¿De qué se trata? Está mal”.
Hay un silencio incómodo. Dan
explicaciones. Bay no las acepta. “Tal vez sea
demasiado”, concede uno. “Sí, lo sé”, dice Bay.
“Por favor, deben decirles que no pueden hacer
esto porque no es lo suficientemente bueno. ¿Me
están escuchando?”. “Sí”, dice el tipo. Bay se
dirige a EMPIRE, sonriendo. “¿Ves cómo debes
hacer que la gente responda por sus acciones?”,
pregunta, antes de volver a la regañiza. “Alguien
está muy enamorado del naranja. No sé por qué
demonios pensaron que ese color era genial”.
SHIA LABEOUF dijo una vez que
Michael Bay no tiene tacto porque no hay tiempo
para el tacto en estas películas. John Turturro ha
admitido que basó la postura y modo de hablar
de su personaje en Transformers, el agente
Simmons, en Bay después de observarlo en el set.
Bay se ríe de eso cuando EMPIRE intenta que se
autoexamine. “Eso dijo él”, responde, y luego
agrega que Turturro le ofreció un papel en una
película que está dirigiendo. Sin embargo, no
pudo aceptar porque estaba en Cuba rodando
The Last Knight. “Lo iba a hacer. Me iba a
convertir en un estilista famoso”. Suelta una
carcajada. “Y a dispararle a un tipo en el trasero”.
Ríe una vez más y vuelve al trabajo.
TRANSFORMERS: THE LAST KNIGHT ESTARÁ EN CINES
DESDE EL 23 DE JUNIO.

JUNIO 2017 95
96
JUNIO 2017
GUTTER CREDIT
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JUNIO 2017 97
 L AÑO PASADO EN MÉXICO SE PRODUJERON 162 PELÍCULAS, lo que batió un
récord que no se alcanzaba desde hace casi 60 años en la cinematografía nacional. Parece fácil
aumentar esa cifra, pero ¿cómo es posible lograr la realización de una cinta? ¿De qué mecanismos
echan mano productores y directores (y tooodo su equipo) para alcanzar la meta de ver su filme
terminado? ¿A qué obstáculos se enfrentan? La mayoría de estas respuestas tienen su lugar en el dolor
de cabeza de muchos, el origen de todos los males, el espejismo de la felicidad: el dinero.
LA BARCA DE ORO
El cine es un sueño. Para muchos, uno hecho
realidad que se queda en nuestra memoria y nos
llena de imágenes icónicas, sonidos
deslumbrantes y personajes emblemáticos que
cambian vidas. Pero si lo vemos desde los ojos de
los cineastas, también es una lucha constante
para conseguir que el decantado de ideas llegue a
la pantalla grande, pues además de la batalla
creativa, el conflicto está por igual en encontrar
el dinero que materialice los conceptos.
Cuando vemos una película, tras la
inquietante sensación que nos deja (si es que
logró conmovernos/asustarnos/hacernos
reflexionar), aparece una lista interminable
de nombres que muchas veces dejamos
pasar mientras nos quitamos las
palomitas de la ropa y revisamos que
no se nos haya olvidado nada para
abandonar la sala.
Cada nombre representa un
esfuerzo puesto para llegar al
resultado final: un trabajo que
costó tiempo y dinero, pero
¿cómo se consigue reunir a
tanta gente en torno a
una idea? ¿De qué
viven? ¿Cómo se
financia una película
en un país cuya
religión es la
crisis eterna?
98 JUNIO 2017
En los últimos años, la producción de cine en
México ha ido en aumento cuantitativamente y,
por séptimo año consecutivo, creció el número de
filmes realizados. De esta forma se llegó a la cifra
récord de 162 películas producidas en 2016, de las
que 58 % recibieron apoyo de fondos del Estado,
siendo esta opción de financiamiento una de las
más mencionadas y utilizadas por los cineastas
mexicanos hoy en día.
Y es que actualmente el IMCINE (Instituto
Mexicano de Cinematografía) maneja dos
fideicomisos de apoyo a la producción:
FOPROCINE y FIDECINE, así como el estímulo
fiscal 189 del ISR —antes conocido como 226—,
que es uno de los incentivos que más ha
impulsado la producción nacional desde su
entrada en vigor en 2006.
El FOPROCINE (Fondo para la Producción
Cinematográfica de Calidad) es un fideicomiso de
apoyo para producción o posproducción de
largometrajes tanto de ficción como de
animación y documental. Está dedicado a
estimular las propuestas de autor o
experimentales y se ofrece a través de
convocatorias para que un comité técnico,
conformado por miembros de la comunidad
cinematográfica, recomiende los trabajos
susceptibles de apoyo.
Este fondo aporta hasta el 79 % del costo
total de la película a través de recursos en
contratos de coproducción vía capital de riesgo o
contratos de crédito, es decir, que no se trata de
recursos a fondo perdido.
Por su parte, FIDECINE (Fondo de Inversión
y Estímulos al Cine) es un fideicomiso de apoyo a
la producción, posproducción, distribución y
exhibición de largometrajes de ficción y
animación que está más dedicado a patrocinar
propuestas del llamado cine comercial.
Opera también a través de la presentación de
proyectos a un comité técnico conformado por
los diversos sectores de la industria (sindicatos,
exhibidores, distribuidores, productores...),
quienes determinan los proyectos
susceptibles de filmarse. Este fondo puede
aportar hasta el 49 % del costo total de la
película a través de capital de alto
riesgo y créditos.
Por último, el EFICINE 189 es
un estímulo fiscal para los
contribuyentes cuyas reglas se
establecen en el Artículo 189
de la Ley del Impuesto
sobre la Renta (LISR)
para apoyar la
producción y
también la
posproducción
de los
 SOS
N E S DE PEOBO
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2015 -

largometrajes de ficción, animación y
documental y, a fechas más recientes, la
distribución de los mismos.
Para ponerlo más claro, se trata de una
medida dirigida principalmente a empresas que
busquen apoyar al cine a través de la deducción
de impuestos. Esta iniciativa, impulsada por la
actriz y política María Rojo, dio un nuevo brío al
cine, con lo que logró el involucramiento de otros
sectores en la industria, motivándolos para
aportar capital que ha permitido a múltiples
proyectos levantarse y andar.
Además de estos apoyos estatales, los
creadores echan mano de distintas herramientas
para desarrollar su proyecto, y ahí se abre una
gama de posibilidades que va desde el afortunado
encuentro con un productor o inversor privado
que aporte capital al filme hasta la búsqueda de
créditos en bancos y la coproducción con otros
países o empresas aportantes.
También está la llamada “producción
guerrilla”, en la que a través de becas y apoyos, la
producción consigue el financiamiento para
empezar a trabajar. Y, finalmente, la contribución
del mismo crew que vende sus propios coches o
hasta hipoteca propiedades con tal de ver su
película rodada.
Más recientemente, las campañas de fondeo
a través de internet o crowdfounding ofrecen una
nueva manera de financiar proyectos, como
Fondeadora o Kickstarter, en las que cualquier
persona puede realizar donaciones en apoyo a
una idea.
Aunque son una buena iniciativa, es necesario
mencionar que para realizar un largometraje
éstas no pueden ser base del financiamiento, pues
muy pocas películas se realizan con presupuesto
menor a 2 millones de pesos, cifra difícil de
alcanzar a través de un fondeo por internet.
El caso es que financiar una película todavía
es una batalla de meses —incluso años—, tal y
como lo relata Jorge Michel Grau, director de los
filmes Somos los que hay (2010) y 7:19 (2016).
“Lo veo complejo. Hay nuevas reglas de
operación que debemos entender y trabajar tanto
productores como directores”, cuenta el cineasta
para EMPIRE. “Por ejemplo, los fondos de
IMCINE poco a poco empezarán a no ser
suficientes, así que habrá que salir a buscar otros
apoyos para que la película se termine. Por
desgracia, los directores los consiguen por su
trayectoria, así que las óperas primas o segundas
películas seguramente tendrán procesos mucho
más complejos”.
NECESITO DINERO
Dos horas en una sala parecen pocas, pero el
trabajo que hay detrás de las historias que
aparecen en la pantalla en ocasiones son
inimaginables. Años de creación están presentes
en cada escena escrita: para que lleguen hasta
nuestros ojos se necesita labor de preproducción,
filmación, edición y posproducción; es decir,
horas hombre que se traducen en miles o, mejor
dicho, millones de pesos de inversión.
La producción en nuestro país va en
aumento. En el año 2000 se contaron nada más
28 películas producidas y, ya para 2007, ese
número aumentó a 70. Según el anuario
estadístico del cine mexicano, publicado por
IMCINE, a este número se le sumaron 92
producciones en 2016.
Pero desafortunadamente la producción es
sólo un eslabón (que a su vez integra decenas de
eslabones) dentro de la cadena, pues aunque
muchas historias logran ser filmadas, son
múltiples los casos que se quedan estancados
porque no concretaron un financiamiento para
su posproducción —ya no digamos distribución o
exhibición—.
Este proceso puede llegar a ser muy costoso,
ya que involucra corrección de color, mezcla de

JUNIO 2017 99
 sonido y efectos especiales, sólo por mencionar
algunas monerías.
“Depende la película, pero sí, la
posproducción puede ser el mayor gasto. En
México hay fondos especializados para esa
etapa y se debe a que muchas de las compañías
productoras, a la hora de buscar financiamiento
para las cintas, buscan el dinero sólo hasta la
fase de edición, porque la posproducción puede
ser inmensamente cara y arrancarte mucho
dinero de los primeros fondos que consigas”,
explica Michel Grau.
Hay que pensar estratégicamente para
llegar hasta el proceso final. El también director
de uno de los segmentos de México bárbaro
sugiere: “Tener la película filmada y luego, en
ese proceso, enfocar esfuerzos a fin de conseguir
dinero para mandar a hacer efectos especiales o
borrar cosas que no quieren que salgan en la
100 JUNIO 2017
versión finalizada, como micrófonos o cables, o
hacer procesos digitales”.
Cada una de las tareas posteriores a la
filmación engloba el trabajo de muchos
profesionales, como ocurre con la edición y
mezcla de sonido. La narración audiovisual
cobra vida no sólo con lo que vemos y los
diálogos que escuchamos: los cineastas también
ponen énfasis a los sonidos que emite el cuerpo
(foley) o aquellos hechos por objetos (hard
efect), y la música debe considerase por igual.
Depende de cómo se trabajen estos
elementos será que una cinta logre o no
transportarnos y envolvernos en su atmósfera
casi sin darnos cuenta.
“La posproducción de audio es un diálogo
entre muchos equipos. Luego del corte final, el
músico trabaja sus propuestas; por su parte, el
diseñador trabaja cada detalle y al momento de
revisar se pulen las diferentes texturas. La
convivencia entre sonidos y música es un corte
fino y el resultado de ello le brinda sensorialidad
a la película”.
“Una vez que se termina la edición de cada
una de estas pistas se hace la mezcla 5.1; es decir,
se jerarquiza cada una de estas disciplinas por
niveles para darle volumen, dependiendo de la
narrativa”, explica a detalle Paulina
Villavicencio, productora y fundadora de la
compañía de posproducción Encoresound.
Es una labor casi artesanal que dura en
promedio 12 semanas, aunque todo depende del
proyecto y la urgencia —se puede trabajar a
marchas forzadas para sacar el proyecto en seis
semanas o alargarse hasta por meses—, a
sabiendas de que, aunque no se paga lo que se
debe pagar, sí es un procedimiento caro (y es
sólo uno de tantos).
 Además, y lo más importante al hablar de
OS
E S DE PES cine nacional: de los 321 millones de asistentes a
LON IDA las salas que se registraron el año pasado, 30.5
75 MIL CAME LA VSNEIDER millones vieron cine mexicano.

1 2008 -
N
ARRÁ ROBERTO Pero el ingreso en taquilla no es la única
forma de recuperar la inversión de una cinta. Por
fortuna, hoy en día existen otros mecanismos
SOS S
NE S DE PE OLUCIONE para su comercialización. Sumado a las ventas
LO E V
70 MIL ACEPTAN DERBEZ
internacionales para su distribución y exhibición,

2 NO
20 1
S
2
E
- EUGEN
IO D
existen los canales de internet en plataformas
como Netflix que ofrecen una nueva ventana para
los realizadores —otra razón para amar los
servicios de streaming—.
OS
ES D E PES “En mi caso, a 7:19 le fue bien en taquilla.
LON
50 MIL
Tuvimos alrededor de 150 mil espectadores y por
EL
M A IA MART NAL) ahí de los seis millones de pesos. Pero también

3 Z A
2016 -
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NES DE PE R
LO LO
40 MIL DEL TEMBER
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EL D KUNO BE K
4 2016 -
“El sonido es el 50 % de la narrativa pero al
momento de dividir el presupuesto a veces ese
porcentaje se va hasta 10 %. Sin hablar de justicia
e injusticia, en términos monetarios no
representa ese 50 % de lo que se dice en pantalla,
pues una película destina entre el 5 y 10 % de su
presupuesto total para la parte de sonido,
incluyendo posproducción. Es muy poco porque
es un área que involucra equipos muy grandes”,
afirma la productora, quien asegura que se pagan
entre 350 mil y hasta 600 mil pesos (o más) por
un trabajo de posproducción.
“Ahora se requiere una sala THX, que es
donde se hace la mezcla de sonido, y es uno de los
gastos más grandes en una posproducción de
audio, porque una sala THX certificada [sí, ésas
que desarrolló George Lucas] cuesta entre 2,500
y 3,500 pesos por hora y, en promedio, un mixer
puede estar ahí de una a cuatro semanas”.
Cineastas mexicanos
buscan hasta por
debajo de las
piedras, así como
Demián Bichir en
7:19, para concluir
sus películas y, si
tienen un poco más
de éxito, proyectarlas
en las salas de
nuestro país.
LOS OLVIDADOS
En años recientes, según datos del IMCINE, en
nuestro país se realizan películas que cuestan
entre dos y hasta 70 millones de pesos. No son las
montañas de billetes verdes que se invierten en
los blockbusters de superhéroes, pero ¿alguien
tiene dos millones de pesos en la cartera? No son
fáciles de conseguir. ¿Y de recuperar?
Es recurrente escuchar que muchas películas
no recuperan nunca la inversión que se hizo para
su realización. La principal razón es que, de
entrada, no todas las cintas llegan a cartelera.
De la linda y optimista cifra que
mencionamos al inicio, el récord de 162 películas
mexicanas producidas en 2016, sólo 90 se
estrenaron. El dato es más deprimente cuando se
sabe que en ese periodo se estrenaron 407 títulos
en nuestro país, en su mayoría provenientes del
país del norte.
hay ventas internacionales: se vendió muy rápido
a Netflix (tan sólo dos meses después de su
estreno en salas) y éste es el escaparate que nos
ayuda a que la cinta se compense. Aunque el
dinero no entre de inmediato porque se paga a
tres años, logra que se contemple su recuperación
y su índice de ganancia (no sabemos cuál será
aún), pero si las proyecciones son correctas, a
finales de este año la película empezará a dar
buenos seguimientos para el equipo creativo,
gracias a las ventas que se siguen generando y las
que están por abrirse”, relata el ahora miembro
del Sindicato del Terror.
Uno de los conflictos más grandes es que las
películas mexicanas no tienen permanencia en
salas comerciales. Se trata de una guerra entre
éstas y los aplastantes estrenos hollywoodenses
que acaparan las salas. En esto repercute otro
factor: la nula o poca publicidad —también a
causa de la falta de presupuesto—, lo que provoca
que la gente a veces ni se entere de que las
películas existen.
Todos esos elementos hacen que la cadena de
producción no se traduzca en términos de
industria; es decir, no se recupera lo que se
invirtió y, por lo tanto, es imposible invertir más.
“Si tú haces un buen ejercicio financiero y
tienes dos fondos (EFICINE se puede combinar
con FOPROCINE o con FIDECINE, no con
ambos), acumulas una buena cantidad para tu
trabajo. Lo único malo es que tu socio comercial
es el Estado y la recuperación tiene una cascada
distinta que tampoco es tan atractiva para ciertos
jugadores, como los coproductores privados. Así
que, en medida de las necesidades de la película,
es preferible utilizar uno o más fondos para
atraer financiamiento privado o para atraer
coproductores internacionales”.
“La otra es la posibilidad de coproducir en
regiones. Pienso que ese tipo de financiamiento
nos debería atraer más como cineastas al
ofrecerte proyección internacional y tienes una
exhibición garantizada en otro país, porque es
socio”, concluyó Grau.
Y sí, el caso es no detenerse y seguir
produciendo. Buscar maneras, hacer equipo y
apoyarse en otros, pero nunca dejar de hacerlo
porque, si bien se realizan numerosas cintas,
muchísimas no consagran el sueño glorioso de
proyectarse en pantalla grande ante un público.
Pero esa... esa es otra triste y dolorosa historia.

JUNIO 2017 101

102 JUNIO 2017
QUÉ BUENOS RECUERDOS
A MÁS DE UN CUARTO DE SIGLO DEL DEBUT DE TWIN
PEAKS, L A SERIE ESTÁ DE REGRESO. EMPIRE LE ECHA
UN VISTAZO A L A CREACIÓN DEL DRAMA DE CULTO QUE
CA M B I Ó L A T E L EV I S I ÓN PA R A S I E M P R E .
POR ALEX GODFREY

JUNIO 2017 103

 Apropiadamente, Lynch y el cocreador Mark
Frost, quienes se reunieron en 1986 para trabajar
en una película sobre Marilyn Monroe que nunca
se realizó, la soñaron en una cena. La premisa
comenzó con cinco palabras: “Una chica ha sido
asesinada”. Vieron el cuerpo de una joven en una
playa, envuelto en un plástico. Después,
parcialmente inspirados por los bosques del
noroeste donde Lynch creció, el pueblo cobró
vida propia.
Twin Peaks se convirtió en un éxito
inmediato, y aunque perdió el camino en su
segunda temporada y se agotó, obstaculizada por
el compromiso de Lynch con Wild at Heart y la
presión de la cadena ABC para que revelara al
asesino de Laura Palmer (algo que ni Lynch ni
Frost querían hacer jamás), influenció muchas
nuevas series, desde The X-Files, The Killing y
Desperate Housewives hasta series
contemporáneas como Wayward Pines y
Stranger Things.
Ahora papi vuelve a casa. A lo largo de los
años, Lynch ha vuelto al pueblo varias veces en
su mente y, con la nueva tercera temporada, hay
una sensación de que lo malo ha sido corregido
con él dirigiendo cada episodio.
El elenco es inmenso, trayendo de vuelta a
casi cada estrella original y agregando nombres
como Laura Dern, Jennifer Jason Leigh, Tim
Roth y Naomi Watts. La anticipación se
desborda. Por fortuna será todo lo que hemos
querido, pero nada de lo que esperamos. Nada es
seguro, que es justo como debe ser.
Es el evento televisivo de 2017. Y en
preparación para las rarezas que se aproximan,
nos hemos clavado para descubrir las historias
más extrañas de la realización de la serie
original.

104 JUNIO 2017

E N C O B I JA DA N O
Sheryl Lee fue contratada para interpretar un
cadáver. Fue elegida como Laura Palmer, su
primer papel, si no cuentas su aparición tipo
sipestañeastelapierdes en la comedia erótica The
Pink Chiquitas, de Frank Stallone, después de
que Lynch se enamorara de una foto publicitaria
de ella. Le dijo que tendría que estar envuelta en
plástico y sumergida en agua helada. Lee aguantó
las horas de filmación del cadáver vía la
meditación. Lynch, mientras tanto, arreglaba
cada doblez del plástico y ponía los granos de
arena en su cara él mismo. “Era un verdadero
artista visual”, dijo Lee después. “Me sentía
como un lienzo”.
LA SEÑORA DEL LEÑO
“¿Quién es la señora con el leño?”, pregunta el
agente Cooper (Kyle MacLachlan) en el piloto de
Twin Peaks. “La gente la llama la señora del
leño”, responde el alguacil Truman (Michael
Ontkean). Está inspirada en gente excéntrica a
quienes Lynch vio creciendo en el noroeste de
Estados Unidos.
Una vez, trabajando con la actriz Catherine
Coulson en Eraserhead, le dijo: “Cuando te pones
las gafas, sólo veo un leño en tus manos”.
Hablaron de hacer una serie sobre el personaje
donde expertos en diferentes campos le
hablarían al muñón nudoso. Coulson se quedó
con el leño de ponderosa diciendo después que
“se había encariñado” con él.
S E L E I BA S U CA B R I TA
La dirección de Lynch era, bueno, abstracta. Una
vez le dijo a Mädchen Amick (la mesera Shelly)
que fuera inclinando la cabeza lentamente
durante una llamada telefónica hasta que viera el
techo porque “simplemente se ve bien”. Para una
escena que involucró a Lara Flynn Boyle (la
mejor amiga de Laura Palmer, Donna), le dijo
que ronroneara como gato sin parar y que se
imaginara como un helecho caminando en un
bosque. Además, una vez le dijo a Russ Tamblyn
(el estrambótico Dr. Jacoby) que pensara “en
fantasmas” mientras decía sus diálogos. “Era una
dirección muy loca”, dice Tamblyn, “porque la
escena no tenía nada que ver con fantasmas”.
EL N AC I MI EN TO D E B O B
El asesino Bob, el violador, profesor demoniaco,
carnívoro y noctámbulo ocasional residente de
Black Lodge, fue convocado de una manera
mística. El diseñador de escenarios Frank Silva
estaba moviendo un gabinete hacia la habitación
de Laura Palmer mientras preparaba una escena,
y Lynch, afuera, escuchó a un miembro del
equipo técnico bromear con Silva: “Frank, ¡no te
vayas a quedar encerrado en esa habitación!”.
Lynch se lo imaginó encerrado allí, corrió hacia él
y sin saber por qué exactamente, decidió filmarlo
agachado detrás de la cama. Más tarde, durante
otra escena, Silva se reflejó accidentalmente en
un espejo y Lynch supo que allí había algo. Hail
Bob, la fuente de incontables pesadillas.
JUNIO 2017 105
 L A HABITACIÓN ROJA
El icónico limbo de otra dimensión de los sueños
del agente Cooper —y su enano al revés— no fue
planeado. Se le ocurrió a Lynch cuando se
recargó en un auto caliente bajo el sol, y aunque
originalmente fue concebida como una deus ex
machina para darle al piloto un final de otro
mundo en caso de que la serie no fuera
comisionada, Lynch siguió añadiendo ideas,
ordenándole al director de fotografía Ron García
que siguiera agregando elementos. “[Dijo]: ‘Ron,
¿puedes poner la sombra de un pájaro en ese
círculo cuando pase por la cortina?’”, recuerda
García. “Yo me jalaba los pelos”.
L A LL AMA IN VASORA
A la mitad de la primera temporada, en el
episodio “The One-Armed Man”, Cooper y
Truman visitaron una clínica para buscar claves.
En el cuarto de espera, una mujer aparece
mientras hablan y camina entre ellos con una
llama que se detiene a mirar a Cooper, resopla en
su cara y luego sigue su camino. Esas adiciones
eran motivadas, dijo el director del episodio, Tim
Hunter, quien pidió una llama para la escena
aunque nadie sabía que la bestia sudamericana
haría lo que hizo —puedes ver a Michael Ontkean
aguantándose una risita—. Lynch llamaba a estos
momentos, que abundaban en la serie,
“accidentes felices”, según MacLachlan, quien de
alguna manera mantuvo la compostura.
106 JUNIO 2017
LY N C H H A B L A
Lynch apareció por primera vez como el sordo
jefe regional del FBI Gordon Cole en el episodio
13. Cooper tenía que hablar con su jefe fuera de
cuadro, y por capricho Lynch le dio su voz.
“Hablé fuerte porque a veces así hablo por
teléfono, así que simplemente ocurrió de esa
forma”. Le encantaba hacerlo, disfrutando en
particular la escena en donde el agente del orden
con discapacidad auditiva besa a Shelly—. “Uno
de los mejores momentos de mi vida”, admitió
Lynch después. “Recuerdo haber pensado: ‘¿Qué
tan enfermo es esto? Lo escribí sólo para poder
besar a Mädchen Amick’”.
PELEANDO CON LA CENSURA L A DAMA DUCHOVNY
La brigada de estándares y prácticas objetó la
toma prolongada de Cooper removiendo la letra
R debajo de la uña de Laura durante su
necropsia, pidiendo que la acortaran, pero Lynch
y Frost se rehusaron. Los censores se frustraron
de nuevo cuando sospecharon que la manera de
torcer la lengua de Audrey era una referencia al
sexo oral; Frost los llamo diciendo: “¿Pero qué
diablos les hace pensar eso? Deben tener una
mente muy sucia”. Y se quedó. También
objetaron a Ben Horne (Richard Beymer)
poscoito diciendo que iba a lavar “al pequeño
Elvis”, así que Frost hizo que Ben dijera lo mismo
sosteniendo una figurita del propio Elvis Presley.
Victoria al fin.
L A VOZ DEL PUEBLO
En febrero de 1991, después de semanas de malos
ratings, ABC suspendió Twin Peaks a la mitad de
la segunda temporada. En el show de David
Letterman, Lynch pidió ayuda dando la dirección
de Bob Iger, el jefe de ABC. Hubo protestas y
marchas, y más de 10,000 cartas llegaron al
escritorio de Iger, al igual que peticiones, una
Barbie envuelta en plástico con la nota: “No
vuelvan a matar a Laura Palmer”, leños, una
amenaza de muerte dirigida a “ti, cerdo
capitalista”, una mano de hule con astillas de
madera bajo las uñas y cajas de donas rancias.
Seis semanas después, la serie estaba de regreso.
David Duchovny era desconocido cuando
apareció en la serie como la agente transgénero
Denise Bryson. Kimmy Robertson (quien
interpretaba a la recepcionista de voz chillona
Lucy Moran) conocía a Duchovny y una vez él la
invitó a salir; años después descubrió que fue
porque desesperadamente quería estar en la
serie. Funcionó: le llevó su currículum a la
directora de elenco, Johanna Ray, quien le dio el
papel después de que James Spader lo dejara por
un conflicto de agenda. “Fue un dilema
interesante para Cooper tener una relación con
un tipo a quien había conocido como hombre
pero que ahora prefería ser una chica”, aseguró
Frost sobre Denise.
 JAP ONÉS P OR ELECCIÓN
El personaje de Piper Laurie, Catherine, había
sido visto en un aserradero que se incendiaba al
final de la temporada uno. Pero antes de que
comenzara el trabajo para la segunda temporada,
Lynch llamó a Laurie. Le dijo que quería que la
audiencia pensara que había muerto así que
quitaría su crédito de la serie, pero quería que
Catherine regresara disfrazada como un hombre
de negocios extranjero. Laurie eligió ser japonés,
creando al Sr. Tojamura, y Lynch le dijo que no
debía comentarle a nadie que era ella; a los
directores invitados les dijeron que el nuevo
actor, Fumio Yamaguchi, era Laurie. Jack Nance
dijo: “Oigan, ese nuevo actor es raro”.
L A PL ACA DEL DIABLO
Lynch tenía métodos de trabajo poco ortodoxos
—además de sus manías como director, no era
fan de preparar los episodios, con frecuencia
apareciéndose y grabando—. “Sólo arrancaba y
hacía lo suyo”, contó Frost. Hubo un momento,
cuando le dijeron que se habían pasado de su
deadline, en que arrancó al azar páginas del
guion. “Lynch era una persona fascinante”,
recuerda el productor Philip Segan en
Reflections, la historia oral de la serie por Brad
Dukes. “Un día en particular se retrasó hora y
ALAMY, GETTY
media porque había llegado al estudio y visto la
placa de un auto que empezaba conel número
666, así que condujo hasta que vio otra que
canceló ese mal karma”.
EL ASESINATO DE MADDY EL FINAL
Lynch amó la interpretación de Laura de Sheryl
Lee en el piloto, así que él y Frost le pidieron
interpretar a su prima Maddy —un homenaje a
Vértigo, dijo Frost—. Maddy también sería
asesinada por Leland Palmer (Ray Wise). Para
entonces, había fugas de información sobre la
historia y, por seguridad, el asesinato sería
grabado tres veces con diferentes actores —Ray
Wise, Richard Beymer y Frank Silva, quienes
dijeron que la experiencia fue horrible—. Ese día
fue física y mentalmente agotador, Silva dijo que
Lee “parecía carne molida”. Wise después afirmó
que tuvieron que llamar a una enfermera para
ayudarla a recuperarse.
MU ERTE EN L A MANIJA
En la temporada dos, la dueña del aserradero,
Josie Packard (Joan Chen) muere en una cama.
Chen había pedido que la sacaran de la serie para
poder estelarizar en una película; Lynch y Frost,
queriendo darle un final metafísico a su
personaje, decidieron meterla en la manija de un
cajón. “De verdad sentí que era el momento en el
que sale el tiburón y es jodidamente estúpido”,
dijo el director Harley Peyton, quien al fin
cambió de opinión y decidió que era “fantástico”.
En cuanto a Chen, tenía sentimientos
encontrados. “Pensé: ‘Dios mío, mi castigo por
dejar la serie es quedar atrapada en una manija’.
¿Quién pensaría en eso, en que Josie sería hoy y
para siempre una manija?”.
Regresando a dirigir la serie para el episodio final
después de estar lejos durante semanas, Lynch le
dio a Twin Peaks la madre de todas las
despedidas. Un guion había sido escrito, pero
Frost le dijo a Lynch que lo usara “como un
mapa, no como una guía de dirección” y Lynch,
obedientemente, “tiró el guion”, dijo Frost,
alterando la acción basada principalmente en la
habitación roja y a veces dirigiendo al ritmo de la
música que escuchaba con audífonos. En la
escena final, un Cooper poseído por Bob aprieta
un tubo de dentrífico en el lavabo, se golpea la
cabeza contra el espejo y repite: “¿Cómo está
Annie?” mientras ríe como maniaco.
EL AGENTE ESPECIAL BOWIE
Twin Peaks regresó, como precuela, en la película
Fire Walk With Me de 1992. David Bowie
interpretó al agente del FBI Phillip Jefries, en
un cameo maravillosamente sin sentido en el que
grita algo del Black Lodge antes de desaparecer,
literalmente. En una escena borrada, Jefries es
visto teletransportándose a Argentina, lo cual no
aclara mucho las cosas. El personaje, dijo
Michael Anderson (The Man From Another
Place) era un agente que había aprendido tanto
sobre la maldad que se había convertido
completamente en otra entidad. Bowie iba a
regresar en la tercera temporada, pero
tristemente falleció antes de que ésta comenraza
a grabarse.
JUNIO 2017 107
108 JUNIO 2017

LLEGÓ EL MOMENTO DE CELEBRAR, O MÁS BIEN DE
EVIDENCIAR, A LOS PAPÁS. NADA MEJOR QUE UTILIZAR
AL MEDIO CINEMATOGRÁFICO COMO LUPA.
POR JACQUELINE WAISSER
S NATURAL EL
SHOCK DE LA
AUDIENCIA
ANTE LA
REVELACIÓN
QUE HACE
DARTH VADER en
la escena seminal de El
Imperio contraataca. La
vuelta de tuerca edípica
(en el sentido trágico griego) resulta no sólo magistral
como arco dramático, sino en su habilidad para
sintetizar el significado de la paternidad en nuestra
civilización.
Que el rubio Jedi no tuviera idea de quién era su
padre previo al destape en Cloud City afirma la
máxima del derecho clásico romano: “pater semper
incertus”. Y, aunque hoy, gracias a las tecnologías
reproductivas y genéticas, dicha incertidumbre ya no
tiene cabida, la idea preconcebida de que con la
paternidad no existen garantías sigue persistiendo en
la psique.
Si continuamos con el tema edípico, pero ahora sí
desde una perspectiva freudiana, la rivalidad entre
padre e hijo no podría ser más clara que con Darth
Vader y Luke quien, literalmente, se une a las fuerzas
rebeldes en contra del Lord Sith. El Edipo no resuelto
se constata cuando Luke toma la decisión consciente
de no identificarse con su padre. De ahí se arman los
sablazos y ya sabemos que alguien termina con una
extremidad cercenada (cada quien dele la
interpretación fálica que quiera).
Lacan, por su parte, habla de la teoría del
Nombre del Padre, que en términos muy simples
conceptualiza al padre como la figura autoritaria y el
que confiere el orden simbólico al individuo. Para
Luke, lo anterior se convierte en un complicado
revoltijo dado que, a pesar de llevar el apellido
Skywalker, no conoce a su padre biológico.
Como recordarás, al nacer fue adoptado por su
tío Owen Lars. Más adelante, gracias a las historias
narradas por sus mentores y padres simbólicos,
Obi-Wan y Yoda, Luke desarrollará la noción
idealizada de un padre imaginario: un valiente Jedi
asesinado por Darth Vader. Pero en una cruel
voltereta del destino, Luke no puede eludir el peso del
nombre de su padre verdadero y, al conocer su
identidad y saberse parte de él, prefiere el “suicidio”.
Habiendo superado la escena cinematográfica
fundamental entre padre e hijo, sigamos elaborando.
Como sociedad, tenemos muchas menos
expectativas de los padres que de las madres. Para
ilustrar este punto sólo hay que mirar —y analizar—
quién es uno de los papás más venerados de estos
tiempos: ¡D’oh!, Homero Simpson, por supuesto.
Hasta hace muy poco, el rol principal del llamado
jefe de la casa era el del proveedor y, si cumplía con
esa responsabilidad, lo demás era secundario. Por
alguna razón cultural somos más prontos a perdonar
los pecados paternales y a ser más indulgentes con
sus limitaciones. Eso no quiere decir que la influencia
paterna no tenga secuelas irreversibles, si no
pregúntenle a Franz Kafka, cuyo padre opresivo lo
llevó, de hecho, a convertirse en una cucaracha.
A diferencia de la madre, es más factible que el
amor de un padre sea condicionado y vaya en función
a los logros obtenidos por los hijos, lo que desemboca
en consecuencias funestas para el individuo, quien se
pasará su vida adulta buscando ese amor y
aprobación a través de figuras paternas sustitutas. No
por nada John Mayer advierte en una de sus
canciones: “Fathers, be good to your daughters.
Daughters will love like you do”.
JUNIO 2017 109
 DE CUANDO LOS PROCREADORES
SON UNOS JIJOS DE LA FREGADA.

ALL WORK AND NO PLAY…

Si algo enseña El resplandor es que no es tan
buena idea llevarte a tu familia a un hotel aislado
si eres un escritor con una imaginación
desbordada, pues corres el peligro de alucinar y
terminar persiguiendo a tu hijo con un hacha por
un laberinto de nieve.
Aún estando cuerdo, Jack Torrance (Jack
Nicholson) inspira miedo con esa mirada de
apariencia pícara que en realidad esconde
demencia. Su volátil temperamento hace
temblar a su frágil esposa y su
“ensimismamiento creativo” lo hace ajeno a las
capacidades extrasensoriales de su peculiar hijo.

DE BUENAS INTENCIONES ESTÁ

HECHO EL CAMINO AL INFIERNO
No te engañes, Clark Griswold (Chevy Chase) no
es ningún santo. El objetivo de llevar a sus hijos
de vacaciones a Walley World no proviene del
loable deseo de regalarles una memorable
experiencia, sino de su enferma obsesión por
imponerse como el jefe de familia.
Es el papá necio hasta la irracionalidad, que
no tira la toalla aún cuando para todos es
evidente que es hora de recular; el típico zopenco
cuyo ego gigantesco se interpone al más mínimo
reducto de sensatez.
Clark se embarca en una serie interminable
de enredos que incluyen (pero no se limitan a),
matar un perro, llevarse a pasear al cadáver de la
tía, coquetear con la rubia del Ferrari y hasta
incurrir en conductas delictivas con tal de
conseguir la vacación perfecta a costa de lo que
sea. Para todos los que hemos hecho road trips
familiares, National Lampoon´s Vacation pega
muy cerca de casa.

TRÍO DE TONTOS
¿Qué te enseña la película ochentera Tres
hombres y un bebé? Que no importa qué tan
capaz seas como profesionista, nada se compara
con las habilidades requeridas para la difícil
labor de cuidar a un hijo.
Ante la llegada inesperada de una bebé, tres
solteros empedernidos —el arquitecto Peter
(Tom Selleck), el ilustrador Michael (Steve
Guttenberg) y el actor Jack (Ted Danson)—, se
convierten en los tres chiflados. La pequeña
intrusa los reduce a neandertales que batallan
para cambiar un pañal y que carecen del mínimo
sentido común para cuidarla.
El gag recurrente es la fobia a la caca
(¿debimos haber dicho “popó”?) de la infante.
Peter incluso llega a ofrecerle mil dólares a
Michael para librarlo de la labor. Aunque la
incompetencia poco a poco va cediendo para dar
paso al apego y uno no se pregunta: ¿cómo habría
sido la trama si la nena hubiera llegado a la
puerta de tres roomies mujeres?

110 JUNIO 2017

 NO DESEARÁS A LA MUJER
DE TU HIJO
Cuando el ministro Stephen Fleming (Jeremy
Irons) conoce a Anna, la novia de su hijo, queda
convertido en un pobre diablo babeante (y cómo
no, si la susodicha es Juliette Binoche). Es tal la
atracción a primera vista entre suegro y nuera
que al minuto 15 de la película ya le están dando
vuelo a la hilacha, sin importar las desastrosas
consecuencias que pueda traer su aventura.
La tensión y la rivalidad entre padre e hijo
sube como la espuma conforme se descubre lo
dañada que está Anna, como bien advierte el
título de la película (Damage) y como ella misma
se describe. Sin embargo, el distinguido político
no puede más que arrojarse a la hoguera de la
pasión porque es la primera vez que alguien le
hace sentir que no tiene atole en las venas.

De arriba a abajo:
LA VIDA EN LA BURBUJA
Utopía, Porvenir y Voluntad son los nombres que
BLENDED
Jim es un viudo que no se ha percatado
· Juliette Binoche y de que sus tres hijas son niñas. Las lleva a
Jeremy Irons en acción.
Gabriel (Claudio Brook) tuvo a bien ponerles a cortarse el pelo con el barbero, a una de
· El papá que carga hasta
sus hijos. Lo anterior en sí, constituye suficiente ellas le puso ESPN y se comporta como
con el perro.
motivo para desencadenar traumas insuperables, adolescente cada vez que se menciona la
· Por mucho, el mejor
pero sólo es la punta del iceberg. Este hombre menstruación de la mayor.
disfraz padre-hija para
violento, misántropo y paranoide mantiene a su VEREDICTO: Con algún tipo de
Halloween.
familia prisionera en su llamado Castillo de la orientación femenina, hay esperanzas.
· ¿Que si es difícil criar a
pureza en un afán de evitar que los corrompa el
un bebé? No te fíes de la
mundo exterior. HOTEL TRANSYLVANIA
sonrisa discreta de Tom
Este “Captain Fantastic” ripsteiniano se Drácula es tan sobreprotector con su hijita
Selleck.
encarga del homeschooling a cinturonazos, de un Mavis que la orilla justo a lo que más teme
· La moto-sardina que
riguroso régimen deportivo y alimenticio y de que haga: cuestionarse qué hay más allá
maneja Mr. Fox.
lavarles el cerebro sobre los peligros que los del castillo de Transylvania. La joven
acecharán si ponen un pie afuera de su casa. Por termina enamorándose de un
si fuera poco, los explota en el negocio familiar, la backpackero humano que llega por error
fabricación de raticida que luego sale a vender. al resort de monstruos.
Pero ¿qué pasa cuando los retoños comienzan su VEREDICTO: Si eres inmortal, hay tiempo
despertar sexual sin tener con quién sublimarlo? de sobra para reparar tus errores.

HIJO DE ZORRO, PINTITO

La culpa que le genera a los hijos superar a sus
padres es un conflicto recurrente con el que
tienen que lidiar al convertirse en adultos. Pero
cuando tu papá es un zorro narcisista con voz de
George Clooney... buena suerte intentándolo.
El pobre Ash vive bajo la sombra de su padre,
un legendario ladrón de granjas. Compararse con
él es un ejercicio estéril, pues ni de lejos le llega
en habilidades y carisma. Lo peor es que Mr. Fox
no disimula el resentimiento de haber tenido
que intercambiar su vida de ratero por la de
papá. Preso de una crisis existencial, Mr. Fox
toma la decisión de comprar una casa árbol en la
zona más peligrosa y, ya entrados en gastos, dar
un gran golpe a las tres granjas aledañas.
CLICK
Michael no aguanta a sus hijos, a su
esposa o a su jefe, por lo que le da fast
forward a su control remoto mágico. Pero
al hacerlo, de brinco en brinco se
convierte en un padre ausente que ha
antepuesto lo material a su familia.
VEREDICTO: Sería favorable si en la vida
real existiera la posibilidad de volver
al pasado.
BIG DADDY
Sonny adopta a un niño sólo para lucirse
con su exnovia. Su plan no resulta, pero
ya no puede devolverlo, por lo que lo
malcría, le enseña a orinar en la vía
pública y a decir groserías.

LA PRINCESITA DE PAPÁ VEREDICTO: Échenle a la trabajadora

social (lo que sucede en la película).
En Kick-Ass, Big Daddy (Nicolas Cage) le vacía
una pistola en el torso a su hija sólo por diversión,
ESE ES MI HIJO
le regala cuchillos de cumpleaños y la convierte
Donny es un adolescente que
en una asesina. Debajo de la peluca morada,
embaraza a su maestra y que debe
Mindy (Chloë Grace Moretz) esconde sus coletas,
criar al bebé cuando la madre es
pero a esta niña con boca de carretonera hay que
sentenciada a 30 años de cárcel.
temerle en serio. Entre metralletas y pistolas,
VEREDICTO: Ni toda la terapia del
padre e hija conspiran para acabar con su
mundo puede resarcir el daño hecho
enemigo, Frank D’Amico, responsable indirecto
a Han Solo (así le puso a su hijo).
de la muerte de la mamá de Mindy y de que Big
Daddy fuera a prisión siendo inocente.

JUNIO 2017 111


LOS VERDADEROS SUPERHÉROES
NO LLEVAN CAPA (FRASE SACADA
DE UNA TARJETA DE HALLMARK).
PAPI LANCHERO
Técnicamente un papá que usa una backpack
como arnés de bebé, que monta a su criatura en
un vehículo sin su respectivo car seat, la cruza de
mojada por la frontera y la deja en una canasta
sin supervisión, calificaría como uno pésimo.
Pero en No se aceptan devoluciones, al conocer
las limitaciones de Valentín (Eugenio Derbez),
un playboy acapulqueño de poca monta, sus
esfuerzos por criar a Maggie, la bebé que le
endilgó una novia hippie gringa, son
francamente heroícos.
Con el mantra “shá, shá”, Valentín se arma
de valor para chambear como stunt man en
Hollywood con tal de darle una vida digna a su
güerita. La cosa se pone lacrimógena cuando
aparece la madre perdida queriéndose llevar a la
niña y Valentín saca la casta para impedirlo,
además de otros momentos muy dramáticos.
LA VIDA ES PERRA
Difícilmente se puede superar la proeza de
hacerle sentir a tu hijo que el campo de
concentración es parte de un divertido juego.
Eso es lo que hace Guido (Roberto Benigni) con
su pequeño Giosué (Giorgio Cantarini), luego de
ser apresados por los nazis en La vida es bella.
Entre bromas e imaginación, el irreverente
Chespirito italiano ayuda a su hijo a sobrevivir
los horrores de una realidad que va empeorando
cada día. Si resulta ganador, Giosué obtendrá un
tanque de verdad. Cuando el campo es liberado,
llega el prometido premio, cortesía de las fuerzas
aliadas, aunque Guido ya no esté ahí para
saborear el triunfo. Tener un pappo así o ser un
pappo así... no tiene precio.
DE LO SÓRDIDO A LO SUBLIME
Biutiful no es precisamente una feel good movie,
ni Uxbal (Javier Bardem) es el clásico héroe. Sin
embargo, la humanidad y devoción que profesa el
desahuciado hombre a sus hijos se hace patente
en cada cuadro de esta trágica película. Una vez
que comprende que, por el cáncer que le
diagnostican, su final será más temprano que
tarde, avoca todos sus esfuerzos a que sus
descendientes queden procurados, emocional y
económicamente.
La escena en la que le pide a su hija mayor,
Ana (Hanaa Bouchaib), que lo mire lo suficiente
para que no lo olvide después de su muerte, fue
112 JUNIO 2017
Arriba: Una familia
tan desgarradora que no hubo ojo seco en silvestre y colorida
toda la sala de cine. Aquí sí, la vida comandada por un hippie
no resultó tan biutiful. Viggo Mortensen.
LUCY IN THE SKY
Abajo: El amoroso Guido
de Roberto Benigni con
WITH DIAMONDS su pequeño héroe; y
Michael Keaton
Sin importar que el argumento sea esperando por una sesión
totalmente inverosímil —que un hombre de circo a domicilio.
con el intelecto de un niño de siete años
puede criar a un hijo—, retamos a quien sea
a no amar a Sam (Sean Penn).
Él es un personaje con capacidades
diferentes que termina cuidando a la
bebé que procreó con una indigente en
I am Sam. Su pedagogía inspirada en
los Beatles le funciona hasta que su
pequeña Lucy lo rebasa por la
izquierda en inteligencia y madurez.
Pero no nos hagamos, pues a cualquiera, sin
importar nuestro coeficiente intelectual, nos
aterraría tener de hija a Dakota Fanning.
NO SIN MI HIJO
En la madre de todas las batallas de custodia
queda claro que, a pesar de la revolución sexual,
las mamás no pueden tenerlo todo bajo control.
Cuando Joanna (Meryl Streep) regresa por el
pequeño Billy (Justin Henry), después de
habérselo dejado a Ted (Dustin Hofman) porque
necesitaba tiempo para encontrarse, se topa con
pared y con un nuevo estilo de papá empoderado
que ha descubierto el secreto mejor guardado:
los papás son igual de capaces que las mujeres
para cuidar a los retoños.
La prueba máxima de amor en Kramer vs.
Kramer viene de Ted cuando toma la decisión
salomónica de no pelear la custodia de Billy,
aunque eso implique perderlo, con tal de no
seguir arrastrándolo por un traumático proceso
legal. En una suerte kármica, Hofman no sólo
termina quedándose con el niño, sino ganándole
el Óscar ese año a titanes como Al Pacino, Jack
Lemmon y Peter Sellers.
TAN LEJOS Y TAN CERCA
Lo único bueno de tener un papá que te dejó una
videoteca llena de lecciones de vida antes de su
partida al más allá es que jamás se te va a caer del
pedestal. Nunca te pelearás con él, no criticará a
tus novias ni te regañará por reprobar... y lo que
es más, no tendrás que padecerlo cuando sea un
viejo achacoso.
Bajo una retorcida lógica, hasta suena bien,
pero cuando te enteras que tu progenitor era
Michael Keaton y que te perdiste de tener al
papá más cool del planeta, la cosa cambia. El
acierto de My Life es que plantee que puede
haber padres tan buenos, que incluso en su
ausencia son mejores que quienes tienen la
oportunidad de ver diario a sus hijos.
PAPÁ BOHO
El sobreviviente Ben (Viggo Mortensen) de
Captain Fantastic es un rockstar de papá. ¿Por
qué? Una frase: Noam Chomsky Day.
Al lado de su esposa, Leslie (Trin Miller), y
luego como hombre viudo, cría a sus seis hijos
alejados del sistema para darles una vida
intelectual plena y con la destreza física
suficiente como para sobrevivir en la naturaleza.
 DON DRAPER
Nos preguntamos cuánta mota habrá
tenido que fumar Sally y cuántos
brassieres habrá quemado para darle en
la torre a su papá publicista.
TONY SOPRANO
Su torcido concepto de familia llevó a
más de uno a “nadar con los peces”.
Quizá por eso su hijo A.J. se la pensaba
dos veces antes de ponérsele al brinco.
WALTER WHITE
Los papás son capaces de hacer
cualquier cosa para proteger a su familia
de la ruina económica, pero cocinar
metanfetamina cristalina y competir con
los más peligrosos traicantes por sus
plazas es pasarse un poco de la raya.
CRASTER
¿Creían que el título al peor papá de
Game of Thrones era para Tywin
Lannister? Si bien es un digno
candidatos, no hay peor que el viejo
Craster y su harén de hijas-esposas.

JUNIO 2017 113

114 JUNIO 2017
 “TRES VECES
FRANCO”
M I C H EL F RA N C O ES U N DIRECTO R
PRODUCTOR Y ESCRITOR M EX I C A N O ,
T RATA D E M A N T EN ER EL I M P U LS O
Q U E I N I C I A L M EN T E LO L L EVÓ A C O N -
JUNIO 2017

TAR HISTORIAS A TRAVÉS DEL CINE.

POR ANA LUCÍA ALTAMIRANO
FOTOS HORACIO CASTILLO
115
116
E
ESTE SER DE PELO ALBOROTADO, que de pronto persigue funciones en
la Cineteca Nacional, ya tiene en su vitrina un premio de Mejor guion y otro
de Una Cierta Mirada, ambos de Cannes, además de reconocimientos
internacionales. Pero lo más importante es que sus cuatro largometrajes
filmados han llegado a la pantalla grande.
Así, Michel Franco sigue pensando en la inocencia de filmar como un
juego en el que no hay nada por perder pero sí mucho por aprender, justo
ahora que está por estrenar su quinto filme, Las hijas de Abril.
Y es que con menos de 40 años —37 para ser precisos—, el joven
cineasta ya ha logrado lo que pocos en su corta trayectoria, pues se inició en
el cine con el cortometraje Entre dos cuando apenas tenía 23 años y, tras
una espera de seis años en los que no paró de trabajar, Franco regresó para
mostrar su primer largometraje, Daniel y Ana, con el que dejó claro que
contar historias complicadas, de ésas que te dejan con un nudo en el
estómago y una reflexión, era lo suyo.
“Siempre trato de mantenerme en el espíritu de la primera película; lo
más importante es seguir con la claridad de que no hay nada que perder. No
tomarse muy en serio el hecho de que uno tiene cierta trayectoria, un
nombre que cuidar o tal, porque creo que entonces se echa a perder el
juego. Y hacer películas es eso: un juego y es siempre un nuevo riesgo”,
cuenta para EMPIRE.
Daniel y Ana caminó por tierra firme aunque no fue muy bien recibida
por la crítica. Su presentación como director de largometrajes se convirtió
también en la pieza que lo hizo debutar en Cannes y le dio su primera
nominación a la Cámara de Oro del festival galo.
Pero fue varios años más tarde, en 2012, cuando el realizador se alzó
con un premio en la Riviera Francesa, al ganar en la categoría Una Cierta
Mirada gracias a su trabajo en Después de Lucía, un crudo retrato del
bullying causado y sufrido no sólo por los adolescentes, sino por todo su
círculo cercano.
Los personajes complejos, los giros de tuerca que dejan al espectador
sin respiración por unos segundos y aquellos planos de cámara fija también
serían sello del creador que no sólo dirige sus proyectos, sino que escribe
cada uno de ellos y los produce a través de su compañía Lucía Films.
De esta manera, Franco ha creado su propia dinámica en donde no se
permite dejar de buscar historias que lo inspiren y escribirlas mientras
dirige o produce para otros socios, logrando aceitar una maquinaria que
hasta ahora ha dado muy buenos frutos para mantenerse activo en la
industria cinematográfica.
“Hay dos cosas a considerar: el proceso personal, en el que trato de
siempre estar escribiendo para una siguiente película, y por otro lado el
equipo de Lucía Films”, el cual está conformado por elementos “muy
importantes”, asegura.

JUNIO 2017
“ HACER
PELÍCULAS ES
ESO: UN JUEGO
Y ES SIEMPRE
“
UN NUEVO
RIESGO
118 JUNIO 2017
 “Tengo a Lorenzo Vigas como productor y también es un director
ganador del León de Oro (en la Berlinale); igualmente está Gabriel Ripstein
en el equipo y eso ayuda a que las cosas se revolucionen y ocurran de
manera más rápida”.
Pero para que la maquinaria funcione, Franco no ignora los incentivos
federales. “El EFICINE, y lo que se ha hecho en México para que el cine
mexicano mejore en términos de producción, ha sido muy efectivo y son
esfuerzos que ojalá sigan creciendo, porque sería muy desatinado cambiar
algo de eso”, apunta.
Y es que como indicó a EMPIRE, “lo difícil no es llegar, sino
mantenerse”, y después de rodar A los ojos, su tercer largometraje, le siguió
Chronic, producto de su relación con el actor Tim Roth, a quien conoció en
Cannes y quien le dio “el voto de confianza más grande que he tenido para
poder seguir filmando”. El resultado de esa colaboración le valió una
nominación a la Palma de Oro y el premio al Mejor guion en Cannes.
Justo después de toda esa vorágine de reconocimientos y de producir
trabajos como 600 millas (Gabriel Ripstein) o Los herederos (Jorge
Hernández Aldana), el director volvió a la aventura de escribir y disfrutar
un nuevo proceso de creación.
Sabe que cada día representa una oportunidad de crecimiento que no
debe basarse en los logros anteriores o colgarse de los premios, sino en la
premisa de tener un lienzo en blanco para desarrollar algo nuevo, como lo
hizo con Las hijas de Abril, su quinto filme.
“Las películas tienen que ser cada día mejores, pero no por una presión
externa sino porque tengo que forjarme en el oficio. Cada cinta es una
nueva historia, así que al público no le importa si he hecho cinco o diez
porque van a dedicarle la tarde del domingo a ésta y quieren que se
defienda, los haga sentir y reflexionar por lo que el filme vale. Entonces mi
objetivo es mantenerme siempre con esa claridad, pero aprovechar lo
mejor posible la experiencia, capitalizar la energía de las otras cuatro
películas”, señaló.
Y aunque la cinta protagonizada por Emma Suárez es intensa, Franco
la define como suave y femenina. Una película que “si bien tiene un final
fuerte, no lo es en el sentido de que te deje sin aliento o en shock: es
completamente diferente y se digiere de otra manera”. De esta forma, Las
hijas de Abril logra separarse de lo que hizo anteriormente sin por ello
dejar de darle al público algo para reflexionar.
“Nunca hago las películas en términos de mensajes o de cuál es la
reflexión que me gustaría que tuviera el público; de hecho me esfuerzo
porque las historias tengan muchas lecturas y por lo general todas las
lecturas o interpretaciones son válidas”.
“Tal vez ésa es la parte más importante de mi nueva cinta. Sabía que
quería hacer algo diferente en ese sentido, más suave o con un final mucho
menos inquietante, pero ¿cómo lograr eso sin que la película deje de
estremecer al espectador? Si la gente sale del cine sin una reflexión fuerte o
sin que las emociones se hayan movido, tampoco valió la pena desde mi
punto de vista. Pero creo que es difícil lograr eso y que al final resulte en
algo desconsolador. Eso es lo que me gusta de Las hijas de Abril”, revela.
Siempre ve cine, siempre observa lo que ocurre a su alrededor y
siempre con una mirada crítica y una sonrisa más bien reflexiva. Michel
Franco disfruta del momento que vive actualmente, sabiendo que el
camino por recorrer es amplio en México y fuera del país, pues todavía falta
mucho por hacer.
“Yo estoy contento con el rumbo que mis películas han tomado. Tengo
muchas ganas de seguir filmando en México mucho más que hacerlo fuera,
de hecho estuve muy cerca de hacer esta película en Estados Unidos”,
confiesa el director sobre los planes de trabajar en el extranjero.
A Franco le ofrecieron intérpretes de renombre y todos los apoyos
posibles para que la historia de Abril y sus hijas transcurriera en el país del
norte. Pese a la tentadora oferta, dice, “fue una decisión madura el pensar
dónde podía hacer la mejor película y dónde me siento más cómodo sin
tomar decisiones guiadas por la ambición de lanzarme a trabajar con tal o
cual actor”.
¿Y cómo no le van a llegar esas opciones, si está a unos días de visitar
por cuarta ocasión el festival de cine más reconocido del planeta y con una
nueva producción bajo el brazo? Sin embargo, todo es muy claro para
Franco. “Es una seducción que existe, pero me tiene muy tranquilo no caer
en ella y me gusta hacer películas en México. No descarto hacer otras fuera
de mi país, porque Chronic fue muy buena experiencia”, concluyó.

LAS HIJAS DE ABRIL SE ESTRENA EN CINES EL 23 DE JUNIO.

JUNIO 2017 119

 ALERTA:
SPOILER

VO LTEA HACIA ATRÁS. SÓLO PARA VER ESTAS RECOMENDACIONES.

120 JUNIO 2017

 LA GUÍA DE
EMPIRE
PARA VER
EN CASA
LOGAN
Wolverine saca hasta las garras
para defender su linaje.
POR ANAID RAMÍREZ

Nuesta humilde opinión:

00:02:58
EL ¡QUÉ TRANSA, HOMIE!
VEREDICTO DE La mejor película de
La primera escena de Logan no podría ser mejor,
Wolverine hasta ahora:
y no lo decimos por cómo luce nuestro X-Men, a
madura, con un mejor
quien los años le han cobrado factura en todos
trazi de personajes y
LOGAN los sentidos, sino porque pese a estar
terrenal. Es una pena que
“envenenado”, en esta secuencia demuestra que
sea la última.
aún tiene con qué defenderse. Y es que sólo
Extras notables: !La
Wolverine podría pararse y sacudirse el polvo
versión noir en Blu-Ray!
luego de un encuentro del tercer tipo con una
banda de cholos.

JUNIO 2016 121

 00:12:39
ENFERMERO Y MUTANTE
Además de su alcoholismo y debilidad hay otro
elemento que demuestra que Logan no está en
su mejor momento, ni física ni anímica ni
económicamente, además de que el profesor
Charles de repente se malviaja afectando a
quienes lo rodean. Aún así el Profesor X tiene una
charla con su enfermero acerca de los mutantes.
00:40:55
PERSECUCIÓN MARCA ACME
Logan utiliza su amada limo para escapar de los
acosadores. Con rejas destruidas, hombres en
motocicleta, camionetas pickup muy bien
armadas y un tren a la vista —podría tratarse de
“la bestia”, el tren, no el mutante—, la cacería
levantaría la envidia del Coyote y el
Correcaminos.
01:24:44
UNO COMO QUIERA, PERO LAS
CRIATURAS...
La única y peor forma en la que pueden herir a
Laura es emocionalmente. Luego de haber tenido
una cena en familia y que los amables Munson
los invitaran a descansar en su casa, una versión
joven de Wolverine aparece y empieza a aniquilar
a todos. A todos.
122 JUNIO 2017
00:27:15
LA DE LA MOCHILA AZUL
En su trabajo como chofer de una limusina Logan
se ha topado con Gabriela (Elizabeth Rodriguez)
y una niña de nombre Laura (Dafne Keen), ambas
son mexicanas y se acercan a Wolverine para que
les ayude a cruzar a Canadá; Logan acepta
auxiliar a la menor pero justo es en este minuto
cuando dimensiona el problemón.
00:53:08
UNA PESTAÑITA
Después del desgaste, la triada conformada por
Charles Xavier, Laura y Logan necesita hacer una
escala técnica para recuperar energía y planear
su estrategia. Si este momento resulta
trascendente para la película es porque aquí la
pequeña recibe su primera lección de cine y de
vida a través de Shane (George Stevens).
01:30:58
SANGRE DE MI SANGRE
Podríamos decir que hasta este minuto Logan y
Laura tienen su primer momento padre-hija, lo
malo es que no será el mejor recuerdo para la
niña. Tras la épica pelea entre Wolverine original y
el clon en la casa de los Munson y la muerte de
Charles, Logan y su descendiente logran
conectarse emocionalmente.
00:36:50
UNA MUTANTE COMO TÚ
El superhéroe no creyó las reiteradas veces en
las que Charles le decía “es una de nosotros”. La
niña realmente es una mutante y la busca un tal
Pierce (Boyd Holbrook) junto con un escuadrón
de la policía mexicana y de la empresa de
genética para la que trabaja. Cuando Pierce da
con la pequeña, ella saca las garras, literal.
01:11:11
PIDE UN DESEO
Tras ayudar a una familia en la carretera y como
acto de agradecimiento, los invitan a cenar y
descubrimos a una Laura que, si bien no tiene
mucha práctica comiendo con cubiertos,
tampoco tiene experiencia en las charlas
familiares. ¡Es un conmovedor debut! Y sonríe al
conocer un poco del pasado de su padre.
01:57:28
NIÑOS DEL MAÍZ
Logan y Laura al in dan con el grupo de niños
mutantes con los que debían encontrarse. Todo
el clan debe partir rumbo a Canadá donde, según
una historieta de X-Men, está el “Edén”. Así se da
pie a la última gran pelea del ilme —con
explosiones y el clon Wolverine incluido—.
LOGAN ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY A PARTIR
DEL 23 DE JUNIO.
 OBRAS MAESTRAS
DE EMPIRE PRESENTA:
CHILDREN TODO GIRA ALREDEDOR DE LA
SANGRE EN LA LENTE. Durante la
coreografía tan colosal, intrincado e intenso que
requirió 13 de los 14 días que tenía asignados

OF MEN secuencia de la batalla en el clímax de Children of

La magia de Cuarón con una
frialdad futurista hermosa.
1968 CLASIF.: B
POR DAN JOLIN
Men, capturada en una sola toma sorprendente
de persecución de 378 segundos, la cámara que
va tras el héroe, el Theo de Clive Owen, es
salpicada de sangre. Las manchas rojas tapan
parcialmente la vista de la audiencia de un
campo de refugiados estallando en violencia. Y
allí se quedan durante el resto de la secuencia.
Esa lente ensangrentada se siente como la
última declaración de inmediatez que te atrapa
con la fuerza de un documental.
Fue un maldito accidente. Toda la secuencia,
filmada en Inglaterra durante el verano de 2005
involucrando a cientos de extras, explosiones y
hasta algunos tanques, requirió un gran acto de
para montarla y ensayarla. Las dos tomas previas
habían salido mal. Después de cada regada,
tomaba cinco horas volver a tener todo listo. La
toma tres era la última oportunidad de
conseguirla. El horario no podía permitir que
volvieran a fallar. Y luego, después de que Owen
se abre paso por el cascarón de un autobús, una
pequeña carga estalló fuera de tiempo.
Mirando con desesperación los puntos de
líquido espeso y carmesí que ensuciaron la vista
de su monitor, el guionista y director Alfonso
Cuarón gritó: “¡Corte!”, pero entre el caos
orquestado una explosión ahogó su orden y el
drama continuó durante los más de seis minutos
de duración. Siendo un perfeccionista, Cuarón

124 JUNIO 2017


Accidente tras
accidente, Children
of Men ha adquirido
hasta ahora una
relevancia creciente
que, en su momento,
no tuvo ni de broma.
no vio lo que su director de fotografía y mano
derecha, Emmanuel “Chivo” Lubezki, reconoció
de inmediato: la carga de sangre mal
sincronizada no fue un error, sino “un milagro”.
Palabras que pueden ser usadas para
describir a la película misma. Fue un milagro que
se rodara, para empezar. Tenemos que
agradecerle a Harry Potter que a Cuarón por fin
le dieran la luz verde, cuatro años después del
9/11, para realizar esta adaptación de la novela de
P.D. James. Si no hubiera probado sus
habilidades para engendrar un trancazo con The
Prisoner of Azkaban, el realizador mexicano
quizá jamás hubiera hablado con la jefa de
Universal, Stacey Snider, para que respaldara
una película de ciencia ficción más inspirada en
The Battle of Algiers que en Blade Runner, con
pocas cosas de alta tecnología para hacerla más
cool. Tenía una estrella (Julianne Moore) cuyo
personaje muere antes de la primera media hora.
Tenía un final abierto que no podía ofrecerle a la
audiencia más que una vaga sensación de
optimismo cauteloso. Y contenía los tonos
extremos deliberados, pesados y políticos que
por lo general hacen que los ejecutivos de los
estudios salgan corriendo a buscar un cómic.
Esto no incluía robots, alienígenas o zombies: se
trataba de una situación donde la Madre
Naturaleza parece haber decidido que es hora de
que la humanidad deje de reproducirse y la
última generación, infértil, se desgarra con un
gemido de angustia.
Para ser justos, Children of Men no es un
ejercicio de tristeza implacable. Está repleta de
dosis de humor: un apocalipsis muy británico,
con el viejo caricaturista político Jasper
(Michael Caine) soltando carcajadas y contando
chistes de pedos. El mismo Cuarón toma el ritmo
de Animals, de Pink Floyd, haciendo volar un
globo en forma de cerdo gigante sobre la planta
de poder de Battersea. Y Theo —un burócrata
despreocupado, encogido de hombros quien a
regañadientes accede a involucrarse para ayudar
a la primera mujer embarazada en 18 años
(Clare-Hope Ashitey) y llevarla a un lugar seguro
fuera de la costa— es un héroe de acción
hilarantemente inepto. En una escena no sólo
trata de huir en un auto que no arranca, sino que
además olvida ponerse los zapatos.
No es que el rodaje fuera una carcajada
continua. La ambición de Cuarón, su negativa a
llegar a un compromiso y su atención
microscópica a detalles que llenan el cuadro (lo
que en muchas ocasiones requirió efectos
generados por computadora) con frecuencia lo
enfrentaban con las limitaciones de presupuesto
y las preocupaciones por parte del estudio. Pero
de alguna forma siempre venció e incluso
consiguió el permiso para filmar en Londres la
escena que abre —una explosión en una
cafetería— semanas después de los ataques
terroristas del 7/7.
¿Y qué siguió después de tanto sudor y
lágrimas? El filme fue un fracaso. Después de
invertirle 76 millones de dólares, Universal sólo
ganó 70 millones a nivel mundial. Luego de
premios BAFTA para Lubezki y el equipo de
diseño de producción siguieron algunos otros
reconocimientos para aliviar el dolor. La
experiencia fue tan dolorosa para Cuarón que le
tomó cinco años convencerse para filmar otra
película, Gravity.
Children of Men es el mejor trabajo de
Cuarón y hoy se siente más relevante que nunca.
Trump, Javidú y las bioseries. Todo está allí, en el
Londres y Kent del Cuarón de 2027, mostrado
con tal impacto que la sangre en la lente bien
podría ser la tuya. Más que una película, es un
canario en una mina de carbón.
CHILDREN OF MEN ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY
Y DESCARGA ELECTRÓNICA.
10 REGLAS DE
EMPIRE PARA
ACUDIR A LA
DULCERÍA
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
Consideramos que la simple contem-
plación de una joya del séptimo arte
es un placer que se puede disfrutar
con atención unipuntual y exclusiva.
1.Hay de dulcerías a dulcerías, una
tiene las mejores palomitas y otra el
mejor hot dog. Te invitamos a probar
de todo en cada una de ellas.
2.Tanto el celofán en las
envolturas como cualquier alimento
crocante debería estar penado.
3. Mi papá escondía tortas para
comerlas durante la peli. Hay quien ha
pasado un fideo seco y a mí me quitaron
un café. No metas nada que no te guste.
4. El VIP ya se volvió loco: poner
helado a las palomitas es sólo un
esfuerzo más del gobierno para no
perder nuestro orgulloso primer lugar
en obesidad infantil.
5. El VIP es para gente muy
educada: el uso de cubiertos implica
un sonido que nadie quiere de fondo.
6. Otro dilema: jochos sin cebolla
sí; cine apestoso no. ¿Qué hacer, oh
Santo Tarantino?
7. Aún más VIP: prohibido pedir y
recibir comida una vez comenzada la
función. ¿No basta la media hora de
cortos y comerciales?
8. Las filas de la dulcería son
multitudinarias, ¿neto no te dio tiempo
de pensar qué vas a querer? ¿Por qué
te tardas 15 minutos en decidir
cuando ya es tu turno? Sí, te hablo a ti,
no te hagas menso.
9. Si tu bebida tiene hielo y te
gusta masticarlo en el cine, déjame
decirte que tus dientes se encuentran
en peligro de extinción.
10. Lanzar palomitas sigue
representando un peligro para la
integridad de tu sonrisa. Naco.
JUNIO 2017 125
 Como siempre, el
adefesio con coche
se queda con la
dama que, incluso
culta, siempre
preferirá un castillo a
una choza, aunque
las cosas hablen y se
muevan de lugar.
VALS DE LA
NOSTALGIA
Seleccionamos los momentos de
la versión live action de La bella
y la bestia que nos trasladaron
por completo a la animación del
ahora lejano 1991.
POR ANAID RAMÍREZ
QUE LEVANTE LA TAZA DE TÉ quien
haya sentido miedo al saber que La bella y la
bestia tendría su versión de acción real, así como
ocurrió trágicamente con otros clásicos de la
compañía del ratón.
Bien, mantengamos las tazas arriba y
agreguémosle un par de cubos de azúcar más
para brindar porque, por fortuna, el live action
de la primera animación de Disney nominada al
Óscar como Mejor película logró mejores
resultados de lo que esperábamos.
Dirigida por Bill Condon, la cinta no sólo
funcionó de manera cinematográfica y como
pieza individual de entretenimiento, pues
también logró esquivar el iceberg de la decepción
al recrear mágicamente las escenas que nos
marcaron de la película de 1991.
126 JUNIO 2017
Si bien hay muchos momentos que nos
trasladaron a la permanencia voluntaria y las
palomitas en bolsa de papel, seleccionamos los
que replicaron por completo ese momento de
nuestra infancia en el que no nos levantamos de
la butaca para nada.
LA NIÑA RARA
Aunque Bella —en sus propias palabras— vive en
un lugar simple y aburrido, Bill Condon y Sarah
Greenwood, diseñadora de producción,
trabajaron a todo vapor para darle al pueblo de la
protagonista dinamismo, un aire digno de la nivel, así como la presentación de personajes.
campiña francesa y de la primera versión que En esos minutos nos emocionamos al
Disney hizo del cuento de Jeanne-Marie reconocer al panadero, que siempre hace el
Leprince de Beaumont. mismo pan, ver cómo los animales andan por la
En el filme de reciente estreno, el primer villa como Juan por su casa o cómo a todos les
número musical no sólo funciona como carta de parece rara la personalidad y los gustos de Bella.
presentación para la protagonista y demostrar
que la Bella de carne y hueso (Emma Watson)
realmente es bellísima: igualmente es la forma EN CHAROLA DE PLATA
en la que Condon y Greenwood parece que nos No es broma. En la sala del cine, al término de
dicen :“Mira lo que hacemos con el escenario “Nuestro huésped” (“Be Our Guest”) se
menos mágico de la historia... no imaginas lo que escucharon algunos aplausos. Y no era para
está por venir”, pues todavía falta recorrer un menos, pues se trata de una de las escenas que
bosque hermosamente nevado y un castillo más preocupaba a los fans de la película: ¿cómo
encantado para que la trama agarre su máximo harían que las cucharas nadaran en el ponche
como expertas de nado sincronizado? ¿Lograrían
que a la comida le salieran patitas para que
marchara sobre la mesa?
Una tonelada de efectos especiales por aquí y
unos cuantos gramos de luces de colores por allá;
unas onzas del buen trato de la señora Potts de
Emma Thompson, un toque del acento francés
del Lumière de Ewan McGregor y, ¡voilà! El plato
fuerte de la película está para entonces bien
puesto sobre la mesa.
Dicen que ningún traste fue estrellado
durante la filmación de esta escena.
DERROCHAN MIEL
El postre llegó en forma de un vals para sellar la
empatía entre los dos protagonistas. Desde el
encuentro entre Bella y Bestia (Dan Stevens) al
pie de la escalera supimos que El Momento
romántico de la cinta original no nos defraudaría
en absoluto.
Las coreografías —con todo y los zancos de
Stevens—, los movimientos de cámara y los
gestos de los actores replicaron casi a la
perfección esa célebre “fábula ancestral/sueño
hecho realidad”.
EL BESO QUE DESPERTÓ
AL PRÍNCIPE
Si algo nos gusta de Bella es que se trata de toda
una heroína hecha y derecha. Se armó de valentía
para adentrarse en el bosque y afrontó a la Bestia
para salvar a su padre.
Desde la primera cinta nos demostró que no
es del tipo de chica que necesita un beso del
“verdadero amor” para despertar de un profundo
sueño; al contrario, en los últimos momentos
descubrimos que el cariño y alguna lágrima
honesta de la protagonista son suficientes para
revivir a Bestia y ayudarlo a recuperar su (buen)
aspecto real.
En la animación, ráfagas de luz y polvos
mágicos aparecieron para liberar al príncipe de
su peludo cuerpo, por lo que angustiaba el saber
cómo resolverían eso en la versión de carne y
hueso. Condon se apoyó en efectos especiales y
en inteligentes movimientos de cámara para
trasladar ese emblemático momento a la acción
real; tal como ocurrió en la original, vimos su
transformación parte por parte: las piernas,
luego las manos, su rostro... Y quedamos más que
satisfechos con esa recreación.
Nuestra humilde opinión
EL
VEREDICTO Una historia que ya era
DE fantasiosa, su versión de
carne y hueso resulta algo
mágico gracias al trabajo
LA BELLA Y de sus actores, del
LA BESTIA departamento de diseño de
producción y del CGI.
Extras notables
Featurettes y corte del
director.
XAVIER VELASCO
LAS FUNCIONES VITALES
La pestaña de Alex
Cuentan que una vez, tras más de una hizo así novelista de tiempo completo
semana de rodar sin éxito la misma y vivió 33 años más. Nunca estuvo
escena dura y despiadada, agonizaba muy orgulloso de su Naranja
Stanley Kubrick al lado de su primer mecánica, libro escrito apenas un par
actor cuando éste, ya aburrido de de años después, 11 antes de que
darle vueltas a la incertidumbre, atinó Kubrick la convirtiera en mito
a relajarse bailoteando al tiempo que universal. Tampoco se cansó de
entonaba una vieja canción. De contar que habría preferido ser
pronto el director se quedó recordado por algún otro
de una pieza, cual si MI libro, pero la historia de
delante de él aletease RECOMENDACIÓN Alexander DeLarge —
un arcángel. “¡Hazlo Muerte en un funeral salpicada de términos
otra vez!”, suplicó (Frank Oz, 2007). Humor en nadsat, lenguaje
perplejo y poseído por negro británico para llorar de que inventó a partir de
aquella visión risa, algo así como la palabras derivadas del
intempestiva. ¿No resurrección de Peter ruso— lo marcó para
estaba ahí la escena, Sellers. siempre.
deslumbrante y perfecta? Cierto día, años
¿No era aquella canción, así después, McDowell se topó
bailada, el espíritu mismo de con el músico Alan Price y lo
Naranja mecánica y su protagonista, escuchó quejarse amargamente.
el inefable Alex? Ambos habían trabajado en O‘Lucky
Cuando Malcolm McDowell Man, estrenada algún tiempo después
terminó con la danza vacilona, de A Clockwork Orange, donde Price
Kubrick ya despegaba camino al y su banda tocaban, entre muchas
primer teléfono disponible. Le urgía otras, la canción tema, misma que les
averiguar si estaban disponibles los daría renombre suiciente para que en
derechos de “Singin’ in the Rain”, adelante, concierto tras concierto, el
tenía que comprarlos de inmediato y público exigiera su interpretación.
volver a la locación mientras aún le ¿Pues para qué, si no, habían ido a
duraba la epifanía. ¿Qué otra cosa, verlos? “Es mi cruz”, deploraba el
sino pura y desnuda ultraviolencia, era extecladista de The Animals, pero
asistir a una golpiza infame cuyo McDowell opinaba al contrario.
protagonista se burlaba cantando y ¿Cuántos músicos llegan hasta la
brincoteando en mitad de una tanda tumba sin haber conocido una “cruz”
de puntapiés? así? ¿No había quedado él mismo
Cuenta la leyenda que Anthony condenado a ser el sociópata de la
Burgess, autor de la novela que pestaña postiza por el resto de su
inspiró la película, daba clases de afamada existencia, así participara en
Historia en la isla de Borneo cuando 1,000 ilmes? ¿Qué es el triste
se desmayó frente a sus alumnos. Los Calígula de Tinto Brass sino DeLarge
médicos locales atribuyeron el disfrazado de emperador romano?
desvanecimiento a un tumor cerebral Esperé varios años para ver
y le auguraron sólo un año de vida. Naranja mecánica, hasta que tuve
Renuente a arrodillarse ante la edad suiciente para cruzar las
adversidad, resolvió devolverse a puertas del cine y caer en su historia.
Inglaterra y sacar jugo al tiempo que Sintomáticamente, la epopeya de
le quedaba para al menos dejarle algo Stanley Kubrick ha sido objeto de
a su viuda. Escribió, en 12 meses, toda suerte de caliicativos. Me
cinco novelas, pero al in el gustaría añadir, por si alguno faltara,
diagnóstico estaba equivocado. Se que es perfecta, punto.
JUNIO 2017 127
 BUENA TARDE |MALA TARDE
CHLOË SEVIGNY POR TERRI WHITE

INTERPRETACIÓN
“Vuelvo a pensar en la película de Alex Ross que hice el año pasado, “Cuando interpreté a Shelley en American Horror Story y me convertí
Golden Exits, y digo: ‘Voy a tratar de regresar a donde estaba al en un monstruo. La gente que era muy amigable al principio ni siquiera
principio de mi carrera, ser tan íntima como sea posible”. me volteaba a ver cuando era un monstruo completo”.

EXPERIENCIA CON LOS FANS

“Recientemente, con todo el alboroto por el 20 aniversario
de Kids, una chica me dijo —porque esa película es muy
masculina—: ‘No desacredites lo que representaste en ese
ilme’. Lucho con lo que esa película signiica para mí y el
que esté disponible en el mundo y lo machista que es”.
“Ayer en una tienda vintage. Entró una mujer, tomó un par de
cosas para ir a donde yo estaba; no le importó lo que
agarraba, sólo quería estar cerca de mí. Me dijo: ‘Tuve una
mala semana y te vi y sentí que tenía que entrar porque eso
cambiaría todo’. Estaba jodida y proyectando en mí algo que
yo no podía darle”.

AUDICIÓN
“Tuve una audición para [la directora] Jane Campion. Fue para la “Una a la que fui y el director dijo: ‘Tu cuerpo es hermoso, deberías
película que estelarizó Kate Winslet [Holy Smoke]. Tuve que hacer una mostrarlo más’. Si supieras algo de mi carrera sabrías que salgo
sesión de improvisación con Harvey Keitel, tenía que darle de comer desnuda en cada una de mis películas. [Ríe] Es horrible cuando los
como si fuera un bebé y limpiar el puré de manzana de su boca”. clichés de Hollywood cobran vida”.

LOCACIÓN
“Rodamos en mi vecindario “Trabajando en Los
en Brooklyn para Golden Ángeles, donde hice Big
Exits. Era lo más cercano de Love durante cinco años. Es
casa que había ilmado en como estar en otra ciudad
mis veintitantos años de que podría ser la tuya pero
trabajo. Me levantaba de la que no puedes adoptar de
cama, caminaba tres ninguna manera o forma.
cuadras y llegaba a Nueva York es mi hogar”.
trabajar”.

MOMENTO
“Estar en los Óscar por Boys Don’t Cry. El sólo ver a las
demás actrices nominadas en mi categoría [Actriz de
reparto] —Samantha Morton, Catherine Keener, Angelina
Jolie y Toni Collette— y sentir que me había probado a mí
misma. Russell Crowe se me acercó y dijo: ‘Te ves
increíblemente sexy esta noche’, y yo respondí: ‘¡Lo sé!’”.
“Cuando un tipo que escribía para el The New York Times
hizo un artículo que decía: ‘No es particularmente inteligente
o bonita o talentosa’. Eso fue muy doloroso para mí. Leer
críticas como ésa puede ser muy perjudicial… Es injusto y
cruel y, ya sabes, te deja una cicatriz de por vida”.
ANTIBIRTH ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y PARA DESCARGA.

128 JUNIO 2017

WHAT’S THE MATRIX?
No se trata de decir si son buenas
o malas. Aquí tienes, en un vista-
zo, tu mejor amiga del mes.

sorprendente

CARS 3 COLOSSAL
Al in que ni le hacían falta
No te acerques ¡porque monstruos a Corea.
me chocas!

MAQUINARIA
PANAMERICANA ORANGE IS THE
Entre la tanda
y el bono NEW BLACK
de puntualidad. Mujeres asesinas parte 5.

HOUSE OF
CARDS
Política icción.

LA MOMIA
Por in, Tom sale LAS HIJAS DE ABRIL TRAS LA TORMENTA
con una de su edad. Mamma mia: here we go again. Ludopatía para principiantes.

¡HUYE!
palomera

Se las vieron negras EL HOMBRE QUE VIO DEMASIADO

clavada
para escapar. Viola, matola y fotografía.

SHARK TANK
Se la llevó el tiburón,
el tiburón.

EVERYTHING,
EVERYTHING
UN HOMBRE GRUÑÓN
Por lo menos, no es una
distopia futurista.
FAIRY TAIL: Te sorprenderá que no
DRAGON CRY es suegro de nadie.
Anime bajo la manga.

WONDER WOMAN
¿Quien te crees, una diosa,
una rosa que algún día se
marchitará?

FEAR THE
WALKING DEAD
Arwrarwrirwrarwro.
DOS SON FAMILIA
¿Se murió la niña?

GUARDIANES DE LA BAHÍA PELÉ

Sí, nada nuevo bajo el sol. predecible Yo lo haría.

JUNIO 2017 129

 ¿BUEN
VIAJE?
El viaje del guionista de Passengers, Jon Spaihts,
hacia la controversia en la pantalla grande.
POR CHRIS HEWITT
A PASSENGERS LE TOMÓ UNA década
llegar a la pantalla grande, y durante ese tiempo
el drama de ciencia ficción pasó por varios
directores y diferentes grupos de actores, pero
increíblemente para Hollywood, sólo un
guionista. El primer borrador de Jon Spaihts,
que muestra a dos personas atrapadas en una
nave espacial que se dirige a un planeta lejano
para colonizarlo, se ubicó en el tercer lugar de la
prestigiosa Black List (Lista Negra), que califica
los mejores guiones no realizados de la industria,
en 2007. Spaihts se mantuvo con la cinta hasta
que fue realizada por Morten Tyldum, con Chris
Pratt y Jennifer Lawrence en los papeles
principales, y se topó con el oprobio de la crítica,
130 JUNIO 2017
un bajo desempeño en taquilla y una tormenta
sobre el dilema ético en su médula. Aquí, el
guionista evalúa el largo recorrido del filme.
¿Cuáles son los inicios de Passengers?
Le había vendido mi primer guion, Shadow 19, a
Warner Bros. y Keanu Reeves había estado ligado
al proyecto. No se realizó pero su socio
productor, Stephen Hamel, me llamó y dijo: “Nos
gustaría encontrar otra cosa para hacer contigo”.
Les presenté la idea de un filme noir de ciencia
ficción, una historia de detectives con un hombre
que queda aislado en el espacio. A Keanu le
fascinó y me preguntó: “¿Podríamos contar una
historia más alegre sobre ese tipo?”, así que se
me ocurrió Passengers, la noción de una nave de
colonización llena de pasajeros en hibernación
en la que por error alguien despierta demasiado
pronto en la trama.
Terminaste el guion en 2007... ¿Y qué
ocurrió después?
El impulso paradójico de que sucediera la huelga
de escritores justo cuando el guion comenzaba a
circular. Ningún material nuevo se produjo
durante cuatro meses y medio, pero en ese lapso
Passengers se convirtió en uno de los guiones
más leídos de la ciudad.
¿Qué cambios se realizaron a lo largo de los
años en él?
En el original, el final mostraba a todos los
pasajeros que estaban hibernando siendo
lanzados de la nave al espacio por un error
mecánico. Uno de los directores con quienes
trabajamos dijo enfáticamente que sería
horrible ver eso. Así que escribí un acto de
redención para Jim que ocurre al final y ese
cambio se mantuvo.
 De arriba a bajo:
· El amor está en el
espacio: Jennifer
Lawrence y
Chris Pratt.
·El Cosmo de mayor
altura con el
bartender ideal.
· No dejen solo al
muchacho porque se
pone creativo.
· Andy García
barbado en un papel
apoteósico.

decisión son, con mucho, el tema del filme. Así

que si los críticos ven la película y salen
pensando que hay algún tipo de cáncer moral en
la historia que la hace indigna de nuestra época,
honestamente creo que no hay nada que podría
haber escrito que la salvara para ellos.

Originalmente, Passengers era un filme de

bajo presupuesto —unos 40 millones de
dólares—, pero se volvió mucho más grande.
¿Qué provocó el cambio?
Acabas de poner el dedo en lo que hizo que fuera
tan difícil realizar Passengers durante años.
Fundamentalmente es un drama romántico con
una espinosa trama moral. Con frecuencia
batallamos con el estudio, que quería convertirla
en una película de acción. Nunca iba a ser eso.

¿Explica eso el misterio del final, donde el

capitán de Andy García aparece durante 30
segundos y no dice nada?
Había un epílogo donde saltábamos 88 años y
veíamos a la nave arribar al planeta que iban a
colonizar, y para entonces, obviamente, Jim y
Aurora habían vivido su vida y habían muerto.
En el guion vemos al capitán y la tripulación
despertar y ver el árbol que Jim y Aurora
plantaron. Pero ese material no pasó el corte.

¿Qué versión prefieres?

No puedo elegir una. Siempre hay cierta magia
en el primer borrador. Creo que el acto de
redención de Jim y el que Aurora después le
salve la vida es maravilloso. Dicho eso, hay
algunas cosas fundamentales que estaban en la
página que de verdad extraño. Al final, la
La decisión de Jim de despertar a Aurora y sensación que me deja es la alegría de que la
no decírselo de inmediato fue muy criticada. película fuera realizada y con tanto trabajo
Lo que ocurre al final del guion, y quizá lo más involucrado. Creo que por ello perdurará.
extraño, es que Aurora sienta a Jim y le dice que
no hay excusa para lo que hizo. Sin embargo, está PASSENGERS YA ESTÁ DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y
cansada de estar enojada con él, y el hecho es que PARA DESCARGA.
lo extraña y lo ama. Es una escena adorable
porque elije perdonarlo en lugar de seguir
sintiendo rabia y resentimiento. Es una charla Nuestra humilde opinión:
realmente filosófica al final de la película que es EL Es sorprendentemente
cuando los ejecutivos de los estudios quieren
VEREDICTO DE tradicional y efectiva sin
fuegos artificiales, pero me encantó. lugar a dudas… Titanic
entre las estrellas, esta es
¿Crees que eso aplacó un tanto a algunos de PASSENGERS una conmovedora historia
sus críticos? de pérdida y amor para la
Tal vez. Pero para mí es exquisitamente obvio CLASIF. B generación de Gravity.
que la película sabe con exactitud lo malo que fue Extras notables: Varios
eso. Lo terrible que fue y las circunstancias casi featurettes y un par de
inimaginables de soledad por las que toma esa promos interesantes.

JUNIO 2017 131

 UN
CLAVADO
EN LO
HONDO
El director Kenneth Lonergan te
sumerge en la escena más
desgarradora de Manchester By
The Sea.
POR CHRIS HEWITT
LA ESCENA QUE Manchester by the Sea
construye a lo largo de unas dos horas dura
apenas dos minutos y medio. Y cuando termina,
buena suerte tratando de escuchar la siguiente
escena sobre la pista sonora de sollozos.
Es el encuentro casual entre el Lee de Casey
Aleck y su exesposa, Randi (Michelle Williams),
hacia el final del drama ganador del Óscar por el
guion original de Lonergan, un triunfo de la
actuación y la dramaturgia. Y es que Randi trata
desesperadamente de conectar con Lee, un
hombre consumido por la culpa de la muerte de
los tres hijos de la expareja en un incendio casero.
“Para mí es la escena que demuestra que no
hay manera de que se quede en ese pueblo”, dice
Lonergan, hablando con EMPIRE apenas un par
de semanas después de recoger su Oscar, “porque
lo que pasó entre él y su exesposa es demasiado
doloroso como para vivir con ello”.
El director escribió la escena “lográndola
bastante bien desde el principio. No creo que
pasara por muchas revisiones”. También fue así
132 JUNIO 2017
de fácil cuando llegó la hora de filmarla, a Arriba: La tensión aumenta
excepción de un pequeño inconveniente con la para Randi (Michelle Williams)
locación original (“Hicimos el reconocimiento en y su amiga Rachel (Danae
febrero, cuando había bancos de nieve de tres Nason) cuando se topan con
metros”), lo que obligó a un replanteamiento de Lee (Casey Affleck).
última hora. Aquí: Affleck en el set con
Lonergan y sus actores la consiguieron en Kenneth Lonergan.
unas cinco tomas. “Michelle no quería ensayar
mucho esa escena”, señala Lonergan. “Tenía
miedo de sacarla de su sistema prematuramente”.
De hecho, el director es muy modesto
respecto a su contribución a las interpretaciones.
“No tuve que dar muchas indicaciones”, explica.
“Recuerdo haberle dado una mala sugerencia a
Michelle, que fue que debía sentirse abrumada
antes. Y ella me respondió: ‘Bueno, una vez que lo
haga, no hay vuelta atrás, así que si quieres que la
escena haga llorar a moco tendido, ¡eso es lo que
tendrás!’. Y eso fue lo que obtuvimos, así que
terminamos usando las primeras tomas”.
Aquí publicamos el encuentro en formato de
guion, con las anotaciones de Lonergan.
 EXT. CALLE WATER
FRO NT. DÍA
Lee está caminando
hacia su auto. Se det
bebé recién nacido en iene un poco porque
ella. El bebé es casi inv ve a Randi empujando
amiga, Rachel. 40 seg isible dentro de su par una carriola hacia él
undos. ka invernal. Randi está con un
acompañada por su

RANDI
¡Lee...! Hola.

LEE
Hola.

RANDI
Eh... Rachel. Este es
Lee. Lee, Rachel.

LEE
Hola.

RACHEL
Hola.

RANDI (Re: el bebé)

Y este es Dylan. No pue
des verlo muy bien.

LEE
Hey, Dylan. Muy gua
po.

RACHEL
Randi, ¿quieres que
vaya por el auto y te
recoja?
RANDI
Oh, claro… LEE
Está bien. Tengo que
…
RANDI
Bueno, podría yo -- Yo
-- ¿podríamos hab lar un segundo?
LEE
Seguro.

RACHEL
Me pararé a la vuelta
-- Serán como dos min
utos.
RANDI
Oh, gracias.

RACHEL
Me dio gusto conoce
rte.

LEE
A mí también.

RACHEL
Ahora vuelvo.

Rachel se va apresurad
am ente y da vuelta en una
esquina.
RANDI
No tengo mucho qué
decir.

RANDI (Continúa)
Es sólo -- sé que has
estado por aquí -- LEE
Está bien. Sí, he esta
Y pensé -- nosotros nun do ayudando a Patrick
ca -- Sí, lo sé. Parece a que
está muy bien, conside que se instale.
rando. Quiero decir…
Creo que lo está… Sí…

Creo que quizá no sup RANDI

iste que me mantuve
en contact o con Joe --

1 Aquí, Lee conoce a Dylan, el

bebé que Randi acaba de tener
con su nuevo esposo, Josh (Liam
McNeill). Lonergan presenta a Dylan
como una señal de que Randi ha
seguido con su vida.
“Probablemente también estuvo
paralizada durante años, pero volvió
a casarse, salió, tiene otro hijo y
está activa mientras que él apenas
funciona. El hecho de que ella tenga
una relación nueva y saludable
signiica que no volverán a estar
juntos jamás. Eso lo hace más difícil
para él”.
2 La escena no empieza con dos
personajes. Al principio, Randi
está acompañada por su amiga
Rachel (Danae Nason), quien
rápidamente se despide y se va.
“Me habría gustado que fuera un
personaje más completo”, admite
Lonergan. “No sé qué hubiera
pasado si se topan estando solos.
Es como un obstáculo pero en el
buen sentido, y signiica que hay
una presión social para que se
comporten civilizadamente”.
4 Los diálogos superpuestos son
3 Antes de que Randi dé un
discurso que ha practicado
miles de veces, Williams hace una
pausa prolongada, lo cual no estaba
en el guion. “Le dije a Michelle que
ésta era una conversación muy
difícil”, dice Lonergan. “Me encanta
esa pausa larga porque ella casi se
desmorona antes de empezar”.
algo que Lonergan ha usado a
lo largo de su carrera y no sólo
como una manera tramposa de
cortar sus guiones. “Me fascina
hacerlo”, apunta. “En esta escena
hubo momentos donde creí que
había escrito demasiados diálogos
que se enciman. Es importante que
los actores sepan dónde están las
pausas porque si te las brincas no
contestas la oración correcta y todo
se desploma”.

JUNIO 2017 133


5 “Discutimos lo que había
pasado en esos cinco años
[entre la muerte de sus hijos y el
regreso de Lee a Manchester], así
que había un entendimiento mutuo”,
comparte Lonergan. Pero nunca
escribió las “cosas terribles” a las
que Randi se reiere aquí. “Asumí
que lo llamó asesino y lo culpó por
matar a los niños, pero mientras se
recuperaba suavizó su actitud al
respecto y sintió que se había
equivocado al decir esas cosas”.
6 “Ella lo ama”, indica Lonergan
de este momento en el que
Randi le expresa sus sentimientos a
un sorprendido Lee. “Una de las
cosas que amo de esta escena es
cuando Casey tiene esa reacción
terrible. Es lo peor que podría haber
escuchado. Ella se disculpa
inmediatamente pero no hay nada
que él todavía pueda hacer con el
amor de ella por él. Se acabó”.
7 Consternada, Randi trata de
llegar hasta Lee. “Es muy lindo
que ella quiera eso para él”, dice
Lonergan. “No quiere que se hunda.
Quiere que se recupere de alguna
manera”. Lee, claro, preferiría estar
en otra parte haciendo otra cosa.
“Está ansioso por zafarse de esa
conversación. Recuerdo decirle a
Casey que estaban tratando de no
lastimarse el uno al otro, lo cual él
no había comprendido inicialmente.
Creo que eso es mucho de lo que
hace a esta escena tan convincente
y cautivadora, el que estén tratando
muy duro de cuidarse el uno al otro
aunque no concuerden entre ellos”.
8 Lee, quien se mantiene muy
pasivo durante la escena, corta
con un diálogo que expone la
angustia que lo corroe. “Quiere
decir: ‘No queda nada de mí que
pueda ser redimido’”, sepulta
Lonergan. “Pero está consciente de
que no le está dando lo que ella
quiere y no le agrada eso”. El
lenguaje corporal de Affleck durante
la escena es un contraste con el de
Williams —él rara vez la mira—, y
aunque es claro que está tratando
de no venirse abajo, nunca cede.
“Estaba demasiado alterado para
desmoronarse”, revela Lonergan.
“Podría liberar algo menos grave,
pero creo que lo que está tratando
de mantener al margen es
demasiado grande para simples
lágrimas ordinarias”.
134 JUNIO 2017
RANDI (CONTINUACIÓN) LEE
Así que ha sido algo raro para mí no ver a Patrick No, ya lo sabía --
desde que falleció. -- Oh, ok. No lo sabía.
LEE (CONTINUACIÓN)
Bueno, puedes verlo. Yo no tengo --
RANDI
¿Podemos comer un día?
LEE
§<MZMÅMZM[IVW[W\ZW['§<ƒaaW'
RANDI
s.
Sí. Yo, eh… porque… te dije muchas cosas terrible
Pero -- Yo sé que tú nunca -- Quizá tú no quieras
hablar conmigo –
LEE
No es eso.
RANDI
Pero déjame terminar. Como haya -- mi corazón
estaba roto. Siempre estará roto. Sé que tu corazón
también está roto. Pero yo no tengo que cargar…
el
Dije cosas por las que debería -- Debería arder en
UITLQ\WQVÅMZVWXWZTWY]MLQRM-[[~TWY]MMZỈ̉
LEE
No, no…
RANDI LEE (CONTINUACIÓN)
Sólo lo siento. Te amo. Quizá no debería haber dicho No puedo --
eso. Y lo siento –
Puedes decirlo, pero -- No, es sólo -- Yo -- Yo no
puedo -- Me tengo que ir.
RANDI
¿No podríamos comer?
LEE
De verdad lo siento. No lo creo.
RANDI LEE (CONTINUACIÓN)
¡No puedes sólo morirte...! Gracias por decirlo -- ¡No lo estoy! Pero no puedo
-- Estoy feliz por ti. Y quiero… Me gustaría hablar
Pero cariño, te veo caminando así y sólo quiero contigo -- Pero no puedo, no puedo…
decirte -- Pero Lee, tienes que -- ¡No sé qué! No
quiero torturarte. ¡Sólo quiero decirte que estaba Lo estoy intentando -- No lo estás. Pero no tengo
equivocada! nada que -- Gracias por decir eso. Pero -- No hay
nada allí
¡Eso no es cierto! ¡No puede ser cierto...! … Tú no lo entiendes…
RANDI
¡Claro que sí!
LEE
Sé que lo entiendes… Pero tengo que irme -- Lo siento.
RANDI
Lo siento.
LEE (CONTINUACIÓN)
No hay nada que pueda de... -- Tengo que irme.
Se aleja. Randi se viene abajo.
9 Lee se aleja de Randi
abruptamente (Williams dice su
último diálogo tras su partida, una EL
Nuestra humilde opinión:
Contada con maestría y
VEREDICTO
de las pocas variaciones con el DE hermosamente actuada, es
guion). “Lee se siente aliviado por una devastadora pero
esta conversación”, concluye elegante elegía de pérdida
Lonergan, “pero es más de lo que MANCHESTER y dolor.
puede aguantar. No es BY THE SEA Extras notables:
necesariamente la mejor manera en Comentario de Lonergan,
la que pudo haberla manejado”. CERT. 15 escenas eliminadas, la
featurette llamada
MANCHESER BY THE SEA ESTÁ “Emotional Lives”.
DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.

UN FUTURO EN
BLANCO Y NEGRO
BACKSTAGE HOLLYWOOD
POR MARIO P. SZÉKELY
ILUSTRACIÓN ERIKA ARGUELLO
EN SU LIBRO YESTERMORROW, el
maestro de la ciencia ficción, Ray Bradbury,
inventa el título de su texto para unir las palabras
“yesterday” (“ayer”) y “tomorrow” (“mañana”), y
a través de una serie de ensayos nos inspira como
lectores a concebir la idea de que el pasado y el
futuro siempre se están abriendo y cerrando
frente a nosotros.
Con el lanzamiento del DVD y Blu-Ray de
Logan en su versión Noir (acompañando a la
versión original en paquete especial), el blanco y
negro le da al último filme de Hugh Jackman
como Wolverine la oportunidad de que su
antihéroe sobresalga en los claroscuros que
hicieron al cine negro memorable en los años 30.
Tal vez el desaparecido crítico ganador del
Pulitzer, Roger Ebert, tenía razón cuando decía
que el blanco y negro del cine se conectaba más
fácilmente con nosotros como espectadores,
pues así es como soñamos.
Bradbury y Ebert coincidirían en que la
oscuridad del cine convierte a la pantalla una
ventana hacia una experiencia donde ese pasado
en el que se filmó una historia se vuelve un
presente ante el espectador y luego queda como
memorias en su mente.
J.J. Abrams, creador de la teleserie Lost y
director de Star Wars: el despertar de la Fuerza,
asegura que cada vez más la gente preferirá
quedarse en casa y disfrutar de su sistema de
sonido y pantalla digital, obligando a que los
estudios cobren por un streaming premium para
ver la cinta a la par que en las salas de cine.
El pasado sigue haciendo mella en la
franquicia de Star Wars y su aniversario número
40, celebrado el 25 de mayo, llevó a Lucasfilm a
celebrar la vida de la recién partida Carrie
Fisher, explorando su mítico personaje en una
novela para jóvenes (estilo Juegos del hambre y
Divergente) bajo el título Leia, princesa de
Alderaan. La líder rebelde también es parte de la
serie de cómics Force of Destiny con una historia
La muy querida y por
todos extrañada
princesa Leia de
Alderaan, senadora
del Consejo Galáctico
y líder de la
resistencia rebelde.
nueva, misma que se alterna con las de otras
heroínas como la reina Amidala, Ray, Jyn Erso y
Ahsoka Tano.
Leia y Fisher tienen aún un camino largo a
seguir, al continuar la polémica sobre si es ético
traerla de vuelta para el Episodio IX (2019)
usando la tecnología digital. Al parecer Lucasfilm
ha negado que esto suceda, pero por lo pronto ya
se habla en Hollywood de que los abogados de las
celebridades de hoy muy posiblemente tendrán
que poner en su contrato hasta dónde sus
clientes autorizan el uso de su imagen después
de partir al otro mundo.
Rumbo a julio seguimos a la expectativa por
la convención de Disney, D23, para conocer más
sobre la nueva cinta de Han Solo que está en
producción rumbo al 2018. Con suerte veremos
nuevos avances de Star Wars: Episodio VIII
(2017) y, si no, dentro de la misma Comic Con en
San Diego.
Tras el enorme éxito de Guardianes de la
Galaxia: Vol. 2, el personaje a coleccionar es
Baby Groot en todas sus manifestaciones. Los
fans no tenemos llenadera y ahí estaremos para
cazar más juguetes, películas y cualquier cosa
que nos haga celebrar nuestra pasión con un
toque de nostalgia al ritmo de Electric Light
Orchestra y su “Mr. Blue Sky”, que bien hace
mover la cadera del retoño Groot.
JUNIO 2017 135
 Sí: adivinaste. Es la
mismísima Scarlett
Johanson la que da
vida a un puercoespín
que lleva nombre de
queja: “Ash”.

EL OLVIDADO
problema o preocupación humana desde una
perspectiva “fuera de la caja” y tomar un valor
como bandera para abordarlo tan sutil o burdo
como lo requieran los dueños de la cinta.
precisamente, enarbolar un valor (la
cooperación), desde un ángulo (no ceder ante los
problemas) para conectar (con un público muy
diverso).

VALOR DE
Valor + ángulo + conexión. Al menos percibo
estos tres elementos como la apuesta de quien
busca decir algo bajo el lenguaje de la animación.
Por eso cabe cuestionar si la animación es un
La tensión entre el riesgo y la esperanza
puede ser un tanto predecible en una película
que pareciera que va dirigida al público infantil,
pero en la simplicidad encuentra su valor. Si en

CANTAR
Hay películas que simplemente
te ponen muy de buenas.
POR EDUARDO NAVARRETE
PIENSOQUE UNA PELÍCULA
ANIMADA debe de contar con un guion que
justifique la animación y encuentre en ésta, el
vehículo idóneo para revolcar al espectador a
una historia que lo seduzca por una hora y media.
Tres ingredientes conforman una peli de
animación: conectar con todo tipo de público
(tarea de lo más retadora, si vemos lo
fragmentada que está la audiencia en gustos, por
no hablar de posturas políticas); mostrar un
género. Las películas animadas son como las Toy Story se apuesta por la amistad y la
buenas comedias: deben mantenerse por encima impermanencia, en el Rey León por el sentido de
del material superficial para aligerar el alma con responsabilidad en la familia y en Shrek por valor
una sonrisa, pero con un mensaje contundente de la introspección, Sing encuentra en la unión
como bandera memorable. Visto así, la familiar (Rosita y Johnny), la autovaloración
animación es sólo el medio y no un género. (Ash) y autoestima (Meena). Todo, cantando.
El nivel de abstracción, entonces, abraza las
infinitas posibilidades técnicas para tocar SING ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY
emocionalmente al público y, de la misma
manera que las cintas no animadas, apuesta por
el involucramiento de un espectador frente a una Nuestra humilde opinión
pantalla que no sólo refleja imágenes, sino el EL Aunque pareciera que vas a
VEREDICTO
estado de quien la ve. DE ser sometido a una rockola
Una cinta que llama la atención por voltear a por dos horas, la primera
ver la fiebre de los concursos musicales y cinta animada de Gareth
abordarlos de una forma curiosa e irreverente es SING: VEN Y Jenning tiene suiciente brío
Sing, una animación que sitúa a un koala CANTA y carisma para hacerte el
excedido en optimismo en la misión de salvar su día. Tal vez te agarre
viejo teatro. Con una pléyade de actores y desprevenido lo divertido y
actrices en las voces (Matthew McConaughey, redondo que resulta este
Seth Mac Farlane, Reese Witherspoon y Scarlett musical animado.
Johansson, entre otros), la premisa es

136 JUNIO 2017

 HISTORIA
UN PERRO ANDALUZ te abre los ojos,
literal. La escena que “abre” el corto mudo de 17
minutos fue soñada cuando Luis Buñuel se quedó
en casa de Salvador Dalí. Buñuel pasaba allí sus

DE UNA
vacaciones y mientras cenaban en un restaurante
—como los surrealistas putativos no hacen—,
relató un sueño en el que una nube rebanaba la
luna a la mitad “como una navaja de afeitar a un
ojo”.

TOMA
Dalí, quien no quería ser superado, aseguró
que él había tenido un sueño donde unas
hormigas se comían su mano. El artista español le
sugirió entonces al director español que
realizaran un filme uniendo tantas imágenes
inconexas como se les pudieran ocurrir, ya que la
continuidad es un fetiche burgués.
“Ninguna idea o imagen que pueda prestarse
a una explicación racional de cualquier tipo será UN PERRO ANDALUZ
aceptada”, fue su línea oficial. Durante siete días
se sentaron lanzándose imágenes surrealistas el
uno al otro hasta que tuvieron un guion que
(UN CHIEN ANDALOU)
Buñuel dirigiría, respaldado por un préstamo de POR IAN NATHAN
su madre. Realizada en sólo diez días en 1928, Un
perro andaluz desafió cualquier explicación
racional. “Teníamos que abrirle las puertas a lo
irracional”, declaró Buñuel en su autobiografía,
Mi último suspiro, publicada en 1983, el año en
que murió.
El perro de Buñuel ha perdido los dientes a lo
largo de los años. Este conjunto alocado de
imágenes ha sido diluido por miles de videos pop,
pero la legendaria rebanada de ojo todavía tiene
la capacidad “de interrumpir la ansiedad mental
del espectador”, como lo dijo Dalí. Hay algo
profunda y visceralmente aterrador al exponer
nuestros propios globos oculares a esta escena.
Es el mismo Buñuel, fumando uno tras otro,
quien rebana, afilando una navaja antes de
asomarse por el balcón para ver un velo de nube
atravesando la luna. Corte al close up del rostro
de una mujer (la actriz francesa Simone Mareuil,
quien se suicidó en una inmolación pública
muchos años después), su párpado mantenido
abierto mientras Buñuel acerca la navaja y
nuestro cerebro une los puntos. De regreso a la
luna antes de que un rápido y extremo close up
muestre la navaja rebanando el ojo como si fuera
un huevo duro del que sale un líquido traslúcido.
Buñuel insistió en que el punto era que no
había punto —¿o es significativo que tanto Buñuel
como Dalí tuvieran ojos grandes y saltones?— y
algunos han tomado la escena que “abre” el filme
como una advertencia a no verlo de una manera
convencional: a rebanar, por así decirlo, tus
propias percepciones. El director Jean Vigo
aseguró que es un filme “que hay que ver con un
ojo diferente” pero sin perder jamás nuestro
sentido del humor. Entre más afilado, mejor.

UN PERRO ANDALUZ ESTÁ DISPONIBLE EN DVD.

138 JUNIO 2017

JUNIO 2017 139
 ALERTA:
SPOILER
#GOSLINGENELAMOR
Ser guapo no asegura un roman-
ce exitoso. Pregúntale a Ryan
Gosling, quien no la armó ni con
las canciones que le dedicó a
Emma Stone, en La la land.
POR ANAID RAMÍREZ
TENER UN ROSTRO BIEN HABIDO y
unos abs que hagan dudar al photoshop —en
palabras de la Hannah de Emma Stone, en Loco y
estúpido amor— no son suficientes para que Ryan
Gosling tenga suerte en el amor, al menos no con
los personajes que ha interpretado en la pantalla.
LA LA LAND
(DAMIEN CHAZELLE, 2016)
Ryan Gosling, a fin encarnar a Sebastian
íntegramente, aprendió a tocar el piano, ensayó
sus mejores vueltas y pasos de tap y también le
sacó las recetas a la abuela para preparar cenas
románticas. Pero no, nada de esto fue suficiente
para mantener a Emma Stone, Mia, a su lado, en
la mejor película de los Oscar pasados (bueno, así
fue por 2 minutos).
140 JUNIO 2017
Esta pareja optó por tomar su propio rumbo
y seguir sus respectivos sueños. La decisión los
hizo vivir felices, pero no juntos y tampoco para
siempre. Y es que en cuanto ambos se
reencuentran años después de su amorío, es
inevitable que se —y te— conmuevan al
imaginarse un “lo que hubiera pasado”. En una
escena que se entrega a modo de final
alternativo, pasa lo que muchos nos hemos
preguntado: ¿Y si me hubiera quedado con X?
EL LUGAR DONDE TODO TERMINA
(DEREK CIANFRANCE, 2012)
Con tres largometrajes filmados —hasta ese
momento— y dos de ellos protagonizados por
Gosling, Cianfrance demostró en 2012 que tenía
un actor predilecto, pese a que lo destina a
trágicas historias familiares. Sí, sí. Aquí el
romance no es el tema central, pero no podemos
ignorar la mala suerte en el amor que tuvo Luke
(Gosling) con Romina (Eva Mendes, la pareja del
actor en la realidad).
En el primer episodio del filme conoces a
Luke, un motociclista conformista que se gana la
vida en un circo, y que al llegar nuevamente a
una ciudad, se topa con la chica con la que tuvo
un amorío en su anterior visita . Ella le explica
Ryan Gosling y Emma
Stone dándole la
espalda al amor.
que tiene un hijo y él es el padre. Aunque quiere
asumir la paternidad, llega tarde para ello.
DRIVE
(NICOLAS WINDING REFN, 2011)
Al actor canadiense no le bastó ponerse en riesgo
haciéndola de stuntman en Hollywood, cuando
rodó Driver. Además se convirtió en chofer de
unos delincuentes para ganar un dinerito extra.
El peor error que cometió este antihéroe fue
fijarse en su vecina, Irene (Carey Mulligan),
quien está casada con un recién salido de prisión,
Standard (Oscar Isaac).
Esta vez, el intento de coquetería de Gosling
está bañado de sangre, arrancones y tiroteos,
pero también de una épica escena en la que
aplica “la maniobra”, al estilo que amerita el
personaje: Irene y él entran al elevador y sube un
tipo armado que podría ser enemigo de Standard,
por lo que Driver, para eliminar toda sospecha de
que la mujer es esposa del exconvicto, la besa.
TRISTE SAN VALENTÍN
(DEREK CIANFRANCE, 2010)
Este es uno de los romances más decadentes en
la filmografía de Ryan Gosling, si no es que el
peor, y lo hace a través de Dean. Esto sucede

cuando está por explotar la olla express de su
matrimonio con Cindy (Michelle Williams,
cuyos romances cinematográficos tampoco son
precisamente exitosos). La crisis invita a hacer
una retrospectiva hacia el inicio de esta relación
que, si bien tuvo momentos tiernos, nunca fue
“miel sobre hojuelas”.
Las serenatas con ukulele, los abrazos
cálidos y los románticos besos en la mano
quedan atrás fácilmente para este par de (des)
enamorados. La rola que interpreta Gosling para
la película lo resume todo: “siempre lastimas a
quien amas (...), siempre tomas la rosa más bella
y la aprietas hasta que los pétalos caen”.
LARS AND THE REAL GIRL
(CRAIG GILLESPIE, 2007)
Si piensas que Cupido ha tenido mal tino contigo,
espera a ver la suerte de Gosling en esta cinta.
Lars es un chico tan tímido que le cuesta
relacionarse con las mujeres, pero Internet —en
esos tiempos no había Tinder— le ayuda a
encontrarse con la chica de sus sueños, Bianca,
una bellísima... ¡muñeca de su estatura!
No seas malpensado, Lars no ocupará a su
novia para otros fines, más que para llenarla de
dulzura, por lo que Lars está dispuesto a
defender su amor ante una horda de psicólogos.
LA LA LAND ESTÁ DISPONIBLE EN DVD Y BLU-RAY.
Nuestra humilde opinión:
EL Audaz, retro, divertida y
VEREDICTO sincera, La la land es el
DE musical mejor logrado de
nuestros tiempos, incluso lo
disfrutarán quienes no sean
LA LA LAND fans del género. Ttrazará
una sonrisa en ti, pese a
mostrarte un par de rostros
miserables.
Extras notables: 84
minutos de material extra.
FERNANDO RIVERA
CALDERÓN
LA GARGANTA MECÁNICA
Cine en braille
Hay una larga lista de películas lo más complicado de su trabajo era
que retratan la ceguera. Algunas hablarle de los colores a personas
angustiantes, como Los ojos de Julia, que nacieron sin ver y nunca los han
de Guillem Morales; otras terribles, visto. ¿Cómo explicarles el sentido
como Bailando en la oscuridad, de emocional de los colores en la trilogía
Lars von Trier; o Ray; clásicas como de Kieslowski o el manejo narrativo
Perfume de mujer, mal del color en El cocinero, el
adaptadas como Blindness ladrón, su esposa y su
MI
(basada en Ensayo sobre la amante, de Greenaway?
RECOMENDACIÓN
ceguera, de Saramago) y En su libro Con
Once Upon a Time in
descaradamente frívolas, Borges, el escritor
the West (Leone,
como Daredevil, con Ben Alberto Manguel narra
1968), Disfruta el
Afleck. Hemos visto a cómo en su juventud
mejor western de la
ciegos entrañables, como acompañaba a Borges
historia. Así de
ese viejo que da posada y al cine. Una de las
sencillo.
trata con misericordia al películas favoritas del
monstruo de Frankenstein o la sabio escritor argentino era el
lorista a la que Charlot corteja musical West Side Story. Manguel
haciéndose pasar por millonario en recuerda: “Es más fácil ver con
Luces de la ciudad. Borges una película que él ya vio
Habría que decir, sin embargo, porque hay menos por describir. Él
que para lo mucho que ha abrevado el asegura que puede ver lo que ocurre
cine en historias relacionadas con la en la pantalla… hace una serie de
ceguera, el cine no ha sido justo con comentarios sobre el tono épico de la
aquellas personas invidentes que rivalidad entre las pandillas, sobre el
acuden a las salas. Las que se papel de las mujeres o acerca del uso
confunden en la oscuridad y parece del color rojo para describir Nueva
que miran la película igual que todos, York en invierno. Después, mientras lo
aunque en vez de mirar realmente acompaño de vuelta a su casa, habla
imaginan la historia que escuchan, de las ciudades que son ellas mismas
casi como cuando se lee un libro. personajes literarios: Troya, Cartago,
El campeón paralímpico de Londres, Berlín...”.
natación, Enhamed Enhamed, cuenta Para ver no es suiciente abrir los
que de niño se dio cuenta que sus ojos: a veces estamos viendo y no
compañeros del colegio lo evadían vemos. Que los ciegos disfruten las
para ir al cine. Él les pidió que por cintas nos recuerda lo profundo y
favor lo invitaran, que a él le gustaba complejo del lenguaje
ir a las películas y que podía seguirlas cinematográico. Quizás el concepto
perfectamente aunque no pudiera de “ver películas” está elevando la
verlas. Su alegato no sirvió de nada: visión por encima de los demás
sus amigos siguieron sin invitarlo. sentidos. Cuando vamos a ver una
En algunos países como Cuba y película acudimos a sentir, escuchar,
Colombia hay funciones especiales tocar y oler el cine (aunque no tenga
para ellos con “narradores” que les el “Odorama” de John Waters). Hay
cuentan la película en las partes también quienes van al cine
donde no hay diálogos para facilitar y exclusivamente a comer, pero muchos
enriquecer la comprensión del vamos a devorar películas, a dialogar
público. Oicio extraño con algunas con ellas, a pelearnos... a hacerles el
diicultades interesantes: leí hace amor. Sabemos a la perfección que
poco una entrevista con una los ilmes no sólo se ven: al cine se va
narradora de películas que decía que a vivir el cine.
JUNIO 2017 141
 ECOS DE TRIBECA
FILM FESTIVAL 2017
El festival propiedad de Bobby
De NIro trae vitalidad a la gran
manzana y nostalgia para la
industria cinematográfica.
POR ALEJANDRA MUSI
DESDE SU CREACIÓN en 2002 por
Robert De Niro para reactivar el downtown
neoyorquino tras los atentados del 11 de
septiembre, Tribeca ha ido creciendo para llegar
a su clímax este 2017 con un festival lleno de
estrellas y películas de alto nivel. Los mejores
momentos a continuación:
Coppola y su cast recordando
las dificultades de filmar El
Padrino
Sólo Robert De Niro podía ser capaz de reunir a
142 JUNIO 2017
todos sus colegas para celebrar el 45 aniversario
de El Padrino, una de las películas más
influyentes y grandiosas de Hollywood ¿El
marco? El Festival de De Niro: TribcCa ¿El
lugar? Radio City Hall.
En una noche épica, los fans de El Padrino I y
II pudieron ver ambos filmes restaurados para
después escuchar a su director, Francis Ford
Coppola, y a los actores Al Pacino, Robert Duvall,
Diane Keaton, Talia Shire y James Caan hablar
de la dificultad que fue rodar un filme como éste
¿Lo mejor del encuentro? Cuando Coppola contó
lo complicado que fue convencer al estudio que
lo dejaran contratar a Al Pacino y Marlon
Brando: “Al tuvo que hacer más de seis pruebas
porque los productores querían que contratara a
otro actor y yo tenía que convencerlos de que
Pacino era el indicado, así que un día que lo llamé
para pedirle que viniera de nuevo su novia le
arrebató el teléfono y me gritó: ‘¿Qué demonios
estás haciendo con él?’ Le prometí que sería la
última prueba”, dijo entre risas.
“Brando fue otro dolor de cabeza, pues
tampoco me dejaban contratarlo. De hecho me
llegaron a prohibir mencionar su nombre hasta
que un día me desmayé en una junta y caí en el
piso. Después de ese momento les dije: ‘Si ni
siquiera puedo mencionar al actor que quiero,
¿qué se supone que estoy haciendo aquí?’ ‘Ok’,
me dijeron, ‘si Marlon acepta hacer una prueba
sin compromiso alguno y poner una cláusula de
un millón de dólares prometiendo que no va a
causar problemas durante la producción, puedes
tenerlo’. Acepté el trato”.
Tarantino y el desastre del
estreno de Reservoir Dogs
Reunido con Harvey Keitel, Steve Buscemi,
Michael Madsen y Tim Roth, Tarantino recordó
la primera proyección de Reservoir Dogs hace 25

años: “Fue un desastre, un fiasco. Todo lo que
podía ir mal, fue mal. Creo que la anécdota es
bastante famosa”, comentó el director a lo que
Steve Buscemi replicó: “Tú no querías que fuera
al estreno. Decías que daría mala suerte”. “¿Ves?
¡Es tu culpa!”, respondió Quentin gritando y
provocando las carcajadas en el público.
Tom Hanks como fan del jefe,
Bruce Springsteen
Hanks condujo una plática acerca de la
influencia de la música de Springsteen en las
películas. “Si quieres un gran momento en una
cinta, sal por la puerta y asegúrate de que te
pongan una canción de Bruce Springsteen”,
apuntó el oscarizado actor, que tiene gran
complicidad con Bruce. Acerca de cómo empezó
su carrera, Springsteen recordó: “No teníamos ni
idea de cómo hacer discos, sólo íbamos al estudio
y hacíamos ruidos hasta que sonaban bien.
Cuando terminábamos nunca sabíamos cómo
volverlos a hacer. Pero lo bueno es que sólo lo
tienes que lograr una vez”, dijo entre risas.
También confesó lo feliz que lo hizo recibir un
pago de cinco dólares la primera vez que tocó en
un club: “¡Dios mío!, alguien me pagó cinco
dólares”, pensé. “Ese fue el mejor dinero que he
ganado en mi vida”.
Barbra Streisand contándole
su vida a Robert Rodríguez
“Crecí en una gran familia hispana de 10 hijos en
San Antonio, Texas, y en nuestra casa
simplemente no había estrella más grande que
Barbra Streisand”, le dijo a Barbra el director.
Ella también recordó su infancia y el por qué su
deseo de empezar a actuar desde muy joven:
“Quería escapar de mi realidad, no era una niña
feliz. Por eso iba mucho al cine, sobre todo los
sábados en la tarde. Amaba el mundo que se
creaba, los colores... Recuerdo que era la niña de
la cuadra a la que identificaban como la niña sin
papá pero con buena voz”. Acerca del éxito en su
vida, Streisand aseguró: “Realmente creo en el
poder de la voluntad y triunfar fue un deseo que
siempre tuve. Tú puedes transformar tu
realidad”. ¿Y de las críticas? “Sólo recuerdo las
malas, olvido las buenas”.
Paris Can Wait,
Reservoir Dogs y
Barbra Streisand,
todos unidos por
lafascinante lógica de
este festival.
5 PELÍCULAS QUE NO
DEBES PERDERTE
Este año el festival proyectó
97 largometrajes, 57 cortos
y 30 proyectos de 41países.
THE RESILIENT HEART. Un documental dirigido
por Susan Froemke acerca del cardiólogo
Valentín Fuster, Director Médico del Hospital
Mount Sinaí en Nueva York. Lo más valioso del
ilme es que te acerca al personaje con
humanidad y te ayuda a entender de una
manera intensa, su pasión.
KEEP THE CHANGE. Premio a Mejor historia
estadounidense. Dirigida por Rachel Israel,
esta cinta es una comedia romántica acerca
de personas aprendiendo a navegar con sus
propias diicultades.
SON OF SOFIA. Premio a Mejor historia
internacional. Un drama de la directora griega
Elina Psikou que habla de un niño que, al morir
su padre, tiene que cambiar de vida por
completo.
PARIS CAN WAIT. Una sencilla y bella historia
dirigida y escrita por Eleanor Coppola (sí, la
mujer de Francis Ford Coppola) con tintes
autobiográicos interpretada por Diane Lane,
Alec Baldwin y Arnaud Viard.
BOBBI JENE. Dirigido por Elvira Lind, la belleza
de este documental reside en la conexión de
dos artistas: la protagonista del ilme y su
directora, quien empuja, provoca y acompaña
a Bobbi para mostrar su lado más humano,
creativo y enseñarnos cómo es que esta
brillante mujer encontró su voz.
JUNIO 2017 143
 Los Goodfellas
repartiéndose el botín
en un día de
mercado.
SCORSESE: CULPA,
TRASTORNO Y CONFESIÓN
POR SUSANA MOSCATEL
ILUSTRACIÓN ERIKA ARGUELLO
A PESAR DEL FRACASO
(INEXPLICABLE) de la serie Vinyl de HBO,
Scorsese no se rinde en sus experimentos y acaba
de dar el brinco a Netflix. Tiene toda la razón.
Los esquemas tradicionales ya nunca pagarían
los reportados 105 millones de dólares por El
irlandés con Al Pacino, Joe Pesci, Harvey Keitel
y, por supuesto, Robert De Niro (en su novena
colaboración juntos). La varás en 2019,
seguramente unos días en corrida comercial en
el cine, para que pueda competir por el Óscar, y
luego sobre la plataforma de streaming.
Con esto en mente, no porque Scorsese
requiera de pretexto, nos pareció oportuno hacer
un muy breve recuento de algunos de los ángulos
(positivos y otros no tanto) de su trayectoria.
144 JUNIO 2017
LA CULPA - El hombre iba a ser cura, ¡por el
amor de Dios! En lugar de eso acabó haciendo La
última tentación de Cristo y Buenos muchachos.
Resulta necesario entender la manera en la que
muchos de sus personajes acaban, a través de sus
acciones, expresando las preguntas que Martin
Scorsese seguramente dejó junto con su vida
dedicada a la iglesia. La culpa católica
neoyorkina a veces es el tormento de sus
personajes, a veces es su castigo final y, en
ocasiones, su motivación, pero está presente en
gran parte de su obra.
EL MACHISMO – Una de las grandes
virtudes de los personajes de Scorsese tiene que
ver también con la testosterona desbordada. Y
eso provoca una de las más grandes confusiones
respecto a su trabajo. Muchos hombres piensan
que las cintas están hechas sólo para ellos y que
nosotras no podríamos entenderlas jamás. No
hay palabras suficientes para decirles cuánto se
equivocan.
Nunca olvidaré la impresión que me provocó
cuando el personaje de Lorraine Bracco
descubre que ama al de Ray Liotta en Goodfellas.
Es exactamente cuando se da cuenta de que su
hombre es un violento animal que le pide que
esconda su arma. Scorsese logró que me
preguntara a mi misma: “¿Y tú qué hubieras
hecho?”, y salido aterrada porque en el fondo de
mi corazón sabía que la respuesta sería “lo
mismo que ella”. Martin no retrata quiénes
deberíamos ser: nos muestra cosas de nosotros
mismos que jamás quisiéramos admitir. Ese día
recuerdo haberlo odiado. Y luego se lo agradecí
para siempre. Información es poder.
EL TORMENTO - El rostro de un
deprimido y enamorado Nick Nolte me llevó a
una revelación cuando era muy joven y unos
amigos me llevaron a ver New York Stories. El
pintor interpretado por Nolte profesaba una
extrema pasión por su asistente, Rosana
Arquette, lo que fue como una gran presentación
oficial a esa bonita compañera de vida llamada
obsesión. Ella suele ser tema recurrente en
muchas de nuestras vidas, aunque no la llevemos
al arte y a nuestra propia destrucción. Claro, más
adelante me echaría un clavado por El rey de la
comedia y Taxi Driver y entendería más, mucho
más al respecto... pero disculpen, la expresión de
Lionel Dobie (Nolte) en Life Lessons, el corto de
Scorsese desarrollado para Stories, se quedó
grabado en mi mente mucho más tiempo que la
famosa imagen de su arresto. No puedo dejar de
pensar que ese personaje nos trastornó a todos
los que lo vimos un poco y lo hizo para siempre.

susana’s
picks
MIS TRES DE SCORSESE:
TAXI DRIVER –
Robert De Niro como sociópata sobre ruedas.
Encarnando el dolor del rechazo, volviéndose un
poco más aterrador a cada momento porque ese
paseo no tiene taxímetro que apagar nunca.
RAGING BULL –
Nuevamente De Niro aterrándonos al hacernos
saber que todo el éxito del mundo jamás será
suiciente para estar satisfechos. El día que
descubres eso tienes que replantear tu vía entera.
Toro salvaje logra justo eso.
LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO –
Cuando provocas terror al cuestionamiento de
cualquier cosa, algo estas haciendo bien. Cierto,
una visión muy diferente a la de los textos
religiosos, pero quien realmente se ijó antes de
persignarse, se dará cuenta que esta cinta es
mucho más un tributo a la capacidad del
arrepentimiento a través de una brillante
confrontación al dogma.
BATI-
FÓRMULA
Ya no hay que buscar más: ha
quedado claro que la versión
definitiva del vigilante de
Ciudad Gótica no la encontró
Nolan, Schumacher ni Burton...
y mucho menos Snyder, sino
McKay y su Lego Batman.
POR JESÚS CHAVARRÍA
ÉL ES TODOS LOS BATMANS
Este Batman por momentos muestra el
semblante malhumorado de la versión de
Christian Bale, la entrañable ñoñez que tenía la
de Adam West, la arrogancia de la que
interpretó Val Kilmer, el semblante paternal
que lucía la de George Clooney y hasta el gesto
compungido que tiene la actual de Ben Aleck.
UNA NUEVA PERO VIEJA AVENTURA
Lego Batman: La película está llena de
divertidas referencias que deleitan a los fans,
como menciones de frases célebres. También
se pueden ver algunos objetos, vehículos,
lugares y personajes que han aparecido en las
distintas producciones protagonizadas por el
Hombre Murciélago, incluso pequeños
segmentos de las mismas, todos
reinterpretados con el característico estilo
visual Lego.
NA-NA, NA-NA, NA-NA,
BATMAAAAAAAAAAAAN
En varias ocasiones se hace presente el célebre
score original de las películas de Tim Burton,
mismo que se usó en la serie animada de los 90.
Además, de una muy particular manera, suena,
tanto el tema del show de TV del 69 como la
banda sonora compuesta por John Williams
para la saga fílmica de Superman.
NO TODO ES RISA
Lo mejor es que la película, planteada como
una sátira, se sustenta en un discurso sobre las
personas que, debido a su dificultad para
expresar sus sentimientos, terminan por
refugiarse y aparentemente disfrutar su
soledad. Una reflexión sencilla que encaja a la
perfección con la personalidad fragmentada
del protagonista y le da un muy disfrutable
trasfondo a esta broma en bloques dirigida por
Chris McKay, quien demuestra que entiende
mejor al Hombre Murciélago en comparación
con Zack Snyder y su Batman v Superman: el
origen de la justicia.
EL BATI-EXTRA
Por si lo anterior fuera poco, la burla no sólo se
centra en DC Comics: también alcanza a la
cultura pop en general y al mismísimo
Universo Marvel. Dicho lo anterior, queda claro
que Lego Batman: La película es una
irresistible, absurda e hilarante invitación a
pasarla bien.
LEGO BATMAN: LA PELÍCULA ESTARÁ DISPONIBLE EN
DVD, BLU-RAY Y COPIA DIGITAL A PARTIR DEL 23 DE
JUNIO.
Nuestra humilde opinión
EL
VEREDICTO Un regalo visual envuelto
DE con bromas. Es lo
suicientemente entretenida
y funciona tanto para fans
LEGO BATMAN: como para detractores.
LA PELÍCULA
Extras notables El DVD
incluye escenas eliminadas
y algunos cortometrajes.
JUNIO 2017 145
 LA PRIMERA
ESCENA
POR CÉSAR HERNÁNDEZ
En EMPIRE recordamos esa
primera escena de una película
que simplemente nos cautivó.
SCOTT PILGRIM VS THE WORLD,
2010, EDGAR WRIGHT
146 JUNIO 2017
DESDE SIEMPRE LAS ADAPTACIONES de
cómics a cintas han estado cargadas de
expectativas que, al menos en un principio, sólo
conducían a la decepción. Edgar Wright había
hecho su transición hacía el siglo XXI con la serie
Spaced y en 2004, antes de la prostitución de los
zombies, nos volvió locos con Shaun of the Dead,
la primera película de la ahora famosa trilogía
Cornetto. En 2007 la segunda entrega de dicha
trilogía, Hot Fuzz, fue una clara muestra de que
sus homenajes de género lo llevarían muy, pero
muy lejos.
Aún así, adaptar Scott Pilgrim, una preciosa
novelita gráfica canadiense creada por Bryan Lee
O’Malley, parecía complejo por lo frágiles que
resultan ser estas transiciones, principalmente
de novelas gráficas que dependen tanto de su
formato. Ya habíamos visto que Zack Snyder
logró llevar la imponente gráfica de 300, de
Frank Miller, que representaba un hito en el
mundo de la novela gráfica por sus viñetas
impresionistas e incluso por su novedoso
formato, único en la época.
Scott Pilgrim era un cómic, además, que
vendía tres atmósferas en la realidad de sus
páginas: la primera era que no debía caber la
menor duda de que el planeta Toronto era el
escenario de la “precious little life” de este nini
canadiense; la segunda es que la cotidianidad de
Scott es llevada como parte de un videojuego con
sus reglas y señaléctica, con todo y barra para la
chis y monedas que ganas con cada pelea. La
tercera atmósfera fue una que la peli ensalzó de
manera alucinante, y es la música. Edgar Wright
jugó a la segura y trajo a Nigel Godrich, eterno
productor de Radiohead y que presentó la nueva
etapa de Beck subiendo su nivel musical.
Esa era la expectativa cuando me senté en el
cine con mi ejemplar de Scott Pilgrim’s Precious
Life, número de la saga.
Desde que aparece el logotipo de Universal
en 8 bits, con la fanfarria en el mismo formato,
sabes que ya nada será igual. El mensaje casi en
papel Kraft barato como el cómic te ubica en el
universo de Pilgrim: “Hace no tanto tiempo, en la
tierra misteriosa de Toronto, Canadá…”.
La cinta empieza ubicando el conflicto y los
personajes de forma idéntica al material
impreso, como si Wright quisiera tranquilizarte
presentando con eficiencia y talento su
propuesta, que sigue con las fichas de cada
personaje con todo y su ranking, e
introduciéndonos al momento en donde el
protagonista está saliendo con una adolescente
asiática.
Ahí es donde nuestro estado emocional pasa
de conocer a la adorable Knives Chau, a través de
quien nos introducimos de cabeza en la música
increíble que volverá a esta experiencia
apoteósica, única e inolvidable: por primera vez
escuchamos a la banda de Scott: Sex Bob-Omb
con sus rockerísimos y asquerosos acordes del
garage de la mejor arquitectura. Ahí es donde
sabrás que ese mundo soso de Toronto, Canadá,
es el sitio en el que te vas a enamorar de Ramona
Flowers de inmediato y para siempre.
La cámara se aleja de la banda y ves cómo la
música te mueve y se te mojan los calzoncitos
como a Knives Chau, quien no alcanza a
entender la estratosférica impudicia de lo que
está escuchando.
Esa secuencia de títulos nos acaba de
tranquilizar sabiendo que una vez más el
homenaje de Wright a un género complejo,
hermoso y específico fue, hasta el sol de hoy, uno
de los más exactamente adaptados y en los que el
discurso se elevó a un nivel que ya no hay ni con
qué cara discutir qué fue mejor: la película o el
cómic.
Shit, I’m very in lesbians with this one.
JUNIO 2017 147
 LAS DIEZ
OBLIGADAS
DEL VERANO
Listas muy listas. Nuestro crítico
te presenta su top 10 mensual
de temas muy específicos.
POR ÓSCAR URIEL
HE AQUÍ CINTAS QUE TE
PERMITEN HUIR de la descarnada
realidad por sólo dos horas, con el sencillo
propósito de distraerte en una dimensión
completamente distinta a la cotidiana, una
existencia colmada de emociones y, si corres con
un poco de fortuna, en una galaxia muy, muy
lejana.
Con seguridad la película de verano
definitiva de mi generación es Volver al Futuro
(1985). Simplemente no existe mejor ejemplo de
filme veraniego. Un viaje a través del tiempo, un
sofisticado DeLorean, aventura, comedia,
romance y un carismático protagonista de moda
representado en la imagen de Michael J. Fox.
148 JUNIO 2017
Tuve la oportunidad de ver la película en... ¡un
autocinema (la epítome del verano) en Los
Ángeles!, mientras visitaba a los primos de EU.
Digamos que se trató de la tradicional
experiencia cinematográfica que cambió la vida
de un adolescente cinéfilo. Por supuesto que las
producciones del período de la canícula han
evolucionado con el paso de las décadas. Ahora
las cintas suelen ser más sofisticadas
respondiendo a las exigencias y preferencias de
la audiencia de hoy, sin embargo, al inaugurar un
verano más, en EMPIRE nos hemos dado a la
tarea de listar lo que consideramos, las diez
cintas fundamentales clásicas de verano que
puedes ver durante prácticamente todo el año.
1. TIBURÓN (1975)
Se dice que es la madre de todas las cintas de
verano. Fue el título que definió el concepto
blockbuster tal y como lo conoces hoy. Antes de
esto, Hollywood no habría visionado la
temporada como posible período de recaudación
en taquilla, pero la producción liderada por un
entonces imberbe Steven Spielberg acerca de un
tiburón que aterrorizaba las costas de Florida se
convirtió en un éxito de taquilla implacable y en
la clásica pesadilla de playa. La gente dejó de ir al
mar por unos meses para asistir a la sala
cinematográfica más cercana a su localidad, en
la cual creían estar a salvo de esa doble hilera de
colmillos. Ingenuos. Todos.
2. VASELINA (1978)
John Travolta y Olivia Newton-John
estelarizaron la versión cinematográfica del
musical de Broadway sobre los malentendidos y
las aventuras de un grupo de preparatorianos en
el Rydell High School. Aunque los protagonistas
estaban bastante ‘creciditos’ como para
interpretar pupilos de colegio (Newton-John
rondaba los treinta), la química ente los
personajes y las pegajosas canciones
convirtieron la cinta en un éxito rotundo ese
verano y en un clásico instantáneo,
transformando a Danny Zuko y a Sandy en
arquetipos favoritos de los estudiantes.

El póster y la película
mantuvieron a los
ingenuos
norteamericanos
lejos de las playas.
3. E.T. EL EXTRATERRESTRE (1982)
Clásico fundamental en cualquier lista
veraniega. Spielberg vuelve con un relato
sentimental sobre un niño sin padre (un
memorable Henry Thomas) que entabla una
particular relación con un alienígena en una
aventura emocionante y conmovedora que
continúa emocionando hoy. Esa imagen de Elliot
paseando al extraterrestre en una bicicleta por el
cielo, iluminados por la luna llena y
acompañados de la música de John Williams, es
simplemente difícil de superar.
4. TOP GUN, PASIÓN Y GLORIA
(1986)
Maverick, Goose y Iceman forman parte del
exclusivo grupo de jóvenes que se preparan para
defender a su país en el aire. Son “lo mejor de lo
mejor”. La cinta de aventuras se transformó en
un referente definitivo de la cultura pop de los
ochenta a pesar de tratarse de pura propaganda
militar norteamericana protagonizada por unos
nóveles Tom Cruise, Val Kilmer y Kelly McGillis.
Sin embargo, la fantasía juvenil superó la mera
comunicación nacionalista.
5. CASI FAMOSOS (2000)
Cameron Crowe prácticamente revisita su
adolescencia en este cuento situado en el mundo
de las giras de bandas de rock en la década de los
setenta. Nostálgica y divertida historia en donde
el imberbe William Miller (Patrick Fugit)
entrevista a los insubordinados Stillwater y se
enamora de Penny Lane. Esa secuencia en donde
el reparto canta a todo pulmón “Tiny Dancer”
dentro de un autobús es insuperable.
6. BATMAN (1989)
No puede haber un listado de verano sin una
película de El Hombre Murciélago. Elegimos la
de Tim Burton (perdón, Christopher Nolan) y es
que la excéntrica mezcla de Burton, Michael
Keaton, Jack Nicholson y la banda sonora de
Prince convirtió ese particular período en todo
un fenómeno cinematográfico. La visión
inquietante de Burton y esa abrumadora
caracterización de Keaton aún permea como
fantasma en la distintas versiones que se
realizaron posteriormente.
7. EL ORIGEN (2010)
Aquí está el lugar de Nolan. El realizador posee
una atractiva filmografía de la cual podemos
elegir un título casi al azar, pero es esta cinta la
que seleccionamos por su tono semiamargo.
Leonardo DiCaprio lidera un grupo de creadores
de sueños y pesadillas que deambulan con un
plan premeditado en el subconsciente de un
grupo colorido de personajes. Es emocionante y
triste, sin embargo Nolan regala al espectador un
rompecabezas que estimula a la audiencia como
no lo había hecho antes ninguna película
palomera de verano.
8. ALIENS (1988)
La secuela dirigida por James Cameron. Si la
original de Ridley Scott fue una cinta cerebral de
género situada en la profundidad del espacio,
esta segunda parte resultó un palpitante viaje
por la montaña rusa en donde Sigourney Weaver
nos regala su mítica interpretación de la sargento
Ripley (empoderamiento femenino en los
ochenta). Correspondiente al comienzo de la era
de los videojuegos, Aliens no es más que un
emocionante recorrido que incluye una
explosión nuclear.
9. 500 DÍAS CON ELLA (2009)
Azotémonos todos con un poco de romance no
correspondido... ¿o sí correspondido? Zooey
Deschanel le rompe el corazón a Joseph
Gordon-Levitt en esta tragicomedia moderna, la
cual nos colocó en esa peculiar circunstancia del
primer amor frustrado. El carisma de los
protagonistas y la desfachatez del realizador
Marc Webb la convierten en un título de verano
elemental para los enamorados. ¿Quién puede
olvidar a Gordon-Levitt bailar a ritmo de The
Smiths en honor a su novia?
10. LA GUERRA DE LAS GALAXIAS
(1977)
Aquí soy subjetivo. Fui de los niños que vieron la
original hasta diez veces en una sala
cinematográfica. Simplemente se convirtió en mi
pasatiempo favorito ese inolvidable verano.
Intercambiaba a mis padres mi ‘domingo’ por
una entrada más al cine. Mi obsesión no tenía fin.
George Lucas había creado una de las ficciones
imprescindibles de la cultura pop con tal fuerza
que la mitología sigue atrapando a las nuevas
generaciones. No hay nada más que añadir en
este renglón.
EDITORS’
CHOICE
EMPIRE te dice qué ver
ANÓTALAS PARA ESTE MES
1 A PERFECT DAY
DISPONIBLE EN NETFLIX
¿De qué se trata?
Un equipo de la ONU repara algunos
disparates de la guerra, como sacar un
cadáver de un pozo antes de que
envenene el agua. La búsqueda de una
soga nos lleva por un emotivo paseo
por los corazones de los protagonistas.
¿Por qué la recomendamos?
La visión del director Fernando León de
Aranoa hace de este ilme un evento
bellísimo. Benicio del Toro nunca estuvo
más simpático, mientras que Tim
Robbins y Olga Kurylenko tienen una
actuación más sosegada, dejan que los
momentos vivan para comunicarnos
una idea que nos deja con una sonrisa y
tibio el corazón.
2 DESPUÉS DE LA BODA
DISPONIBLE EN DVD
¿De qué trata?
Jacob (Mads Mikkelsen) es un danés al
frente de un orfanato en la India. Un
empresario compatriota le ofrece un
gran donativo a cambio de que lo visite
en su país natal. En el viaje, Jacob se
debate entre regresar a Bombay, donde
además está su hijo adoptivo, o
quedarse en Dinamarca para resolver
una parte crucial de su pasado.
¿Por qué la recomendamos?
Si el drama intenso que atraviesa Jacob
lo hubiera retratado Hollywood, litros de
lágrimas y un suicido habrían aparecido.
Por fortuna, las riendas de la película las
tuvo Susanne Bier, quien optó por
delinear un personaje más humano y
con adversidades que, por lo mismo,
realmente sacuden.
33%
DISPONIBLE EN NETFLIX
¿De qué trata?
En un futuro próximo, un grupo de
jóvenes debe realizar un proceso de
selección para así poder acceder a una
mejor posición social.
¿Por qué la recomendamos?
¿Eres fan del sci-i y Black Mirror te dejó
prendido? Dale chance a 3 %, una serie
brasileña cuya intención es mostrar el
uso irracional de la tecnología y generar
un cuestionamiento social que no pierde
en estética ni en su atmósfera latina.
JUNIO 2017 149
 ESPECIAL
RESIDENT EVIL

MY MOVIE 1 ¿Puedes nombrar a todas las actrices que

han interpretado a la Red Queen?
PAUL: Han sido muchas. A veces usábamos la
cara de alguien más y luego le poníamos voz. La
mejor, por mucho, es Ever Gabo Anderson [la
hija de Anderson y Jovovich, quien aparece en

MASTERMIND
The Final Chapter], porque ella sí interpretó la
parte e hizo todos los diálogos.
Medio punto. La respuesta correcta es
Michaela Dicker, Megan Charpentier, Ave
Merson-O’Brian y Ever Gabo Anderson, su
hija ya mencionada.
MILLA: ¡Ever Gabo Anderson [ríe]! No tengo
idea. Yo sólo conocí a dos en la vida real.

PAUL W.S. ANDERSON Medio punto.

Y MILLA JOVOVICH 2 ¿Cuál Resident Evil ha ganado más en

Ahora que concluyó la serie, ¿la parejita de actriz/
director, esposo/esposa irá tras las S.T.A.R.S.?
POR CHRIS HEWITT
taquilla a nivel mundial?
PAUL: The Final Chapter, con unos 320 millones
hasta ahora. Habría ganado más si no fuera por el
dólar. Estúpido euro.
Correcto.
MILLA: ¿La número cuatro? ¿La cinco? ¡No
pensé en decir que ésta [ríe]! Voy muy mal.
Incorrecto.

150 JUNIO 2017


3 ¿Cuáles son las primeras palabras que
dice Alice en Resident Evil?
PAUL: “Hola”. Construimos un set para la ducha
donde Alice despierta desnuda. Era un set
cerrado, así que estaba el equipo técnico mínimo
para que Milla se sintiera más cómoda. Nunca vi
a tantos electricistas cargando un foco.
Correcto.
MILLA: ¡Oh, no lo recuerdo [ríe]! Estoy
caminando por la mansión… ¡HOLA [ríe]! ¡Ése
fue el primer diálogo! Muy adecuado. “¡Hola!”.
No puedes escribir ese tipo de diálogo, mira que
te lo digo yo.
Correcto.
4 ¿Cuáles son las últimas palabras de Alice
en The Final Chapter?
PAUL: “Mi nombre es Alice”. Se sentía una
manera apropiada de terminar. Jugamos con
muchos finales diferentes para la película. En
uno de los guiones de hecho maté a Alice al final
y era emotivo, pero muy deprimente. En otra
versión hizo una sonrisa torcida mirando atrás y
escribí el final alrededor de ese gesto.
Correcto.
MILLA: ¡Dios mío! “¿Todavía tengo cosas por
hacer?”. Tuve que memorizar tanto diálogo que
sale de la película que siempre tengo una plétora
de cosas que no puedo recordar.
Incorrecto.
5 ¿Quién muere así? Un hombre conduce un
camión a una muchedumbre de zombis,
enciende un cigarro y los hace explotar —y a
sí mismo— con una bomba.
PAUL: Es Oded Fehr interpretando a Carlos
Oliveira. Queríamos que tuviera un final heróico.
Correcto.
MILLA: ¡Carlos Oliviera en Extinction!
Correcto.
6 Hacia el final de Resident Evil: Apocalypse,
asesinan a Alice. ¿Cómo?
PAUL: Un accidente de helicóptero. Está en un
helicóptero que se accidenta por la explosión de
la bomba que destruye a Ciudad Raccoon. Está
quemada y llena de costras.
Medio punto.
MILLA: La mata un aspa de helicóptero. Y luego
la resucitan. Era un invierno difícil en Toronto y
estábamos filmando la secuencia a las tres de la
mañana, y no hay nada agradable de estar en
exterior, vestida en ropa de acción muy corta y
cubierta con jarabe de maíz.
Medio punto. La respuesta correcta es que la
mata una combinación de un accidente de
helicóptero y empalamiento en un poste.
7 ¿A quién interpreta Ray Olubowale?
PAUL: ¿Era uno de los Axemen? Ray era un
tipo encantador. Un boxeador. Correcto.
MILLA: ¡El Axeman! Yo lo llamaba “el no
muerto Martha Stewart” porque tenía un mandil
cosido con piel humana.
Correcto.
8 Completa la secuencia: Ciudad Raccoon.
Detroit. Tokio/Nevada. Mar abierto.
Nueva York.
PAUL: [Pausa prolongada] Es el final de las
películas. Ciudad Raccoon es Milla con una
escopeta. Detroit es la segunda cinta, así que el
final de Retribution es… Washington, DC. Dios,
eso fue difícil.
Correcto.
MILLA: ¡Washington! Estaba viendo las
películas en sentido contrario en mi cabeza.
Comencé con el principio de esta película y me
pregunté dónde estaba yo al principio de ella.
Sólo he visto las películas una vez.
Correcto.
9 ¿En cuántas Resident Evil apareció Jill
Valentine?
PAUL: Estuvo en la segunda. Estuvo en el final
de la cuarta, en la secuencia posterior a los
créditos. Y también en la quinta, así que diré que
en tres.
Correcto.
MILLA: Tres. Creo que tres es el límite que
mantuvimos con los mismos actores. ¡No
podemos darnos el lujo de traer a alguien más de
regreso!
Correcto.
10 ¿En qué fime Alice mata zombis con una
escopeta cargada con monedas?
PAUL: Afterlife. No lo intenten en casa.
Correcto.
MILLA: Cuatro. Todas esas escopetas pesaban
muchísimo. Mis armas favoritas eran los kukris
[cuchillos nepaleses]. Era divertido cortar y
rebanar con ellos. En el set de la tercera me
llamaban La Cuisinarte.
Correcto.
PAUL W.S. ANDERSON OBTIENE 9
“Creo que me va a ir muy mal si le gano a Milla”.
MILLA JOVOVICH OBTIENE 7
“¿Ves? Siempre estoy medio paso atrás. Pero eso es
bueno. ¡No querrías casarte con un hombre que
vaya medio paso detrás de ti!”.
RESIDENT EVIL: THE COMPLETE COLLECTION ESTARÁ
DISPONIBLE EN DVD, BLU-RAY Y PARA DESCARGA EL
12 DE JUNIO.
JUNIO 2017 151
 LA ESCENA CLÁSICA DE EMPIRE
EL LABERINTO DEL FAUNO
POR ANAID RAMÍREZ
“Más que quedarse en mi gusto y memoria —
la vi el 25 de noviembre de 2006—, El laberinto
del fauno me marcó como ninguna película
antes lo había hecho antes.
Ese día visité a mi abuela. Igual que la
madre de la protagonista de la cinta (la niña
Ofelia de Ivana Baquero), ella estaba sujeta
a la cama por causa de una enfermedad,
por lo que Guillermo del Toro provocó que
deseara encontrar una mandrágora para
ponerla en una bandeja con leche y
colocarla debajo de su colchón.
La mandrágora abajo de la cama no fue lo
único que echó raíz en mis pensamientos esa
noche. La obra de del Toro se clavó en mí por
las heridas explícitas de sus personajes, como
cuando le cortan la pierna a un miembro de la
guerrilla o cuando Mercedes (Maribel Verdú) le
dibuja a fuerza la sonrisa al capitán Vidal
(Sergi López) con una navaja. Why so serious?
El director hiló escenas memorables, una
tras otra, en su cinta de fantasía y con crítica
al Franquismo, pero ¿hay alguna que supere a
la de la criatura de ojos en la mano? En la
segunda misión encomendada por el fauno,
Ofelia llega a una especie de sótano donde
dormita una criatura y hay una mesa con un
banquete del que, le advierte de manera
enfática el fauno, no debe tomar
“absolutamente nada”.
152 JUNIO 2017
Luego de conseguir la daga solicitada, la
niña se deja seducir por los manjares de la
mesa. La tentación le gana, el monstruo se
levanta y va tras ella, aunque son las amigas
hadas de Ofelia quienes pagan las
consecuencias. Y la adrenalina aumenta: el
portal que la llevó hasta ese sitio está por
cerrarse para siempre.
El tiempo se le agota a la pequeña, a su
madre embarazada, a la dictadura de Franco,
a la película... y a mi abuela, que ya no alcanzó
a recibir la ayuda de ninguna mandrágora y
decidió que al día siguiente visitaría el reino de
INTERIOR. UN PASILLO ILUMINADO QUE DA
HACIA UN SALÓN CON UN BANQUETE.
El portal se abrió. Ofelia utiliza una silla de su
habitación como escalera para descender al lugar
y empieza a caminar mientras el reloj de arena
avanza implacablemente.
En el centro de la habitación hay una mesa
enorme con platillos suculentos y frutas exóticas.
En el otro extremo está un humanoide pálido.
Delante de él hay un plato con un par de ojos.
Ofelia mira el montículo de zapatos de niño que
están a un costado y descubre en una de las
paredes los tres nichos que le indicó el Fauno.
Ofelia camina hacia ellos y saca una llave dorada.
Intenta decidir cuál de las puertas abrir.
OFELIA: (Duda) No (cambia de decisión y dirige
la llave a otra puerta), es ésta (abre la puerta del
niño y saca de él una daga).
Toma al reloj de arena que está a menos de la
mitad. Ofelia camina y sigue con la mirada a una
de las hadas, pero su atención termina en unos
frutos de la mesa. Los come.
El hombre pálido empieza a moverse. Coloca los
ojos del plato en las palmas de sus manos y
comienza a caminar hacia ella. Dos de las tres
hadas caen en las manos del monstruo y éste les
arranca la cabeza, una por una, con una mordida.
Ofelia intenta correr y queda muy poca arena en
el reloj, vemos caer los últimos granos y la puerta
se cierra. La niña ve al monstruo cerca. Sube a lo
más alto del respaldo de la silla y, con un pedazo
de gis, intenta trazar otra puerta en el techo pero
la tiza se rompe.
La criatura de los ojos en las manos se acerca a
ella. Ofelia logra abrir otra puerta y apenas
alcanza a trepar antes de que la silla se caiga y el
monstruo se acerque al portal.